Made available in DSpace on 2016-02-26T14:51:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 GrazielliAlvesdeLima.pdf: 1262028 bytes, checksum: eae57f40429900a1a6a6b7040dbdd8ab (MD5) Previous issue date: 2012-03-23 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The main objective of this dissertation is the analysis of the poetic prose by South Mato Grosso writer Raquel Naveira, focusing on the relationship between literature and painting and covering particularly, in this light, the interartistics studies contemporary as part of the field of Comparative Literature studies. This is roughly the verification of the artistic and literary production of one of the most representative contemporary writers with numerous publications in diverse genres, including the critical essay, and holds a significant critical fortune too. From this perspective our paper seeks to demonstrate the relevance and importance of a singular thematic in the naveirian poetic prose, drawing their connections and dialogues deftly spread in a matrix-practice of intertextuality with other productions and/or artistic spheres aspects of artistic and cultural convergences. This all leads to an operationalization of integrative nature of the intellectual production of the writer in comparison with other artistic voices sharing the same cultural ground; for both the theoretical and critical reflections of Comparative Literature and Cultural Studies of contemporarity provide methodological support necessary to the development of this work. The corpus study, therefore, consists of various and representative selection of poems in poetic prose, justified in our analysis proposal and that were extracted from the following works by Rachel Naveira: Portão de ferro (2006), Casa de tecla (1998), Fiandeira (1992), Fonte luminosa (1990), Via sacra (1989), Stella Maia e outros poemas (2001) and Pele de jambo (1996). / O objetivo principal desta dissertação é a análise da prosa poética da escritora sul-matogrossense Raquel Naveira, enfocando as relações entre literatura e pintura e abordando, particularmente, sob este prisma, os estudos interartísticos contemporâneos como vertente do campo dos estudos de Literatura Comparada. Trata-se, grosso modo, da verificação da produção artístico-literária de uma das mais representativas escritoras contemporâneas, com inúmeras publicações em gêneros diversificados, inclusive no ensaio crítico, bem como já detentora de uma significativa fortuna crítica. Dessa perspectiva, nosso trabalho procura demonstrar a relevância e singular importância temática presente na prosa poética naveiriana, extraindo das suas conexões e diálogos habilmente disseminados numa prática-matriz de intertextualidades com outras produções e/ou esferas artísticas aspectos de convergências artístico-culturais. Isso tudo resulta em uma operacionalização de natureza integradora da produção intelectual da escritora, em confronto com outras vozes artísticas compartilhadoras do mesmo chão cultural; para tanto, as reflexões teórico-críticas da literatura comparada e dos Estudos Culturais contemporâneos fornecem o suporte metodológico necessário ao trabalho desenvolvido. O corpus de estudo, por conseguinte, constitui-se da seleção de vários e representativos poemas em prosa poética, justificados em nossa proposta de análise e que foram extraídos das seguintes obras de Raquel Naveira: Portão de ferro (2006), Casa de tecla (1998), Fiandeira (1992), Fonte luminosa (1990), Via sacra (1989), Stella Maia e outros poemas (2001) e Pele de jambo (1996).

