Esta pesquisa estuda a atividade pianística no século XIX e início do século XX no Rio de Janeiro e em São Paulo. Inscrito no campo da história social da música, o trabalho problematiza a afirmação segundo a qual a disseminação do piano, seu ensino e seu cultivo foram resultado de uma exigência social imposta às mulheres em função do matrimônio e da maternidade. Como, então, uma atividade descrita como mero verniz cultural produziu uma pianista como Guiomar Novaes? Os objetivos da pesquisa foram investigar as práticas musicais pianísticas amadoras em São Paulo e desvendar a mobilização de mulheres, estrangeiros e repertórios musicais como ferramenta de modernização cultural durante a Belle Époque paulista. Como ferramenta analítica uso o conceito de mundo artístico de Howard Becker, cujo objetivo é compreender a complexidade das redes de cooperação que produzem obras de arte. Para Becker, a arte é fruto do trabalho coletivo feito de maneira rotineira que produz padrões de atividade coletiva. Ao analisar a reputação de um artista poderemos reconstruir os padrões de funcionamento e a atuação dos diferentes participantes daquele mundo artístico na criação daquela reputação. Logo, o exame da criação da reputação de artista de Guiomar Novaes alcançada em 1915 deve revelar o modo de funcionamento do mundo do piano paulistano. O trabalho organiza-se em duas partes: a primeira trata do surgimento do mundo do piano no Rio de Janeiro. Nela estudo as convenções musicais embutidas no próprio piano, sua ligação com a assimilação da cultura letrada europeia, o papel dos comerciantes e impressores de música, e também estudo como raça, gênero e classe ajudaram a conformar o amadorismo e profissionalismo na primeira metade do século XIX, e o papel da Igreja e do Estado nesse processo. A segunda parte conta a história do pianismo paulistano. Nos dois primeiros capítulos retomo os temas do comércio do instrumento, seus espaços de difusão e seus participantes e analiso o repertório de Guiomar Novaes entre os anos de 1902 a 1915. Os dois últimos capítulos analisam a operação do mundo do piano na criação da reputação de Guiomar Novaes. A análise da reputação de Guiomar Novaes revelou o funcionamento do mundo do piano paulistano. A análise também revela atores e relações sociais mais complexas do que amadoras frustradas e concertistas internacionais. A exigência do aprendizado musical criou um mercado para professoras e professores, estimulou o comércio, a crítica e o periodismo musical. Ao dar caráter público à apresentação de suas alunas, o italiano Luigi Chiaffarelli, professor de Guiomar Novaes, conseguiu criar um público regular, especializado e socialmente influente. Enquanto a menina estudava, seu professor e o jornalista Gelásio Pimenta mobilizaram recursos humanos e materiais, públicos e privados necessários ao desenvolvimento da carreira dela. A consagração de Guiomar no exterior provava à elite da Belle Époque paulistana o sucesso do seu projeto de modernização, São Paulo rivalizava com as nações \"civilizadas\". No Brasil, os recitais de Guiomar criavam oportunidades para a plateia experimentar sentimentos patrióticos de forma pessoal, fortalecendo laços com uma nova identidade nacional. / This research explores pianistic activity in Rio de Janeiro and Sao Paulo in the nineteenth and early twentieth centuries. Pertaining to the social history of music, this study problematizes the assertion that the dissemination of the piano, its teaching and its cultivation were the result of a social requirement imposed on women by marriage and maternity. How, then, could an activity described as mere \"cultural veneer\" produce a pianist like Guiomar Novaes? The objectives of this research were to investigate the amateur pianistic musical practices in Sao Paulo and unveil the mobilization of women, foreigners and musical repertory as implements for cultural modernization during the Belle Epoque of Sao Paulo. As an analytical tool, I use Howard Becker\'s concept of the \"artistic world,\" the objective being to understand the complexity of the cooperation networks that produce works of art. For Becker, art is the fruit of collective work done routinely, which, in turn, produces patterns of collective activity. In analyzing the reputation of an artist, we can reconstruct the role-patterns and actions of the different participants of a particular artistic sphere in the creation of his or her reputation. Therefore, the examination of the creation of Guiomar Novaes\' reputation, as firmly established already in 1915, should certainly reveal the workings of the pianistic realm of Sao Paulo. The work is organized in two parts: the first deals with the emergence of the piano and its cultivation in Rio de Janeiro. Here, I examine the musical conventions surrounding the piano itself, its connection with the assimilation of the literate culture of Europe, the role of music merchants, editors and printers, and also the roles of race, gender and class which helped to form both amateurism