Ce mémoire-essai a pour objet d'étude la question de l'art et du vivant dans la société de communication. Notre intention est de montrer que le discours actuel sur la communication est symptomatique du malaise identitaire de la subjectivité contemporaine. Il projette des représentations du sujet qui dissolvent la possibilité de se connaître soi-même dans un horizon sensible et symbolique. Nous proposons d'illustrer cette fragmentation du sens de la finitude en analysant les nouveaux rapprochements entre l'art et la communication. Deux corpus artistiques servent d'appui à cette démarche, le bio art d'Eduardo Kac et l'art d'anatomie de Gunther von Hagens. L'étude de leurs oeuvres montre comment l'emprise de la communication sur la réalité brouille notre perception de la vie et de la mort et que la première victime de cette indifférenciation, c'est le corps. Notre premier chapitre, Considérations générales sur la communication dans la société qui porte son nom, consiste en la construction de repères pour analyser le déploiement de la logique à l'oeuvre dans la société de communication: le passage d'un idéal de vérité à un idéal opérationnel, l'économie du sensible au profit du virtuel et l'édification d'une idéologie de la transparence. Ces trois aspects de la logique communicationnelle permettent de comprendre comment l'idéal d'adaptation de soi en temps réel équivaut à la mort du sujet comme entité sensible. Dans le second chapitre, L'art contemporain: un atelier pour les nouvelles «formes de vie» dans la société de communication, nous expliquons comment la logique communicationnelle s'exprime en art contemporain. Alors que le discours de la démocratisation culturelle contribue à généraliser l'idée selon laquelle l'art est un événement qui peut avoir lieu partout et tout le temps, l'esthétique relationnelle s'efforce de rapprocher l'art et la vie à des degrés sans précédent. Il en résulte une conception de la création fort problématique: l'art devient une « forme de vie » incitant le sujet à prendre forme dans n'importe quoi. Le troisième chapitre, De l'atelier au laboratoire: les « formes de vie » de l'art transgénique, propose une illustration de la logique communicationnelle dans le bio art. Les oeuvres transgéniques d'Eduardo Kac sont emblématiques d'une « forme de vie » qui se réalise en temps réel. Elles font de la téléprésence et de la mutation les principes par lesquels on peut comprendre les possibilités émancipatoires du transfert informationnel. notamment dans la culture médiatique. Dans notre quatrième et dernier chapitre, De l'atelier à la morgue: quand l'art prend corps dans la société de communication, nous nous attardons sur la première victime de la fragmentation de la subjectivité sensible, le corps. L'art d'anatomie de Gunther von Hagens et son exposition-mère, Bodyworlds évoque le traitement qui lui est réservé dans la société de communication. Relégué au rôle de support à la circulation de l'information, le corps devient un organe de sensation et un dispositif de discours. Il importe peu de savoir s'il est vivant ou mort, pourvu qu'il communique. Il en va ainsi du sujet. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Communication, Sujet, Art, Esthétique, Société, Eduardo Kac, Biotechnologies, Gunther von Hagens, Art d'anatomie.

Cet essai cherche à justifier l'importance sociale que peut avoir l'art à travers le modèle de communication qu'il permet de concevoir pour bâtir un modèle de démocratie créative comme celui dont rêvait John Dewey. À partir de l'analyse des principes du langage, cet essai explore la nature culturelle de notre pensée et l'influence que celle-ci a sur notre construction d'une identité et d'une vision du monde. Il cherche, d'autre part, à expliquer comment la nature sociale du langage peut facilement devenir tyrannique quand elle s'assimile à la Vérité et elle nie notre part d'individualité dans toute pensée. Ce travail vise ensuite à présenter l'expérience esthétique comme champ de la pensée individuelle, comme point de vue aux abords de la culture, comme libération de la perception. Finalement ce mémoire se veut une exposition d'une démocratie basée sur l'expérience esthétique dont le principe serait étendu à toute expérience humaine pour trouver une alternative au dilemme de l'identité dans la communauté, du rapport à l'autre sans domination; une voie pour le dialogue et un meilleur vivre-ensemble. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Langage, Expérience esthétique, Démocratie.

