Le California Camera Club, un collectif de photographes amateurs et professionnels actif à San Francisco notamment entre 1890 et 1915, est une organisation constamment marginalisée dans l’histoire de la photographie et de l’Ouest américain. En adoptant une double approche d’histoire culturelle et matérielle, cette thèse éclaire une gamme d’activités et de productions de ce club largement inconnu, qui ont contribué à forger l’identité d’une communauté éloignée de l’Ouest. Par son approche inclusive, réunissant plus de 400 membres en 1900, le club doit être considéré comme une organisation localement ancrée, qui se sert de la photographie pour produire un récit esthétiquement attirant et historiquement cohérent de la ville et de l’État. Malgré son chevauchement chronologique avec le pictorialisme et son ambition de faire reconnaître le médium parmi les beaux-arts, le corpus du club ne peut être inséré dans un canon d’histoire de l’art de la photographie. En se basant sur diverses stratégies de diffusion et d’exposition, les membres adoptent plutôt une approche collective qui transforme l’aspiration à la reconnaissance en un désir de légitimation régionale. À travers une analyse de pratiques photographiques, d’usages et d’itinéraires des objets, cette thèse retrace la construction d’une représentation idiosyncratique de la culture et de l’histoire californiennes par un club qui participe à la conquête d’une place légitime pour l’État sur la scène nationale. En mettant l’accent sur la dimension collective de la photographie, cette analyse montre comment sa pratique dans un territoire isolé mène à la construction imaginaire d’une communauté dotée d’une compréhension commune de ses valeurs esthétiques et de son histoire. L’enjeu de cette thèse est ainsi de réviser un schéma linéaire et étroit de l’histoire de la photographie en élargissant les perspectives géographiques, socioculturelles et archivistiques / The California Camera Club, a collective of amateur and professional photographers, most active in San Francisco between 1890 and 1915, represents a constantly marginalized organization in the history of photography and of the American West. By adopting a two-fold cultural-historical and material approach, this thesis sheds light on a largely unknown variety of Club activities and productions that served as meaningful elements to forge the identity of a remote Western community. Through its inclusive outlook, unifying more than 400 members in 1900, the Club must be considered a locally embedded organization that mobilized photography to produce an aesthetically pleasing and historically coherent narrative of the city and the state. Despite its chronological position in the period of Pictorialism and the striving for institutional recognition, the Club corpus cannot be inserted into an art-historical canon of photography. Rather, by drawing on diverse strategies of dissemination and exhibition, the members adopted a collective approach to the medium that turned the striving for institutional recognition into a desire for regional legitimation. Through an examination of photographic practices, uses, and object trajectories, this thesis traces the construction of an idiosyncratic representation of Californian culture and history by the Club, which actively assisted the state’s search for a legitimate national place. By focusing on the collective dimension of photography, the analysis demonstrates how the practice in an isolated territory led to the imagination of a community with shared aesthetic and historical understandings. The object of this thesis is to revise both linear and narrow tropes in the history of photography by broadening its geographic, sociocultural, archival perspectives

Nous savons tous à quoi ressemble un pirate. Ce que nous savons moins, c’est la raison de ces succès, les causes de notre engouement – voire de notre fascination pour ce Fame Monster. La formule permet de caractériser l’ambiguïté d’un personnage dont chaque fortune connaît un revers, révélant notre soif de transgression et notre tentation pour l’envers de la morale. L’approche littéraire comparatiste, augmentée d’emprunts à l’image, à la sociologie, à la philosophie politique et à l’histoire des mentalités, permet non pas de simplement décrire un phénomène, mais d’essayer d’en extraire les sens, les besoins, les attentes, en prenant pour hypothèse que la fiction pirate constitue un jalon spécifique dans l’histoire des mentalités occidentales, et autorise l’exploration d’un état de nos désirs : d’aventure, de danger, de transgression, d’insurrection ; mais aussi de conformisme, dans un mythe continuellement répété. Histoire dans l’histoire, fiction en négatif, le pirate marginal se donne à lire comme une part retranchée de la société qui l’évacue, et partant comme l’idéal révélateur du sang et de l’or de nos virtualités, de nos « occasions manquées ».C’est ainsi que l’étude du pirate traditionnel conduit non seulement à une analyse du personnage mais encore aux enjeux fictionnels qu’il engage. Piraterie et piratage, ses deux corollaires directs, mettent en œuvre des problématiques particulières de création et de réception, et amorcent une reconversion sémantique du personnage : le pirate connaît une nouvelle fortune numérique, tandis que, devenu comportement par le truchement du piratage, il conduit à repenser le champ de la fiction. Alors : tous pirates ? Ou plutôt : tous (déjà) piratés ? / We all know what a pirate looks like. We may wonder, however, why pirates fill us with such enthusiasm. Where does our fascination for this "Fame Monster" come from? The expression, Fame Monster, underlines the ambiguity of a character whose fortunes will always know a fall-down, unveiling our thirst for transgression – our temptation for the other side of morals. Our comparative literary approach (one that borrows from visual studies, sociology, political philosophy, and cultural history) not only allows for a description of this social trend, but intends to get to its specific meaning, and indeed reveal the needs and the desires it hides. Our hypothesis is that the pirate represents a specific marker in the cultural history of the western world, leading us to explore our own desire for adventure, danger, transgression, rebellion (although it should be noted that the pirate also exposes our willingness to embrace norms and conformism through a stereotypical figure that is constantly repeated, a never-ending myth). Secret history in the main one, negatively connoted fiction, the marginal pirate seems to be read as an outlawed part of our society, as the indicator of either our golden or our bloody potentialities – the indicator of our might-have-been. Thus our study moves further than the mere analysis of a figure, to investigate the true stakes of its fictions and representations. For instance, sea-piracy and web-piracy (and the semantic transformation implicit in the move from one to the other), point to specific issues with regards to creation and reception. As he achieves new e-success on the Web, and becomes more than a character – a behavior, through hacking – the pirate may also provide us with a model to reconsider the very possibilities of fiction. Perhaps, then, is it time to ponder: are we all pirates? Or have we all already been hacked?

