La présente étude s’établit dans le but d’approfondir compréhensions de la relation entre dynamiques de création de territoires politiques et la création de langages artistiques, à partir de l’analyse de l’oeuvre de Tatsumi Hijikata.Les questions centrales de ce travail émergent d’un parcours d’étude interdisciplinaire qu’implique fondements de la philosophie, esthétique, phénoménologie et sémiotique. Parmi les auteurs étudiés figurent principalement Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin et Greiner.Tout en se basant dans les concepts de déterritorialisation et reterritorialisation de Deleuze et Guattari, l’hypothèse est que devant un type de déterritorialisation que met un groupe de sujets dans une situation brusque de changement de contexte, il y aurait une conséquente reterritorialisation. Entre autres formes cette reterritorialisation pourrait se manifester à partir d’une insurrection des subjectivités vers le monde. Cette insurrection, dans certains cas, serait établie à travers l’actualisation de territoires esthétiques.Une fois ces manifestations partagées avec le public, il y aurait l’insurrection d’un nouveau territoire esthétique. Cette idée de territoire esthétique nous la développons pour nous aider dans l’évolution de la pensée de cette étude.A travers le butô et une vaste production écrite, Hijikata remet en question le concept du corps et la fonction de l’art, d’une manière qui semble confluer dans plusieurs aspects avec concepts crées et/ou développés par Deleuze et Guattari, relativement à la même époque. Concepts comme le corps sans organes, le devenir, et le plan d’immanence, sont mis en analyse dans le parcours de cette étude, avec les propositions développées par Hijikata.Au-delà des résonances esthétiques d’une période de crise dans une culture, ce que nous analysons sont des possibles échos dans le panorama politique à long terme, provoqués à partir d’expériences esthétiques. / The present study comes with the intention of deepening understandings of relations between political dynamics of territorial creation and the creation of artistic languages, from the analysis of the Tatsumi Hijikata’s work.The central question of our work come into sight through an interdisciplinary study that implicates foundations of philosophy, aesthetics, phenomenology and semiotics. Among the studied authors represent mainly Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin and Greiner.Based in concepts of deterritorialisation and reterritorialisation of Deleuze and Guattari, our hypothesis is that in front of a type of deterritorialisation, which puts a group of people in an abrupt changing contexts situation, there would be a consequent reterritorialisation. Between other forms this reterritorialisation could manifest itself through the insurrection of subjectivities towards the world. This insurrection, in certain cases, would be established through the actualisation of aesthetic territories.When these manifestations are shared with public, it would be as if the insurrection of a new aesthetic territory comes to light. This idea, of an aesthetics territory, we developed during this study, to help with our thought’s évolution.Through butô and a large written production, Hijikata questions the concept of the body, and the functions of art, in a way which seems to meet in a several ways with concepts created and/or developed by Deleuze and Guattari, relatively at the same epoch. Concepts as body without organs, devenir, and immanence plan, are brought into analysis in the course of this study, with proposals developed by Hijikata.Beyond the resonances of a period of crisis in a culture, what we want to analyse is possible resonances into political panorama in long term, provoked by aesthetics experiments. / O presente estudo surge com a intenção de aprofundar compreensões da relação entre dinâmicas de criação de territórios politicos e a criação de linguagens artísticas, à partir da análise da obra de Tatsumi Hijikata.As questões centrais deste trabalho surgem de um percurso de estudo interdisciplinar que implica fundamentos da filosofia, estética, fenomenologia e semiotica. Entre os autores estudados figuram principalmente Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin e Greiner.Baseando-se nos conceitos de desterritorialização e reterritorialização de Deleuze e Guattari, nossa hipótese é de que em frente a um tipo de déterritorialização que coloca um grupo de sujeitos em uma situação brusca da modificação de contexto, haveria uma consequente reterritorialização. Entre outras formas, essa reterritorialização pode se manifestar através de uma insurreição da subjetividade em relação ao mundo. Esta insurreição, em certos casos, seria estabelecida por meio da atualização de territórios estéticos.Uma vez ques estas manifestações são compartilhadas com o público, haveria uma insurreição de um novo território estético. Este conceito, nos o desensoveremos para nos ajudar na evolução do pensamento deste estudo.Através do butô e de uma grande produção escrita, Hijikata problematisa o conceito do corpo, e a função da arte, de uma maneira que parece confluir em vários aspectos com conceitos criados e/ou desenvolvidos por Deleuze e Guattari, relativamente à mesma época. Conceitos como o corpo sem órgãos, o devir, e plano de imanência, são colocados em análise com propostas desenvolvidas por Hijikata no decorrer deste estudo.Além das ressonâncias estéticas de um período de crise em uma cultura, o que analisamos é a possível ressonância no panorama político à longo prazo, produzida à partir de experiências estéticas.

