L’œuvre de Michel Henry introduit l’idée d’une phénoménologie non-intentionnelle, fondée sur le concept d’auto-affection comme mode de la phénoménalité plus fondamental que l’intentionalité qui révèle le monde, le visible. La vie est l’être qui se révèle à soi dans l’immanence de l’auto-affection, dans l’invisible. C’est sur ce dualisme onto-phénoménologique que repose l’esthétique que Henry développe dans Voir l’invisible. Il y définit l’art comme accomplissement de la vie, c’est-à-dire comme Rappel pathétique de la vie. L’art est donc conçu, selon le paradoxe qu’énonce le titre de l’ouvrage, comme une manifestation de l’invisible dans le monde visible. L’art, pour Michel Henry ne vaut donc pas en tant qu’il révèle le « phénomène phénoménologique », mais en tant que, ce faisant, il accomplit la vie : il n’est pas contemplation, mais action. Il constitue l’accomplissement pratique d’une éthique de la vie. Cependant, la définition de la vie comme auto-affection, et l’affirmation fondamentale selon laquelle l’art constitue l’accomplissement de celle-ci, expose l’entreprise de Henry à un certain nombre de difficultés : sous-détermination de l’art, impossibilité de rendre compte d’une réalité objective de l’œuvre d’art, exclusion de la littérature hors du champ de l’esthétique. La décision d’édifier une esthétique fidèle à l’affirmation fondamentale de Henry, qui soit aussi un discours capable de rendre compte au plus près des pratiques artistiques dans leur diversité, et leur réalité concrète, conduit ici à interroger les fondements théoriques de l’esthétique henrienne : ses conceptions de la transcendance et de la subjectivité. La réinterprétation de l’impression comme intentionnalité fondamentale, et du sens de l’auto-affection comme plurivoque vise ainsi à préciser la définition de l’art comme Rappel, d’une manière assez concrète pour en édifier une théorie générale, qui permette de le concevoir dans ses déterminations concrètes, et comme moment de la culture.Mots-clés : Michel Henry, Art, Esthétique, Phénoménologie, Intentionnalité, Affectivité, Auto-affection, Subjectivité, Invisible. / Michel Henry’s work has brought about the idea of a non-intentional phenomenology, based on the analysis of self-affection, as a phenomenological process allegedly more fundamental than intentionality. Whereas the latter reveals the visibility of the world, self-affection reveals, for its part, the invisibility of affective life. The theory of aesthetics that Henry develops in Voir l’invisible is based on this onto-phenomenological dualism. In this book, Henry defines art as the accomplishment of life, as its pathetical « emotional Recall ». Consequently, art is conceived accordingly to the paradoxical statement implied in the title of his book, since “voir l’invisible” means seeing what is invisible. So, to Henry’s opinion, art doesn’t bring forth the ‘phenomenological phenomenon’, but is the practical fulfilment of the ethics of life. Nevertheless, determining life as the invisibility of self-affection, and art as the accomplishment of life, urges him to face a certain number of difficulties : what about the risk of underestimating the complex structure of the work of art ? What about its actual reality ? And how is one supposed to understand, in such an aesthetical context, the possibility and structure of literature ? The purpose of settling a new theoretical basis for aesthetics, grounded on Michel Henry’s fundamental concept of the “Recall”, but at the same time able to solve these problems, and to actually take into account the wide variety of art practices, leads to investigate here the ontological foundations of Henry’s aesthetics : the way he conceives transcendence and subjectivity. Reinterpreting ‘impression’ as the fundamental intentionality, and showing self-affection as equivocal, enables to shape a more accurate and balanced characterization of art, viewed as ‘Recall’, in a much more realistic and concrete way, which brings about the conditions for a general theory of art and its relation to culture.Key words : Michel Henry, Art, Aesthetics, Phenomenology, Intentionality, Affectivity, Self-affection, Subjectivity, Invisible.

