Ma thèse examine les déplacements multiples – déportation, exil, voyage – et l‟expérience diasporique de différentes communautés ethniques dans le cinéma indépendant de trois réalisatrices et artistes contemporaines : Julie Dash, Rea Tajiri et Trinh T. Minh-ha. J‟analyse la déconstruction et reconstruction de l‟identité à travers le voyage et autres déplacements physiques ainsi que les moyens d‟expression et stratégies cinématographiques utilisées par ces artistes pour articuler des configurations identitaires mouvantes. Je propose de nouvelles lectures de la position des femmes dans des milieux culturels différents en considérant la danse comme une métaphore de la reconfiguration de l‟identité féminine qui se différencie et s‟émancipe des traditions culturelles classiques. Les expériences de l‟histoire et de la mémoire, qui sont vécues dans les corps des femmes, sont aussi exprimées par le biais des relations intermédiales entre la photographie, la vidéo et le film qui proposent des images de femmes variées et complexes. / My thesis examines the various forms of displacement resulting from deportation as well as the diasporic experience of dislocation from home and relocation to new socio-cultural spaces in the independent and experimental film and video of Julie Dash, Rea Tajiri, and Trinh T. Minh-ha. I highlight the deconstruction and reconstruction of intercultural identity through travel and the cinematic and narrative techniques or strategies of representations used by these artists to re-imagine identity. I propose new interpretations of women‟s position in different cultural settings in my consideration of dance as a metaphor for the empowerment and reconfiguration of women‟s identities as they distance themselves apart from inherited cultural traditions. Women‟s experiences of history and memory are expressed in the work of Dash, Trinh and Tajiri not only through travel and dance movements, but also in terms of intermedial relations between photography, video and film. The transfers and mutual transformations between these media result in complex depictions of women‟s activities in varying rhythms.

Cette thèse se donne pour ambition d'éclairer un aspect méconnu de l'oeuvre et de la pensée de Sergueï Eisenstein, en se concentrant sur la relation privilégiée qu'il entretient durant toute sa vie avec l'art de Daumier. Tout en traversant l'oeuvre graphique, théâtrale, cinématographique et théorique d'Eisenstein, cette recherche entend également révéler Daumier sous un nouveau jour, en faisant découvrir la réception dont il jouit en Russie et en U.R.S.S. Il s'agira par la même occasion d'exposer et d'interroger le regard stimulant et original qu'Eisenstein porte sur l'art de Daumier. Ce parcours se voudra nécessairement transdisciplinaire. / The aim of this PhD thesis is to cast a new light on Eisenstein's work and thought, by focusing on his privileged relationship with Daumier's art. As we will come across Eisenstein's graphic, theatrical, cinematographical and theoretical work, we will unveil Daumier's still unknown reception in Russia and in U.S.S.R. By the same token, we will expose and discuss Eisenstein's challenging and modern vision of Daumier. The methodology chosen here is necessarily transciplinar. / Cette thèse a été effectuée en cotutelle entre l'Université Paris-Ouest-Nanterre-La Défense et l'Université de Montréal. Elle a été réalisée avec le logiciel LateX.