Mon récit, Isidoro : récit d'un voyage, est avant tout un parcours intérieur, un itinéraire vécu à travers la personne d'Isidore Ducasse, comte de Lautréamont. Il ne s'est jamais agi, pour moi, de lever le voile sur les mystères de sa vie qui ont fait, comme on sait, l'objet de tant de mythes: de ces zones d'ombre, j'ai plutôt souhaité faire surgir de multiples possibles. Ainsi, s'il est avéré, aujourd'hui, qu'Isidore Ducasse, à l'âge de vingt et un ans, a effectué une traversée en mer de soixante-douze jours pour regagner son continent natal, on ignore tout de ce voyage: je me suis donc employée à en recréer les conditions, à en inventer le récit. Et de Bordeaux à Buenos Ayres, c'est à tous les âges de la vie d'Isidore Ducasse que je me suis intéressée, de même qu'à ses songes, ses fantasmes, ses sensations, ses affects. Et c'est cela qu'il m'a fallu écrire -cela qui fait de mon récit ni tout à fait une biographie, ni tout à fait un récit de voyage. Une telle démarche, située aux confins de l'histoire et de l'invention pure, de la biographie et du récit de voyage, appelait une réflexion dont la forme serait tout aussi composite. Ainsi, l'essai qui suit Isidoro : récit d'un voyage comporte trois parties distinctes -trois itinéraires de pensée, en quelque sorte. Dans la première, « La biographie ou l'expérience de l'autre », je me penche sur les enjeux inhérents à la création d'une biographie imaginaire: l'importance qu'un biographe doit accorder au rapport de la vie d'un écrivain à son oeuvre, la nécessité de l'invention dans le cadre de la biographie, l'élaboration de la figure biographique (corps, visage, voix). Dans la deuxième, « La forme d'une traversée », j'explique en quoi la traversée, comme forme, était indispensable à mon projet et en quoi elle a déterminé tout autant le rythme de mon écriture que la structure de mon récit. Enfin, dans la dernière partie de mon essai, « Quête d'une sensation vraie », j'aborde des questions d'ordre esthétique qui n'ont eu de cesse de me préoccuper: comment donner à percevoir la sensation vraie des choses au contact de la peau d'autrui? Et à défaut d'avoir le souffle qui m'aurait permis d'écrire à la façon d'Isidore Ducasse, c'est-à-dire au moyen d'une « esthétique de l'énergie », comme la nomme Bachelard, comment écrire à la lisière de l'animé et de l'inanimé, de l'organique et de l'inorganique? ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Biographie imaginaire, Création littéraire, Esthétique, Isidore Ducasse, Récit de voyage, Traversée.

Le corpus des oeuvres volodiniennes met en scène des êtres qui résistent à la fin du monde: leur survivance est une résistance au temps de la fin qui bouleverse les conceptions classiques du temps, de l'espace et du corps. Le souffle collectif dans Des anges mineurs (1999) prolonge la puissance de la parole par laquelle émergent les sous-hommes dans des domaines aussi variés que l'ontologie, la politique et l'historiographie tout en portant à la conscience l'urgence de renouveler les bases d'un système de pensée effondré avec la chute des utopies du siècle dernier. L'étude des mutations de Will Scheidmann, porte-parole de la communauté des sous-hommes dans Des anges mineurs (1999), amorce une réflexion sur l'ampleur de la révolution proposée par Antoine Volodine avec ce recueil et dans l'ensemble de son oeuvre post-exotique. Inspirée du concept merleau-pontyen de la chair du monde, l'hypothèse de travail repose sur l'idée selon laquelle la révolution des paradigmes du temps, de l'espace et du corps fait muter l'ontologie, l'esthétique et le politique en prenant ancrage dans la chair-désastre du porte-parole. Retraçant les divers états du personnage-narrateur, nous montrons que le passage du corps individuel au corps collectif relève d'un rapport primaire au monde où l'être est intimement et charnellement connecté à la communauté des morts et des vivants qui le possèdent et auxquels il donne la parole qui fait survivre. Cette mise en abyme d'un corps individuel dans une chair du monde qui le transforme se répercute dans les processus d'élaboration du texte lui-même ainsi que dans la configuration d'une nouvelle Gestalt du corps politique. Le présent travail est donc l'analyse des mutations du corps comme métaphore des transformations des champs esthétique, politique et ontologique. La triple matrice anatomique, textuelle et communiste correspond au corps de Scheidmann et elle désigne la désuétude des anciennes Gestalts ainsi que les processus de transformation de la matière par lesquels émergent des formes neuves. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mutation, Chair, Désastre, Communauté.