Identifier dans la pensée de Karl Philipp Moritz (1756-1793) une proposition philosophique homogène et cohérente constitue l’objet de cette thèse : c'est dans la théorie esthétique de Moritz que les structures conceptuelles d’une telle proposition trouvent leur expression paradigmatique et, en partie, leur origine. En quelques mots, l'esthétique moritzienne se pose à la fois une vaste réflexion sur la totalité, et une théorie de la valeur inhérente à chaque individualité, thème déplacé par Moritz à la réflexion sur l’homme. Le cœur de sa pensée esthétique et anthropologique est animé par la question fondamentale : comment un «objet» (qu’il s’agisse d'une œuvre d’art, du caractère et du goût d’un peuple, ou d’un individu singulier) peut-il être pensé dans sa valeur autonome ? Une telle interrogation présuppose non seulement l’expérience d’un manque, un écart, une perte de sens, mais aussi l'effort constant de l'homme pour reproduire cette valeur «objective» (tension pour l’idéalité d'une totalité achevée), alors que la vie humaine est sans cesse dominée par la limitation, la destruction, la douleur et l’échec. En ce qu'elle nous apprend à nous occuper d’une totalité entière et achevée (l'objet artistique), l’esthétique devient un paradigme pour la compréhension de domaines plus vastes (humanité, nature, histoire), et un outil d'appréciation de la vie comme « œuvre d’art ». / In this work l propose to find out in the thought of Karl Philipp Moritz (1756-1793) a homogeneous and coherent philosophical position, whose theoretical structures are paradigmatically exemplified in his aesthetical theory, which - at least in part - constitutes their seminal place. ln short, Moritz’s aesthetics presents itself both as an ample reflexion on totality, and as a theory of the intrinsic value of any individuality, themes that he transposed to the reflexion on man. At the heart of his aesthetical and anthropological thought lies the question: how an "object" (a work of art, or the character or taste of a people, or of a singular individual) can be thought in its autonomous value? Question that presupposes the experience of a lack, a lost of sense, and at the same time the man's constant effort to reproduce this "objective value (a tension for the ideal of a whole completed totality), while human life remains essentially dominated by limitation, destruction, grief and failure. By learning to deal with a whole and complete totality (the artistic object), aesthetics becomes a paradigm for the comprehension of further domains (humanity, nature, history), and an instrument of appreciation of life as a “work of art". / In questo lavoro propongo d'identificare nel pensiero di Karl Philipp Moritz (1756-1793) una posizione filosofica omogenea e coerente, le cui strutture teoretiche si trovano in maniera paradigmatica nella teoria estetica, che - perlomeno in parte - ne è anche il luogo seminale. L'estetica moritziana si presenta allo stesso tempo come un'ampia riflessione sulla totalità e come une teoria del valore intrinseco d'ogni individualità, temi che il nostro autore trasferisce alla riflessione sull'uomo. Al fondo del suo pensiero estetico e antropologico si trova la domanda: come può un "oggetto" (che si tratti di un'opera d'arte, del carattere o del gusto di un popolo, o di un individuo singolare) essere pensato nel suo valore autonomo? Una questione che presuppone l'esperienza di un fallimento, una mancanza di senso e, contemporaneamente, lo sforzo costante da parte dell'uomo di riprodurre tale valore "oggettivo" (una tensione per l'ideale di totalità in sé compiuta), mentre la vita umana rimane essenzialmente dominata dalla finitezza, distruzione, dolore e fallimento. Imparando a occuparsi di una totalità completa e conchiusa in sé (l'oggetto artistico), l'estetica diventa per l'uomo un paradigma per la comprensione di altri domini (umanità, natura, storia), e uno strumento per l'apprezzamento della vita come "opera d'arte".

Orchestrateur de référence du XXe siècle, Maurice Ravel, avec la Rapsodie espagnole, Daphnis et Chloé, Ma Mère l’Oye, La Valse ou encore avec l’orchestration des Tableaux d’une exposition, ne cesse de nous égarer dans des domaines sonores inattendus. Des réductions pour piano aux enseignements reçus au Conservatoire de Paris, en passant par la lecture des traités d’instrumentation et d’orchestration, Maurice Ravel apprend, dompte et confère à son orchestre une couleur unique qui le place au rang des plus grands orchestrateurs de son temps. Réalisée à partir de quinze œuvres symphoniques du compositeur, une analyse approfondie des aspects de l’instrumentation et de l’orchestration ravélienne a mis en lumière les principaux traits stylistiques de cet orchestrateur. Mais définir la poétique orchestrale de Maurice Ravel ne se limite pas à dresser un inventaire des seuls éléments techniques : c’est également comprendre le rôle et l’impact de ses transcriptions pour orchestre sur son langage et son œuvre. Les orchestrations ravéliennes sont-elles en définitive une simple parure de la version pianistique ou un moyen de créer une œuvre nouvelle ? / Maurice Ravel, a reference among the 20th century composers, has always led his audience into unexpected musical fields with works such as the Rapsodie espagnole, Daphnis et Chloé, Ma Mère l’Oye, La Valse or the orchestration of the Tableaux d’une exposition. While writing piano reductions, while studying at the Conservatoire de Paris and reading treatises on instrumentation and orchestration, Maurice Ravel learned, tamed and gave his orchestra a unique tint, the tint that has made him one of the greatest composer of his time. Based on the study of fifteen of his symphonic works, a thorough analysis of the aspects of Ravelian orchestration has highlighted his main stylistic features. However defining Ravel’s poetical orchestration cannot be restricted to a mere listing of technical elements; it is also trying to understand the role and impact of his orchestra transcriptions on his language and on his work. Are Ravelian orchestrations simply an ornament of the piano version or the creation of a new work?

