Thèse défendue en régime co-tutelle entre l'Université Paris 3 Sorbonne-Nouvelle et l'Université de Montréal / Consacrée à la multiplication des spectacles à haute teneur technologique, cette thèse porte sur la question de la disparition du comédien de la scène, selon une approche intermédiale. Le postulat de base est que le théâtre est un média, incorporant divers autres médias, approche actuellement très débattue à l’intérieur du champ théâtral. Ainsi, la recherche est orientée vers les pratiques européennes et nord-américaines d’aujourd’hui, à savoir les spectacles mis en scène depuis l’an 2000 jusqu’à nos jours (Castellucci, Vorn, Goebbels). Pour désigner les spécificités scéniques de cette période, le terme « extrême-contemporain » est mobilisé. Il accrédite les techniques et les technologies les plus récentes dans la fabrique du théâtre dont les artistes conceptualisent des scénarios possibles de l’avenir. Aiguillonné par un tel réflexe techno-scientifique, ce travail de recherche explore également plusieurs concepts déferlant actuellement sur la scène intellectuelle savante, tels que l’excommunication (Galloway), les Nouveaux matérialismes (Barad) et le posthumanisme (Besnier). Afin de mieux rendre compte de la portée scientifique de ces courants de pensée, la thèse s’appuie sur la notion d’entropie, issue de la physique. L’hypothèse qui sous-tend la démarche est que ces théories opèrent une entropie, induisent de cette façon une épistémologie unitaire nouvelle. L’auteur de ce texte explore les liens entre ces théories et le spectacle vivant extrême-contemporain, en défendant la thèse que l’analogie entre eux permet une meilleure compréhension à la fois de ce qui se passe dans le paysage scénique actuel et dans l’horizon intellectuel encore à venir. / Focused on the increase of theatre shows with a high degree of technological involvement, this thesis deals with the question of the disappearance of the living actor on the stage, with an intermedial approach. The basic postulate is that the theatre is a media, incorporating diverse media, an approach currently very much debated inside the theatrical academic community. Thus, this research is oriented towards today’s European and North American practices, namely the performances staged since the year 2000 until today (Castellucci, Vorn, Goebbels). In order to designate the scenic specificities of this period, the term "extreme-contemporary" is introduced. It accredits the most recent techniques and technologies in the theatre productions whose artists conceptualize possible scenarios of the future. Guided by such a techno-scientific reflex, this research work also explores several concepts currently sweeping the scholarly intellectual scene, such as excommunication (Galloway), New-materialisms (Barad) and posthumanism (Besnier). In order to better account for the scientific significance of these currents of thought, the thesis relies on the notion of entropy, derived from physics. The hypothesis underlying the approach is that these theories operate an entropy, thus inducing a new unitary epistemology. The author of this thesis explores the links between these theories and the extreme-contemporary live performance, defending the idea that the analogy between them allows both a better understanding of what is happening on the current scenic landscape and on the intellectual horizon yet to come.

The dissertation is devoted to the study of ecphrasis in the“Three stories” cycle by G. Flaubert. The theoretical chapter deals with the problem of ecphrasis in literary criticism in the following aspects: the genesis of ecphrasis as a literary device, ecphrasis in ancient literature and rhetoric, new theories of ecphrasis, ecphrasis as a genre, ecphrasis in the context of the narrative approach, types and functions of ecphrasis, ecphrasis in relation to intermediality. Further, the paper reveals and investigates ecphrastic descriptions in each of the stories included in the collection by G. Flaubert, particularly those referring to the well-known paintings by European artists and the bas-relief of the cathedral of Rouen. Much attention is paid to investigating the semantics of these descriptions against the background of Christianity, which is broadly present in the cycle, as well as their relation to imagery, plot development, composition, and the motive structure of the stories. / Данная работа посвящена исследованию экфрасиса в цикле «Три повести» Г. Флобера. В теоретической главе рассматривается проблема исследования экфрасиса в литературоведении в следующих аспектах: генезис экфрасиса, экфрасис в античной литературе и риторике, новейшие теории об экфрасисе, экфрасис как жанр, экфрасис с точки зрения нарративного подхода, функции экфрасиса, виды экфрасиса, экфрасис в историко-литературной перспективе, экфрасис в контексте явления интермедиальности. Во второй главе исследуются экфрастические описания в каждой из новелл, входящих в сборник Г. Флобера, отсылающих, в частности, к известным картинам европейских художников, а также к барельефу Руанского собора.. Большое внимание уделяется взаимосвязи экфрасиса с христианским подтекстом, имеющим большое значение для понимания смысловой структуры цикла, а также с системой образов, сюжетом, композицией, основными мотивами повестей цикла.

