L'instauration des frontières linguistiques en Belgique n'a en rien limité l'internationalisation et la francisation de la périphérie flamande de Bruxelles-Capitale. L'afflux d'une population nationale francophone, venue de la capitale belge, provoque un sentiment de minorisation au sein de la population néerlandophone habitant cette périphérie. Depuis le début des années 1990, les autorités municipales et régionales mettent en place des politiques linguistiques censées préserver la culture flamande des dix-neuf communes limitrophes de Bruxelles-Capitale. Un véritable dispositif territorial, officiellement baptisé le « Vlaamse Rand » (littéralement la « périphérie flamande »), analysé dans cette thèse, vise à « discipliner » les usages linguistiques des allophones au sein des espaces publics.Comment les francophones de la périphérie bruxelloise investissent-ils leur territoire de résidence, linguistiquement et politiquement ordonnancé par les autorités flamandes ?Cette thèse se concentre sur une étude psychosociologique de l'espace, en combinant les approches de la sociolinguistique et de la psychologie culturelle avec celles de la géographie humaine. Elle examine l'impact des stratégies linguistiques émanant de pouvoirs, officiels et officieux, sur les mobilités et les territorialités des francophones résidant en périphérie de Bruxelles-Capitale. Les résultats issus de questionnaires en ligne, d'observations participantes et surtout d'entretiens qualitatifs concourent à l’élaboration d’un cadre analytique permettant de déterminer, à différentes échelles spatiales, l'influence de l'usage des langues sur les comportements territoriaux tout autant que sur les perceptions du territoire de résidence. / The establishment of linguistic borders in Belgium has in no way limited the internationalization and francization of the Flemish Brussels-Capital’s periphery. An influx of a national French-speaking population, coming from the Belgian capital, causes a feeling of minorization among the Dutch-speaking population living in this periphery. Since the early 1990s, municipal and regional authorities have been implementing language policies, which are supposed to preserve the Flemish culture of the nineteen neighbouring municipalities of Brussels-Capital. A full-fledged territorial apparatus, officially called the "Vlaamse Rand" (literally the "Flemish periphery"), analysed in this thesis, aims to "discipline" the allophones’ language use within public spaces.How do the Francophone inhabitants of Brussels-Capital’s periphery settle in their territory of residence, linguistically and politically organized by the Flemish authorities ?This thesis focuses on a psycho-sociological study of space, combining the approaches of Sociolinguistics and Cultural Psychology with those of Human Geography. It examines the impact of both formal and informal language strategies on everyday geographic mobilities and territorialities of Francophone people living in Brussels-Capital’s periphery. The results from online questionnaires, participant observations and, above all, qualitative interviews contribute to the formulation of an analytical framework which enables to evaluate, at different spatial scales, the influence of the use of languages on territorial behaviours as well as on perceptions of the territory of residence.