Réputée pour son obscurité, la poésie de Friederike Mayröcker n’est cependant pas hermétique. Bien au contraire, la poétesse développe une œuvre ouverte d’une extrême densité,multipliant les possibilités d’interprétation. Elle réalise une écriture du dialogue, fondée sur l’alliance de tendances opposées ainsi que sur l’intertextualité et l’intermédialité, créant des textes en mouvement. L’étude des poèmes rédigés entre 1939 à 2003, au cœur de ce travail, révèle alors successivement toute l’importance de l’union entre l’inspiration et le calcul, le rêve et le montage,l’autobiographie et la poétique, voire la poétologie, la poésie de la nature et la poésie engagée,enfin la littérature, les arts et la musique. Quête du « texte total », ancrée dans la modernité par rapport à laquelle elle se situe, la poésie de Friederike Mayröcker tente de rendre son autonomie à la langue sans renoncer pour autant à toute forme de lyrisme. Ainsi se distingue-t-elle des productions du Groupe de Vienne, auxquelles on l’associe néanmoins fréquemment, et occupe une place si particulière dans le paysage littéraire germanophone de la deuxième moitié du XXe siècle. / Renowned for its obscurity, Friederike Mayröcker’s poetry ishowever not abstruse. On the contrary, the poetess develops an open work, extremely dense, whichmultiplies the interpretative possibilities. She elaborates a dialogical writing, based on thecombination of contraries as well as on intertextuality and intermediality, creating texts that areconstantly on the move. The poems that are the heart of this study, written between 1939 and2003, show therefore the great importance of the union, respectively, between inspiration andcalculation, dream and montage, autobiography and poetic, indeed poetology, nature poetry andmilitant poetry, finally literature, art and music. In search for the « total text », a search rooted inthe modernity vis-à-vis which it positions itself, Friederike Mayröcker’s poetry tries to liberatelanguage without renouncing all lyrical form. In this it distinguishes itself from the works of theVienna Group, to which it has been nevertheless frequently associated, and hence takes a quietparticular place in the German-speaking literary scene of the second half of the twentieth century.

Cette thèse explore, selon une perspective intermédiale, le rapport entre les phénomènes de remédiation et le problème de la disparition à partir d’œuvres littéraires et filmique : Un cabinet d’amateur de Georges Perec (1979), Dora Bruder de Patrick Modiano (1997) et The Prestige, réalisé par Christopher Nolan (2006). Partant du postulat qu’il existe un lien signifiant entre l’hétérogénéité énonciative des œuvres étudiées – qui convoquent différents genres, modes d’expression et médialités – et le motif de la disparition qui s’y dessine, nous posons l’hypothèse que les œuvres produisent un métadiscours traduisant le fonctionnement d’un régime d’interaction particulier que la disparition aurait la possibilité d’induire : l’hypermédiateté. En tant que contrepoint de l’immédiateté, l’hypermédiateté qualifie ce régime où les seules relations possibles ont lieu par et dans la médiation, à la manière de ce qui se joue dans les œuvres du corpus témoin. La particularité de cette approche est de considérer la disparition comme ayant une valeur productive indissociable des valeurs négatives d’absence, de retrait ou d’effacement auxquelles elle est plus généralement rattachée. La première partie pose les bases conceptuelles du projet en revisitant les théories des médias à l’aune du tournant performatif qui détermine la période « postmédiatique » de l’intermédialité. Est alors explicité en quoi il est possible de concevoir les particularités formelles des œuvres du corpus comme informant une poétique de la remédiation. La deuxième partie s’appuie sur ce cadre conceptuel pour conjuguer le problème de la disparition à celui de la remédiation, et ce, dans le but d’articuler une définition de l’hypermédiateté. Finalement, des analyses en diptyques orientées autour des concepts d’authenticité, de survivance et d’institution composent la dernière section. Le corpus témoin participe d’abord à l’édification du cadre conceptuel, contribue ensuite à problématiser l’idée de disparition et permet en dernier lieu les articulations et approfondissements qui émergent des analyses. Trois buts sont ainsi poursuivis. La visée méthodologique, d’abord, est celle de diriger notre attention vers les actions et processus plutôt que vers les objets (ce qui favorise une pensée de la médiation au détriment de celle, plus figée, du média). Le but théorique consiste à revisiter les théories intermédiales dans le contexte épistémologique actuel pour produire un discours inédit sur le phénomène formel en tentant de dépasser les logiques de l’imitation, du transfert et de la représentation. Finalement, l’objectif général est de concevoir, à partir du motif de la disparition, le rôle de la médiation dans les processus dynamiques de singularisation des objets du monde, et ce, hors du paradigme de la représentation. / This thesis will explore, with an intermedial