Les romans graphiques contemporains abordent des thématiques intimistes telles que l’autobiographie et le récit de la vie quotidienne. Ils se confrontent aux problématiques de représentation de l’indicible, de l’intériorité qui résiste à la monstration directe face auxquelles ils doivent inventer des modalités de dévoilement qui ne risquent pas de dénaturer l’intime. Pour ce faire, les artistes ont fréquemment recours à des procédés propres à d’autres médias, ou à des références à ceux-ci, qui créent une brèche dans la narration et la figuration, et permettent de laisser entrevoir l’intime. Le théâtre, la photographie, le carnet de voyage et de croquis, la danse et le cinéma font fréquemment irruption au détour d’une case et vont même jusqu’à modifier en profondeur la forme des roman graphiques. Il s’agira, à travers un corpus d’une quarantaine d’œuvres espagnoles contemporaines, intimistes et intermédiales, d’analyser les modalités de représentation de l’intime, de redéfinir ses enjeux au XXIème siècle, et de démontrer que les références intermédiales permettent de réarticuler le texte et l’image dans le roman graphique pour le suggérer. La Critique des dispositifs et l’approche intermédiale constituent des outils pertinents pour examiner les différents niveaux d’imbrication entre les différents médias, et leurs incidences sur la figuration de l’intime. La porosité intermédiale du roman graphique interroge également son statut médiatique et sa place dans le panorama éditorial et culturel contemporain. Ses rapports avec la bande dessinée et le roman s’avèrent en effet ambigus, puisqu’ils oscillent entre rapprochement et différenciation, tantôt affirmant, tantôt remettant en question l’indépendance médiatique du roman graphique. Il s’agira donc de déterminer, au terme de ce travail, si ce dernier s’est établi en tant que série culturelle séparée de la bande dessinée, ou s’il s’inscrit encore dans une phase d’émergence. / Contemporary graphic novels address intimate themes such as autobiography and everyday life. They try to represent the unspeakable, the interiority that resists direct figuration, and they have to create modalities of disclosure that do not imply the distortion of intimacy. To do so, graphic novel artists often resort to strategies used by other media. They can also refer to them in order to cause a breach in the narrative and the figuration through which the reader can catch a glimpse of intimacy. Theater, photography, sketches or travelbooks, dance or cinema often break into the panel. They can even deeply modify the form of graphic novels. Analysing nearly forty intimate and intermedial contemporary Spanish graphic novels, this thesis studies the modalities of representation of intimacy. Moreover, it aims at defining its challenges in the 21st century. It also shows that intermedial references allow the artist to articulate the text and the image in a different way to suggest intimacy. Apparatus and intermediality theories turn out to be relevant tools to examine interconnection levels between different media, as well as their impact on the figuration of intimacy. The intermedial porosity of the graphic novel also questions its media status and its position in the contemporary editorial and cultural context. Its relations with the comic and the novel are ambiguous, since they oscillate between distancing and approaching. Moreover, on the one hand, they corroborate the mediatic independence of the graphic novel, while, on the other hand, they invalidate it. This thesis aims at finding out if the contemporary Spanish graphic novel is already established as a cultural series differentiated from the comic, or if it is still in an emerging stage. / Las novelas gráficas contemporáneas tratan temáticas intimistas, por ejemplo la autobiografía o el relato del día a día. Plantean cómo representar lo indecible, la interioridad que resiste a la figuración directa, y tienen que inventar modalidades de desvelamiento que no impliquen la desvirtuación de lo íntimo. Entonces, los artistas recurren con frecuencia a estrategias propias de otros medios, o se refieren a ellos para crear brechas en la narración y en la imagen a través de las cuáles lo íntimo se deja entrever. El teatro, la fotografía, el libro de bocetos y de viaje, la danza o el cine irrumpen a menudo en las viñetas, y hasta pueden modificar en profundidad la forma de las novelas gráficas. Este trabajo observa, en unas cuarenta obras españolas contemporáneas, intimistas e intermédiales, las modalidades de representación de lo íntimo, y define sus retos en el siglo XXI. Demuestra también que las referencias intermediales permiten articular de una manera distinta el texto y la imagen en la novela gráfica para sugerirlo. La Crítica de los dispositivos y las teorías intermediales resultan ser herramientas pertinentes para examinar los niveles de interconexión entre los distintos medios, y sus incidencias en la figuración de lo íntimo. La porosidad intermedial de la novela gráfica también pone en tela de juicio su estatuto mediático y su ubicación en el panorama editorial y cultural contemporáneo. Sus relaciones con el cómic y la novela son ambiguas, puesto que oscilan entre distanciamiento y acercamiento, y que, por un lado, corroboran la independencia mediática de la novela gráfica, y, por otro lado, la invalidan. Esta tesis intenta averiguar si la novela gráfica española contemporánea ya está asentada como serie cultural diferenciada del cómic, o si sigue involucrada en una fase de emergencia.

