Notion vaste, vague, ambigüe, le surnaturel est un thème très présent dans les écrits de Daniel Defoe. Il est mis en question, voire évacué par la raison au siècle des Lumières. Defoe quant à lui, adopte une argumentation empirique pour défendre l’existence du surnaturel contre l’athéisme. A travers les sens, les composantes de son monde surnaturel comme peste, tempête, fantôme, Dieu et diable se manifestent. Cette écriture sensible le rend crédible. Le surnaturel apparaît aussi à travers les personnages. Leur relationnel est parfois caractérisé par la diabolisation de l’autre. Durant leur parcours, les héros vivent un déchirement entre le bien et le mal, entre Dieu et diable. Defoe souligne à travers son exploration de leur psychologie un surnaturel trompeur produit de la mélancolie, de la folie. Mais le surnaturel est aussi un ingrédient littéraire attrayant qui répond à une réalité du marché du livre. Defoe utilise l’autobiographie s’alliant l’éditeur et le lecteur pour tisser le vraisemblable et conférer crédibilité au surnaturel. Le romancier fait du temps et de l’espace un vecteur d’évaluation face au surnaturel mais ils ancrent aussi le monde invisible dans le réel. L’usage des sens permet de créer une esthétique du surnaturel qui révèle des émotions proches de « l’âme sensible ». De plus, la diversité des styles d’écriture complique la tâche de l’identification générique quant au surnaturel. Celui-ci se positionne ainsi entre l’apologétique qui le présente sous des aspects vraisemblables et le romanesque qui l’introduit dans une esthétique de l’étrange. Cette ambivalence fait de Defoe un précurseur, dont la postérité met en relief le modernisme. / A vast, vague and an ambiguous notion, the supernatural is an omnipresent theme in the writings of Daniel Defoe. The supernatural is questioned and even erased by reason in the age of the Enlightenment. Defoe adopts an empirical argumentation to defend the existence of the supernatural against atheism. He reveals the elements of his supernatural world such as the plague, storm, ghost, God and devil through the senses. Defoe’s writing style based on senses makes the supernatural credible. The supernatural is also made manifest through characters. Their relationship is sometimes characterized by the demonization of one another. Besides, during their life, characters balance between good and evil, between God and devil. Through the exploration of their psychology, Defoe shows an imaginary supernatural, a product of melancholy and madness. The supernatural is also an attractive literary ingredient which answers to a book trade reality. Defoe uses the form of autobiography making the editor and the reader his allies to build up the plausibility of his work and make the supernatural credible. Time and space are employed by the novelist as means, of self-evaluation for his characters vis-à-vis of the supernatural; at the same time, they anchor the invisible in reality. The use of senses helps to create an aesthetic style of the supernatural which reveals emotions close to “Sensitive Soul”. Furthermore, the diverse styles make it difficult to define the literary genre of the supernatural. It is half-way between the apologetic which presents it as plausible and the fictional which introduces it in an aesthetic style of the strange. This ambivalence makes Defoe a pioneer of the novel whose posterity highlights his modernism.

À travers l'analyse d'une vingtaine de documentaires et fictions parmi les plus inventifs ayant été réalisés au Brésil entre 2005 et 2017, nous formulons l'hypothèse que les enjeux du territoire urbain sont un élément structurant de cette cinématographie nationale. Les questions relevant de l'habiter y apparaissent effectivement comme le point de convergence entre engagement social et création esthétique. En considérant des problématiques spatiales dans leur dimension politique, la notion de territoire participe à l'élaboration d'un prisme analytique forgé à partir des spécificités cinématographiques des œuvres. Celles-ci nous permettent de distinguer différentes tendances du cinéma brésilien contemporain, sans pour autant effacer la particularité stylistique de chacun des cinéastes abordés. / This study of 20 of the most inventive Brazilian fiction and documentary films produced between 2005 and 2017 reveals how they share central concerns related to the urban environment. The act of inhabiting becomes a point of convergence between social activism and artistic ambition in these films. The notion of territory, which adds a political dimension to the conception of space, is key to this analysis of recent Brazilian cinema, which seeks to identify trends in the works examined without ignoring the filmmakers’ individual styles.