Avec la fin des grandes utopies historiques, les artistes dits « engagés » adoptent une posture modeste et se contentent d'accompagner la réalité sociale et les événements politiques sans vouloir nécessairement les transformer. Les artistes occidentaux, et particulièrement ceux de la mouvance de l'art relationnel (Rirkrit Tiravanija, Francis Alys...), prétendent ainsi susciter des questionnements, provoquer des prises de conscience mais ne cherchent plus à « changer la vie ». Les artistes israéliens de notre corpus (Barry Frydlender, Ori Gersht, Michal Heiman, Roi Kuper, Adi Nes, Gilad Ophir, Michal Rovner et Uri Tzaig) semblent à priori proches de cette posture car leurs oeuvres ne traitent jamais directement des conflits incessants qui secouent le Proche-Orient. Il faut cependant dépasser cette apparente proximité pour mesurer l'abîme qui sépare les uns des autres. D'un côté, des artistes relationnels qui vivent dans des sociétés pacifiées et consensuelles et qui sont avides de s'immerger dans la politique (ou la micro-politique). De l'autre, des artistes qui vivent dans une société en conflit permanent et qui doivent résister à cette pression en produisant des images d'art capables d'exister face aux images brutes et schématisées des médias. L'objectif de ce mémoire consiste à comprendre les stratégies esthétiques mises en oeuvres par les artistes contemporains israéliens afin de produire un art critique dans une société où la politique est synonyme de conflit, de violence et d'oppression. Nous verrons que celles-ci passent par la production d'images de facture documentaire qui traitent indirectement de l'évènement par l'usage de la métaphore. En effet, les artistes israéliens que nous avons étudiés utilisent l'image comme représentation du monde tout en s'écartant du temps court exhibé par les images provenant des médias. L'image d'art se fait au contraire silencieuse, complexe et métaphorique. Les métaphores qu'elle met en oeuvre renvoient à l'histoire et la culture du peuple juif, aux mythes sionistes et bibliques qui se croisent et s'interrogent. Ainsi c'est une image essentiellement paisible qui convoque le travail de l'imagination puis de la pensée et qui parvient finalement à trouver sa place au milieu du bruit des canons. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Engagement, Artistes israéliens, Art critique, Image documentaire, Image métaphorique.

Par l'étude de « l'expérience du voyageur esthète et philosophe » et l'interprétation que nous en proposons, notre intention première est de dévoiler l'idée selon laquelle la reconnaissance et l'acceptation des différences et des ressemblances -humaines, naturelles, spirituelles ouvre les champs de perception, d'interprétation et de réflexion, d'expression et d'orientation chez celui qui les éprouve et les expérimente. En effet, c'est à travers la rencontre avec l'Autre -avec la Nature, avec les individus (les porteurs de cultures différentes), avec les idées (ou essences spirituelles) -et par l'effort de la décentration auquel il consent, que le voyageur met à l'épreuve sa sensibilité et sa raison. Ainsi, il goûte aux saveurs du monde, à la diversité naturelle, humaine voire spirituelle; en cela, il s'ouvre à sa propre sensibilité, apprend à l'exprimer et s'adonne à l'exercice de la raison; en cela, sa conscience s'élargie. En d'autres termes, c'est à travers ses découvertes et ses relations avec l'Autre qu'il s'altère, qu'il apprend à se connaître, qu'il explore de nouvelles perspectives de sens et construit son identité. En somme, le mode du « voyage esthétique et philosophique » se présente à nos yeux comme une belle manière de s'ouvrir et de s'éduquer à l'altérité, de se connaître et d'évoluer personnellement à travers l'Autre. NOTA BENE: Dans le cadre de cette recherche, la communication est perçue en un sens large, les trois sphères de relation de tout être humain étant: 1) la vie avec la Nature, c'est-à-dire avec le vivant, avec l'environnement dynamique et énergétique, 2) la vie avec ses congénères, c'est-à-dire avec les autres êtres humains, de même nature mais culturellement différents, et 3) la vie avec les idées -ou essences spirituelles -desquelles naissent des actions et des faits, par lesquelles le monde et l'humanité évoluent. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Voyageur, Philosophie esthétique, Quête de soi, Identité, Altérité, Rencontre, Communication interpersonnelle/interculturelle/transpersonnelle, Apprentissage expérientiel, Sensibilité, Raison, Existence, Évolution, Conscience, Éthique, Spiritualité.