This master thesis is an autoethnographic study, wherein the author presents and analyzes her approach to composition practice through intertextuality. Drawing on previous research in literary and musical studies, she aims to identify and/or define the types of intertextuality that she uses in her compositional practice, and their interaction within compositions. She also investigates, in which ways different musical and literary texts can mutually influence and enhance each other, as well as how these forms of intertextuality function in specific performance settings. Finally, the author contemplates on the question how intertextual elements might mediate in translating the author’s intentions to the audience, at least from the perspective of the composer. After a quick overview of ten of Astar’s musical works, making use of intertextuality as a composition strategy, the study focuses on a detailed analysis of two pieces, Escape and The Checkered Flag Villanelle, that rely upon contrasting ways of building cross-textual relationships. The analysis utilizes, among others, the topologies found in the works by Genette, Burkholder and Kawamoto. The author also makes an attempt at extending the existing terminology by suggesting such new terms as concept borrowing, interpermeating intertextuality, imposed intertextuality, transverbal prosodization and some other. This terminology is applied in the work to describe the types of cross-textual strategies used in Astar’s classical compositions that do not appear to be covered by any of the aforementioned topologies. The work also offers a first-person perspective at a close collaboration of a composer and a poet, where the result is a variety of artistic works, all of which employ multi-layered intertextuality and an intermedial approach.

Cette recherche s’articule autour de la notion de « biofiction » dont l’importance est expliquée à partir des notions de « biographie », « hagiographie », « autobiographie », mais aussi de « récit mythique », d’« autofiction » et de « vulgarisation ». La biofiction, une fiction biographique, permet d'aborder des phénomènes littéraires contemporains dans lesquels l'exemplarité de certaines figures est centrale. Le corpus littéraire à l’étude se compose de bio\hagio fictions postmodernes sur la visionnaire du XIIe siècle Hildegarde de Bingen et le peintre baroque de la fin du XVIe et début du XVIIe siècle Le Caravage (Nobécourt, 2013; Tancredi, 2012; Fernandez, 2002; Haenel, 2019). Comment (et pourquoi) des auteurs abordent-il aujourd'hui selon une perspective transculturelle et transhistorique de telles figures? À partir de quatre romans qui (ré)adaptent la vie de ces deux figures, je montrerai de quelle façon l’exemplarité et la singularité de leur existence est cristallisée par le roman et peut franchir les carcans du « biographique » en leur permettant de passer de personnage de fiction à lieu de mémoire (Nora, 1993). Pour ce faire, il sera question de sonder les spécificités de l’écriture biographique et hagiographique et le cas du personnage de roman tel que considéré dans les théories de la narratologie (Dosse, 2011) : qu’est-ce qui forme le fictif, de quelle manière se met-t-il en opposition (et en adhésion) avec le biographique? L'analyse du corpus se concentrera aussi sur des éléments narratologiques qui sont souvent mis de l'avant dans la recherche-création en biofiction : des expérimentations narratives où s’enchaînent et s’alternent les narrations extra, intra, hétéro et méta diégétique, ainsi que les focalisations interne, externe et zéro. Il sera question de démontrer de quelle manière les jeux narratifs servent le récit biofictif et quelles stratégies et méthodologies les auteurs utilisent pour conférer à leurs romans crédibilité, singularité et légitimité biographique. Ce mémoire a pour but de disséquer, sous plusieurs angles, (littéraire, sociologique, narratologique, médiatique, culturel, historique) la biofiction comme forme (Viart, 2001) dans toute son hybridité, telle qu'elle a été pratiquée (dans les pays occidentaux) au cours des dernières années (2000 à 2020). / This research revolves around the notion of "biofiction", the importance of which is explained from the notions of "biography", "hagiography", "autobiography", but also "mythical narrative", "autofiction" and "popularization". Biofiction, a biographical fiction, makes it possible to approach contemporary literary