and professionalism in the first half of the nineteenth century. I also study the participation of the church and government in this process. The second part tells the story of the piano in Sao Paulo. In the first two chapters of this section I return to the themes of the piano and commerce, the spreading of the piano\'s popularity and its performers. I also analyze the repertory performed by Guiomar Novaes from 1902 to 1915. The last two chapters analyze the contribution of the piano\'s cultivation in the creation of Guiomar Novaes\' reputation. The analysis of her reputation, in turn, reveals the mechanisms of the piano\'s cultivation in Sao Paulo. It also reveals complex social roles and relationships that are more than mere descriptions of frustrated amateurs and international performers. The demand for musical learning created a market for teachers and stimulated trade, criticism and musical journalism. Through the public performances of his students, the Italian Luigi Chiaffarelli, one of Guiomar Novaes\' teachers, was able to create a consistent, specialized and socially influential audience. Even as the young Guiomar practiced, her teacher and journalist Gelasio Pimenta mobilized human and material resources, both public and private, which were critical for the development of her career. Guiomar\'s consecration abroad was held as proof to Sao Paulo\'s Belle Epoque elite of the success of its modernization project, showing that Sao Paulo rivalled \"civilized\" countries. In Brazil, Guiomar\'s recitals created opportunities for audiences to experience deep and personal patriotic feelings, thus strengthening the bond with a new national identity.

Esta tese focaliza a trajetória do tema musical Folias de Espanha, que constitui um dos mais notáveis fenômenos na musicologia devido à sua permanente recorrência na História da Música. Nosso objetivo foi ampliar o escopo interdisciplinar de estudo e de reflexão musicológica através da compreensão da utilização do tema na História da Música e sua historiografia, a fim de enriquecer o horizonte de nossa prática acadêmica. A Folias de Espanha é uma melodia simples e de caráter enigmático que surgiu em Portugal no início do século XVI como uma dança selvagem popular das ruas que teve sua estrutura rítmica e harmônica modificadas ao passar pela Espanha. Da península ibérica, migrou para a Itália e foi levada por guitarristas italianos à corte francesa, transformando-se ali em uma dança majestosa. Sua história a partir desse itinerário é complexa e reflete sua grande popularidade, pois ela ainda constitui grande fonte de inspiração para diversos compositores, desde nomes consagrados como Bach, Beethoven e Liszt, até trilhas compostas para filmes comerciais. Outros temas musicais apresentam a mesma recorrência histórica, como por exemplo, o hino católico Dies Irae do século XIII ou o tema do Capricho N.24 de Paganini, mas a retomada da Folias de Espanha como tema musical é a mais recorrente na História da Música. / This thesis focuses on the trajectory of the theme Spanish Folias, which is one of the most remarkable phenomena in musicology due to its permanent recurrence in music history. Our goal was to broaden the scope of interdisciplinary study and musicological reflection through the understanding of the use of the theme in music history and its historiography, in order to enrich the horizon of our academic practice. The Spanish Folias is a simple melody with enigmatic character that first appeared in Portugal in the early sixteenth century as a wild popular street dance that had its rhythmic and harmonic structure modified by passing through Spain. From the Iberian Peninsula, it traveled to Italy and was taken by Italian guitarists to the French court, becoming into a majestic dance. Its history starting from this itinerary is complex and reflects its great popularity, since it still constitutes a great source of inspiration for several composers, since renowned names such as Bach, Beethoven and Liszt, until soundtracks composed for commercial movies. Other musical themes display the same historical recurrence, as for example, the XIII century catholic hymn Dies Irae or Paganinis Caprice N.24, but the resuming of Spanish Folias as musical subject is the most recurrent in the History of Music.