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Marie de Bourgogne (1457–1482), fille unique de Charles le Téméraire et de ce fait « la plus grande héritière qui fust de son temps », a jusqu’ici attiré assez peu d’attention de la part des spécialistes du XVe siècle. Une figure ambiguë, dont l’image oscille entre deux concepts opposés : une duchesse faible et inexpérimentée, qui ne joua qu'un rôle de pion dans la grande partie diplomatique entre l’Empire et la France, – ou bien une princesse résolue et indépendante qui savait ce qu'elle voulait et réussit à imposer sa volonté, Marie reste généralement dans l'ombre de ses proches parents. Il semble bien que cette attitude envers la duchesse est surtout le fait de la politique de ses descendants et successeurs, qui employaient son image dans leurs propres intérêts. Désireux de légitimer la transition du pouvoir de la Maison de Valois à celle des Habsbourg, ils ont opté pour la représentation de Marie comme héritière de Bourgogne, dame noble et pieuse dévouée à son mari et à sa famille, et non comme une femme de pouvoir. Cette image de la princesse semble être si puissante que souvent les historiens furent amenés à croire que l’œuvre politique sous le règne de Marie était principalement l'affaire de son époux. Ils concentrèrent alors leur attention sur Maximilien, le faisant ainsi – volontairement ou non – le héros principal de l'épopée bourguignonne pendant les années de crise qui ont suivi la mort du Téméraire. Or la réalité fut plus complexe. Jamais réellement retirée de la vie politique, ne cessant de voyager à travers ses pays afin d'assurer et affirmer l'omniprésence de l'autorité ducale, suivant de près les affaires politiques, Marie prit aussi un soin tout particulier à la création et la promotion de son image. La jeune duchesse qui, dès son accès inattendu au pouvoir en janvier 1477, dut affronter les attaques et les intrigues de Louis XI ainsi que les émeutes de ses sujets, fut de toute évidence parfaitement consciente, non seulement d’être la dernière héritière de la glorieuse maison de Bourgogne-Valois, mais encore d’être en position de faiblesse de par sa condition de femme. Elle chercha alors des réponses adéquates à ses défis – réponses militaires et diplomatiques ainsi qu’« iconographiques ». Ses ambitions, de souligner les liens dynastiques, d’appuyer la légitimité de sa succession et de son pouvoir suo jure, d’affirmer ses droits aux pays bourguignons, ainsi que d’asseoir son autorité sur les sujets indociles, ont influencé considérablement sa conséquente politique de représentation. Une étude de cette politique, fondée sur le regroupement inédit d’œuvres littéraires, historiographiques et iconographiques, et leur analyse, nous permettra d’abord de souligner la construction et l’évolution symbolique de l’image de Marie de Bourgogne en tant que femme régnante, mais aussi de reconsidérer une période de l’histoire de l’État bourguignon, celle de la transmission du pouvoir de la maison de Valois de Bourgogne à la dynastie des Habsbourg. / Mary of Burgundy (1457-1482) as ruler seems to be rather a non sequitur topic for a study as her short reign – sandwiched between those more important of her belligerent father, Charles the Bold, and her imposing spouse, Maximilian of Austria – is often marginalized by researchers. A somewhat ambiguous figure, whose image hovers somewhere in the space limited by two opposing concepts – an inexperienced and weak duchess, a mere pawn in the great political game played between France and the Holy Roman Empire, and a self-determined young princess who knew what she wanted and managed to dictate her will, praised by her biographers, Mary still remains generally in the shade of her nearest kinsmen despite the abundant publications concerning the Duchy of Burgundy.This attitude towards Mary was mainly formed by the politics of her successors and descendants, who employed her image in their own interests; eager to legitimize the transition of power from the House of Valois to that of the Habsburgs, they opted for the representation of Mary as the heiress of Burgundy, a noble and pious lady devoted to her family, and not as an independent sovereign. This image of “Mary the Rich” appears to be so powerful that often historians focus their attention primarily on Maximilian, thus – involuntarily or not – making him the main hero of the Burgundian epic of the crisis years. The real situation was, however, more complex. Never in fact retired from political life, never ceasing to travel across her lands in order to ensure and state the ubiquity of ducal authority, Mary was taking great care in creating and promoting her image, sending out to her contemporaries easily recognizable signs communicating her strong sense of who she was and how she wished to be seen. Recollected and examined with closer attention, these symbolic messages could depict a different image of this “lady of the country”, who was “revered and feared more than her husband”, according to the omniscient Philippe de Commynes, and reveal the clear political and cultural intentions she wanted to convey. Based on a number of important works of literature, history and iconography associated with the duchess as well as on various accounts on her, provided either by her contemporaries or – in a certain manner – by herself, principally through performing highly symbolic acts or through artistic commissions, the present research aims thus to reassess the person and the actual role of Mary of Burgundy in the history of the Burgundian state.

Le dialogue du corps et de la mort chez jan Fabre est fondé sur un corpus de textes théâtraux. En ce qui concerne la démarche de mon travail, elle était principalement axée sur trois volets principaux d’abord les héritages et les inspirations artistiques et culturelles ensuite le rituel et le sacrifice dans sa dimension historique philosophique et artistique et enfin la fabrication du spectacle : de la genèse à la représentation scénique. L’objectif de ma thèse est de démontrer la volonté de l’artiste d’affranchir les limites, de violer les codes de la société et de créer un langage artistique authentique inspiré de toute matière possible pour toucher à la vulnérabilité de l’homme contemporain. Pour ce faire Jan Fabre a élaboré une méthode de travail qui fait redécouvrir un corps brut et instinctif, un corps générant une énergie vitale résultant ainsi à des sensations fortes. Dans ce processus de travail j’ai remarqué que pour Fabre la notion de recherche a une place primordiale en se basant sur une évolution conceptuelle, philosophique et historique. Jan Fabre construit ses spectacles de sorte que tous les composants de la représentation s’entremêlent. Une écriture textuelle et visuelle singulière construit une sorte d’état post-mortem dans le sens où la logique est cédée à l’intuition, une écriture qui offre un univers scénique riche d’images et d’allégories. Une composition scénique où l’espace, le temps et le rythme se basent surtout sur la tension et l’élaboration d’une atmosphère rituelle. Finalement le corps et la mort dans son univers font unité et il manifeste un travail récurant entre l’apparition et la disparation. / Jan Fabre's dialogue of body and death is based on a body of theatrical texts. Regarding to the approach of my work, it was mainly focused on three main aspects, first the inheritances and the artistic and cultural inspirations, then the ritual and the sacrifice in its historical philosophical and artistic dimension, and finally the production of the performance: from genesis to scenic representation. The goal of my thesis is to demonstrate the artist's desire to overcome the limits, to violate the codes of society and to create an authentic artistic language inspired by all possible materials to touch the vulnerability of contemporary man. To do this Jan Fabre has developed a method of work that rediscover a body raw and instinctive, a body generating a vital energy and resulting in strong sensations. In this work process I noticed that for Fabre the notion of research has a primordial place based on a conceptual, philosophical and historical evolution. Jan Fabre builds his performances so that all the components of the performance interweave. A singular textual and visual writing constructs a sort of post-mortem state in the sense that logic is ceded to intuition, a writing that offers a scenic universe rich in images and allegories. A scenic composition where space, time and rhythm are based mainly on tension and the development of a ritual atmosphere. After all, the body and death in his universe are united and he manifests a recurring work between the appearance and the disappearance.