Le Jeune Européen publié originalement en 1927 est une œuvre dont le genre est difficile à saisir pour les lecteurs. Ce fait offrirait une des raisons de la rareté des études sur elle. Cependant, lorsqu’il a publié Écrits de jeunesse en 1941, ce n’est pas autres œuvres en prose écrites pendant des années 20 avec la première personne du singulier comme État civil ou Mesure de la France, mais c’est ce Jeune Européen que Drieu a choisit pour ce recueil. De ce fait, nous avons bâti une hypothèse : Drieu y a procuré une sorte de perfectionnement pour son style narratif de la première personne du singulier au bout de son tâtonnement pendant les années 20, période de sa formation comme écrivain. Ce perspective nous permet d’étudier ses autres écrits publiés avant 1927 comme itinéraire de l’auteur vers la création du style narratif : « transcendant » dans Le Jeune Européen. Effectivement, Drieu s’est procuré ce style comme un des achèvements de ses études qu’il avait fait dans ses écrits des années 20 sur la littérature contemporaine. Cette lecture nous amène à conclure que cette instance narrative et l’ambigüité générique sont inséparables. Non seulement cette étude met en relief l’esthétique à laquelle Drieu visait à cette époque, mais montre aussi un prototype de son style narratif des années 30 et 40. / Le Jeune Européen originally published in 1927 is a work whose genre is difficult to identify for readers. This fact explains a reason for the paucity of research on it. However, when Pierre Drieu la Rochelle published Écrits de jeunesse in 1941, it is not other prose works written while 1920’s using the first person singular like État civil or Mesure de la France, but it was this Jeune Européen that Drieu chose for this collection. Therefore, our hypothesis is : Drieu obtained a kind of perfection for his narrative style using the first person singular after his trials and errors while the 20’s, a period of training as a writer. This perspective allows us to study his other works published before 1927 as a process of the creation of narrative style of this author: "transcendent" in Le Jeune Européen. Indeed, Drieu had obtained this style as a result from his studies he had done in his writings of the 20s on the contemporary literature. This reading leads us to conclude that this narrative style and generic ambiguity of his work are indivisible. Not only our study illuminate the aesthetic that Drieu pursuit at that time, but also shows a prototype of his narrative style of the 30s and 40s.

La représentation architecturale est pérenne dans l’oeuvre de Théophile Gautier. Afin de déterminer les enjeux de l’expérience architecturale et d’appréhender le texte gautiéresque dans la dynamique de son élaboration, une approche éclectique s’est imposée. Loin d’être une simple reproduction, la description architecturale néglige la représentation mimétique et se soumet au prisme ,de la subjectivité. Critique d’art imprégné de peintures et d’oeuvres d’art, esthète dilettante et éclectique, Gautier perçoit l’objet architectural à travers un ensemble de considérations esthétiques etartistiques. Il cherche à reconstituer le triumvirat du peintre, du sculpteur et de l’architecte et à, défendre la primauté de l’architecture. Dans sa relation de voyage, il rejette les architectures modernes auxquelles il reproche leur uniformité, et leur préfère le cachet singulier des constructions andalouses ou le caractère exotique des palais orientaux. Appréciant la ligne courbe et spiralique aux dépens de la ligne droite, Gautier défend le génie d’invention et cherche non pas l’utilité mais la beauté de la forme pure. Prônant une esthétique du caprice et de l’arabesque, il s’attaque au fléau de l’européanisation et n’hésite pas à embellir le réel, à l’« artialiser ». Cette sensibilité esthétique est encore plus perceptible dans son oeuvre poétique. Obélisques, château et cathédrale sont ciselés de manière à répondre à l’idéal de l’esthète. Ce faisant,reconstruction architecturale et construction textuelle sont menés de front faisant du poème une architecture verbale qui prend forme dans et par les mots. L'architecture prend part également dans l'organisation de l'espace de la narration. D’un récit à l’autre, l’édifice architectural change de statut sémiotique (ancrage spatial, opposant, adjuvant, embrayeur de l’action,…). Mais souvent, la représentation architecturale jette les assises de la construction romanesque et en détermine le processus évolutif. La reconstitution des architectures gréco-romaines ou de la grandeur égyptienne à travers la restauration archéologique de Pompéi et la reconstruction de Thèbes illustre parfaitement cette fièvre de construction qui anime Gautier. Le projet de reconstitution se double d’un processus de création langagière ; la re-construction, se faisant réinvention, subvertit les