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-09-22T13:02:43Z No. of bitstreams: 1 tadeudulcireis.pdf: 890788 bytes, checksum: a8f3feda1ae7b18845a4a278df9f38e4 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-09-22T15:22:41Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tadeudulcireis.pdf: 890788 bytes, checksum: a8f3feda1ae7b18845a4a278df9f38e4 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-22T15:22:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tadeudulcireis.pdf: 890788 bytes, checksum: a8f3feda1ae7b18845a4a278df9f38e4 (MD5) Previous issue date: 2017-05-04 / A pesquisa se propõe a lançar um olhar, mais crítico e analítico sobre a obra musical do compositor baiano, José de Assis Valente (1908-1958). Dentro de sua vasta obra, mais de 150 músicas gravadas e registradas, alguns temas se apresentam com mais insistência. São eles: a mestiçagem, o povo e a relação entre o carnaval e o samba. A pesquisa situa o compositor no contexto de sua época e analisa os três aspectos destacados, com o intuito de enfatizar a perspectiva social que emana de sua obra. / The research proposes to give a more critical and analytical look over the musical work of the baiano composer José de Assis Valente (1908-1958). Inside his vast work, with more than 150 recorded and registered songs, some themes are presented with more insistence. They are: Miscegenation, the people and the relation between Carnival and Samba. The research places the composer in the context of his time and analyses the three highlighted aspects, with the intent of emphasizing the social perspective that emanates from his work.

A tese por nós defendida no texto que se segue tem como objetivo o estudo de dois importantes gêneros musicais, a modinha e o lundu, cujos processos de elaboração iniciam-se a partir da segunda metade do século XVIII no seio da sociedade luso-brasileira. Com o intuito de possibilitar uma reflexão mais abrangente do assunto, muito caro à historiografia musical em língua lusófona, são levados em consideração aqui, aspectos históricos, estilísticos e identitários. A fim de abordarmos de modo adequado a complexidade de nosso objeto de estudo, calcamos nossa metodologia, sobretudo, no estudo da história, articulado à musicologia histórica, à musicologia sistemática e à etnomusicologia. Partindo do reconhecimento de que os gêneros em questão, objeto de nosso estudo, estão ligados às transformações ocorridas no mundo luso-brasileiro e na transformação das concepções estéticas internacionais, procuramos identificá-los com o que acabou por denominar-se estética do sentimento ou sentimentalismo e com o estilo clássico que se desenvolveu na Europa durante o século XVIII, tanto na poesia quanto na música, e que paulatinamente forjaram outras formas de produção e recepção, identificadas com um novo modo de sociabilidade burguesa que dominará o século das luzes. Por outro lado, buscamos, igualmente compreender em que aspecto a cultura popular participou, contribuindo de modo significativo, para a formação desses gêneros e, por conseqüência como se dá este impacto na expressividade musical, manifesta já no período de sua formação. A partir do estudo da historiografia, buscamos estabelecer como a modinha e o lundu participam das discussões sobre uma pretensa identidade nacional, ainda calcada em pressupostos positivistas e nacionalistas do século XIX, pressupostos estes que se mantém em parte significativa na literatura do século XX. Finalmente, ao discutirmos sobre a performance, utilizando como fontes registros musicais a partir da década de 1950, procuramos identificar correntes estéticas e ideológicas presentes nesses registros, os quais denominamos paradigmas interpretativos. / The thesis we put in the following text aims to study two important musical genres, the modinha and lundu, whose process of preparation to start on the second half of the eighteenth century in Luso-brasilian society. In order to provide a more comprehensive discussion of the subject, the historical, stylistic and identity aspects that are very important to the historiography of music in Portuguese speaking countries, are taken into consideration here. In order to observe address the complexity of our object of study, we based our methodology especially in the study of history, combined with historical musicology, systematic musicology and also to ethnomusicology. Acknowledging that the genres in question, the object of our study are related to the transformations in the Luso-Brazilian society and in the international aesthetic conceptions, we identify them with what turned out to be called the aesthetic sentiment or sentimentalism, and the classical style that developed in Europe during the eighteenth century, both in poetry and music, and that built, gradually other modes of production and reception, identified with a new way of bourgeois sociability that will dominate the century of the enlightenment. On the other hand, we seek also to understand what aspect of popular culture participated for the formation of these genres, and consequently how is this impact on musical expression common to both already evident in the period of their origin. From the study of historiography related to the genres in question, as we seek to establish how modinha and lundu have participated in the discussions about national identity, yet steeped in positivist and nationalists thoughts of the 19th century that remains in significant part of the the literature of the 20th century. And finally, when we discuss about the performance, using sources such as musical recordings from the 1950s, sought to identify aesthetic and ideological currents present in these records, which we shall call interpretative paradigms.