phenomena in which the exemplarity of certain figures is central. The literary corpus under study consists of postmodern bio\hagio fictions about the 12th century visionary Hildegard of Bingen and the late 16th - early 17th century Baroque painter Caravaggio (Nobécourt, 2013; Tancredi, 2012; Fernandez, 2002; Haenel, 2019). How (and why) do authors today approach such figures from a transcultural and transhistorical perspective? Based on four novels that (re)adapt the lives of these two figures, I will show how the exemplarity and singularity of their existence is crystallized by the novel and can cross the shackles of the "biographical" by allowing them to pass from fictional character to place of memory (Nora, 1993). To do this, we will probe the specificities of biographical and hagiographical writing and the case of the novel character as considered in the theories of narratology (Dosse, 2011): what forms the fictional, in what way does it stand in opposition (and in adhesion) with the biographical? The analysis of the corpus will also focus on narratological elements that are often put forward in biofiction research-creation: narrative experiments where extra, intra, hetero and meta diegetic narratives, as well as internal, external and zero focus, are linked and alternated. It will demonstrate how narrative games serve the biofiction narrative, and what strategies and methodologies the authors use to give their novels credibility, singularity, and biographical legitimacy. This dissertation aims to dissect, from several angles (literary, sociological, narratological, media, cultural, historical) biofiction as a form (Viart, 2001) in all its hybridity, as it has been practiced (in Western countries) in recent years (2000 to 2020).

Studien undersöker användningen av Goyas etsning När förnuftet sover kommer monstren och Fuselis oljemålning Nattmaran som förekommer i slasherfilmen Terror på Elm Street (2010). Konstverken är placerade i en scen där konstverken bland annat får en självrefererande roll eftersom det som sker i konstverken även sker i filmen. Syftet med studien är att undersöka vad konstverken fyller för funktion i filmen och att undersöka om det finns stilistiska och tematiska likheter mellan konstverken och filmen trots att det skiljer ungefär 200 år mellan dem. De båda konstverken analyseras semiotiskt och filmen analyseras främst utifrån studiens teoretiska perspektiv: intermedialitet, transmediering och intertextualitet.   Resultatet visar att slasherfilmer och skräckfilmer är väldigt flitiga med användandet av intertextuella referenser och självrefererande uttryck men att det är svårt att veta exakt vad konstverken har för betydelse. Tidigare forskning visar att tidig skräckfilm inspirerades av gotiska romaner och romantiska konstverk vilka transmedierades till filmmediet när det var tekniskt möjligt. Mellan konstverken och filmen går det att hitta flera stilmässiga och tematiska likheter som är typiska för det som började framhävas under romantiken. Terror på Elm Street (2010) bär på flera postmoderna drag, bland annat eftersom filmen kombinerar uttryck från det förflutna och berör gränsen för vad som ses som fin- respektive populärkultur. / This study examines Goya’s etching The Sleep of Reason Produces Monsters and Fuseli’s The Nightmare and how they are used in the slasher movie A Nightmare on Elm Street (2010). The purpose of this study is to explore the artworks and their role within the movie and examine if it is possible to distinguish stylistic and thematic similarities between the works despite being separated by approximately 200 years. The artworks are analyzed according to a semiotic method, while the movie is analyzed mainly using the study’s theoretical aspects: intermediality, transmediality and intertextuality. The result shows that intertextual references and self-referential expressions are frequently used in slasher movies. However, the specific role which these artworks play in the movie is often hard to decipher. There are several similarities between the artworks and the movie and previous studies shows that early horror movies were influenced by gothic novels and romantic paintings which were transmediated to fit the film medium. The art works used in A Nightmare on Elm Street (2010) have the same motifs as part of the film’s story and are also part of a postmodern trend of mixing between so called high culture and popular culture.