frontières traditionnelles entre histoire, archéologie et fantasmagorie. L’architecture fantastique, rattachée à une perception subjective met en doute toute représentation sclérosante de l’espace et « donne à voir » un espace-temps mouvant et multiple. Délire, ivresse, haschisch, miroir, tapisserie murale, eaux-fortes sont les ingrédients de l’alchimie fantastique. Mais l’hallucination architecturale ne se résorbe pas en aventure spatiale ; elle nous introduit dans le périple labyrinthique de la psyché et exorcise les fantasmes personnels. Conjurant les cauchemarsarchitecturaux pianésiens, Gautier architecte met en exécution son rêve d’architecture. Composant les richesses exotiques de l’Orient et le confort douillet de l’Occident, il ne peut dissocier bonheur et architecture et construit son Eldorado conformément à ses exigences esthétiques. Faute de réaliser son rêve architectural sur le mode du réel, Gautier se tourne vers l’Art et se love dans son microcosme. Charriant un ensemble de modèles (de l’Antiquité, de la Renaissance, du Romantisme allemand,…), il construit son monument et associe l’« archè » à la « tecture », l’idée à la forme. Au-delà de ses fonctions référentielle, socio-historique, métaphorique, symbolique ou esthétique, la représentation architecturale est un acte fondateur grâce auquel se dégagent l’unité et l’harmonie de l’oeuvre gautiéresque. / Architectural representation is perennial in the work of Theophile Gautier. To determine the implications of architectural experience and understand the text in the dynamics of its development, an eclectic approach has prevailed. Far from being a simple reproduction, architectural description neglects mimetic representation and submits itself to the prism of subjectivity. Being an art critic with bundles impregnated paintings and works of art, an esthetic and eclectic dilettante, Gautier sees the architectural object through a set of aesthetic and artistic considerations. He seeks to reconstruct thetriumvirate of the painter, sculptor and architect and defend the primacy of architecture. In his travels, he rejects modern architectures and criticizes their uniformity. His preference is for the singular charm of Andalusian buildings or the exotic feature of oriental palaces. Appreciating the curved and spiral line instead of the straight one, Gautier defends the genius of invention and seeks not the utility but the beauty of pure form. Advocating an aesthetic whim and arabesque, he grappleswith the scourge of Europeanization and does not hesitate of beautify the real, to « artialization ». This aesthetic sensitivity is even more noticeable in his poetry. Obelisks, Castle and Cathedral are carved to meet the ideal of the aesthetic. In doing so, architectural structuring and textual construction are carried out simultaneously making the poem an architecture that takes shape in by words. The architecture is also involved in its organizing the realm of the narration from a story to another, the architectural building changes its semiotic status (connotation, opponent, adjuvant, shifter action ,...). But, often, the architectural representation lays the foundation for constructing the novel and determines the evolutionary process. The reconstruction of Greco-Roman architecture or Egyptian grandeur through the Pompeii archaeological restoration and rebuilding of Thebes illustrates this construction fever that drives Gautier. The reconstruction project is duplicated with a process of language creation, re-construction, is being re-invented, destroys the traditional boundaries betweenhistory, archeology and phantasmagoria. The fantastic architecture, refastened to subjective perception questions any scelerosing representation of space and "gives to see" a shifting and multiple space-time. Delirium, intoxication, hashish, mirror, wall tapestry, etchings are the ingredients of fantastic alchemy. But the architectural hallucination does not go away in space adventure, it takes us into the labyrinthine journey of the psyche and exorcises personal fantasies. Conjuring pianesiens architectural nightmares, Gautier the architect puts his dream of architecture into practice. Combining exotic riches of the East and the cozy comfort of the West, he can not separate happiness from architecture and built his Eldorado in accordance with his aesthetic. In want of fulfilling his dream on the architectural mode of reality, Gautier turns to Art and coils himself microcosm. Carrying along a set of models (the ancient, Renaissance, Romanticism, German...), he builds his monument and combines the "arche" with the "architecture", the idea with the form. Beyond its referential function, socio-historical, metaphorical, symbolic or aesthetic, architectural representation is a fundamental act that helps emerge the unity and harmony of the gautieresque work.