Ce travail s’attache à explorer les représentations narratives et métaphoriques de la table chez des auteurs naturalistes français ou francophones, majores comme minores, dans le dernier quart du XIXe siècle. S’ils ne sont certes pas les premiers à représenter des personnages à table, ces écrivains abordent la thématique alimentaire d’une manière nouvelle, qui suscite nombre de réticences chez leurs contemporains. Accordant une place inédite aux repas dont le nombre et l’importance dans l’économie narrative ne cessent de croître, ils réinvestissent l’acte de manger de sa dimension physiologique et représentent la nourriture dans sa matérialité, jusque dans ses aspects les plus négatifs. La chère infecte et la dyspepsie font leur entrée en littérature, en un temps où le discours gastronomique chante l’hédonisme modéré de la table bourgeoise. Le motif du repas est donc un foyer idéologique permettant d’interroger le modèle alimentaire dominant. Mais il est aussi un champ d’expérimentation littéraire où se projettent et se modèlent les options esthétiques de l’écrivain, lequel apparaît comme un mangeur engagé dans un corps à corps tantôt harmonieux tantôt douloureux avec le réel. Image de la création artistique, le repas romanesque est à la fois le lieu nodal du projet matérialiste de restitution du réel, et celui où le naturalisme explore et dépasse ses propres limites. / This work aims at exploring narrative and metaphorical representations of mealtimes in French or French-language naturalistic authors, whether they be considered major or minor, in the last quarter of the 19th century. Though they were certainly not the first to represent characters partaking in a meal, these writers approached the theme of food in a new way, and this was received with some reticence by their contemporaries. Attributing a new status to meals, the number and importance of which in the narrative grew continuously, they underlined the physiological dimension of the act of eating and represented food in its material dimension, to sometimes negative lengths. Rotten foodstuffs and dyspepsia arrived on the literary stage, at a time when gastronomic discourse was singing the praises of the moderate hedonism of the middle-class table. The motif of the meal was an ideological focal point enabling writers to question the dominant alimentary scheme of things. But it was also a field of literary experimentation where the aesthetic choices of the writer were projected and shaped, the writer appearing as an eater engaged in a sometimes harmonious, sometimes indigestible confrontation with reality. The novelistic meal is an image of artistic creation, both a central point of the materialistic project of the representation of reality and a space where naturalism explored and went beyond its own limits.