Esta tese propõe uma reconstituição da história da flauta doce no Brasil entre 1550 e 1970. Na primeira parte averiguamos a presença da flauta doce no período colonial, sobretudo no âmbito das missões jesuítas. Demonstramos que a flauta foi usada principalmente por crianças indígenas, como complemento à catequese e preparação para a prática musical da liturgia. Foram abordados aspectos como metodologia de educação, repertório provável e origem dos instrumentos utilizados. Enumeramos também algumas possibilidades de uso da flauta doce em ambientes não jesuítas entre os séculos XVI e XVIII. Na segunda parte discorremos sobre a flauta doce baixo que faz parte do acervo da Escola de Música da UFRJ, doada em 1896 por Leopoldo Miguez. Para concluir, apresentamos um abrangente panorama do retorno da flauta doce ao cenário musical brasileiro no século XX. Através de entrevistas e consultas com várias personalidades que se destacaram em ações pró-instrumento, elaboramos um percurso da flauta doce pelos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará e Rio Grande do Norte. Observamos que os pioneiros da flauta doce no século XX eram, em sua maioria, imigrantes europeus ou alunos destes imigrantes, sem formação específica no instrumento. Apontamos os ambientes onde a flauta doce circulou entre as décadas de 1950 e 70, reiterando sua vocação de instrumento musicalizador e conquistando espaço como instrumento artístico. / This dissertation proposes a reconstitution of the recorder history in Brazil between 1550 and 1970. At first, we have investigated the presence of the recorder in the colonial period, especially in Jesuit missions. We have shown that the recorder was used mainly by indigenous children as a complement to catechesis and preparation for the practice of the liturgy. We have discussed aspects such as education methodology, probable repertoire and origins of the instruments used there. We also enumerated some possibilities of recorder practice in non-Jesuit environments in the 16th and 18th centuries. In the second part we talk about the bass recorder that belongs to the Music School of UFRJ, donated in 1896 by the composer Leopoldo Miguez. At the end, we present a comprehensive overview about the return of the recorder to the Brazilian music scene in the 20th century. Through interviews and consultations with several personalities who excelled in pro-instrument actions, we have developed a recorder tour through the states of Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará and Rio Grande do Norte. We observed that the pioneers of the recorder in the twentieth century were mostly European immigrants or students of these immigrants, with no specific instrumental training. We point out the spaces where the recorder circulated between 1950s and 70s, reiterating its vocation as first instrument and gaining prestige as an artistic instrument.