Partagé entre d'anciennes traditions et une pratique médicale moderne, le thermalisme contemporain s'est construit comme une culture particulière de la santé qui confronte, sans pour autant les opposer, ces deux champs de savoir. Un regard ethnographique, fondé sur plusieurs terrains effectués en France (Aix-les-Bains) et en Italie (Salsomaggiore), permet de préciser plusieurs particularités de la pratique thermale européenne. En premier, l'expérience du corps et de la maladie relève autant de l'expérience individuelle que de l'expérience sociale. Dans la pluralité et la diversité des recours médicaux disponibles, le thermalisme a aussi cette particularité de mettre en avant la volonté du curiste qui est devenu un acteur de la « mécanique » physique et psychique du traitement. Non seulement il interagit activement avec ses thérapeutes mais il contribue à la construction et à la diffusion de la mythologie et de l'imaginaire thermal. Un imaginaire qui est d'ailleurs véhiculé par la ville thermale. Cette-dernière n'est pas qu'un lieu de cure mais plutôt un théâtre ou se met en scène et se légitime une certaine vision de la santé. Enfin, un dernier élément participe à l'épanouissement de la pratique thermale, le soin lui-même qui se compose de l'efficacité de l'eau et de la qualité des prestations des soignants. Ces derniers ont développé, au fil de leurs pratiques un rapport particulier au corps fait de proximité et de distance. Ils jouent ainsi le rôle du « passeur » et mettent en contact le curiste et la source. / Shared between ancient traditions and modern health practice, contemporary hydrotherapy has become a peculiar health culture encompassing, without mutually excluding, both of these knowledges. This ethnographic work based on field studies in France (Aix-les-Bains) and in Italy (Salsomaggiore) shed light on several aspects of the use of hydrotherapy in Europe. First, the perception of one's own body and of the disease rises from both personal and social experiences. Among all available health practices, hydrotherapy is peculiar in giving a central role to its user, at the same time subject and object of both the physical and psychological aspects of the treatment. Not only he actively interacts with his therapists, but he plays a pivotal role in building and spreading the mythology and the imagination of thermal baths, which are in turn conveyed by the spa town. This becomes not just the geographical place where the therapy is held, but also and most importantly a stage to represent and legitimate a certain view of health. A final important aspect contributing to the flourishing of hydrotherapy is the treatment itself, the effectiveness of the therapeutic water, the quality of the services provided by the therapists who developed a particular relationship with illness. At the crossroads of different types of medicines, ‘ medecines savantes', popular and alternative medicine, modern hydrotherapy revealed itself as a dynamic reality whose plurality allows the use of syncretism to explain the combining of different (often contradictory) beliefs and practices.