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En el contexto del proyecto nuestro trabajo tiene dos finalidades fundamentales. La primera es contribuir a las ciencias del teatro desde un punto de vista de la teoría de la cultura (postcolonial y postmoderna) enfrentando problemas teóricos de la transversalidad, hibridez y transmedialidad así como sus relaciones entre ellas y, al mismo tiempo, tratar también el fundamental problema del cuerpo como lenguaje sui generis, un campo en el que la teoría aún está realmente en sus comienzos. Como segunda finalidad aplicamos la descripción del fenómeno tratado teóricamente a un performer, Alberto Kurapel, en el que se encuentran todos los aspectos a tratar en forma ejemplar, ya que sus producciones se caracterizan por ser un espectáculo objeto y metateatral y transcultural que cuestionan el término tradicional de teatro, introduciendo así una nueva categoría de la teatralidad. Dentro de este contexto nos referiremos al problema de translación, ya sea ésta cultural o de medios de formas de representación teatral, es decir, analizaremos la conjunción o entrelazamiento de diversos códigos culturales, mediales u otros en la obra de Alberto Kurapel. De esta forma, los campos de texto-imagen, texto-cuerpo, diversidad de medialidades y deconstrucción de posiciones hegemónicas y sustancialistas. serán algunos de los puntos centrales del presente trabajo.:Introducción. - Las "performances" de Alberto Kurapel : hibridez y performance, "teatralidad menor". - Hibridez cultural en las performances de Alberto Kurapel. - Transmedialidad en las performances de Alberto Kurapel. - Gestualidad y cuerpo en las performances de Alberto Kurapel. - Kurapel : metateatralidad y ludicidad. - Resumen

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Désireuse de s’affranchir d’une approche essentialiste et figée de la poésie au théâtre ainsi que d’une lecture générique, cette recherche envisage selon une méthodologie intermédiale les relations entre théâtre et poésie. En analysant un corpus témoin composé de créations textuelles et scéniques, elle montre comment la présence active de la poésie travaille le théâtre, et partant, elle les précise tous deux par leursinteractions. La première partie établit une généalogie de l’intermédialité du théâtre et de la poésie, ainsi que des liens dynamiques entre théâtre et poésie. Tout au long du XXe siècle, poésie et théâtre se sont en effet affirmés comme des "hypermédias"(Kattenbelt), mettant respectivement en jeu divers médias, tandis que plusieurs dramaturges ont développé des poésies théâtrales explorant des processus intermédiaux. Sont dégagées et analysées quatre configurations spécifiques à travers les œuvres et réflexions de Mallarmé et Maeterlinck, de Stein et Artaud, de Gauvreau et Novarina et à travers la poésie transmédiale que Cocteau développe entre théâtre et cinématographe. Consacrée au tournant des XXe et XXIe siècles, la deuxième partie élabore une approche théorique du poème théâtral, qui actualise les relations entre théâtre et poésie.Le poème théâtral constitue un dispositif intermédial qui, selon un modèle élaboré par Ortel et Rykner, articule inextricablement trois niveaux : technique, pragmatique et symbolique. Plusieurs traits précisent ce dispositif : sa radicalité dynamique, sa performativité, sa valorisation de l’écriture comme processus, et sa façon de considérer l’impossible comme moteur théâtral. Des analyses d’œuvres textuelles et scéniques de Kane, Malone, Danis, Régy et Lemoine montrent ensuite comment ce dispositif intermédial est activé et ce que le poème théâtral propose au lecteur et au spectateur comme expérience esthétique. Saisir le devenir intermédial de la poésie au théâtre permet de penser un modèle interartial placé sous le signe de l’hospitalité, où les arts, égaux, dialoguent entre eux et échangent, en faisant travailler ensemble leurshétérogénéités et leurs altérités. / In an effort to do away with an essentialist, rigid, and generic approach to poetry in dramatic works, this research looks at the relationship between poetry and drama using an intermedial methodology. By studying a sample corpus made up of textual and theatrical works, this thesis shows how the active presence of poetry is at work in theatre, thereby redefining each of the two concepts through the ways in which they interact. The first chapter traces the genealogy of intermediality within poetry and drama, and that of the dynamic connections between drama and poetry. Throughout the twentieth century, poetry and theatre have come to be seen as « hypermedia » (Kattenbelt), each of them bringing into play various types of media. Meanwhile a number of playwrights started developing dramatic poems exploring intermedialprocesses. This research identifies and analyses four distinct forms in the thought and works of Mallarmé and Maeterlinck, Stein and Artaud, Gauvreau and Novarina, through the transmedial poetry developed by Cocteau at the confines of drama and cinematography. With a focus on works from the turn of the twentieth to twenty-first century, the second chapter offers a theoretical approach to the dramatic poem, that seeks to bring an updated approach to interactions between drama and poetry. The dramatic poem is an intermedial apparatus that, in Ortel and Rykner's view, inextricably combines the technical, the pragmatic and the symbolic. This apparatus is characterised by its dynamic radicalism, its performativity, its focus on the value of writing as a process and the way in which it conceives of impossibility as a dramatic driving force. Analyses of textual and dramatic works by Kane, Malone, Danis, Régy and Lemoine suggest how intermedial apparatuses are triggered and the kind of aesthetic experience the dramatic poem offers to readers and viewers. Contemplating intermedial processes of poetry in theatre allows for the reframing of an interartial model in an inclusive, hospitable fashion, where all art forms are considered equal, engage in dialogue and exchange, and combine their differences towards a common object.