A presente dissertação tem como objetivo estudar o conjunto brasileiro Banda Mantiqueira, sua trajetória histórica e musical, sua produção artística e a elaboração de seu discurso musical, abrangendo o período que se estende do início dos anos 1990 até a atualidade. O primeiro capítulo volta-se para os precursores históricos da Mantiqueira. No capítulo 2, são apresentadas informações memoriais e historiográficas sobre a biografia de alguns de seus integrantes, bem como o surgimento, amadurecimento e consolidação do grupo. O terceiro capítulo propõe um mergulho no material musical produzido pela banda buscando, além da análise individual das performances de seus arranjos, um diálogo com as versões originais e/ou anteriores do repertório selecionado para estudo. Ao longo da última seção, são discutidas questões referentes às opções estéticas e poéticas assumidas pela Banda Mantiqueira. / The goal of this current dissertation is to study the Brazilian Group Banda Mantiqueira, its musical and historical path, its artistic production and the development of its musical discourse from the beginnings of 1990 until nowadays. The first chapter is dedicated to the historical forerunners of Mantiqueira. The second chapter displays historical and mnemonical data about some of its members as well as its appearance, maturation and consolidation. The third chapter proposes a diving into the works produced by the band including, besides the analysis of its individual performances, a dialogue between them and the older versions of the repertoire chosen for this study. Throughout the last section it will be discussed the aesthetical and poetical options taken by the Banda Mantiqueira.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Thiago Hausner de Macedo.pdf: 6738965 bytes, checksum: 5bea5dde55cc6296d5c51360d11f1c85 (MD5) Previous issue date: 2011-10-25 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The musical trio Sa, Rodrix and Guarabyra, and the musical style created by them, so-called country-rock, will be studied in this dissertation. The group, formed in the 1970s, had an artistic career permeated by songs that realized the social and political scenarios' changes in Brazil. Through analysis of his songs and interviews the insertion of the trio in the Brazilian MPB and in the social scene will be understood, thus coming to the processes of struggles, tensions and their stand and roundness. Approaching to the protest music and song festivals, Sa, Rodrix Guarabyra have contemplated not only the interior of an utopic brazil, touted by the military government, but a field in changes, which denounced the lifestyle of the Brazilian society of the 1960s and 1970s . Thus differing from the música sertaneja our caipira (typical rural music of the central-southern region of Brazil) - (which featured an interior look by the country music singers) - in the trio the look was reversed - came from the city to the field, thus bringing a new approach within the MPB, realizing the brazilian's interior in a perspective of the traveler. This look is accompanied by appropriation of other cultures within the between-places which was located the rural rock, causing it to be studied within the perspective of cultural hybridity, because through it is possible to evaluate the historical context to which the musicians and their compositions were inserted / O trio musical Sá, Rodrix e Guarabyra e o estilo musical criado por eles, o chamado rock rural, serão estudados nesta dissertação. O grupo, formado na década de 1970, teve uma trajetória artística permeada por canções que perceberam um Brasil em transformação no cenário político e social. Mediante a análise de suas canções e entrevistas, se buscará compreender a inserção do trio na MPB e no cenário social brasileiro, chegando assim aos processos de lutas, tensões, com suas permanências e circularidades. Aproximando da música de protesto e dos Festivais da Canção, Sá, Rodrix e Guarabyra contemplavam não só o interior do Brasil utópico alardeado pelo governo militar, mas um campo sob transformações, que denunciava o estilo de vida da sociedade brasileira das décadas de 1960 e 1970. Diferiu-se assim da música sertaneja ou caipira (que trazia um olhar do interior pelos próprios cantores sertanejos) no trio o olhar se inverteu, veio da cidade para o campo, trazendo assim uma nova abordagem dentro da MPB, percebendo o interior brasileiro pela ótica do viajante. Esse olhar é acompanhado por apropriações de outras culturas, situado no entrelugar, no qual estava localizado o rock rural, levando-o a ser estudado dentro da ótica do hibridismo cultural, pois por meio dele é possível avalizar o contexto histórico em que estavam inseridos os músicos e suas composições