Comment aborder la musique de Maurice Ohana et quel sens donner à l’usage qu’il fait de la guitare dans son œuvre ? Dans cette recherche, nous tenterons de cerner en quoi la guitare tient une place si particulière et si essentielle au regard de l’ensemble de son œuvre. Elle est, en effet, porteuse de tout un univers culturel et symbolique et contribue à nourrir l’imaginaire poétique du créateur intemporel qu’est Maurice Ohana. Cet univers poétique et atavique irisé d’une arborescence d’influences est, chez le compositeur, tout à la fois une source d’inspiration et d’innovation. La guitare à dix cordes qu’il a introduite dans ses deux cycles : Si le jour paraît… et Cadran lunaire, lui permet d’opérer sur la matière sonore, un travail de création qui donne lieu à une œuvre originale dont la compréhension nécessite l’exploration d’un héritage culturel fortement imprégné du cante jondo et de la culture andalouse. Entre tradition et innovation, oralité et écriture, l’œuvre pour guitare entretient avec la matière sonore, une relation qui donne sens au processus de compréhension de l’œuvre de Maurice Ohana. / How to approach the music of Maurice Ohana and what sense should we give to the use he makes of the guitar in his work? In this research, I will try to understand how the guitar holds such a special and essential place in his work as a whole. In fact, it carries a whole cultural and symbolic universe and contributes to nourishing the poetic imagination of the timeless creator Maurice Ohana. This poetic and atavistic world of a tree of influences is, in the composer's mind, both a source of inspiration and innovation. The ten-string guitar that he introduced in his two cycles — Si le jour paraît… and Cadran lunaire — allows him to operate on the sound material (“matière sonore”), a creative work that gives rise to an original work whose understanding requires the exploration of a cultural heritage strongly imbued with cante jondo and Andalusian culture. Between tradition and innovation, orality and writing, the work for guitar has a relationship with the sound material (“matière sonore”) that gives meaning to the process of understanding of Maurice Ohana’s work.

La thèse présentée ici ambitionne de fournir un panorama de la croyance magicoverbale, autrement dit la croyance que les signes verbaux pourraient posséder un pouvoir surnaturel intrinsèque : souhaits, choses ou événements imaginés, pourraient s'actualiser du simple fait de leur énonciation, qu'elle soit oralisée ou non ; les prénoms pourraient avoir une influence sur la personnalité, voire sur le cours de la destinée de qui les porte. Cette thèse a non seulement une visée descriptive, mais également élucidante. Il s'agira, en effet, d'étudier les représentations d'un pouvoir magique des mots dans le but, non seulement d'en documenter les manifestations, mais également de comprendre en quoi elles pourraient dicter certains comportements ou réactions et avec quelles implications. Qui sont ces personnes paraissant manifester une croyance magicoverbale ? Sont-elles aussi frustes qu'on a tendance à le croire ou s'agit-il simplement d'un préjugé particulièrement tenace ? La représentation magique du langage est-elle homogène ou présente-t-elle des variations ? De quels facteurs dépend-elle ? Quels en sont les mécanismes et les modalités d'apparition ? Autant de questions auxquelles cette thèse se propose de répondre. À cet effet, la présentation du travail est divisée en trois parties : la première porte sur le terrain d'enquête, avec une description de la méthodologie utilisée (chapitre 1) et la présentation des résultats obtenus (chapitre 2). L'analyse et l'interprétation des résultats (chapitre 3) font l'objet de la deuxième partie de la thèse. Quant à la troisième partie, elle rend compte des mécanismes de la croyance magicoverbale (chapitre 4).

<p>Denna studie syftar till att framhålla ett perspektiv på reklambilders symboliska och ontologiska egenskaper. Studien grundar sig i tre informanters egna betraktelser av den inre varseblivning och de känslor som uppdagats då de beskådat reklambilder. Uppsatsen behandlar några av de betraktelser som gjordes av informanterna, och belyser likheter dessa emellan. Vidare sätts betraktelserna i ett nytt perspektiv genom att behandla dem utifrån ett ontologiskt närmande, vilket uppdagar reklambildernas funktion som medel för reflektion, samt för upprätthållandet av en gemensam föreställningsvärld.</p> / <p>This study is an attempt to establish a perspective on the symbolic and ontological features of advertising pictures. The study is based on three informants's own observations of the inner perceptions and emotional states which were experienced while contemplating advertising pictures. The essay contains a presentation of some of the most interesting aspects of the observations made by the informants, and illuminates the similarities between those observations. Further, the observations are put into perspective by applying an ontological approach, which reveals the functioning of advertising pictures as objects for reflection, and as means to maintain a cultural imaginary world.</p>

<p><p>Denna uppsats behandlar hur naturen används som ett pedagogiskt rum och barnets</p><p>bildskapande i naturen sett ur olika perspektiv. De flätas samman i en undersökning hur</p><p>pedagoger använder barnets bildskapande i naturen. I den här uppsatsen undersöks en förskola</p><p>för att kartlägga deras vanor och visioner om bildskapande i naturen. Utifrån intervju och studie</p><p>belyser uppsatsen både pedagogernas erfarenheter och visioner såväl som barnens upplevelser.</p><p>Studieobjektet i denna undersökning är en Ur och Skur profilerad förskola.</p><p>Huvudresultatet är att miljön för barnens bildskapande påverkar och gör sitt avtryck. Får barnet</p><p>näring till sin fantasi sker en utveckling.</p></p> / <p><p>This essay examines from different perspectives how the nature is used as an educational</p><p>environment for childrens creation of visual arts. Childrens creations of visual arts in the nature</p><p>are brought together with educationists practice. More closely, one preschool class and their</p><p>educationists have been examined and interviewed about their experiences, practices and visions</p><p>of creating art in the forest. The school in this inquiry has focus of outdoor education (sv. ”Ur</p><p>och Skur”).</p><p>The main result is that the environment for childrens creation of visual art make sense and takes</p><p>an impression of. May children get livelihood/stimulation for their imagination it will be a</p><p>progress</p></p>