La présente étude analyse les lignes de force et les structures thématiques d´une écriture hybride, conçue comme un réseau organisé de motifs récurrents et d´images obsédantes. Elle recense les traits pertinents de l´esthétique romanesque d´António Lobo Antunes. Cette esthétique se conçoit comme le lieu d´un travail linguistique préalable à la subversion de l´héritage idéologique et narratif du centre impérial, grâce à des procédés s´inspirant, entre autres, de la carnavalisation bakhtinienne. La thématique se conjugue ici à la psychanalyse pour aboutir au dévoilement d´un projet poétique postcolonial privilégiant les voix discordantes et les discours déviants des aliénés et des sans voix. / This study provides an analysis of the main thematic structures involved in a hybrid writing conceived as an organized network of recurring motifs and haunting images. It identifies relevant features of the aesthetics of António Lobo Antunes. The writer´s poetics is the place where the Portuguese language is subverted prior to .changes in the narrative and ideological colonial inheritance. Those disruptions are inspired, among other theories, by the Bakhtinian carnivalization. The thematics is combined in the study with psychoanalysis to unveil a postcolonial literary project which aims at highlighting conflicting views from alienated and voiceless people

Entre la tradition de l'écriture et celle de l'oralité, l'écrit administratif, à Abidjan , est un écrit entre deux. Il se situe entre deux cultures que véhiculent une langue officielle au statut légitimé par la constitution et des langues locales issues de quatre groupes linguistiques et qui, bien que non enseignées, sont couramment pratiquées par les populations. Dans une telle situation de diglossie et contrairement aux pratiques orales en français qui , en Afrique francophone, mettent en relief une appropriation du français par des phénomènes d'interférences lexicales, syntaxiques et des adjonctions ou des troncations, l'écrit administratif apparaît comme un document correctement écrit des points de vue syntaxique et lexical. Cependant, comme dans toute rencontre, le contact des langues en présence influe sur le comportement langagier des locuteurs. Dans le cadre de l'écrit administratif, les locuteurs prennent appui sur les dispositifs langagiers oraux, mieux connus et mieux maîtrisés, pour construire leurs écrits. Ce dispositif, marqué essentiellement par une éthique de l'altérité qui fait de la parole un art, est source d'étrangeté du fait de son éloignement des normes conventionnelles de l'écrit administratif. Cette étrangeté qui n'est que la manifestation de l'étranger dans sa pratique du français administratif, révèle une esthétique discursive particulière. Ainsi, l'expression de l'identité linguistique, l'écrit administratif est également à percevoir comme le lieu d'une interculturalité et le locuteur un passeur favorisant le lien nécessaire entre les peuples et les cultures. / Between the tradition of the writing and that of the orality, the formal writing, in Abidjan, is a writing between two. It is located between two cultures that convey an official language to the status legitimated by the constitution and the local languages from four linguistic groups and which , althought not taught, are commonly practiced by the populations. In such a situation diglossia and contrary to practices in french, wich oral, in francophone Africa, highlight a ownership of the French language by the phenomenon of interference lexical, syntactic and additions or truncations, formal writing appears as a document properly written of points of view syntactic and lexical. However, as in any meeting, the contact of the languages affects the behaviour of language speakers. In the framework of the formal writing, speakers take support on the oral devices, better known and better controlled, to build their writing. This device, characterized by an ethic of otherness which makes the talk an art, is a source of strangeness because of its expulsionof standards of the administrative writing. This strangeness reveals an aesthetic discursive particular. Thus, expression of the linguistic identity, administrative writing is also to perceive as the place of interculturality and, the speaker, a boatman favouring the necessary link between people and cultures.