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Elton Bruno Ferreira.pdf: 1066027 bytes, checksum: 130cc48df0996ac57cf1de48d45784ee (MD5) Previous issue date: 2013-10-25 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This research analyzes the production of Cornelio Pires, emphasizing the recordings that he organized, which included songs and narratives, a total of 52 disks with 78 rpm (1929 and 1930), enabling the record and hearing the sounds in urban rustics. Therefore, we attempted to recover the transformations in the city of São Paulo, where the recordings were made of the disks and their disclosure. In the late '20s and during the '30s, this city was booming, with a pole of attraction for migrants and immigrants seeking a better life and achieving your dreams, among the new elements of "modernity" emerged and spread in the radio which reported the sounds hillbillies, among many others. In the series Caipira Cornelio Pires is represented the rural, the rustic and culture, often in contrast to the urban experiences. The intense growth of São Paulo generated feelings of nostalgia, emerging representations of country life as idyllic and harmonious, resuming their countryman culture references to religiosity, everyday practices, work, leisure and party (task force, which worked in, sang, ate and doted), relations between male and female and affective relationships and loving. Thus, the countryman and hillbilly culture represented by Cornelio Pires are wrapped in a process of "cultural hybridity" in a building in constant relationship between town and country by means of sound, the everyday representations and projects he betrayed the production / Esta pesquisa analisa a produção de Cornélio Pires, enfatizando as gravações por ele organizadas, que contavam com músicas e narrativas, num total de 52 discos de 78 rotações (1929 e 1930), possibilitando o registro e a audição das sonoridades caipiras no meio urbano. Para tanto, busca-se recuperar as transformações na cidade de São Paulo, onde foram feitas as gravações dos discos e sua divulgação. No final da década de 20 e durante os anos 30, essa cidade encontrava-se em expansão, sendo um polo de atração para migrantes e imigrantes que desejavam melhores condições de vida e realização de sonhos. Entre os novos elementos de modernidade , surgiu e se difundiu o rádio, no qual foram divulgadas as sonoridades caipiras, entre muitas outras. Na Série Caipira Cornélio Pires representava-se o mundo rural, o caipira e sua cultura, muitas vezes, em contraste com as experiências urbanas. O crescimento intenso de São Paulo gerava sentimentos de nostalgia, emergindo as representações da vida no campo como idílica e harmoniosa, retomando a cultura caipira suas referências à religiosidade, as práticas cotidianas, o trabalho, a festa e o lazer (mutirão, no qual se trabalhava, cantava, comia e enamorava), as relações entre os gêneros masculino e feminino e as relações afetivas e amorosas. Dessa forma, o caipira e a cultura caipira representados por Cornélio Pires encontram-se envoltos em um processo de hibridismo cultural , numa construção em constante relação entre campo e cidade por meio da sonoridade, das representações cotidianas e dos projetos que ele deixava transparecer na sua produção

A tese por nós defendida no texto que se segue tem como objetivo o estudo de dois importantes gêneros musicais, a modinha e o lundu, cujos processos de elaboração iniciam-se a partir da segunda metade do século XVIII no seio da sociedade luso-brasileira. Com o intuito de possibilitar uma reflexão mais abrangente do assunto, muito caro à historiografia musical em língua lusófona, são levados em consideração aqui, aspectos históricos, estilísticos e identitários. A fim de abordarmos de modo adequado a complexidade de nosso objeto de estudo, calcamos nossa metodologia, sobretudo, no estudo da história, articulado à musicologia histórica, à musicologia sistemática e à etnomusicologia. Partindo do reconhecimento de que os gêneros em questão, objeto de nosso estudo, estão ligados às transformações ocorridas no mundo luso-brasileiro e na transformação das concepções estéticas internacionais, procuramos identificá-los com o que acabou por denominar-se estética do sentimento ou sentimentalismo e com o estilo clássico que se desenvolveu na Europa durante o século XVIII, tanto na poesia quanto na música, e que paulatinamente forjaram outras formas de produção e recepção, identificadas com um novo modo de sociabilidade burguesa que dominará o século das luzes. Por outro lado, buscamos, igualmente compreender em que aspecto a cultura popular participou, contribuindo de modo significativo, para a formação desses gêneros e, por conseqüência como se dá este impacto na expressividade musical, manifesta já no período de sua formação. A partir do estudo da historiografia, buscamos estabelecer como a modinha e o lundu participam das discussões sobre uma pretensa identidade nacional, ainda calcada em pressupostos positivistas e nacionalistas do século XIX, pressupostos estes que se mantém em parte significativa na