La thèse se centre sur une terre de Picardie, le Vimeu et porte un regard sur le paysage. Elle interroge le patrimoine vernaculaire et industriel et pour l’architecture, la prégnance de la maison. Ces recherches s’appuient sur plus de 20 ans d’intérêt pour cette région avec un corpus photographique et des archives personnelles. Ce corpus vient de toute une série de collections, un catalogue constitué de plusieurs classeurs.Cette thèse est une interrogation sur la valeur de l’ordinaire. Elle met en oeuvre la forêt obscure des signes dans une approche globale. La problématique esthétique se soulève par l’apprendre à voir, le regard sur toute chose, le sentir et le paraître. Elle ne concerne donc pas spécifiquement le paysage exceptionnel mais se préoccupe du peu, de l’infime et de ses habitants. L’ordinaire forme la majorité du territoire, contrée inconnue. Il n’y a pas plus habituel que ce paysage. Il est vulnérable et n’attire pas l'attention des grandes instances, car il ne porte que sur des enjeux sans profits. Je cherche à déterminer si la notion d'ordinaire accède au statut de catégorie esthétique.Le catalogue, véritable dispositif documentaire, rentre dans une démarche d’accumulation et d’archives proche de l’ethnologie muséale. Ici apparait toute la dimension artistique du travail. Il interpelle la mémoire, dans cette vision sensible des visages et des images multiples du paysage global où l’instrument s’affirme autant poétique que rationalisme logique. L'approche privilégie la raison poétique, esthétique, de l’ordinaire. / The PhD centers on a place in Picardy, the Vimeu and considers the landscape. The PhD examines the vernacular and industrial heritage, and the pregnancy of houses, as far as architecture is concerned. This research is the fruit of a twenty-year interest for this region and relies on some photographic corpus, some personal archives, and a whole series of collections about the local vernacular.This PhD is a questioning about the value of the ordinary. It puts into practice the obscure maze of signs within a global approach. The aesthetic problematic is conjured up by learning how to look, by looking at everything, by perception and appearance. Thus, it does not specifically concern the amazing landscape, but concentrates on the little, the tiny, and its inhabitants. The ordinary constitutes the major part of this unchartered territory. Nothing is more common than this landscape. It is vulnerable and does not draw the attention of the highest authorities, because it only has non-profitmaking stakes. I want to determine whether this notion of the ordinary acquires the status of an aesthetic category.The catalogue which is a real documentary device is part of an accumulative and archiving process that comes close to museum ethnology. The entire artistic dimension of the work appears there. It appeals to memory through the perceptible vision of the various sides and multiple images of the surrounding landscape, where the instrument asserts itself as poetic, as well as pertaining to logical rationalism. This approach lays great store upon the poetic, aesthetic reason of the ordinary.

Submitted by Fabio Sobreira Campos da Costa (fabio.sobreira@ufpe.br) on 2017-04-05T14:42:55Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Jane.tese.PPGS.UFPE.2016.pdf: 3873895 bytes, checksum: 230d7c50d1b47047119d9bb2118ad462 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-05T14:42:55Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Jane.tese.PPGS.UFPE.2016.pdf: 3873895 bytes, checksum: 230d7c50d1b47047119d9bb2118ad462 (MD5) Previous issue date: 2016-06-30 / Esta investigação, desenvolvida na Linha de Pesquisa ‘Identidades Coletivas e Representações Sociais’, do Programa de Pós-graduação em Sociologia, da Universidade Federal de Pernambuco/UFPE, na modalidade DINTER, fundamentou-se na Sociologia Reflexiva (BOURDIEU, 2001), em seu aspecto racional e relacional (VANDENBERGHE, 2010), por meio de uma abordagem qualitativa (DENZIN e LINCOLN, 2006). O objetivo principal foi de investigar a relação entre formação, concepções estéticas e práticas culturais dos professores que lecionam Arte nas escolas públicas de duas cidades localizadas no submédio do rio São Francisco, Petrolina/PE e Juazeiro/BA. Para produzir os dados, utilizamos quatro instrumentos, a saber: entrevistas semiestruturadas realizadas com 28 professores de escolas públicas municipais e estaduais; diário de campo; Jogo das Preferências e análise documental dos livros didáticos utilizados por esses professores e as orientações curriculares, estaduais e municipais. Os dados foram produzidos entre outubro de 2015 e fevereiro de 2016 e submetidos à Análise de Conteúdo proposta por Bardin (1988). O referencial teórico ancorou-se nos conceitos bourdieusianos de campo, habitus e, especialmente, disposição estética, que consideramos como uma importante ferramenta analítica para se compreender o problema do capital cultural dos professores que lecionam Arte. Vimos que a posse ou não dessa disposição expressa nas práticas de consumo cultural dos professores nos forneceu subsídios para identificar quais as concepções de arte estão sendo legitimadas por esses profissionais. Os dados analisados mostraram que a maior parte dos professores que lecionam Arte nos municípios investigados não tem formação especializada nem disposição estética constatada a partir do predomínio do gosto