Résumé en français : Ce projet s’intéresse à la fois aux œuvres et à la théorie de l’écrivain-artiste Tom McCarthy, précisément en analysant ses livres Remainder (2005), Men in Space (2007), C (2010), et Satin Island (2015), ainsi que ses œuvres théoriques, Tintin and the Secret of Literature (2006) et Typewriters, Bombs, Jellyfish : Essays (2017). Son rapport avec certains styles littéraires d’avant-garde et de modernisme a provoqué des analyses qui l’ont rendu explicit à travers les accueils critiques au sein de et en dehors du monde universitaire, et également a travers ses propres œuvres de théorie. Toutefois, cette analyse de McCarthy prend comme point de vue l’angle de Jean Baudrillard et son regard postmoderne et critique culturel. On a suggéré que les œuvres de McCarthy rejettent le sujet traditionnel du roman moderne et de ce fait éviter les résolutions de l’ordre idéologique ou structurelle, ce qui permet l’émergence de nouvelles façons subjectives. C’est l’affirmation de ce travail que l’éthique et l’esthétique du choix de McCarthy, le refus et l’absence du sujet, sont en fait des expressions d’une positivité et passivité relevant de leurs origines d’une idéologie qui est purement bourgeoise. La première partie s’engage à explorer les conditions du temps, de l’espace, et du destin individuel dans les romans, afin de les lier aux conditions postmodernes. Ces conditions-ci facilitent l’analyse, dans la deuxième partie de ce mémoire, d’une série des styles littéraires et « formalisms », ce qui simule la présence d’un sujet « absent » dans les romans. Avec un regard visé sur la notion de Symbolisme, de l’« a-signification » et de la mélancolie en tant que repère littéraire d’une subjectivité absente, cette deuxième partie élabore l’esthétique de l’absence (d’un perspectif linguistique et technologique), développant l’essentiel de la notion d’une présence simulée. La troisième partie réunit, a travers l’ironie et le personnage mythique du farceur, les conditions et l’esthétique de ce sujet absent sous la formed’une vision d’éthique cyclique, plutôt qu’infini ou discriminatoire, et c’est cette éthique qui produit à la fois la capacite d’un défi mortel et le plaisir de la conformité en même temps.Mots-clés en français : Tom McCarthy, roman, Baudrillard, éthique, esthétique, communication de masse, le postmoderne, absence / Résumé en anglais : This study engages with the novels and theory of the English author and artist Tom McCarthy, specifically the novels Remainder (2005), Men in Space (2007), C (2010) and Satin Island (2015), as well as his works of theory, Tintin and the Secret of Literature (2006) and Typewriters, Bombs, Jellyfish: Essays (2017). McCarthy’s literary connection to certain brands of avant-garde modernism has been analysed and made explicit both through their critical reception inside and outside of academia, and through McCarthy’s own works of theory. However, in this study McCarthy’s literary oeuvre is engaged with through the lens of Jean Baudrillard’s particular brand of postmodernity and cultural criticism. It has been suggested that McCarthy’s novels reject the traditional subject of the modern novel, and as such avoid turning to ideological or structural resolutions, leaving open the space for new modes of subjectivity to emerge. It is the contention of this study that the ethics and aesthetics of this refusal and absence are in fact expressions of a specifically bourgeois ideological positivity and passivity. The first section serves to approach the conditions of time, space and individual destiny in the novels, relating these to the conditions of postmodernity. These conditions serve to foster, in the second section of the study, a series of literary modes and formalisms that simulate the presence of the ‘absent subject’ in the novels. Looking specifically at Symbolism, a-signification and melancholy as literary markers of an absent subjectivity, this second section elaborates on the aesthetics of absence (linguistic and technological) that are essential to this mode of simulated presence. The third section brings together, through the figure of irony and the mythic trickster figure, the conditions and aesthetics of this absent subject in the form of a mode of ethics that is cyclical, as opposed to infinite or discriminatory, and which produces both the capacity for fatal challenge and the pleasure of conformity at once.Mots-clés en anglais: Tom McCarthy, the novel, Baudrillard, ethics, aesthetics, mass communication, postmodernity, absence.