En Allemagne, la Kunstakademie de Düsseldorf est le lieu où la photographie documentaire est légitimée comme pratique artistique durant les années 1980. Dans la classe de Bernd et Hilla Becher, des étudiants tels Thomas Struth, Thomas Ruff et Andreas Gursky y apprennent les principes fondateurs de la Nouvelle Objectivité. Ce mémoire portera plus particulièrement sur le travail d'Andreas Gursky. Nous expliquerons de quelles façons l'artiste détourne les stratégies figuratives et procédurales associées à la photographie documentaire afin de construire une représentation structurée et détaillée du monde. L'étude de son travail nous conduira ainsi à réfuter la notion d'objectivité pour analyser l'image photographique à partir de son intelligibilité, de sa lisibilité et de son autonomie formelle. Dans les œuvres d'Andreas Gursky, les problèmes associés à l'émergence de la mondialisation y sont évoqués de façon générique. L'organisation spatiale des espaces photographiés se traduit par des arrangements compositionnels rigoureusement structurés. La précision focale attribuée à chaque motif permet enfin de scruter les sujets représentés dans les moindres détails. Nous exposerons les principales stratégies employées par l'artiste qui favorisent ces différents modes de lecture. L'emprunt de registres thématiques traités par les médias de masse, l'attention portée à l'autonomie plastique de ses œuvres comme la recomposition numérique de celles-ci seront étudiés. Notre discussion consistera ainsi à comprendre la valeur référentielle des photographies d'Andreas Gursky en dehors d'un rapport dichotomique entre les notions d'objectivité et de subjectivité. Considérant que les enjeux sociaux culturels ne peuvent être représentés directement, nous démontrerons que sa démarche esthétique et conceptuelle nécessite un travail de construction. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Andreas Gursky, photographie allemande, Kunstakademie de Düsseldorf, objectivité, esthétique documentaire.

Dans ce travail, je propose une transition des théories de l'art relationnelles de Danto et Zangwill vers une conception évolutionniste et esthétique de l'art. Je souligne l'importance de conserver le point fort de ces théories relationnelles, soit leur prise en compte de l'intentionnalité. Il faudrait cependant naturaliser cette notion. Partant de la théorie de Danto, j'expose sa conception, fondée sur le cas des paires d'objets indiscernables. Ceux-ci remettent l'importance de l'esthétique en question en théorie de l'art. Parce que deux objets perceptuellement identiques peuvent avoir des statuts radicalement différents, il semblerait que les propriétés esthétiques ne jouent pas de rôle de premier plan en art. Danto propose que l'intentionnalité, le fait d'avoir un propos, constitue l'élément distinct de l'art. Cependant, sa théorie repose sur la notion d'identification artistique, elle-même tributaire d'une conception du fonctionnement des processus neuronaux que je rejette. Poursuivant ma critique de Danto, j'aborde Nick Zangwill, qui accepte l'intentionnalité comme essence de l'art, mais critique le rôle joué par le public, un autre point déterminant dans la théorie de Danto. Zangwill souhaite développer une théorie esthétique de l'art centrée sur l'aperçu esthétique et l'autonomie de l'artiste vis-à-vis des influences extérieures. Cependant, cette autonomie repose sur un argument de principe dont il ne fournit pas de preuves empiriques, et qui demeure vulnérable vis-à-vis un certain type d'argument sociologique émis par Fowler. De plus, des difficultés surviennent lorsque l'on tente de spécifier les motivations qui poussent à l'activité artistique dans les théories conceptuelles de Danto et Zangwill. J'explore par la suite un certain nombre d'autres critiques émises par Margolis à l'endroit de Danto. Je plaide en faveur de la naturalisation de plusieurs concepts importants pour la théorie de l'art, dont la notion d'identification. Je soutiens qu'une approche évolutionniste aurait l'avantage d'offrir des pistes de solutions quant à l'intérêt que nous prenons à l'activité artistique, en rapportant celle-ci à nos conditions d'existence. Je propose enfin la notion d'instinct esthétique, afin de prendre en compte de nombreux aspects liés à l'évolution de la perception et qui n'étaient pas suffisamment explicités dans les théories évolutionnistes de Miller ou de Wilson. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danto, Zangwill, intentionnalité, esthétique, évolution