perspective, the relation between processes of remediation and the issue of disparition drawing on three literary and filmic works: Un cabinet d’amateur by Georges Perec (1979), Dora Bruder by Patrick Modiano (1997) and The Prestige, directed by Christopher Nolan (2006). Based on the premise of the existence of a meaningful connection between the heterogeneity of the examined works’ structure of enunciation – convening different genres, forms of expression and medialities – and the pattern of disparition they delineate, the hypothesis we propose is that these works give rise to a metadiscourse inferring a particular mode of interaction induced by disparition: hypermediacy. Conceived as immediacy’s counterpoint, hypermediacy refers to a mode in which the only possible relations occur through mediation, as played out in the works of the sample corpus. The distinctive feature of this approach lies in the interpretation of disparition as possessing a productive aspect, indissociable from the negative aspects of absence, withdrawal or obliteration, to which it is more commonly associated with. The first part establishes the project’s conceptual bases, revitalizing media theories in the light of the performative turn, which launched the post-mediatic period of intermediality. From there is explicated in which ways the corpus’ formal properties can be considered as informing a poetics of remediation. The second part builds on this conceptual framework to conjugate the problem of disparition with that of remediation in order to articulate a potent definition of hypermediacy. Finally, the last section presents three diptych analyses oriented around the concepts of authenticity, Nachleben and institution. The sample corpus primarily contributes to the enlightenment of the conceptual framework along with problematizing the idea of disparition. Lastly, it allows in depth articulations to emanate from the analysis. Three goals are thereby pursued. Firstly, the methodological goal is to direct our attention towards actions and processes rather than objects, favoring an idea of mediation over the more static perspective of media. Secondly, the theoretical goal consists of revising theories of intermediality in the current epistemological context to create an original discourse on the formal phenomenon, with efforts to overcome the logics of imitation, transfer and representation. At last, the general objective is to produce a discourse about the way mediation participates to the dynamic processes of singularization applied to people and objects. Disparition is the prisma through which these processes are conceived in a manner that is contrapuntal to the representational paradigm.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2015-12-15T14:13:00Z No. of bitstreams: 1 carlosgoncalvestavares.pdf: 2841629 bytes, checksum: f3ed9e1d927ae031a82b7dc0378de6d5 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2015-12-15T15:46:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 carlosgoncalvestavares.pdf: 2841629 bytes, checksum: f3ed9e1d927ae031a82b7dc0378de6d5 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-12-15T15:46:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 carlosgoncalvestavares.pdf: 2841629 bytes, checksum: f3ed9e1d927ae031a82b7dc0378de6d5 (MD5) Previous issue date: 2015-02-23 / Os diálogos empreendidos pelas diversas formas de expressões artísticas caracterizam toda a história da humanidade. No século XX é evidente a influência dos meios de comunicação e aparatos técnicos nas pesquisas e criações artísticas. De diferentes modos e estilos, a dança, que também passou por mudanças significativas, tanto no âmbito artístico, quanto nos âmbitos pedagógicos e sociais, utiliza de toda a evolução das mídias em suas criações, desde aqueles que já pertenciam à dança, historicamente, como a iluminação e a música, até o uso mais recente de câmeras, projetores de imagens e outros meios tecnológicos. Desta forma esta dissertação buscou analisar as relações intermidiáticas entre a dança, a imagem, o teatro e a música nos espetáculos da Cia Ormeo, companhia de dança que residia em Cataguases (MG) e, que colocava em diálogo a dança contemporânea, o teatro, a música e os meios audiovisuais, por meio da projeção de imagens. A companhia foi dirigida por Daniela Guimarães e esteve em atividade entre 2003 e 2013, sendo um dos poucos grupos artísticos da cidade de Cataguases e região, que obteve uma trajetória artística através de recursos públicos de fomento à cultura. Foram escolhidos os trabalhos Barco (2006), Nha fala (2005) e Uma mulher vestida de sol (2007) para a análise, tendo como base teórica o conceito da intermidialidade, através de vários autores e principalmente de Irina Rajewsky. Os espetáculos da Cia Ormeo possuem características intermidiáticas, uma vez que diversos elementos artísticos se interconectam através da dança. Nota-se que a dança tem uma forte componente comunicativa que incorpora as características das outras artes e as recria cenicamente. Sendo assim, as coreografias e montagens da Cia Ormeo potencializam as características estéticas do