Cette thèse pose la question de la fortune remarquable du surréalisme en Belgique et porte particulièrement attention à la poétique de Christian Dotremont qui, après une période surréaliste, trace le premier logogramme en 1962. La partie initiale de notre recherche interroge ses rapports avec le groupe surréaliste bruxellois (Paul Nougé et René Magritte), préoccupé par le refus de l’œuvre. Cette démarche subversive se transforme dans l’art expérimental du groupe Cobra (communauté artistique fondée en 1948 par Dotremont). Nous nous intéressons à cette évolution d’une préoccupation logocentrique (où le mot compte pour le contenu qu’il véhicule : il s’agit de la poétique « primitive » de Nougé et des objets bouleversants de Magritte) vers l’exploration du mot comme trace, comme scription et, par là même, comme source de poésie. La deuxième partie de notre recherche traite de l’époque Cobra où se forge ce que nous appelons la poétique du visible chez Dotremont dont le résultat est la découverte du pouvoir créatif du mot en tant que matière, en tant que trace manuscrite. Ces expérimentations centrées sur la matérialité du langage préparent le cheminement artistique de Dotremont vers l’invention du logogramme (objet d’analyse de la troisième partie de la thèse). Dans l’idée d’une légitimation du logogramme en tant que nouveau genre poético-pictural, nous relevons ses invariants créateurs : sans pour autant se soumettre au modèle pictural, celui-ci n’est ni peinture des mots, ni mot-tableau, il exploite la matérialité de la lettre comme source poétique : genre transfrontalier qui ne cesse de mettre en question et d’inclure dans sa cinétique la métamorphose de sa réception. / The main focus of our research points out the noteworthy longevity of the Belgian surrealist group. Thus, we have chosen to analyze the poetic and artistic works of one of its most important representative, Christian Dotremont. His interartistic poetics (beginning with a surrealist phase and continuing until the invention of the logograms in 1962) is in fact symptomatic for the complete transformation of the Belgian movement. Consequently, the first part of our research examines Dotremont’s contacts and collaborations with the surrealist group (Paul Nougé and René Magritte), mainly interested by subversive creative works. Their negative technique is transformed by Dotremont into experimental art along with his own group founded in 1948, Cobra. The second part of this research would particularly like to draw attention to this evolution from a logocentric artistic point of view in which the word is important for its meaning (Nougé’s “primitive” poetry theory or Magritte’s praxis of “objets bouleversants”) toward Dotremont and Cobra’s discovery of the word as materiality, as scription, and as poetic source. This is the object of the second part of our thesis, where we explore Cobra “poetics of visible”: the pictorial and poetic importance of painted not written texts, words or letters. Cobra collective inventions investigate the aesthetic results of in-between artistic techniques and also emphasize Dotremont progression from a subversive surrealist literary point of view to the invention of logograms. This hybrid creation, the logogram, is examined in detail in the third and last part of our thesis.