Parmi les conséquences qu’a eues la dictature militaire d’Augusto Pinochet auChili (1973-1989), se trouve la politique de la disparition forcée des militants del’Unité Populaire créée par Allende et des opposants à la dictature. À l’heureactuelle, on compte environ 1200 personnes disparues. Ce chiffre est pourtantinexact : il est en effet difficile de déterminer avec certitude le nombre de disparuscar, à la différence du mort, le disparu est toujours susceptible de réapparaître.On connaît relativement bien l’histoire de l’Unité Populaire et de la dictaturegrâce à des études historiques et sociologiques qui ont été consacrées à ce sujet. Enrevanche, on connaît très peu les enjeux humains et esthétiques de la disparition depersonnes au sein de la collectivité : qu’est-ce que c’est disparaître ? Quelle est lacondition « humaine » du disparu ? Comment les familles et la société perçoiventellesl’absence des disparus? Quels sont les implications socio-esthétiques du corpsdisparu ? Comment les expressions et les manifestations sociales comportant destraits théâtraux et corporels mettent-elles en scène les corps disparus ?Cette thèse tente de répondre à ces diverses questions, en ayant pour objetl’expérience esthétique de la disparition, de l’effacement de traces et des stratégies degommage, ainsi que la production de signes de « distraction ». En somme, il s’agit dedévoiler les mécanismes disparitionnistes, tout en mettant en évidence l’absencecomme possibilité artistique fondatrice d’un art du corps disparu. Dans ce but, larecherche est centrée sur un double objet : d’une part, l’esthétique et la théâtralité desdénonciations de la disparition de personnes sous dictature portées notamment parl’Association de Familles de Détenus Disparus (AFDD) entre 1973 et 1989, etd’autre part les manifestations sociales estudiantines qui, ayant eu lieu entre 2011 et2013, revendiquaient l’abandon des principes dictatoriaux – toujours en vigueur – etréclamaient le droit à une éducation publique. Le rapport entre ces deux périodes(1973-1989 ; 2011-2013) relève donc de la capacité du corps disparu à apparaître surla scène publique.Cette thèse interroge ainsi les enjeux esthétiques, théâtraux, sociaux et éthiques de lapolitique de la disparition et de l’effacement des corps. / Amongst the consequences of Augusto Pinochet's military dictatorship of Chilefrom 1973-1989 was the policy of abduction of activists from the Popular Unitycoalition created by Allende and other opponents of the dictatorship. At presentapproximately 1,200 are counted as disappeared. However this figure is inexact; it isdifficult to count the disappeared because, unlike death, the missing may stillreappear.The history of the Popular Unity coalition and the Pinochet dictatorship arerelatively well considered as a result of various historical and sociological studiesdevoted to the subjects. However, little deliberation has been given to the human andaesthetic issues regarding the disappeared in the community: What does it mean todisappear? What is the human condition of the disappeared? How is the absence ofthe disappeared perceived by their families and society? What are the social andaesthetic implications of their physical absence? How is the physical absence of thedisappeared depicted by social expressions and on the stage?This thesis will answer such questions by exploring the aesthetic experience ofdisappearance, the use of scrub strategies, and the production of "distractions". Insummary, it will examine the mechanisms of disappearance, and revel how themissing body is a possible foundation of artistic expression.To this end, analysis of theatrical potential will focus on two different historicalhappenings. First, the public demonstrations of the families of the disappeared,notably impelled by the Association of Families of Disappeared Detainees (AFDD)between 1973 and 1989. Secondly, the student protests held between 2011 and 2013,demanding the cessation of dictatorial principles still in force, and claiming the rightto free post-secondary education. The relationship between these two periods (1973-1989 and 2011-2013) fuels the ability of the physical absence of the disappeared tore-appear on the public stage.