Title: Metaphor and Contemporary Art Author: Mgr. et MgA. Markéta Magidová Department: Department of Aesthetics Supervisor: Mgr. Ondřej Dadejík, Ph.D Abstract In my dissertation I present arguments for the validity of the aesthetic conception of art (a conception based on the notion of aesthetic experience) also in relation to the development of art movements in the last half century. I do so on the basis of an interpretation of the aesthetic dimension of art through art theory as an extended concept of metaphor. I argue that it is the living metaphor that functions in works of (not only) contemporary art as their aesthetic model. I elaborate this idea through the interconnection of three convergent and currently influential concepts: Paul Ricoeur's hermeneutic theory of living metaphor, Martin Seel's aesthetics of appearing, and Alva Noë's theory of art as a strange tool. I lay out the key conditions and characteristics of the process of the emergence of metaphorical meaning and then relate these to the characteristics of artistic appearance. In the perspective of art as living metaphor, the myths and misunderstandings between aesthetics and artistic practice caused by the transformation of artistic production, especially with the advent of the neo-avant-gardes, persisting to the present day, can be...

I skolans läseböcker används ofta bilder som stöd för läsningen. Men om bilder kräver att läsaren förstår bildkaraktärers sinnestillstånd riskerar de att hindra läsförståelsen hos elever med outvecklad mentaliseringsförmåga, vilka kan finnas bland exempelvis barn med autismspektrumtillstånd. Syftet med studien är att undersöka hur mentaliseringskrävande bilder och relationen mellan ord och bild i läseböckerna Den magiska kulan 1A och Den magiska kulan 1C för årskurs 1 påverkar möjligheten till läsförståelse för elever med outvecklad mentaliseringsförmåga. Som utgångspunkt ligger intermediala studier och Langers teori om läsning som ett byggande av föreställningsvärldar. Läsebokens bild och skrivna text utgör likvärdigt meningsbärande textmodaliteter som tolkas i läsarens möte med texten. Genom kvalitativ innehållsanalys undersöks bilders mentaliseringskrav, samt omfattning och form av läsförståelsestöd som ges genom den skrivna texten. Resultatet visar att stora delar av materialet kräver mentaliseringsförmåga för läsförståelse. Den skrivna textens explicita uttryck av mentaliseringskrävande bildelement gör merparten av läseböckernas innehåll tillgängligt. Samtidigt utgör en betydande andel av bilderna hinder för läsförståelse genom implicit eller utebliven stöttning i den skrivna texten, främst i texter med kompletterande berättelseform.