teatro, por meio de suas representações; da música, por meio do tratamento diferenciado da voz e dos sons e do audiovisual, por meio do diálogo imagem-corpo. / The dialogues undertaken by the various forms of artistic expression characterize the entire history of humanity. In the twentieth century it is clear the influence of the media and technical devices in research and artistic creations. In different ways and styles, the dance, which has also undergone significant changes, both in the artistic context, and in the educational and social, uses the whole evolution of media in their creations, from those who already belonged to the dance, historically, as lighting and music, to the more recent use of cameras, image projectors and other technological means. Thus this dissertation investigates the intermedial relations between dance, image, theater and music in spectacles Cia Ormeo, dance company residing in Cataguases (MG) and that placed in the contemporary dance dialogue, theater, music and audiovisual media, by means of the image projection. The company was run by Daniela Guimarães and was active between 2003 and 2013, one of the few artistic groups from the city of Cataguases and region, which obtained an artistic trajectory through public resources to promote culture. The works analyzed were Barco (2006), Nha fala (2005) and Uma mulher vestida de sol (2007) for the analysis, the theoretical ground the concept of intermediality, by various authors and especially Irina Rajewsky. The Cia Ormeo’s gigs have intermedial characteristics, since many artistic elements are interconnected through dance. Note that the dance has a strong communicative component incorporating the features of the other arts and recreates scenically. Thus, the choreography and assemblies Cia Ormeo in enhancing the aesthetic characteristics of theater, through its representations; music, through the differential treatment of voice and sounds and audiovisual through the image-body dialogue.

Valentine Penrose est une poète, romancière et collagiste surréaliste moins connue que certaines de ses homologues telles Frida Kahlo ou Claude Cahun. Si les quelques études qui lui ont été consacrées reconnaissent l’omniprésence du féminin et le caractère inquiétant de certaines manifestations de la femme dans son œuvre, les sources de ces représentations n’ont guère été explorées. Pour combler cette lacune, notre mémoire s’applique à analyser l’œuvre de Penrose afin d’y mettre en lumière la présence textuelle et picturale du saphisme littéraire et du roman gothique, deux influences majeures de l’auteure-artiste. En plus d’étudier en détail les collages insérés dans le recueil de poèmes Dons des féminines, nous explorerons également les nombreuses images in absentia du corpus, car nous constatons que l’écriture penrosienne a très souvent recours aux effets de style « picturaux ». Par conséquent, au fil de nos analyses, nous allons osciller entre une étude littéraire et une approche intermédiale des rapports texte/image, afin de mettre en relief la réactualisation polymorphe de deux traditions ; la présence du saphisme et du gothique transparaît à travers l’emploi de certaines figures de femme, les partis pris thématiques de Penrose, le choix des décors et des trames narratives. Au terme de la présente étude, nous aurons mis en évidence trois figures de femmes propres à l’univers penrosien : la femme-nature, la fugueuse et la rebelle exemplifient, à nos yeux, la manière dont l’œuvre de Penrose se situe à la croisée du saphisme littéraire et du roman gothique. / Valentine Penrose was a surrealist poet, novelist and collagist, less well-known than many of her female counterparts such as Frida Kahlo or Claude Cahun. Albeit few, there are studies on Penrose that recognize both the omnipresence of women and their often disquieting portrayal. The origins of these representations remain, however, largely under-explored. In order to fill this considerable lacuna in existing knowledge on Penrose’s work, this thesis will analyze her œuvre, highlighting the textual and pictorial presence of two major influences: literary Saphism and the Gothic novel. In addition to analyzing the collages that accompany the poetry in Dons des féminines, we will also study the corpus’ many images in absentia, as we believe that Penrose’s style very often has recourse to “pictorial” literary devices. Consequently, throughout our analyses, we adopt both a literary and an intermedial approach, looking closely at both textual and pictorial representations of women in order to demonstrate the polymorphous borrowing of two traditions; Saphism and the Gothic appear via the representation of certain characters, Penrose’s thematic biases and the choice of particular spatial environments and narrative structures. The present study thereby sheds light on the representation of three female figures specific to Penrose’s universe: the woman of nature (la femme-nature), the fugitive (la fugueuse) and the rebel (la rebelle) each exemplify the way in which Penrose’s œuvre is located at the crossroads of literary Saphism and the Gothic novel.

