Cette thèse propose d’étudier l’oeuvre tant cinématographique que télévisuelle d’un cinéaste singulier, Jacques Rozier, au regard des différents dialogues qu’elle engage entre l’art et la vie afin de questionner ce couple conceptuel. Auteur d’une oeuvre prolifique et figure emblématique de la Nouvelle vague avec Adieu Philippine (1963), Rozier constitue un modèle de cinéaste atypique tant par ses méthodes de création par la forme que prend son parcours du milieu des années 1950 à aujourd’hui. Son rapport à l’écriture cinématographique se caractérise notamment par une conception de la création comme aventure justifiant l’invention de conditions de tournage susceptibles de faire advenir l’imprévisible. Ces méthodes engagent ainsi un type de relation au réel, à la technique, aux acteurs, au tournage, soit plus généralement à la mise en scène, qu’il s’agira de qualifier. Naviguant au gré du vent, il ne cesse d’effectuer des va-etvient entre long et court métrage, fiction et documentaire, cinéma et télévision, culture savante et culture populaire. En s’intéressant à l’ensemble de ces objets autant du point de vue de l’étude esthétique que de l’analyse génétique en passant par la compréhension des modalités de fabrication ou de réception par le spectateur, il s’agit de définir une stylistique et d’interroger le fonctionnement des différents mécanismes d’interactions, de circulations et de débordements en jeu dans ce travail. / This doctoral dissertation aims to investigate the cinematographic as well as televisual work of a singular filmmaker, Jacques Rozier, in the light of the different dialogues it engages between art and life in order to interrogate this conceptual couple. Author of a prolific work and emblematic figure of the French New wave with Adieu Philippine (1963), Rozier represents an atypical template of filmmaker, both because of the ways he used to create and of the shape taken by its career from the mid-1950s until today. His relationship with cinematographic writing is notably characterised by the conception of creation as an adventure, justifying the invention of a shooting environment allowing the unpredictable to happen. Such methods thus engage a kind of association with reality, with technique, with performers, with shooting, infact more generally with mise-en-scène, which is going to be characterised here. Sailing with the wind, he is continually going back and forth between long and short films, between fiction and documentary, between cinema and television, between intellectual and popular culture. By focusing on all these items in terms of aesthetic study as well as genetic analysis, and through an understanding of the terms of creation or reception by the viewer, it is about defining stylistics and interrogating the operations of the different mechanisms of interactions, of motions and of overflows involved in this work.

Partant de l'influence de la photographie victorienne de Julia Margaret Cameron, de la photographie et du cinéma d'avant-garde des années 1920 et de la production photographique de Virginia Woolf elle-même (albums de Monk's House), cette étude pose l'hypothèse que l'écriture de Virginia Woolf s'en inspire pour devenir à la fois photographique et cinématographique, photo-cinématographique. Explorant le texte comme dispositif complexe, nous analysons la plasticité de sa prose à travers motifs et stratégies de représentation afin de voir dans quelle mesure photographie et cinéma réforment et reforment le texte woolfien, dans ses modalités formelles et esthétiques, ainsi que dans sa portée éthique et politique. Après avoir replacé l'œuvre dans son contexte moderniste et souligné l'importance du rôle joué par la Hogarth Press, qui permet à l'écrivaine d'intégrer des images en texte, nous mettons en évidence le cinématisme de ses œuvres à travers l'exploration photo-filmique de la ville moderne et la structuration en montage du flux de conscience. Nous considérons ensuite le battement anachronique des fluctuations temporelles qui structurent l'œuvre dans ses phénomènes mémoriels de hantise et de survivance, l'image faisant retour en texte dans une durée contractée (instantané) ou dilatée (défilé d'images), à la fois personnelle et intime, collective et historique. Nous envisageons enfin le texte comme un espace de négociation subversif où l'image permet à l'auteure de prendre position "poéthiquement", alors que sont mis en scène des personnages atypiques à l'identité inassignable. / This study contends that Virginia Woolf's writing draws its inspiration from Julia Margaret Cameron's Victorian photographs, the 1920s avant-garde photography and cinema, and Woolf's own Monk's House Albums, making her work at once photographic and cinematographic, or photo-cinematographic. Exploring the Woolfian text as a complex representation device, I examine the plasticity of its prose and narrative strategies to show how photography and cinema help to shape its aesthetic, but also ethical and political contents. This thesis first places Woolf's works in their modernist context and underlines the part played by the Hogarth Press, enabling Woolf to include images in her texts. I then shed light on the kinematic aspect of her work by analysing the photo-filmic exploration of the London scene and the montage of stream of consciousness. The third part probes into the anachronic rhythm of fluctuating time, emphasising the haunting aspects of memory through surviving images that condense their temporality in the instant (snapshot) or unroll it (streaming images) ; thus time achieves a personal and intimate, but also collective and historical dimension. Finally, I look at the Woolfian text as a subversive place of negotiation inhabited by eccentric characters with elusive identities and in which images help the author to make a "poethical" stand.