En tant que phénomène urbain, la flânerie apparaît une fois avec les bouleversements socio-économiques du XIXe siècle. Bien qu’associée à une déambulation gratuite et désœuvrée, elle institue cependant une approche nouvelle et fragmentaire de la ville. Le changement de perspective sur la rue entraîne aussi un changement de perspective sur l’art et la littérature. Ainsi, un Balzac ou un Baudelaire se montre particulièrement intéressé par la figure paradoxale et flottante du flâneur. Dans une possible généalogie du concept se place aussi la création hétéroclite et inclassable de Guillaume Apollinaire. La passion de l’écrivain pour la brocante et les faits divers, pour les histoires insolites et les personnages exceptionnels détermine la critique littéraire à lui appliquer l’étiquette péjorative de flâneur. En partant de ce cliché de la réception, notre thèse se propose de démontrer que la flânerie, chez Apollinaire, ne représente pas seulement un rapport à l’espace, mais aussi une manière d’être et de penser. À travers une analyse formelle, thématique et poétique de l’oeuvre théorique et littéraire de l’écrivain, nous envisageons donc de montrer que la flânerie constitue un thème, une méthode et un principe esthétique valides. Sans être négative, la flânerie se veut plutôt la métaphore d’une œuvre en perpétuelle métamorphose où le décentrement, la discontinuité et l’hétérogénéité ne représentent pas de notions dépréciatives, mais de vrais piliers esthétiques. / As urban phenomenon, “flânerie” appears together with socio-economic changes of the nineteenth century. Although associated with a factice wandering, it introduces a new and fragmented approach of the city. The change of perspective on the street also leads to a change of perspective on art and literature. Thus, a Balzac or a Baudelaire is particularly interested in the paradoxical and floating figure of the “flâneur”. In a possible genealogy of the concept, a special place is taken by the diverse and unclassifiable creation of Guillaume Apollinaire. The writer’s passion for “brocanteurs” and trivia as for unusual stories and exceptional characters determines literary criticism to apply him the pejorative label of “flâneur”. Based on this cliché of the critical reception, our thesis is to demonstrate that “flânerie”, for Apollinaire, defines not only a relation to space, but also a way of being and thinking. Through formal, thematic and poetic analysis of the writer’s literary and theoretical work, we plan to prove that “flânerie” is a theme, a method and a valid aesthetic principle. Without being negative, “flânerie” is rather the metaphor of a work in perpetual metamorphosis where collage, discontinuity and heterogeneity are not derogatory concepts, but true aesthetic pillars.

Ce travail vise à ouvrir au champ de l’esthétique le complexe des problématiques biopolitiques défini par Michel Foucault. On y établit donc des croisements entre trois domaines originellement dissociés : celui de l’exercice médical (articulation entre théorie et pratique), celui de l’esthétique et celui du politique. La méthode se fonde sur un constat critique : celui des processus de désesthétisation en médecine, engageant une pensée de l’esthétique comme fondement des processus de subjectivation. Hannah Arendt, dans Juger, établissait chez Kant la fonction profondément politique du jugement esthétique en tant que fondateur de communauté. Ici, c’est en partant d’une pensée critique de la médecine que nous voulons établir cette fonction politique du rapport à l’esthétique. On élaborera ainsi ce que Brecht appelait un montage, au sens à la fois conceptuel et esthétique : non pas un simple collage, mais ce qui vise à faire surgir les résonances entre des plans discontinus, entre des seuils. On désignera d’abord comme politiques de désesthétisation ce qui tend, dans l’exercice médical à désapproprier le sujet de ses propres représentations au nom d’une pseudo-rationalité. On élaborera ensuite un concept de l’inassignable, du rapport à la mort aux conduites addictives, et aux conduites esthétiques. On montrera enfin, à partir du croisement entre les pensées de Rousseau, de Foucault, d’Edward Saïd et de Simone Weil, la nécessité réesthétisante d’un engagement du penseur dans son objet par une philosophie de terrain, à l’encontre de l’affectation de scientificité produite par le versant positiviste du discours médical. / This work aims at opening to the esthetics field the biopolitics issues’ complex as defined by Michel Foucault. Links are settled between three research fields originally dissociated : medical exercise (point of articulation between theory and practise), esthetics, and politics. The approach will be based on a critical statement of fact : the dis-esthetization of medical process, bound to esthetics thought as the basis of the subjectivation process. Hannah Arendt, in Juger, established in Kant’s thought the deeply political function of esthetic judgement as a base for the establishment of a community. Starting from a critical approach of medecine, we aim to found this political function of esthetics. We shall, in this way, work out what Brecht used to call a montage, in a both conceptual and esthetic acceptance : not a simple pasting, but what aims at cropping up echoes between broken levels, and between thresholds. We will first designate as dis-esthetization what strives, in the medical exercise, to take away from the subject his own representations in the name of a so-called rationality. We will then establish the concept of non-assignable, starting from our connection to death, then considering addictive behaviours and esthetic patterns. And we will at last show, while crossing Jean-Jacques Rousseau, Michel Foucault, Edward Saïd and Simone Weil’s thoughts, the need for a re-esthetic commitment of the thinker with his subject by turning to a field philosophy, opposed to the feigned scientific nature produced by the positivist side of medical discourse.