Ce mémoire de recherche-création composé de deux parties s’intéresse à la remédiation de l’autoportrait photographique (l’égoportrait) dans la dramaturgie québécoise contemporaine, plus particulièrement aux relations que celui-ci entretient avec les notions d’identité et d’image. Le monologue hybride Vingt-trois chambres est divisé en dix-neuf tableaux où le personnage retrace en ordre chronologique les dix-neuf lieux dans lesquels il a habité. Le monologue se construit autour d'un dialogue permanent entre deux temporalités (passé et présent), alors que le quotidien de la déambulation (le personnage qui retourne devant ses anciens domiciles et reconstruit le parcours de ses déménagements) et la mémoire des lieux se répondent. La forme hybride repose sur l'établissement d'un dispositif texte/image, dans la façon dont la photographie et la littérature interagissent ensemble. La deuxième partie est un essai intitulé Aux frontières de l’identité : la remédiation du selfie dans la trilogie « Les colonies de l’image » de Guillaume Corbeil. Les pièces Nous voir nous (2013), Tu iras la chercher (2014), et Unité modèle (2016) s'intéressent à la question du « je », à cette figure qui se performe et se (dé)construit, à ce moi qui éclate. Dans les trois œuvres, les personnages se mettent en scène et performent leur vie pour échapper à l'anonymat. Les réseaux sociaux ont transformé nos vies en une succession de mises en scène de soi, de mises en fiction de soi. Dans un premier temps, j'analyse la façon dont ces textes et photographies créent un dialogue entre deux temporalités et deux médias. L'analyse porte ensuite sur cette identité en construction, confrontée à une pluralité de regards (soi, autre, monde). / This two-part research/creation thesis focuses on the remediation of the selfie in contemporary Quebec dramaturgy, with a particular focus on its relationship to notions of identity and image. The hybrid monologue Vingt-trois chambres is divided into nineteen chapters in which the character traces in chronological order the nineteen places in which he lived. The monologue is built around a permanent dialogue between two temporalities (past and present), while the daily life of the stroll (the character who returns to his former homes and rebuilds the path of his moves) and the memory of the places respond to each other. The hybrid form is based on the establishment of a text/image device, in the way that photography and literature interact together. The second part is an essay entitled Aux frontières de l'identité: la remédiation du selfie dans la trilogie "Les colonies de l'image" de Guillaume Corbeil. The plays Nous voir nous (2013), Tu iras la chercher (2014) and Unité modèle (2016) focus on the question of the "I", on this figure that is performing and (de)constructing itself, on this self that explodes. In all three plays, the characters stage themselves or their life to escape anonymity. Social networks have transformed our lives into a succession of self-images, of self-fiction. First, I analyze how these texts and photographs create a dialogue between two temporalities and two media. The analysis then focuses on this identity under construction, confronted with a plurality of perspectives (self, other, world).