Comment traduire le chamanisme en termes socioanthropologiques? Pour répondre à cette question cette étude du chamanisme s'articule autour de trois niveaux d'analyse. Une compréhension des dynamiques, sociohistoriques et ontologiques, ainsi qu'une focalisation sur les facultés de médiation de l'art et de la science, entourant et animant des pratiques chamaniques; offrent un tremplin réflexif engendrant des parallèles entre des collectifs issus des deux hémisphères. Une sociologie phénoménologique, combinée à un empirisme post-positiviste, esquissent des trames théoriques et méthodologiques, s'appuyant sur une réflexivité expériencielle et institutionnelle. Elles se résument en une tentative d'attiser la réflexivité des savoirs. Cette mise en forme de l'agencéité, immanente aux science sociales, veut inviter aux possibilités d'assouplissement de contours conceptuels; induites par le travail intellectuel. L'art, aussi bien visuel que sonore, se trouve employé à la fois comme support empirique, et comme toile heuristique; dévoilant des modes de compréhension transcendant les marges de la physicalité cartésienne. Cette traduction tisse donc une matrice épistémologique, aiguisant des optiques inédites, pour cerner ce qui semblerait se profiler hors des marges de la scientificité communément entendue. Les sphères étudiés affichent des similarités, par moments ontologiques et, par d'autres, d'ordre historiques enrichissantes du point de vue sociologique. Aussi, cette thèse explore, et devient en soi, une tentative d'application d'un potentiel, à la fois structurant et transformateur, qui semble octroyé à certains acteurs sociaux que sont les artistes et les chamanes et les intellectuels.

L'étude des ressorts de l'intertextualité et de l'intermédialité dans l'œuvre de Jane Campion met en relief les enjeux d'un métacinéma postmoderne, tout d'abord à travers la question de l'adaptation. Illustrant le processus de novellisation, le roman Holy Smoke (1999) se clôt avec une mise en abyme fictionnelle qui, en proposant une fin alternative au roman au carrefour entre fiction policière et pastiche de texte biblique, place la question de l'écriture au centre de l'œuvre. Dans In the Cut [2001], les multiples citations littéraires du récit constituent des points névralgiques qui remettent régulièrement en question le devenir de l'œuvre et de l'héroïne. Enfin, dans An Angel at my Table [1991], le leitmotiv du cheminement et les fuites répétées d'une insaisissable protagoniste, combinés à l'utilisation d'une caméra aérienne dans le prologue et l'épilogue filmiques, se rapportent à une dimension réflexive du projet biographique. Dans le droit prolongement de ces dispositifs métatextuels, la mise en abyme des modes d'expression artistique permet à la fiction campionienne de faire retour sur elle-même. Le flash de dessin animé illustre la force de l'hypotypose en déployant des micro-fictions enchâssées, tandis que l'utilisation du tableau comme instrument métatextuel, l'allusion au conte ou encore la mise en scène du geste créatif transcendant donnent au film les moyens de se sonder lui-même. Pour finir, dans une démarche typiquement lacanienne qui distingue irrémédiablement le réel de sa représentation symbolique, Campion place sur un même plan fiction et documentaire. L'insert du documentaire botanique, du reportage sur les sectes ou des images d'archives dans la fiction dessinent des formes spécifiques de rencontres médiatiques, à travers lesquelles peuvent être identifiées l'anamorphose, la métalepse ou l'homologie intermédiales. Dans ce jeu permanent avec la frontière, l'iconographie fictionnelle emprunte les codes de représentation du réel comme avec Peel [1982], le biopic réalistico-magique, Passionless Moments [1984], le pastiche de documentaire, ou encore l'imitation d'images d'archives associées à des motifs surréalistes dans le travelogue de Portrait of a Lady. Dans cette confrontation des images documentaires et fictionnelles, le film engage à nouveau une réflexion métafilmique où le réel se donne comme l'impossible horizon de toute représentation. / The study of intertextuality and intermediality in Jane Campion’s artistic creations casts light upon the mechanism of postmodern metacinema, an issue that is raised first through the question of adaptation. Holy