Le projet d'écriture de Bret Easton Ellis constitue un point aveugle dans l'horizon critique actuel. Pour pallier ce manque, nous nous penchons dans ce mémoire sur l'esthétique pragmatique particulièrement complexe (ou « scrappy », selon la définition de Barbara Herrnstein Smith; 1988) du personnage et de la communication chez Ellis afin de définir son projet d'écriture comme expérience de « descente dans le chaos », expression développée par Maria L. Assad (1991) à partir des réflexions de Thomas M. Kavanagh (1986) sur Les cinq sens de Michel Serres (1985). Pour ce faire, nous proposons une micro-lecture attentive du deuxième roman d'Ellis, The Rules of Attraction (1987), suivie d'un bref retour sur les cinq autres romans de l'auteur. Afin d'effectuer notre micro-lecture, nous avons mis sur pied une grille de lecture construite à l'aide des théories de la pragmatique de la communication et de l'identité empruntées aux sciences sociales, en nous concentrant essentiellement sur les pratiques narratives de l'identité et les états problématiques de la communication. Cette grille a été appliquée au roman grâce au logiciel d'analyse de discours NVivo 8 (approche de codification vivante). Les résultats obtenus ont été interprétés à partir d'une approche libre inspirée des études littéraires et largement informée par les théories des chaoticiens. Cela nous permet de montrer comment il est possible de faire appel à la pragmatique des personnages pour saisir leurs textures différenciées. Il apparaît alors que la pragmatique du personnage ellisien participe d'une esthétique disjonctive de la communication qui se répercute sur l'esthétique générale du texte comme « descente dans le chaos ». L'étude des autres aspects du roman d'Ellis (métadiscours, incipit et excipit, exergue, titre) vient confirmer l'influence des « chaotiques » (Hayles, 1991) sur le projet d'écriture ellisien, point de départ pour repenser The Rules of Attraction comme un jalon important dans le développement d'une écriture et d'une œuvre qui exploitent les possibilités narratives et culturelles du chaos. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Ellis Bret Easton, The Rules of Attraction, Pragmatique, Théorie du personnage, Chaos

Les interventions de Les Levine dans des espaces publicitaires des années 1980 et 1990 sont caractérisées par trois aspects fondamentaux : une ambiguïté dans le sens, un rôle actif accordé aux spectateurs et une dimension politique. De ces trois éléments, le dernier est certainement le moins développé dans la littérature scientifique portant sur le sujet. L'étude propose de pallier ce manque en se fondant sur l'analyse de deux politiques actualisées dans ces campagnes médiatiques. La première est celle d'une domination des intérêts de l'émetteur qui est dirigée vers le récepteur à travers un message, qu'il soit artistique ou publicitaire. La seconde est celle que Jacques Rancière a appelé le « dissensus » ; elle oppose à ce mode transitif de réception un autre mode, esthétique, à partir duquel il est possible en même temps de saisir cette politique qui accorde à chacun un rôle prédéterminé et la possibilité d'une reconfiguration de ce « partage du sensible ». Une promesse d'émancipation distingue la seconde politique de la première : elle tend ultimement vers une « communauté du sentir » marquée par l'égalité des chances et des places de chacun. L'objectif de l'étude est de démontrer que l'ambiguïté et l'appel aux spectateurs dans les campagnes médiatiques de Levine ne convergent pas seulement vers une politique de la domination mais pointent également vers une efficacité politique dissensuelle des œuvres. Il est possible d'entrevoir cette politique à travers l'expérience esthétique de l'indécidabilité des affiches de Levine. En procédant au mélange entre art et publicité, entre le mode esthético-rhétorique et la suspension esthétique, entre la critique d'une politique de domination en place et la participation de cette politique dans l'œuvre, elles se jouent de leur indécidabilité et rétablissent par le fait même l'indétermination nécessaire à leur expérience esthétique. C'est par l'expérience esthétique de cette indécidabilité qu'il est possible d'atteindre, même à l'ère consensuelle contemporaine où le dissensus ne semble plus possible, cette seconde politique par laquelle se dessine une « transformation métapolitique du sensible ». L'étude comprend quatre chapitres. Le premier propose une définition basique de l'expérience esthétique politique et des enjeux théoriques et philosophiques engendrés par un tel phénomène. Le second cerne le cadre théorique proposé par Rancière. Le troisième applique le cadre aux campagnes médiatiques dans ce qu'elles ont de communes : le partage publicitaire du sensible, les trois aspects menant à leur indécidabilité et les limites d'une telle analyse. Enfin, deux études de cas, We Are Not Afraid (1982) et Blame God (1985), permettent d'illustrer concrètement comment l'efficacité politique dissensuelle des œuvres de Levine peut être envisagée à travers l'expérience esthétique de l'indécidable. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Les Levine, art politique, billboard art, art public, art et publicité, expérience esthétique, esthétique, indécidabilité.