Par son recours à diverses formes d’expression, Unica Zürn (1916-1970) redynamise l’espace de la feuille en le faisant activement participer à l’écriture de soi. Le « je » semble en effet se démultiplier grâce à des jeux « anagrammatiques » sur les divers signes mobilisés, qu’ils soient alphabétiques, picturaux ou musicaux. L’autoreprésentation s’inscrit alors au sein d’une œuvre pluridisciplinaire inusitée, qui renouvelle l’esthétique quelque peu « essoufflée » du mouvement surréaliste. Cette attitude vis-à-vis de la feuille, où plusieurs signes « décomposables » et « recomposables » se partagent l’espace, est observable tant dans l’œuvre littéraire que picturale d’Unica Zürn. Le processus de création par la lettre, le trait et la note de musique, tend à revaloriser le support matériel utilisé par l’effacement des frontières entre les disciplines artistiques, qui appelle un regard distancié du lecteur/spectateur sur l’œuvre. Afin d’interpréter les travaux de Zürn dans la pluralité des moyens artistiques qui y sont déployés, l’approche intermédiale sera favorisée. Dans le premier chapitre de ce mémoire, il s’agira d’abord de voir comment s’articule un certain dialogue entre le discours des chercheurs de l’intermédialité et l’œuvre d’Unica Zürn. Le rapport à l’objet sera notre porte d’entrée dans la matière intermédiale. Par un retour à la matérialité de l’expérience médiatique, nous constaterons que Zürn met à l’avant-scène les instruments et supports de la création, ce qui mène à une représentation distorsionnée de soi, de l’espace et du temps. Une fois le parallèle établi entre les concepts de l’intermédialité et les travaux de Zürn, nous nous concentrerons sur le pan musical de l’œuvre pluridisciplinaire de l’auteure-artiste. Le second chapitre traitera de l’intrusion du sonore dans l’univers textuel, qui se fera notamment par la réappropriation de l’opéra Norma, de Vincenzo Bellini. Cette réécriture s’intitule Les jeux à deux et prend une distance considérable par rapport au texte originel. Elle s’accompagne de dessins effectués par l’auteure-artiste à même les partitions de l’opéra. Le regard multiple posé sur l’œuvre zürnienne permettra de comprendre que l’écriture palimpseste participe du processus d’autoreprésentation, tout en élaborant un discours sur la rencontre entre littérature, dessin et musique, ainsi que sur l’influence de cette juxtaposition sur le débordement des frontières médiatiques traditionnelles. / Having recourse to many forms of expression, Unica Zürn (1916-1970) revitalizes the space of the sheet by having it take an active part in the individual writing. The “I” seems to increase thanks to “anagrammatic” games on the many mobilized signs, whether they are alphabetical, pictorial or musical. The self-representation is inspired by an unusual multidisciplinary work, which renews the aesthetics, somewhat “worn”, of the surrealist movement. This attitude towards the sheet, where many “decomposable” and “recomposable” signs share the space, is observable in Unica Zürn’s literary work as well as in her pictorial work. The process of creation through the letter, the stroke and the musical note tends to reassert the value of the material support used by the abolition of the boundaries among the artistic disciplines, which calls for a distanced look from the reader/spectator on the work. In order to interpret Zürn’s work in the plurality of the artistic means that are deployed, the intermedial approach will be favoured. In the first chapter of this dissertation, we will see how a certain dialog is structured between the views of the intermediality’s researchers and Unica Zürn’s work. The relation to objects will be our entry point in the intermedial subject. Through a return to the materiality of the media-related experience, we will notice that Zürn puts at the forefront the instruments and the supports to the creation, which leads to a contorted representation of oneself, space and time. Once the parallel established between the intermediality’s concepts and Zürn’s work, we will focus on the musical aspect of the author-artist’s multidisciplinary work. The second chapter will deal with the intrusion of sound in the textual universe, which will occur through the reappropriation of the Vincenzo Bellini’s opera “Norma”. This revising is called “Les jeux à deux” and is significantly different from the original text, and is paired with drawings made by the author-artist directly on the opera’s partitions. The multiple look placed upon the zurnian work will allow to understand that the palimpsest writing takes part in the self-representation process, through elaborating a view regarding the interrelation of literature, drawing and music, as well as the influence of this juxtaposition on the overflow of the traditional media boundaries.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Il est désormais commun de reconnaître que le cinéma, aujourd’hui, s’émancipe de son dispositif médiatique traditionnel, adoptant maintes formes liées aux champs culturels qui l’accueillent : jeux vidéo, web, médias portatifs, etc. Toutefois, c’est peut-être le champ des arts visuels et médiatiques contemporains qui lui aura fait adopter, depuis la fin des années soixante, les formes les plus désincarnées, allant parfois jusqu’à le rendre méconnaissable. À cet effet, certaines œuvres sculpturales et installatives contemporaines uniquement composées de lumière et de vapeur semblent, par leurs moyens propres, bel et bien reprendre, tout en les mettant à l’épreuve, quelques caractéristiques du médium cinématographique. Basé sur ce constat, le présent mémoire vise à analyser, sur le plan esthétique, cette filiation potentielle entre le média-cinéma et ces œuvres au caractère immatériel. Pour ce faire, notre propos sera divisé en trois chapitres s’intéressant respectivement : 1) à l’éclatement médiatique du cinéma et à sa requalification vue par les théories intermédiales, 2) au processus d’évidement du cinéma – à la perte de ses images et de ses matériaux – dans les pratiques en arts visuels depuis une cinquantaine d’années, et 3) au corpus de l’artiste danois Olafur Eliasson, et plus spécialement à son œuvre Din Blinde Passager (2010), qui est intimement liée à notre problématique. Notre réflexion sera finalement, au long de ce parcours, principalement guidée par les approches esthétiques et philosophiques de Georges Didi-Huberman et de Jacques Rançière. / It is now common to acknowledge that cinema, today, is emancipated from its traditional media figure, adopting various forms related to the cultural fields that welcome it : video games, web, portable medias, etc. However, it is perhaps the visual and media contemporary arts that have morphed it, since the late sixties, into the most disembodied forms, even sometimes beyond recognition. To this end, some contemporary sculptures and installations only composed of light and steam seem, by their own means, to have adopted, and simultaneously put to the test, some characteristics of the cinematographic medium. Based on this observation, this paper aims to analyze, on an aesthetic level, this relationship between media-cinema and the nature of these immaterial artworks. To do so, our analysis will be divided into three chapters focusing respectively on : 1) the expansion of the cinema and its requalification as seen by intermedial theories, 2) the cinema’s loss of its images and materials in some visual art practices since the last fifty years, and 3) the artistic corpus of Danish artist Olafur Eliasson, and more precisely his work entitled Din Blinde Passenger (2010), which is intimately related to our subject matter. Finally, our reflection will mainly be guided by the aesthetic and philosophical approaches of Georges Didi-Huberman and Jacques Rancière.