Smoke (1999) ends with a mise en abyme through which the writing process is put at the core of the novel. With In the Cut [2001], the literary quotations are landmarks that regularly put into question the destiny and destination of the heroïn and of the fiction. Finally, in An Angel at my Table [1991], the recurrent images of Janet’s itinerary and the use of aerian tracking shots can be viewed as autoreferential devices. The embedding of other artistic genres within the movie also allows the fiction to comment on itself. The cartoon sequences bring about the essence of hypotyposis. The use of paintings as referential material, the allusions to fairy tales and the shooting of transcending creative moments give to the movie the tools to speak about itself. Lastly, in a typically lacanian approach, Campion puts fictions and documentaries on the same level when contrasted to the real. The botanical documentary footage, the report on sects or the archives shed light upon specific types of intermediality : the anamorphosis, the metalepsis and the homological structure. Moreover, the fiction borrows the codes of representation to the informational genres with the magical-realistic biopic, the imitation of the documentary footage or archives sometimes combined with surrealistic developments. In contrasting the fictional and the informational, the movie leads to a metafilmic reflection, in which the Real stands for the unreachable horizon of any form of representation.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Se donnant pour cadre chronologique la période charnière entre l’héritage du XIXe siècle etles mouvements artistiques modernes, cette thèse analyse les enjeux de l’écriture diaristiqueface à l’oeuvre de fiction de trois écrivains centre-européens : le Polonais Karol Irzykowski(1873–1944), le Tchèque Ladislav Klíma (1878–1928) et le Hongrois Géza Csáth (1883–1918). Seules leurs oeuvres des années 1900–1914 sont analysées, mais le corpus est triple :on y observe effet le croisement constant de la pratique diaristique avec l’écriture d’oeuvres defiction et les tentatives de théorisation de l’expérience moderne dans leurs essaispsychologiques, psychanalytiques ou (para)philosophiques. Le cadre commun de la réflexionreste, d’une part, l’exploration des dispositifs d’écriture au croisement du vécu et du littéraireà travers l’exploration des manuscrits ; de l’autre, la réflexion contemporaine sur laconstruction narrative de l’identité. La thèse proposée réside dans l’idée qu’à l’aune du siècledernier, une révision du partage fondamental entre genres littéraires s’est imposée comme unenécessité face à la crise de l’individu moderne. L’écriture du journal personnel en vient àdépasser son rôle de témoignage : le manuscrit révèle tous les aspects d’une existence quinous soient accessibles. Cinq chapitres consécutifs articulent le lien intrinsèque entrel’existentiel et le fictionnel dans l’ensemble de l’oeuvre de chacun des trois auteurs. / This thesis concerns the crucial time when the heritage of 19th century and the birth of modernartistic movements intertwine. It focuses on the relation between diaristic writing and fictionin the works of three Central-European authors: the Pole Karol Irzykowski (1873–1944), theCzech Ladislav Klíma (1878–1928) and the Hungarian Géza Csáth (1887–1919). Only theirworks from the period 1900–1914 are considered, but the corpus’ nature is threefold, since itreflects the constant interweaving of the diaristic practice in fiction, essays and psychological,psychoanalytical and (para)philosophical essays. The common frame of analysis is to befound, on one hand, in the exploration of writing deployments (dispositifs as defined byMichel Foucault) connecting the existential and literary dimensions through the examinationof the manuscripts, and on the other, in the contemporary idea of the narrative constitution ofidentity. The thesis proposed is that at the beginning of the last century the crisis of modernsubject abolished the borders between literary genres. Keeping a diary became far more than atestimonial practice: its manuscripts reveal all the accessible aspects of one’s existence. Fiveconsecutive chapters explore this intrinsic junction between the existential and the fictional inthe entire oeuvre of the three authors.