popular em suas preferências estéticas. Essa situação difere daqueles que têm formação especializada ou participam efetivamente da produção cultural das cidades, seja em dança ou teatro, e que demonstraram mais propriedade e familiaridade com a cultura legítima. Assim, no contexto analisado, o ensino de Arte se pauta no reconhecimento sem o conhecimento da arte legítima, pois a maioria dos professores, devido aos processos sociais de aquisição da cultura, seja por meio de herança familiar ou da que é adquirida na escola, não tiveram a oportunidade de aprender os códigos que compõem o campo artístico e acabam promovendo a manutenção de modelos canônicos de arte que obstruem o acesso ao conhecimento artístico, sobretudo, de vanguarda, nas escolas e fora dela. Apesar de o contexto parecer desanimador, por causa das desigualdades culturais postas pela realidade educacional brasileira, um sopro de esperança ecoa, quando constatamos que alguns professores buscam por formação e se engajam nas produções e nas políticas culturais locais, além de verificar a importância das experiências culturais na aquisição de uma competência estética desses profissionais. Concluímos que pensar em que consiste o capital cultural dos professores que lecionam Arte é inexorável às políticas de formação docente, uma vez que são eles os responsáveis por mediar a experiência estética de seus alunos e alunas como também fomentar ao aumento do consumo cultural. Com base nessas análises, evidenciou-se a necessidade de ampliar espaços de formação e diálogos entre as instituições de formação superior e as Secretarias Municipais e Estaduais de Educação para que possamos promover mudanças qualitativas na formação inicial e continuada dos professores da Educação Básica. / Cette recherche, développée sur la ligne de recherche «Identités collectives et représentations sociales» du programme d’études supérieures en Sociologie, de l’Université Fédérale de Pernambuco / UFPE en mode DINTER, a étée basée sur la Sociologie Réflexive (Bourdieu, 2001), dans un aspect rationnel et relationnel (VANDENBERGHE, 2010), à travers d’une approche qualitative (DENZIN et LINCOLN, 2006). L'objectif principal était d'étudier la relation entre la formation, les conceptions esthétiques et les pratiques culturelles des profésseurs qui enseignent l'art dans les écoles publiques de deux villes situées dans le sousmilieu du fleuve São Francisco, Petrolina/PE et Juazeiro/BA. Pour générer les données, nous avons utilisé trois instruments, à savoir: des entretiens semi-structurés avec 28 profésseurs des écoles publiques municipales et de l’état; le journal de terrain et l’analyse documentaire des manuels utilisés par les profésseurs et des lignes directrices du programme de l'état et de la municipalité. Les données ont été produites entre Octobre 2015 et Février 2016 et soumis à l'analyse du contenu proposé par Bardin (1988). Le cadre théorique ancré aux concepts bourdieusiens de champ, habitus et, en particulier, de la disposition esthétique, que nous considérons comme un outil analytique important pour comprendre le problème du capital culturelle des profésseurs qui enseignent l'art. Nous avons vu que la possession ou non de cette disposition exprimée dans les pratiques de consommation culturelle des enseignants nous fourni des subventions pour identifier quelles conceptions d'art sont légitimés par ces professionnels. Les données analysées ont montré que la plupart des professeurs qui enseignent l'art dans les municipalités étudiées ne possèdent pas une formation spécialisée ni une disposition esthétique, constatée a partir de la prédominance du goût populaire dans leurs préférences esthétiques. Cette situation diffère de ceux qui ont reçu une formation spécialisée ou qui participent efficacement à la production culturelle des villes, que ce soit dans la danse ou le théâtre, et qui ont montré une plus grande appropriation et familiarité avec la culture légitime. Ainsi, dans le contexte analysé, l'éducation artistique est guidée dans la reconnaissance sans la connaissance de l'art légitime, puisque la plupart des enseignants, en raison des processus sociaux d'acquisition de la culture, que ce soit à travers le patrimoine de la famille ou de ce qui est acquis à l'école, n’ont pas eu la possibilité d'apprendre les codes qui composent le domaine artistique et finissent par promouvoir le maintien des modèles canoniques de l'art qui bloquent l'accès à la connaissance artistique, principalement d'avantgarde, dans les écoles et au-delà. Bien que le contexte semble décourageant, en raison des inégalités culturelles posées par la réalité éducative brésilienne, un souffle d'espoir résonne lorsque nous avons constaté que certains enseignants cherchent une formation et participent à la production et dans les politiques culturelles locales. Nous concluons que penser à quoi consiste le capital culturelle des profésseurs qui enseignent l'art est inexorable aux politiques de formation des enseignants, car ils sont responsables pour la médiation de l'expérience esthétique de leurs élèves. Basé sur ces analyses, il est évident la nécessité d'élargir les espaces de formation et le dialogue entre les établissements d'enseignement supérieur et les services d'éducation municipaux et de l'État afin que nous puissions promouvoir des changements qualitatifs dans la formation initiale et continue des enseignants d'éducation de base.