Avec l’émergence des nouveaux médias, une nouvelle façon de raconter les histoires s’impose. Les structures connues de l’esthétisme classique semblent désuètes par rapport aux dispositions des nouvelles plateformes de diffusion. Mieux encore, ces plateformes propulsent le récit, lui permettent de sortir de la rigidité de la ligne narrative : elles intègrent la technique au logos. L’intermédialité devient omniprésente; la diversité des types médiatiques employés dans une œuvre sont rendus visibles et sont articulés par la mise en récit. Méchoulan dira que dans l’« être-entre », dans l’espace reliant chacune des unités sémantiques, que l’événement de la pensée advient; pour Rodowick c’est le « figural ». Une figure particulière s’impose : le labyrinthe. Multipliant les possibilités narratives spécifiques aux nouveaux médias, le labyrinthe fait converger les composantes intermédiales. Bleeding Through : Layers of Los Angeles 1920-1986, une œuvre dirigée par Norman Klein, pose le labyrinthe comme élément structurel en y tissant un réseau où s’inscrit une pratique intermédiale. On y adresse le temps comme une opération fragmentaire, qui se sectionne, se réorganise en rompant avec la linéarité classique. Il nous faudra alors voir comment le labyrinthe réfléchit dans l’étude du temps certains éléments de la mythologie grecque. Les réflexions de Gervais sur le labyrinthe permettront d’étayer pareille hypothèse. Nous analyserons Bleeding Through à la lumière de ces théories pour ainsi dégager l’essence de cette figure qui a infiltrée la narration contemporaine. En somme, le labyrinthe se présente dans l’écologie médiatique actuelle comme une figure inhérente à la mise en récit. / With the emergence of new media, a new way of storytelling becomes necessary. The known structures of classic estheticism become obsolete when confronted with the dispositions of the new broadcasted platforms. These so called platforms propel the plot structure, allowing an expansion of the rigid narrative line : they integrate technology into the logos. Intermediality becomes omnipresent ; the diverse media summoned in the different projects are made visible and articulated through narrative work. Méchoulan would talk about the « être-entre », the virtual space linking semantic units, that the occurrence of thoughts convene ; Rodowick would refer to this same spatial concept as « figural ». A particular figure then appears and seems to illustrate the workings of intermediality: the labyrinth. In multiplying the narrative possibilities specific to new media, the labyrinth interrelates the intermedial components. Bleeding Through : Layers of Los Angeles 1920-1986, directed by Norman Klein, establishes the labyrinth as a narrative backdrop to the intermedial practice. Herein, time is addressed as a fragmented function that can be segmented, reorganized, thus breaking with classic linearity. Subsequently, elements of Greek mythology tied to the labyrinth’s imaginary are highlighted, particularly through Gervais’s reflexions on memory and forgetting. To question the essence of the labyrinth’s figure, which infiltrates contemporary narration, Bleeding Through is analyzed under the scope of these theories. In short, the labyrinth is presented as an inherent figure to storytelling within the current media ecology.

Ce mémoire étudie les rapports texte/image dans Vues et visions de Claude Cahun, première œuvre composite créée en collaboration avec la peintre graphiste Marcel Moore. L’objet littéraire protéiforme, appartenant au genre de l’iconotexte (Alain Montandon), instaure un dialogue intermédial entre le textuel et le visuel au point de déconstruire l’horizon d’attente du lecteur : celui-ci est incité à lire et à voir alternativement les poèmes en prose ainsi que les dessins de sorte que les frontières qui définissent l’espace du littéral et du figural apparaissent poreuses. Subdivisé en deux chapitres, notre travail s’attachera dans un premier temps à mettre en lumière le rôle de l’écriture qui intègre certains dessins de Moore. En nous inspirant de l’iconolecture (Emmanuelle Pelard), nous tenterons d’effectuer des liens entre la plasticité et la signification littérale des signes linguistiques qu’illustrent ces images-textes tout en étudiant les correspondances thématiques et formelles qu’elles entretiennent avec les poèmes de Cahun. Le second chapitre étudiera la manière dont le figural investit le texte littéraire en adoptant une approche intermédiale. Après avoir abordé la figure du double, une partie de l’analyse sera consacrée à la figure de l’allusion, une stratégie