La présente thèse se propose de faire une lecture esthétique du politique dans le cinéma de Jean-Luc Godard de 1969 à 2014, en essayant de démontrer que l'esthétique du politique dans son cinéma s'exprime par un renouveau de la pensée dialectique de l'image.Cette conception de la dialectique godardienne de l'image est influencée par la philosophie althussérienne des « Appareils idéologiques d'Etat » et constitue un profond renouvellement des concepts hégéliens et marxistes de la dialectique, au sens où la dialectique godardienne de l'image est une dialectique sans synthèse, qui se caractérise par une pensée du troisième plan développé à partir du rapprochement inédit de deux images, qui entretiennent un rapport à la fois « lointain et juste » sur le mode de la métaphore surréaliste et du collage.La période du Groupe Dziga Vertov représente chez Godard un foyer de réflexions esthétiques et politiques, ainsi que d'expérimentation, où il met en place véritablement cette pensée politique et dialectique de l'image, qu'il va ensuite approfondir dans les autres périodes : initiation de la dialectique entre image et son dans la période du Groupe Dziga Vertov ; dialectique entre image et langage influencée par les systèmes de la télévision et de la publicité, dialectique de la technique vidéo et du cinéma dans la période Sonimage, images dialectisées dans l'esthétique de la relève et la pensée du contre-champ et du hors-champ dans les Histoire(s) du cinéma, esthétique dialectique de la mise en ruine dans l'exposition Voyage(s) en Utopie, esthétique dialectique du désastre dans Adieu au langage et Trois désastres..Ces différentes esthétiques dialectiques de l'image se retrouvent d'une période à l'autre, si bien que ces périodes entretiennent des rapports d'interaction différentielle sur le mode de la dialectique godardienne.Du reste la pensée dialectique godardienne nous conduit à dépasser l'approche traditionnelle que les études universitaires ont des rapports entre les différentes périodes de l'œuvre de Jean-Luc Godard – période du Groupe Dziga Vertov (1969-1972), période du Groupe Sonimage (1972-1979), période des Histoire(s) du cinéma, période Péripheria, période de la collaboration avec Fabrice Aragno et Nicole Brenez… –, conçus en termes soit de rupture, soit de continuité. En réalité, de 1969 à 2014, tout se passe comme si la filmographie de Jean-Luc Godard progressait de façon dialectique et hélicoïdale à la manière de la philosophie de l'histoire de Giambattista Vico, fondée sur des moments de ruptures et de continuités, et faisant de l'esthétique du politique, une esthétique de la complexité, qui repose sur une série d'« images-pensées » et une pensée dialectique et rhizômatique ouverte.La pensée esthétique et politique de Godard est comprise dans cette tension dialectique entre un mouvement vers l'avant et un regard rétrospectif ouvrant le champ des possibles d’un véritable socialisme cinématographique / The present thesis proposes to make an aesthetic reading of politics in Jean-Luc Godard's cinema from 1969 to 2014, by trying to demonstrate that the aesthetics of politics in his cinema is expressed by a renewal of the dialectical thought of the image. This conception of the Godardian dialectic of the image is influenced by the Althusserian philosophy of the "ideological apparatuses of state" and constitutes a profound renewal of the Hegelian and Marxist concepts of dialectics applied to the cinematographic paradigm, in the sense that the godardian dialectic of the image is a dialectic without synthesis, which is characterized by a thought of the third shot developed from the unusual rapprochement of two images that maintains a relationship both « far and right » in the mode of surrealist aesthetics of metaphor and collage.The period of the Dziga Vertov Group represents in Godard’s filmography a space of aesthetic and political reflections, as well as of experimentation, where it really sets up this political and dialectical thought of the image, which it will then deepen in the other periods: initiation of the dialectic between image and sound in the period of the Dziga Vertov Group; dialectic between image and language influenced by the television and advertising systems, dialectic of video technique and cinema in the Sonimage period, images dialectised and political thought of the reverse shot and off-screen in the History (s) of cinema, dialectical aesthetics of ruining in the exhibition Voyage (s) in Utopia, dialectical aesthetics of disaster in Farewell to language and Three disasters …These different dialectical aesthetics of the image are found from one period to another, so that these periods maintain relations of differential interaction on the mode of Godardian dialectic. Moreover, Godard's dialectical thought leads us to question the traditional approach that the university studies have to the relations between the different periods of the work of Jean-Luc Godard (period of the Dziga Vertov Group (1969-1972), period of the Sonimage group (1972-1979), period of the History (s) of the cinema, period Peripheria, period of the collaboration with Fabrice Aragno and Nicole Brenez ...), conceived either in terms of rupture or continuity.In reality, from 1969 to 2014, everything happens as if the filmography of Jean-Luc Godard progressed dialectically and helically in the manner of the philosophy of history of Giambattista Vico, defined by moments of rupture and continuity and making the aesthetics of politics an aesthetics of complexity, based on a series of "thought-images" and an open dialectical and rhizomatic thought.Godard's aesthetic and political thought is included in this dialectical tension between a forward movement and a retrospective gaze opening the field of possibilities of a true cinematographic socialism.

La peinture de Rubens est hantée par la mythologie, et parmi les légendes les plus récurrentes figurent celles qui mêlent l'œil au désir, à la jouissance. Alors la peinture propose au spectateur, avec la puissance de l'esthétique baroque et les reliquats de la renaissance italienne, une image qui relève de la pulsion scopique, c'est-à-dire une image forte et séductrice, dans laquelle le regard du peintre et celui du spectateur sont habilement mis en abîme par les récits, et absorbés par les dispositifs picturaux. Les regards, dont il est question dans le mythe comme face au tableau, se posent toujours sur des corps nus ou interdits, comme attirés sans pouvoir résister à l'appel érotique. Et cet appel érotique du corps joue dans les sphères baroques, oscillant toujours entre la jouissance de voir l'interdit et le prix à payer pour cette transgression cannibale. Tous les tableaux mythologiques de Rubens parlent de cette ambivalence du regard: Narcisse, Vénus, Méduse, Orphée, Psyché, Actéon entre autres, métaphorisent la pulsion scopique dans ses différentes modalités, pulsion ressentie par tout être fait de chair et de sang dont font partie, bien sûr, Rubens et le spectateur de son œuvre. C'est le principe de sa peinture: montrer, voiler, métamorphoser et susciter la curiosité érotico-esthétique. Alors les pôles du baroque se définissent entre Eros et Thanatos, entre pulsion de vie et de mort: tout concourt à exalter la puissance du regard désirant, la force érotique et picturale d'un corps, ses effluves funèbres ou lumineux, à l'image d'Apollon et Dionysos. L'analyse esthétique de ces questions se fait sous l'éclairage de l'observation plastique des toiles de Rubens, de l'apport littéraire, poétique, psychanalytique, sous le regard d'auteurs, d'artistes classiques et contemporains qui portent ou préfigurent les traces subtiles de la peinture scopique de Rubens.