Cette thèse pose un regard critique sur la dimension politique de la scène contemporaine de théâtre au Québec, dans une perspective comparative avec celle allemande, avec une attention particulière pour les villes de Montréal et Berlin. L’autrice y explore, dans la mise en scène, les gestes et les stratégies qui permettent à l’artiste de prendre position politiquement par le théâtre, soient le recours au réel, la traduction, l’adaptation et l’ironie. La mise en relation entre Berlin et Montréal se traduit dans chacun de ces gestes, mais aussi de façon générale, dans le rôle historique et symbolique que joue l’Allemagne chez les artistes de théâtre au Québec. L’analyse prend pour objet un corpus susceptible d’être diffusé dans le réseau international des arts vivants, composé de six productions récentes ("Le NoShow" (2013) du collectif Nous Sommes Ici et du théâtre du Bunker, "Fear" (2015) de Falk Richter, "100% Montréal" (2017) de Rimini Protokoll, "Macbeth" de Shakespeare monté en 2016 par Angela Konrad, "Ein Volksfeind" de Henrik Ibsen monté en 2012 par Thomas Ostermeier et "Dans la République du bonheur" de Martin Crimp monté en 2015 par Christian Lapointe). L’approche privilégiée, inspirée de l’expérience comme conseillère dramaturgique de l’autrice, est celle de l’intermédialité. Ainsi, les dimensions politiques des oeuvres sont étudiées dans la forme que prend leur propos, dans les esthétiques et les traditions convoquées par les choix de la mise en scène, ainsi que dans les mécanismes déployés pour établir une relation avec le public. L’approche intermédiale implique aussi de mettre en relation ces éléments avec leur contexte de production, du fonctionnement institutionnel des théâtres aux modes de financement qui en permettent la réalisation, en passant par le subtil rapport de force qui régit le milieu des arts de la scène. En prenant soin de cerner les contradictions au sein des oeuvres étudiées, cette thèse esquisse une approche critique des politiques de la scène contemporaine de théâtre, dans une démarche au plus près de la pratique. / This thesis offers a critical perspective on the political aspects of contemporary theatre in Quebec by using a comparative perspective with German theatre, with a particular focus on the cities of Montreal and Berlin. The author explores staging methods, gestures, and various strategies used by theatre artists to adopt political stances through theatre such as : the use of the real, translation, adaptation, and irony. The connection between Montreal and Berlin is highlighted through various gestures but also through the historical and symbolic role Germany has long held for Québécois theatre artists. This analysis will take into account a corpus of recent productions subject to international presentation : ("Le NoShow" (2013) from the artist collective Nous Sommes Ici and the Bunker theatre, "Fear" (2015) by Falk Richter, "100% Montréal" (2017) by Rimini Protokoll, Shakespeare’s "Macbeth" staged in 2016 by Angela Konrad, "Ein Volksfeind" by Henrik Ibsen staged in 2012 by Thomas Ostermeier and "Dans la République du bonheur" by Martin Crimp staged in 2015 by Christian Lapointe). Drawing on the author’s own experiences working as a dramaturg in Quebec, the thesis adopts an intermedial approach in order to explore the political aspects of the aforementioned works ; thus, it looks at what traditions are conveyed and what aesthetics are deployed through staging, as well as a host of other mechanisms, whose aim it is to garner audience sympathies. This intermedial approach will also shed a light on those elements by using the context of production, the institutional operations of theatres as to how they are financed, and the power relationships within the performing arts sector. By determining the contradictions in the studied works, this thesis will critique the politics of contemporary theatre through a practical methodology.

The aim of this thesis is to study the structures and contents of art paraphrases during the first year of the Covid-19 pandemic through semiotics, intertextuality and intermediality, to create an understanding of what the reuse, or appropriation, of art can mean and which roles it could play in a contemporary visual culture. To achieve this, six “Covid paraphrases” are analysed alongside a rich complementary material collected from November 2021—February 2023 through netnographic methods focused on the social media platform Instagram. The study is centred around three categories of Covid paraphrases: positively modified paraphrases, negatively modified paraphrases and paraphrases modified through the act of substitution. The study finds that Covid paraphrases often build upon famous classical art works that contain human figures. These figures, as well as other elements of the image, are shown to be removed, relocated or replaced in the paraphrase. In other Covid paraphrases, new details are added to the image, often portraying objects connected to the pandemic, such as face masks or toilet paper. Most often, they are created, distributed and viewed through digital media, unlike the art works they build upon which generally take the shape of physical paintings. Surprisingly, the study of art paraphrases during the pandemic shows that the visual culture of Covid-19 consists of a considerable amount of humour despite the unstable state of the world. In this context, the Covid paraphrases play the role of the entertainer, and by reminding the public of the authorities’ restrictions in the fight against the new coronavirus, as well as of the long history of art, the paraphrases can also be seen as a source for information. Together with other new images, the Covid paraphrases create a new visual language filled with pandemic-specific signs. This reuse of images updates classical art works and gives them a new meaning in a modern setting, while simultaneously attaching the new paraphrase to an established history. These processes leave room for a revised and expanded art historical canon suitable for a global Internet culture.

Föreliggande studie syftar till att undersöka hur elevers berättande texterpåverkas av att skriva med bild som inspirationskälla och utan. Elevernastexter genomgår en textanalys där de två texterna analyseras utifrån dess längd,röd tråd och struktur samt formord och innehållsord för att vidare jämföras. Vidare lyfts sex elevers tankar och åsikter gällande de två metoderna genomintervjuer. Utifrån studiens frågeställningar sammanställs texternas analyseroch elevernas transkriberade intervjuer för att senare presenteras i resultatet. Studiens teoretiska ram har sin utgångspunkt i intermediala studier som vidarekopplas till det resultat studien presenterar. Det framkommer i resultatet att detexter eleverna skriver utan bilden innehåller fler formord och innehållsordsamt att en högre procent av eleverna uppvisar en tydlig struktur och en rödtråd. Vidare visar resultatet att eleverna skriver längre texter med bilden. Tvåelever hade valt att skriva med en bild som inspirationskälla igen om de fåttchansen, detta för att utmana sig, dock ansåg alla intervjuade elever att det varsvårare att skriva med en bild som inspiration.