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The aim of this essay is to examine how the Norwegian textile artist Hannah Ryggen depicts the mother and the motherhood in her tapestries. The study also investigates how the view of the depicted mother can be interpreted. The analyses are performed using Erwin Panofskys three-step analysis from a gender theoretical perspective. The material analyzed are three Flemish woven tapestries: Unwed Mother (1937), Liselotte Hermann Decapitated (1938) and Mothers Heart (1947). The results show that Ryggen depicts the mother and the motherhood in a wide range of aspects in the examined tapestries. Some of the most prominent aspects found are how the mother often is criticized, in her motherhood, and also as a woman in a patriarchal society. The examination shows how Ryggen uses her unique combination of traditional techniques of weaving to raise awareness of political as well as social issues during her contemporary time. Thus, she emphasizes the mother’s important role in society.

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Cette étude se propose de dégager les liens étroits qui unissent la production picturale des anciens Pays-Bas des XVe et XVIe siècles avec la mystique de Ruysbroeck l’Admirable et la pensée de la Dévotion moderne (devotio moderna). À partir d’un corpus comprenant des oeuvres de Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes, le Maître à la vue de Sainte-Gudule, le Maître de 1499, le Maître d’Alkmaar, Jérôme Bosch ou encore Gérard David et Jan Mostaert, l’analyse fait apparaître que peinture et écrits se répondent et se subliment mutuellement. Dans une première partie, nous observerons la façon dont les peintres ont décliné la progression dynamique des différentes visions (active, intérieure et contemplative) et traité le phénomène de désimagination. Puis, dans un deuxième temps, notre étude mettra en lumière que l’image soutient grâce à différents procédés (mnémotechnique, participatif, etc.) les pratiques spirituelles et méditatives des fidèles. Enfin dans la dernière phase de notre analyse, nous nous intéresserons aux mises en images d’une idée clé définie par Ruysbroeck l’Admirable, et adaptée par les auteurs de la Dévotion moderne : dat ghemeine leven (la vie commune). / This study intends to investigate and clarify the links between the Early Netherlandish pictorial tradition (15th and 16th centuries) and mystical literature as exemplified by Ruysbroeck the Admirable and the authors associated with the Modern Devotion (devotio moderna). Focusing on a corpus of works by Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes, the Master of the View of St Gudule, the Master of 1499, the Master of Alkmaar, Hieronymus Bosch, Gerard David and Jan Mostaert, this analysis brings to light that painting and writing enrich each other’s meaning. In the first part, we shall observe the ways in which the painters captured the dynamic progression of the various types of vision (active, internal and contemplative) as well as the ways in which they addressed the phenomenon of disimagination. The second part of this study will highlight the fact that the image supports the spiritual and meditative practices of the faithful through various processes and techniques (mnemonic, participative etc.). The third part of the analysis will focus on the visual treatment of a key idea defined by Ruysbroeck the Admirable, and adapted by the authors of the Modern Devotion: dat ghemeine leven (the common life).

Rubens is known as a painter; he should also be defined as an art theorist. Following Robert Williams’ theory that Early Modern art became philosophical, I believe that style can connote art theoretical interests and philosophical models, and that in Rubens’s case, these included the classical Stoic. While it would be possible to trace Rubens’s commitment to Stoicism in his subject matter, I investigate it in his style, taking a Baxandalian approach to inferential criticism. I focus on Rubens’s formal choices, his varied brushwork, and his ability to create a vibrant picture plane. My study is divided into chapters on Ethics, Logic, and Physics. In Chapter One I treat Stoic moral philosophy as an influence in the design of Rubens’s paintings, consider similarities between classical and Early Modern interest in viewer/reader response, and argue that Baroque artists could use style to avoid dogma while targeting viewers’ personal transformation. In Chapter Two I focus on Rhetoric, a section of the Stoic philosophy of Logic. Stoic Logic privileged truth: that is, it centred on investigating existing reality. As such, Stoic rhetorical theory and the classical literature influenced by it promoted a style that is complex and nuanced. I relate this to the Early Modern interest in copia, arguing that this includes Rubens’s painterly style which, apropos copia, should be better termed the Abundant Style. In Chapter Three I explore similarities between Stoic Natural Philosophy and the Early Modern artistic interest in the unified visual field. The Stoics defined the natural world as eternally moving and mixing; with force fields, energy, and elements in constant relationships of cause/effect. The Stoic concept of natural sympathy was a notion of material/energetic interrelatedness in which the world was seen as a living body, and the divine inhered in matter. I consider ways that these classical Stoic concepts of transformation, realism, and vivified matter might be discerned in Rubens’s style. / Graduate / 2023-12-14