Si Alfred Cortot se définit comme interprète de Frédéric Chopin, c’est non seulement comme pianiste mais aussi comme théoricien. Le travail d’exégèse qu’il mène, notamment au travers de nombreux écrits, est le corrélat de toute exécution instrumentale. Notre recherche a ainsi pour objet de montrer comment ces deux acceptions du terme « interprétation » se complètent et suscitent un dialogue fructueux entre la concrétude d’un objet sonore et l’abstraction d’une pensée. Cela suppose de considérer non seulement la manière dont Cortot nous donne à réfléchir, en tant que biographe, sur une image particulière de Chopin et de sa musique, mais aussi le procédé par lequel il passe d’une formalisation théorique à une concrétisation de sa pensée dans et par l’interprétation. Notre travail s’organise selon trois axes : un examen des méthodes historiographiques employées par Cortot, une étude de sa démarche herméneutique – en particulier dans l’édition de travail des œuvres de Chopin – et enfin une analyse de quelques enregistrements des Préludes op. 28. / If Alfred Cortot performs and interprets Chopin’s, it is not only as a pianist but also as a theoretician. His exegesis, expounded in many writings, is the correlate of his instrumental performance. The purpose of our research is to show how both aspects of interpretation complement each other and generate a fruitful dialogue between concerte sound and abstracte thought. This implies to consider in which terms Cortot proposes and creates, as a biographer, a singular image of Chopin, but also the process through which he switches from a theoretical formalization to the embodiment of his thought in his performance.Our work is organized along three axes: a review of historiographical methods used by Cortot, a study of the hermeneutical process – especially in the student edition of Chopin’s work – and finally an analysis of some recordings of the Preludes op. 28.

Cette thèse porte sur le rapport entre les normes sociales, les pratiques pédagogiques et l’esthétique dans la danse Odissi en Inde. Apparue sur la scène post-coloniale dans la période de l’après-indépendance du pays en tant que « danse classique », l’Odissi véhicule, en dépit du caractère hétérogène, voire multiculturel, de ses pratiquants, des revendications identitaires relatives à l’Etat indien d’Orissa, rebaptisé Odisha en 2011. La recherche a été menée à partir de terrains successifs effectués principalement dans la ville de Bhubaneswar, capitale de l’Orissa, et plus particulièrement dans une école de danse émergente.Un examen des narrations historiques concernant les années de fondation de la danse ainsi que des éléments mythiques sur lesquels les protagonistes basent les représentations de celle-ci, permet d’identifier l’organisation sociale de la communauté des pratiquants, qui se manifeste notamment dans la généalogie officielle de l’Odissi. Dans le cadre de l’observation des pratiques de danse dans l’école, il apparaît que cet ordre social est réactivé discursivement par le maître aux moments des entraînements quotidiens des danseurs. Il use ainsi d’assignations identitaires dans le cadre de son activité pédagogique, tissant des liens dialectiques entre certaines valeurs morales, une éthique relationnelle entre pratiquants, et les pratiques. Ce mode d’action renforce certes la structure hiérarchique de l’école. Toutefois, du point de vue des pratiquants, cette instauration d’un sens moral de la situation se rapporte à certaines qualités esthétiques intrinsèques à la danse, qui apparaît alors comme une manière d’être plus qu’une manière de faire. / This thesis addresses the relation between social norms, pedagogical practices and aesthetics in Odissi dance in India. Despite the heterogeneous and even multicultural nature of its practitioners, Odissi, which appeared as a “classical dance” on the post-colonial stage during the country’s post-Independence era, is a vehicle for identity claims relative to the Indian State Orissa, renamed Odisha in 2011. The research was undertaken during successive fieldwork periods mainly in the state capital of Bhubaneswar, and more specifically in an emerging dance school.The