Submitted by Fabiano Vassallo (fabianovassallo2127@gmail.com) on 2017-04-27T18:55:17Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese de Wison Coêlho.pdf: 2882259 bytes, checksum: d27179297c5cbe2295df9cfce1891bdc (MD5) / Approved for entry into archive by Josimara Dias Brumatti (bcgdigital@ndc.uff.br) on 2017-05-09T15:06:26Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese de Wison Coêlho.pdf: 2882259 bytes, checksum: d27179297c5cbe2295df9cfce1891bdc (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-09T15:06:26Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese de Wison Coêlho.pdf: 2882259 bytes, checksum: d27179297c5cbe2295df9cfce1891bdc (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A tese Fernando Arrabal: caminhos da crueldade, do absurdo e do pânico, é o resultado de uma pesquisa e reflexão sobre a obra do dramaturgo, poeta, cineasta, enxadrista e ativista cultural Fernando Arrabal, como a possibilidade de reconhecer seu processo criativo como uma espécie de continuação ou realização daquilo que preconizava o ator, diretor e teórico francês Antonin Artaud em seu “teatro da crueldade”. O núcleo central e fundamental da tese consiste em demonstrar, de um modo geral, a trajetória do dramaturgo do absurdo, transeunte do surrealismo e Sátrapa do Collège de Pataphysique de Paris. Ademais, a obra visa uma abordagem da importância de Arrabal na história da arte no mundo ocidental e suas influências no teatro, tendo por base a busca de uma nova compreensão do teatro, desde a dramaturgia até a possibilidade de um novo ator. De certa forma, a ideia passa também por abordar as aventuras e experimentações de Arrabal no teatro como uma testemunha viva e partícipe dos movimentos mais importantes do movimento cultural do fim da primeira e toda a segunda metade do século XX na Europa, principalmente na Espanha e França. Outro aspecto importante reside no fato de um diálogo entre a realidade, a partir das questões biográficas e, as estéticas, do ponto de vista da criação / La thèse Fernando Arrabal: les chemins de la cruauté, de l'absurdité et du panique sont le résultat d'une enquête et une réflexion sur le travail de dramaturge, poète, cinéaste, militant culturel et joueur d'échecs Fernando Arrabal, comme la possibilité de reconnaître son processus créatif comme une sorte de continuation ou de la réalisation de ce que le Français metteur en scène et théoricien Antonin Artaud caracterise dans son «théâtre de la cruauté». Le noyau central et fondamental de la thèse doit démontrer, en règle générale, la trajectoire du dramaturge absurde, passant du surréalisme et satrape de la Collège de Pataphysique de Paris. En outre, le travail a pour objectif d'aborder l'importance d’Arrabal dans l'histoire de l'art dans le monde occidental et son influence sur le théâtre, basé sur la recherche d'une nouvelle compréhension du théâtre, depuis le drame jusqu'à la possibilité d'un nouvel acteur. En quelque sorte, l'idée a aussi abordé les aventures et les essais de Arrabal dans le théâtre comme un témoignage vivant et participant à des mouvements plus importants du mouvement culturel de la fin de la première et toute seconde moitié du XXe siècle en Europe, principalement en Espagne et en France. Un autre aspect important réside dans le fait qu'un dialogue entre la réalité, les questions biographiques et l'esthétique, du point de vue de la création

Cette étude suit la voie qu’a ouverte Jean-Marie Schaeffer quant au renouveau des questionnements esthétiques, qui implique un recentrement sur le fait esthétique et une vue naturalisée. Les sciences cognitives et les neurosciences s'inscrivent naturellement dans le prolongement de cette voie, et cette étude examine alors la démarche et les enjeux de cette transdisciplinarité. L’examen relève d’une analyse critique à la fois des problématiques esthétiques, des quêtes neuroscientifiques, et de la démarche même d’une transdisciplinarité. Après ce nouveau contour redessiné du domaine esthétique et de son examen critique, cette étude propose de considérer le paradigme de l’enaction comme seul apte à soutenir à la fois les démarches scientifiques et les spécificités des questionnements esthétiques, à savoir leurs caractères subjectif et transversal. / Following Jean-Marie Schaeffer, this study proposes to revive aesthetic questions by focusing on the aesthetic fact and considering it from the naturalized perspective offered by neuroscience and cognitive science. It critically analyses at the same time aesthetic issues, the neuroscientific quest, and the transdisciplinary approach itself. It advocates the paradigm of enaction, as the only one capable of supporting both scientific processes and the subjective and transverse character of aesthetic questions.