d’écriture pour introduire le visuel au sein du textuel, ce qui nous permettra d’entrer en matière pour étudier « l’image-en-texte » (Liliane Louvel). Enfin, l’effet-tableau ainsi que l’anamorphose seront employés comme cadre d’analyse afin de penser le dialogue qui se noue entre le pictural et le texte littéraire dans Vues et visions. / This dissertation studies the relationship between text and image in Claude Cahun’s Vues et visions, her first project realized in collaboration with the visual artist Marcel Moore. This heterogeneous object of art belongs to the iconotext genre (Alain Montandon) and establishes a dialogue between Cahun’s prose poems and Moore’s drawings to the point of deconstructing the reader’s horizon of expectation : he is induced to read and behold alternatively the texts and the images so that the boundary line that defines the literary’s and pictorial’s spaces appears porous. Subdivided in two chapters, our work becomes attached in the first place to bring to light the role of the written word which incorporates some graphics of Marcel Moore. Inspired by a reading method called « iconolecture » by Emmanuelle Pelard, we will try to link the plasticity and the literal signification of the linguistic signs illustrated by those hybrid drawings while studying the formal and thematic similarities they share with Cahun’s prose poems. Using an intermedial perspective, the second chapter will study how the visual arts influence the poet’s writing style. After having broached the figure of the double, we will analyze the figure of allusion as a writing strategy to introduce the pictorial register in the literary texts that will lead us to study « l’image-en-texte » (Liliane Louvel). « L’effet-tableau » and the anamorphosis will be explored as frame of reference to conceive how links are tied between visual arts and poetry in Vues et visions.

Pour minoré et ignoré qu’il fût, le roman policier est désormais légitimé par l’institution littéraire. À parcourir les livres publiés dans la Caraïbe francophone, le genre demeure dans la marge de cette production [issue de la Caraïbe francophone (Haïti, Guadeloupe, Guyane française, Martinique)]. Quoiqu’il en soit, on notera que les années 1990 ont inauguré une véritable éclosion de publications de polars. Tout cela augure d’une acclimatation de ce genre qui ne s’accompagne pas moins de questionnements sur les spécificités éventuelles du polar caribéen francophone. Se situe-t-il dans la convention? Tente-il au contraire d’établir une distanciation avec la norme? C’est pour répondre à ces interrogations que cette thèse se propose d’explorer les enjeux de l’appropriation du polar provenant de cette aire géographique. À l’aune de la poétique des genres, de la sociocritique et de l’intermédialité, un corpus composé de quatorze romans fait l’objet d’une étude approfondie. Dans le premier chapitre, un bref récapitulatif permet de situer les œuvres à l’étude dans l’histoire littéraire du genre tout en soulignant l’adaptation du polar dans la Caraïbe de langue française. Il en ressort qu’un nombre significatif d’écrivains, attentifs à la latence du magico-religieux dans leur société, mettent en scène le surnaturel alors que le roman policier conventionnel plébiscite la méthode logico-déductive. C’est la raison pour laquelle le second chapitre s’intéresse à l’usage de l’inexplicable et son rapport avec le cartésianisme. Quant au troisième chapitre, il se penche sur un topos du genre : la violence telle qu’elle surgit dans ses dimensions commémoratives et répétitives de l’histoire tumultueuse de la Caraïbe. Notre corpus tend à relier la notion du crime, fut-il d’emprise originelle, à l’histoire post-coloniale. Dans la mesure où les personnages constituent un élément clé du genre, ils sont sondés, dans un quatrième chapitre, en regard de la critique sociale qu’ils incarnent et véhiculent. Le dernier chapitre cherche à circonscrire l’intermédialité qui structure et qualifie l’œuvre au sein du roman policier depuis sa genèse. Somme toute, ces divers axes contribuent à mieux comprendre le phénomène de transposition du polar dans cette région du monde. / Although long looked down on and given short shrift by the literary establishment, the detective novel now enjoys legitimacy. Yet a survey of such books published in the French-speaking Caribbean (Haiti, Guadeloupe, French Guiana, Martinique) indicates that this genre remains marginalized there. Be that as it may, the 1990’s ushered in a publishing surge on detective novels. While this attests to the genre’s acculturation, it nevertheless raises questions