The works of Hervé Guibert, French author, photographer and journal, are well-known for the intimate and complex writing of his experience with seropositivity in the midst of the AIDS pandemic in the 1980s and 1990s. Following the publication of À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie (1990), he rapidly gained fame and became of the France’s best-known figures of AIDS literature. His line of work is coherent and homogenous in its themes: Guibert elaborates a complex thought on image and death that spans through his first publication, La Mort propagande (1977), at twenty one years old, all the way through the end of his life, evidently transformed by his illness. All throughout his work, Hervé Guibert creates an imaginary of the ill and dying self that overlaps the literary and visual parts of his works. Under the perspective of intermediality, this the-sis will analyze how this fictionalized version of the self unfolds in L’image fantôme (1981), Cy-tomégalovirus (1992), Le Protocole compassionnel (1993) and Le mausolée des Amants (2001). Hervé Guibert’s work can be seen as a true exploration of the possible mediation(s) of death. Through literary fiction, images and a transhistoric filiation with the Judeo-Christian tradition, his works attempt to create sense from the condemnation. / L’œuvre d’Hervé Guibert, écrivain, photographe et journaliste français, est surtout reconnue par la critique et le public pour le récit intime et complexe de l’expérience de la séropositivité lors de l’éclosion de la pandémie du sida dans les années 1980-1990. Érigée comme figure de proue de la littérature du sida en France suite à la publication d’À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie (1990), son œuvre, dont la production s’étend sur près de deux décennies, est cohérente et homogène dans les thèmes qu’elle aborde : une réflexion sur l’image et la mort s’élabore dès la première publication, La mort propagande (1977), alors que Guibert n’avait que vingt et un ans et se poursuivra jusqu’à la toute fin, transformée par la maladie. Tout au long de son œuvre, Hervé Guibert se construit un imaginaire du soi malade et mou-rant qui se déploie sur le plan littéraire et visuel. Dans une perspective intermédiale, il sera question, dans ce mémoire, d’analyser les formes de construction de cet acte de faire-image de soi dans L’image fantôme (1981), Cytomégalovirus (1992), Le Protocole compassionnel (1993) et Le mau-solée des amants (2001). L’œuvre d’Hervé Guibert peut ainsi être considérée comme une véritable exploration des possibilités de médiation(s) de la mort. L’élaboration d’un imaginaire du soi malade et mourant s’observe sur le plan du récit, de l’image et d’une filiation transhistorique avec la tradi-tion judéo-chrétienne. Son œuvre tente, malgré tout, de faire sens de la condamnation.

This essay examines through a postcolonial analysis of the intermedial aspects of comicbooks how stereotypes and depictions of the Other and the alien are formed in Tintin au Congo and Tintin en Amérique. The aim has been to call attention to the importance of the relationship between text and image to create meaning, as well as to gain a deeper insight into how different stereotypes are created and their function. Hergé illustrated the Tintin-books according to something that would come to be known as ”The Clear Line”, a way of drawing that focused on the readbility of the images. In this essay I argue that the simplicity of these readable images were used in his work as comic relief but also to create an awareness of deeper social issues in the world. There is a notable difference between Tintin au Congo and Tintin en Amérique where in the first album Hergé seems to be governed by these stereotypes, fully embracing them without questioning. In the second one however he is consciously and playfully using these images to make the reader aware of the problems with Othering, simultaneously using recognizable symbols that everyone can understand but with a critical gaze that not only reveals these problems but also condemns them. The use of these symbols and stereotypes highlights the importance of the relationship between text and image, as signification and meaning can differ depending on translation and the words used.