social organisation of the community of practitioners, which manifests itself in the official genealogy of Odissi, is identified through an examination of historical narratives on the foundation years of the dance, and of mythical elements on which protagonists base their representations. From observation of dance practices in the school, it becomes clear that this social order is reactivated discursively by the master during daily training sessions. He literally uses identity ascriptions in his pedagogical activity, creating links between certain moral values, a relational ethics between practitioners, and dance practice. This mode of action certainly reinforces the hierarchical structure of the school. However, from the point of view of the practitioners, the institution of a moral sense of the situation is related to certain aesthetic qualities of the dance, which then appears as a mode of being rather than a mode of doing.

Le roman catholique tel que nous le connaissons est le fruit d’une illusion rétrospective. Nous avons voulu, dans cette thèse, montrer que l’on ne peut lire le roman du second XIXe siècle au prisme de sa popularité au XXe siècle. Le succès qu’il rencontre dans l’entre-deux-guerres est le fruit d’une évolution lente. Des auteurs comme Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans ou Léon Bloy, n’ont été acceptés de leur temps ni par le monde laïque, ni par le monde catholique. Ils occupent une place inconfortable entre le « prophète romantique » et l’« intellectuel catholique ». Si le monde intellectuel chrétien du XXe siècle s’est servi de ces auteurs pour accréditer l’existence du genre, le roman catholique est loin, au XIXe siècle, de constituer une évidence. Nos recherches explorent en conséquence sa visibilité à cette époque. Basées sur un travail d’archives qui se fonde sur le dépouillement des journaux et bibliographies catholiques, elles ont permis de reconstituer les difficiles rapports du monde chrétien avec le roman. Cette approche archéologique contribue à restituer l’ampleur de la tentative de réforme par l’art qu’ont essayé de mener à bien Barbey d’Aurevilly, Huysmans et Bloy. Elle sert de fondement à un travail de poétique qui interroge, dans le cadre de l’évolution de l’écriture romanesque, le sens qu’il faut accorder à cette tentative de révolution esthétique. / This dissertation explores the constitution of the Catholic novel as a genre in the second half of the 19th century. It aims to show how Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans and Léon Bloy were misread, partly because of the success of the genre during the 20th century. The popularity of the 20th-century Catholic novelists such as Claude Mauriac or Georges Bernanos has indeed swept away the difficulties encountered by Catholic writers over the course of this anti-clerical period. This work invetigates the reception of the Catholic novel at that time. It is based on historical researches, especially the study of Christian "bibliographies", Catholic press and edition. This provides a better understanding of Barbey d’Aurevilly, Huysmans and Bloy’s conception of Catholic novel as an original theory of art.

Depuis 1990, l'édition de CDroms d'auteur a marqué l'édition numérique. Ce travail vise à interroger les conditions de réception esthétique de ces formes éditoriales. L'étude critique de cinq titres est précédée d'un panorama de ces publications. Deux principes sont privilégiés : le jeu des actions et la construction narrative, car ils en déterminent les modes de réception. Perçus comme antagonistes malgré leurs similitudes, le jeu et le récit sont l'objet d'une réflexion théorique. Celle-ci distingue jeu-game et jeu-play et insiste sur l'importance d'un niveau racontable, précédant le récit verbal. Ces distinctions permettent une articulation plus riche que l'opposition temporelle initiale entre jeu et récit qui semblait tout d'abord caractériser la réception esthétique de ces éditions. De nouvelles critiques de CDroms s'appuient sur ces distinctions, elles insistent sur l'invitation préalable induite par l'objet, la conduite des expériences engagées et les conditions de leur clôture.