Entre la tradition de l'écriture et celle de l'oralité, l'écrit administratif, à Abidjan , est un écrit entre deux. Il se situe entre deux cultures que véhiculent une langue officielle au statut légitimé par la constitution et des langues locales issues de quatre groupes linguistiques et qui, bien que non enseignées, sont couramment pratiquées par les populations. Dans une telle situation de diglossie et contrairement aux pratiques orales en français qui , en Afrique francophone, mettent en relief une appropriation du français par des phénomènes d'interférences lexicales, syntaxiques et des adjonctions ou des troncations, l'écrit administratif apparaît comme un document correctement écrit des points de vue syntaxique et lexical. Cependant, comme dans toute rencontre, le contact des langues en présence influe sur le comportement langagier des locuteurs. Dans le cadre de l'écrit administratif, les locuteurs prennent appui sur les dispositifs langagiers oraux, mieux connus et mieux maîtrisés, pour construire leurs écrits. Ce dispositif, marqué essentiellement par une éthique de l'altérité qui fait de la parole un art, est source d'étrangeté du fait de son éloignement des normes conventionnelles de l'écrit administratif. Cette étrangeté qui n'est que la manifestation de l'étranger dans sa pratique du français administratif, révèle une esthétique discursive particulière. Ainsi, l'expression de l'identité linguistique, l'écrit administratif est également à percevoir comme le lieu d'une interculturalité et le locuteur un passeur favorisant le lien nécessaire entre les peuples et les cultures.

La puissance omniprésente du langage jelinekien est souvent le point principal dans l'interprétation de son oeuvre dramatique. Cependant, le théâtre naît de la confrontation entre différents canaux. Une lecture chronologique des pièces d'Elfriede Jelinek permet de voir comment la radicalisation de son esthétique théâtrale correspond à un changement de cible dans sa logique déconstructive: de la critique du monde théâtralà la critique des médias de masse. Le but de cet ouvrage de recherche est de considérer la pièce de théâtre seulement comme un texte ou une représentation, mais comme un projet artistique, un processus fait de différentes étapes, de la production d'un texte auctorial immanent et d'un message aux différentes interprétations scéniques qui peuvent jeillir de ce premier matériau brut. Cette analyse entrelace ainsi différentes disciplines: littérature, arts scéniques, mais aussi philosophie des médias, car les médias se comprennent comme un base structurelle de notre société postmoderne. Le choix d'une méthode décloisonnée, càd postmoderniste, permet de faire écho aux méthodes de travail postmodernistes d'Elfriede Jelinek.

Cette Thèse d‟Art et de Sciences de l‟Art place l‟Art au cœur de la recherche sociétale et politique d‟une citoyenneté en Nouvelle-Calédonie. En effet, elle postule que l‟Art, observé et expérimenté dans des intermédialités de terrains hétéroclites, sert d‟interface à une citoyenneté interculturelle. En ce sens, cette Thèse est une recherche création qui pour vérifier son postulat, s‟est articulée autour de trois concepts compris d‟un point de vue sud-sud : l‟identité, la représentation identitaire et la reconnaissance identitaire. Pour structurer ses expérimentations, cette recherche création s‟est appuyée sur trois points artistiques et culturels sur lesquels l‟accord de Nouméa insiste particulièrement. Ils sont : -la protection du patrimoine et sa mise en valeur, -les enseignements et les pratiques artistiques et -la création, la diffusion artistique et la circulation des œuvres. Ils ont donné lieu à six expérimentations qui permettent à cette recherche création de révéler un fait océanien et la culture interstitielle présentes en Nouvelle-Calédonie. La création de ces six interfaces a également permis, de manière imagée, la mise en place de ponts interculturels. Ponts interculturels à partir desquels cette thèse a cherché à construire une société plus harmonieuse, en l‟occurrence une démocratie qui accepte la pluralité comme un répertoire de codes nouveaux pour construire un lieu où il fait bon vivre : une Kaleutopia.