Les romans graphiques contemporains abordent des thématiques intimistes telles que l’autobiographie et le récit de la vie quotidienne. Ils se confrontent aux problématiques de représentation de l’indicible, de l’intériorité qui résiste à la monstration directe face auxquelles ils doivent inventer des modalités de dévoilement qui ne risquent pas de dénaturer l’intime. Pour ce faire, les artistes ont fréquemment recours à des procédés propres à d’autres médias, ou à des références à ceux-ci, qui créent une brèche dans la narration et la figuration, et permettent de laisser entrevoir l’intime. Le théâtre, la photographie, le carnet de voyage et de croquis, la danse et le cinéma font fréquemment irruption au détour d’une case et vont même jusqu’à modifier en profondeur la forme des roman graphiques. Il s’agira, à travers un corpus d’une quarantaine d’œuvres espagnoles contemporaines, intimistes et intermédiales, d’analyser les modalités de représentation de l’intime, de redéfinir ses enjeux au XXIème siècle, et de démontrer que les références intermédiales permettent de réarticuler le texte et l’image dans le roman graphique pour le suggérer. La Critique des dispositifs et l’approche intermédiale constituent des outils pertinents pour examiner les différents niveaux d’imbrication entre les différents médias, et leurs incidences sur la figuration de l’intime. La porosité intermédiale du roman graphique interroge également son statut médiatique et sa place dans le panorama éditorial et culturel contemporain. Ses rapports avec la bande dessinée et le roman s’avèrent en effet ambigus, puisqu’ils oscillent entre rapprochement et différenciation, tantôt affirmant, tantôt remettant en question l’indépendance médiatique du roman graphique. Il s’agira donc de déterminer, au terme de ce travail, si ce dernier s’est établi en tant que série culturelle séparée de la bande dessinée, ou s’il s’inscrit encore dans une phase d’émergence. / Contemporary graphic novels address intimate themes such as autobiography and everyday life. They try to represent the unspeakable, the interiority that resists direct figuration, and they have to create modalities of disclosure that do not imply the distortion of intimacy. To do so, graphic novel artists often resort to strategies used by other media. They can also refer to them in order to cause a breach in the narrative and the figuration through which the reader can catch a glimpse of intimacy. Theater, photography, sketches or travelbooks, dance or cinema often break into the panel. They can even deeply modify the form of graphic novels. Analysing nearly forty intimate and intermedial contemporary Spanish graphic novels, this thesis studies the modalities of representation of intimacy. Moreover, it aims at defining its challenges in the 21st century. It also shows that intermedial references allow the artist to articulate the text and the image in a different way to suggest intimacy. Apparatus and intermediality theories turn out to be relevant tools to examine interconnection levels between different media, as well as their impact on the figuration of intimacy. The intermedial porosity of the graphic novel also questions its media status and its position in the contemporary editorial and cultural context. Its relations with the comic and the novel are ambiguous, since they oscillate between distancing and approaching. Moreover, on the one hand, they corroborate the mediatic independence of the graphic novel, while, on the other hand, they invalidate it. This thesis aims at finding out if the contemporary Spanish graphic novel is already established as a cultural series differentiated from the comic, or if it is still in an emerging stage. / Las novelas gráficas contemporáneas tratan temáticas intimistas, por ejemplo la autobiografía o el relato del día a día. Plantean cómo representar lo indecible, la interioridad que resiste a la figuración directa, y tienen que inventar modalidades de desvelamiento que no impliquen la desvirtuación de lo íntimo. Entonces, los artistas recurren con frecuencia a estrategias propias de otros medios, o se refieren a ellos para crear brechas en la narración y en la imagen a través de las cuáles lo íntimo se deja entrever. El teatro, la fotografía, el libro de bocetos y de viaje, la danza o el cine irrumpen a menudo en las viñetas, y hasta pueden modificar en profundidad la forma de las novelas gráficas. Este trabajo observa, en unas cuarenta obras españolas contemporáneas, intimistas e intermédiales, las modalidades de representación de lo íntimo, y define sus retos en el siglo XXI. Demuestra también que las referencias intermediales permiten articular de una manera distinta el texto y la imagen en la novela gráfica para sugerirlo. La Crítica de los dispositivos y las teorías intermediales resultan ser herramientas pertinentes para examinar los niveles de interconexión entre los distintos medios, y sus incidencias en la figuración de lo íntimo. La porosidad intermedial de la novela gráfica también pone en tela de juicio su estatuto mediático y su ubicación en el panorama editorial y cultural contemporáneo. Sus relaciones con el cómic y la novela son ambiguas, puesto que oscilan entre distanciamiento y acercamiento, y que, por un lado, corroboran la independencia mediática de la novela gráfica, y, por otro lado, la invalidan. Esta tesis intenta averiguar si la novela gráfica española contemporánea ya está asentada como serie cultural diferenciada del cómic, o si sigue involucrada en una fase de emergencia.

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