This study focuses on the rhetorical and political conditions for answering the question 'what is kulturpolitik?'. The most common translation of kulturpolitik is 'cultural policy', but 'cultural politics' is an alternative - perhaps policies must al­ways involve broader notions of politics. Here, politics is understood as struggles and conflicts in community, struggles that take place between rules and practical cases, between law and freedom. It is argued that language is a key to an awareness of political conditions, although politics also might involve aesthetics and violence. According to Aristode and Ricoeur, language is something that occurs 'when somebody says something to somebody about something' - and, as added in the dissertation: 'for a certain purpose and in a certain manner'. The general conditions for saying what kulturpolitik is, can thus be studied with reference to the interplay between six aspects: author; utterance, audience, reference, purpose and manner These rhetorical aspects can be used differendy in different cases. Four particular cases are examined in the dissertation. These are chosen pardy because they allow a gen­eral overview of the connections between politics and the arts, or policy and cul­ture, mainly in Western Europe; and pardy because they allow a demonstration of the importance of rhetoric. The cases are: (1) a comparison between two major Government Bills to the Swedish Parliament, concerning the general formulation of state cultural policy; (2) an analysis of the meaning of goals in policy, with particular reference to the Council of Europe's evaluations of cultural policies in France, Sweden, Austria, the Netherlands, and Finland; (3) an overview of the political uses of the concept of culture in Germany between 1800 and 1932; (4) a study of the French state's effort to engage the arts in the service of the republic between 1789 and 1983. It is, furthermore, argued that a rhetorical 'manner' can be understood as a way of employing the faculty of judgement. Following Aristode and Kant, and es­pecially according to Arendt and Lyotard, it is shown that judgement is a pre- eminendy political faculty. It allows those who use language - authors as well as audiences — to reflect upon the conditions of agreement in the absence of precon­ceived rules, but with the help of aesthetical awareness and imagination. / Digitalisering@umu

Denna uppsats behandlar hur naturen används som ett pedagogiskt rum och barnets bildskapande i naturen sett ur olika perspektiv. De flätas samman i en undersökning hur pedagoger använder barnets bildskapande i naturen. I den här uppsatsen undersöks en förskola för att kartlägga deras vanor och visioner om bildskapande i naturen. Utifrån intervju och studie belyser uppsatsen både pedagogernas erfarenheter och visioner såväl som barnens upplevelser. Studieobjektet i denna undersökning är en Ur och Skur profilerad förskola. Huvudresultatet är att miljön för barnens bildskapande påverkar och gör sitt avtryck. Får barnet näring till sin fantasi sker en utveckling. / This essay examines from different perspectives how the nature is used as an educational environment for childrens creation of visual arts. Childrens creations of visual arts in the nature are brought together with educationists practice. More closely, one preschool class and their educationists have been examined and interviewed about their experiences, practices and visions of creating art in the forest. The school in this inquiry has focus of outdoor education (sv. ”Ur och Skur”). The main result is that the environment for childrens creation of visual art make sense and takes an impression of. May children get livelihood/stimulation for their imagination it will be a progress

Lucy Snowe, the heroine of <i>Villette</i>, Charlotte Brontës final novel, is in constant conflict with the dichotomies of patriarchal culture. As she is perpetually torn between the opposing forces of patriarchy, Lucy Snowe inhabits what she calls her own <i>still shadow-world</i> (Brontë164). This thesis explains the nature of the intermediate space Lucy Snowe occupies and examines its repercussions on her mental state. Chapter One theorizes the effect of patriarchal dichotomies on Lucy Snowe to demonstrate that her mental conflict has its roots in the female experience of the opposition between nature and culture. Chapter Twos analysis of the nineteenth-century medical understanding of madness shows that Lucy Snowes melancholy is a symptom of the intermediacy created by conflicting patriarchal expectations. Chapter Three compares Lucy Snowe to the female figure in patriarchal master narratives, which draws attention to the serious consequences of patriarchal culture on women and demonstrates that Lucy is representative of women in conflict with patriarchal expectations. Ultimately, as part of Charlotte Brontës endeavor to represent truth rather than reality, Villette challenges patriarchal expectations of women and presents a different vision of womanhood.