literatura do século XX. Finalmente, ao discutirmos sobre a performance, utilizando como fontes registros musicais a partir da década de 1950, procuramos identificar correntes estéticas e ideológicas presentes nesses registros, os quais denominamos paradigmas interpretativos. / The thesis we put in the following text aims to study two important musical genres, the modinha and lundu, whose process of preparation to start on the second half of the eighteenth century in Luso-brasilian society. In order to provide a more comprehensive discussion of the subject, the historical, stylistic and identity aspects that are very important to the historiography of music in Portuguese speaking countries, are taken into consideration here. In order to observe address the complexity of our object of study, we based our methodology especially in the study of history, combined with historical musicology, systematic musicology and also to ethnomusicology. Acknowledging that the genres in question, the object of our study are related to the transformations in the Luso-Brazilian society and in the international aesthetic conceptions, we identify them with what turned out to be called the aesthetic sentiment or sentimentalism, and the classical style that developed in Europe during the eighteenth century, both in poetry and music, and that built, gradually other modes of production and reception, identified with a new way of bourgeois sociability that will dominate the century of the enlightenment. On the other hand, we seek also to understand what aspect of popular culture participated for the formation of these genres, and consequently how is this impact on musical expression common to both already evident in the period of their origin. From the study of historiography related to the genres in question, as we seek to establish how modinha and lundu have participated in the discussions about national identity, yet steeped in positivist and nationalists thoughts of the 19th century that remains in significant part of the the literature of the 20th century. And finally, when we discuss about the performance, using sources such as musical recordings from the 1950s, sought to identify aesthetic and ideological currents present in these records, which we shall call interpretative paradigms.

Made available in DSpace on 2016-12-12T20:34:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sueli.pdf: 1176498 bytes, checksum: a45ae435c1adb40e543392ae90cc3473 (MD5) Previous issue date: 2006-09-20 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This master dissertation has as its main objective a reflection about Music Teaching in public schools in Lages/SC. The study is related to the effect of improving music teaching to 5th grade students of Basic Education School Vidal Ramos Junior in Lages/SC, using elements from Music History. The observation and living with problems or the lack of a good musical education in public schools in Lages confirm and make stronger this idea. Data were collected from 35 young students of 5th grade. The methodologies used were quality investigation and field research from March to June in 2006 and information of 50 pupils and 25 teachers from Basic Education School System of Lages/SC, in July 2006. The reality of Music Teaching at school is a promise and an expectation: to review the past, to understand the difficulties and to prepare the future and the present study shows another possibility for a better teaching of music at public schools / O objetivo da dissertação de mestrado foi fazer uma reflexão sobre o ensino da música nas escolas de ensino fundamental na cidade de Lages/SC. Tem seu fundamento na idéia de ensinar música aos alunos das 5as séries do Ensino Fundamental da Escola de Educação Básica Vidal Ramos Junior, de Lages/SC, usando como ferramenta elementos da história da música. A observação e a convivência com os problemas existentes para a educação musical em escolas públicas na cidade de Lages/SC, confirmam essa idéia. Como ensinar música aos alunos da 5ª série do ensino fundamental em escola pública ultrapassando essas barreiras, foi o problema levantado. A investigação qualitativa e a pesquisa de campo foram as metodologias adotadas. Os instrumentos para a obtenção dos dados foram a observação e questionário. O questionário foi aplicado para coletar as informações dos 35 jovens alunos da 5ª série da Escola de Educação Básica Vidal Ramos Junior, Lages/SC, que participaram da experiência prática realizada de março a junho de 2005, e a coleta de informações dos 50 alunos dessa mesma escola e dos 25 professores de Educação Musical que ensinam música nas escolas do Sistema de Educação Básica de Lages/SC, foi realizada em julho de 2006. A realidade do ensino da Música na escola resume-se a promessa e expectativa: rever o passado, entender as dificuldades e preparar para o futuro e este estudo mostra outra possibilidade para o ensino da Música