about which, if any, characteristics distinguish the Caribbean, francophone detective novel. Does it fit mould, or conversely seek to establish distance between itself and the norm? To answer such questions this thesis will explore the dynamics of appropriating the detective novel in said geocultural space. And in-depth study of fourteen novels in light of the poetics of genres, sociocriticism, and intermediality, forms the body of this thesis. Its first chapter sets out a brief overview so as to contextualize these fourteen novels within the literary history of this genre, while at the same time highlighting the detective novel’s adaptation to the French-speaking Caribbean. This overview demonstrates that a significant number of writers pay heed to the magic and sorcery implied in their society so that they incorporate the supernatural, whereas the standard detective novel overwhelmingly adopts the logico-detective mindset. This explains why the second chapter addresses the use of the inscrutable and its relationship to Cartesianism. Meantime, the third chapter focuses on a topos of the genre, namely violence, with its commemorative and recurring manifestations in the Caribbean’s tumultuous history. Regardless of its immediate cause, the fourteen novels tend to conceive crime as linked to postcolonial history. Those characters who prove key to the genre make up the fourth chapter which examines them from the perspective of the social critique the articulate and personify. The final chapter endeavours to delineate the intermediality that structures the detective novel and has constituted its touchtone from the start. In short, the different avenues of inquiry enable one to grasp the confrontation between this genre’s traditional canon and its creative variants. This contributes to a better understanding of the phenomenon of transposing the detective novel to this region of the world.

Le présent mémoire propose de croiser les démarches de deux auteures et artistes contemporaines, Sophie Calle et Miranda July, dont les quatre œuvres à l’étude – Douleur exquise (2003), Aveugles (2011), Rachel, Monique (2012) de Calle et Il vous choisit (2013) de July – se fondent sur des expériences en amont de l’écriture qui mobilisent le corps même des auteures, les engagent dans une action concrète et, bien souvent, dans des interactions avec autrui. Cet art de la contrainte, cet art action qui devient le sédiment de leurs écrits s’inscrit dans la filiation hypothétique des théories du philosophe pragmatique John Dewey et de celles de l’artiste Allan Kaprow – l’un des premiers à réfléchir l’art de la performance. L’écriture intermédiale qu’elles pratiquent – ce jeu de relations entre différents médias au sein même de l’œuvre – permet à la fois de réactiver la valeur performative de l’expérience qui a impulsé la création littéraire et d’embrayer une expérience de lecture qui devient elle-même performative. Exemplaires d’une esthétique relationnelle, polyphoniques dans les voix qui s’expriment, les quatre ouvrages du corpus donnent à sentir le bruissement d’une communauté. Il s’agit d’une littérature interdisciplinaire et intersubjective, mais surtout performative dans son questionnement incessant sur le pouvoir de l’art pour transformer la vie. / This master’s thesis proposes to establish a dialogue between the practices of two contemporary writers and artists, Sophie Calle and Miranda July. The four studied pieces of work – Calle’s Douleur exquise (2003), Aveugles (2011) and Rachel, Monique (2012) and July’s Il vous choisit (2013) – are based on concrete experiences occurring beforehand, prior to the act of writing itself. Those experiences mobilize the body of the writers engaging them in a real action and often in interactions with other people. This form of action art becomes the foundations of their writing and could be linked to the theories of pragmatic philosopher John Dewey and artist Allan Kaprow – one of the first to develop a reflexion on performance art. The intermedial writing that Calle and July practice as a game of relations between different medias in the same work allows both artists to revive the performative value of the experience. It impulses the writing and initiates a reading experience which itself becomes performative. Exemplary of a relational aesthetic, polyphonic in the voices that are expressed, the studied body of work reveals glimpses of community to feel and experiment. It is a literature that is interdisciplinary and intersubjective but primarily performative in its constant questioning of art’s capacity to transform life.