Cette thèse monographique, consacrée à l'oeuvre filmique du cinéaste expérimental Stan Brakhage, constitue un apport en histoire et en esthétique du cinéma. Une recherche en archives a permis l'analyse de la filmographie complète du cinéaste composée de près de quatre cent films réalisés entre 1952 et 2003, et l'étude de ses archives non-film. Cette thèse propose une synthèse de ces analyses, dans une étude stylistique de l'oeuvre filmique du cinéaste.L'étude stylistique est fondée sur des analyses esthétiques, formelles et iconographiques.Un style naturaliste a pu être identifié et défini, avec en particulier les théories du naturalisme de Worringer dans Abstraction et Einfühlung, de Kris dans Le Style rustique, et de Zola avec la méthode expérimentale, réactualisées avec les théories du modernisme dont de Greenberg, et adaptées aux formes cinématographiques avec les théories d'Eisenstein et de Brakhage. Cette thèse stylistique prétend donner une synthèse d'ensemble monographique. / This monographic thesis, dedicated to the film work of the experimental film-maker Stan Brakhage, constitutes a contribution in film history and aesthetics. A research in archives allowed the analysis of the complete filmography of the film-maker composed of about four hundred films made between 1952 and 2003, and the study of its non-film archives. This thesis provides a synthesis of these analyses, in a stylistic study of the film work of the film-maker.Stylistic study is founded on aesthetic, formalist and iconographic analyses. A naturalist style could be identified and defined, with particularly the theories of the naturalism byWorringer in Abstraction and Einfühlung, by Kris on rustic style, and by Zola with experimentalmethod, updated with the theories of modernism including by Greenberg, and adapted to filmforms with the theories of Eisenstein and Brakhage. This stylistic thesis pretends to give anoverall monographic synthesis.

Cette thèse CIFRE, effectuée au Laboratoire LCPI avec les partenaires Alcatel-Lucent Bell Labs France et Strate Collège, explore le concept de l'expérience esthétique des concepteurs dans le contexte de l'innovation et du travail pluridisciplinaire.Un des intérêts actuels de la recherche en design se focalise sur l'expérience utilisateur (UX) et propose des modèles et des méthodes pour comprendre ce concept pour la conception. D'autres études récentes portent sur l'expérience esthétique dans les organisations. Au travers d'une approche Recherche-Action, nous prolongeons la connaissance sur l'expérience esthétique avec un changement de perspective, de l'expérience de l'utilisateur vers l'expérience des concepteurs. Dans une étude qualitative et quantitative nous modélisons le concept de l'expérience esthétique dans un département de recherche. Notre terrain est constitué de projets pluridisciplinaires de l'Applications Research Domain (APPRD), le département pluridisciplinaire de Alcatel-Lucent Bell Labs. Nous étudions les projets les plus riches, mémorables, transformateurs - ceux qui ont donné lieu à des expériences esthétiques dans le travail des concepteurs, pour comprendre quel est le lien entre ces projets, les pratiques design et la culture d'innovation. Finalement nous proposons un modèle de l'expérience esthétique dans ce contexte et nous montrons de premières implications pour déclencher ce type d'expérience dans un département multidisciplinaire de R&D. / This thesis, conducted at Alcatel-Lucent Bell Labs France under the supervision of LCPI Laboratory and Strate Collège, explores the concept of aesthetic experiences in an R&D department.One of the current interests of design research explores the concept of User eXperience (UX) and provides frameworks and methods to observe, describe and generate a rich product experience. Other recent studies focus on the aesthetic experience in organizations. Using an Action-Research approach, we extend the knowledge on aesthetic experiences through a new perspective: rather than looking at the users' experience, we framework the experience of multidisciplinary R&D teams through a qualitative and quantitative study. Our experimentation field consists of multidisciplinary projects from the Applications Research Domain (APPRD) - the multidisciplinary department of Alcatel-Lucent Bell Labs. We study the most memorable projects - those that trigger aesthetic experiences in the work experience of research-engineers. Our goal is to understand what is the link between aesthetic experience feelings, design practices and aspects of the innovation culture. Finally, we propose a descriptive framework of aesthetic experience in this context and we show first implications to trigger this type of experience in a multidisciplinary R&D department.