The thesis explores the role of music in Günter Grass’s novels. In pointing out the vital role of intermediality for Grass’s narrative strategies, the thesis opens up for a new, intermedial perspective on his work. It shows how references to music are used to realise Grass’s poetological concept “paspresenture” – the simultaneous presence of past, present and future – as well as his constant strive towards concreteness. The study draws on theories of intermediality, with a special focus on the role of transmedial media characteristics. It develops a transmedial methodology for analysing intermedial references, stressing how the notion of “musicality” within the text is created by media characteristics shared by both music and literature. Intermedial references are conceived as highlighting structures that are inherent in literature. The textual analyses of The Tin Drum (1959), Too Far Afield (1995) and Crabwalk (2002) are divided into three steps. First, explicit musical references in the narratives are interpreted as indexes pointing towards transmedial structures relevant to this specific context. Second, the examination demonstrates the prominent role of transmedial characteristics such as repetitivity, contrast, simultaneity and performativity within the texts. Third and last, the function of musical reference is discussed: in all three narratives, the focus on transmedial structures supplies a more consistent interpretation of passages which otherwise prove difficult to decipher. In Grass’s fiction, issues appear not to be discussed but performatively reenacted and thus remind more of musical than literary development. What is more, music – as handled by Grass – does not appear absolute or transcendent; rather, its manipulative potential is always prominent. However, the way musical references are used to realise Grass’s poetological aims stresses the bodily presence of musical performance, thus making music appear as the performative realisation of time.

Le volume est le fruit du colloque international Translatio : Transmédialité et Transculturalité qui a eu lieu au Centre de Recherches Ibéro-Américaines et Francophones de l’Université de Leipzig du 29 juin au 3 juillet 2011, avec l’objectif de promouvoir le dialogue transdisciplinaire et transculturel concernant le nouveau domaine de recherches sur la traduction culturelle, la translatio, et sur les stratégies médiales, comme celles de la "transmédialité", et de soumettre en même temps des théories et des champs de recherche actuels et centraux à un examen scientifique critique. La "transdisciplinarité", la "transmédialité" et la "transculturalité", représentent toute sorte de processus de translation et ont pris une place importante dans le colloque, avec l’intention d’apporter une contribution à la formation de la théorie, ou plutôt de la métathéorie, afin de s’opposer à certaines tendances arbitraires et ludiques de l’interprète dans ce domaine.

En el contexto del proyecto nuestro trabajo tiene dos finalidades fundamentales. La primera es contribuir a las ciencias del teatro desde un punto de vista de la teoría de la cultura (postcolonial y postmoderna) enfrentando problemas teóricos de la transversalidad, hibridez y transmedialidad así como sus relaciones entre ellas y, al mismo tiempo, tratar también el fundamental problema del cuerpo como lenguaje sui generis, un campo en el que la teoría aún está realmente en sus comienzos. Como segunda finalidad aplicamos la descripción del fenómeno tratado teóricamente a un performer, Alberto Kurapel, en el que se encuentran todos los aspectos a tratar en forma ejemplar, ya que sus producciones se caracterizan por ser un espectáculo objeto y metateatral y transcultural que cuestionan el término tradicional de teatro, introduciendo así una nueva categoría de la teatralidad. Dentro de este contexto nos referiremos al problema de translación, ya sea ésta cultural o de medios de formas de representación teatral, es decir, analizaremos la conjunción o entrelazamiento de diversos códigos culturales, mediales u otros en la obra de Alberto Kurapel. De esta forma, los campos de texto-imagen, texto-cuerpo, diversidad de medialidades y deconstrucción de posiciones hegemónicas y sustancialistas. serán algunos de los puntos centrales del presente trabajo.

Ce mémoire explore la place de l’interartialité, des relations entre les arts, dans le cinéma de Peter Greenaway, et les fonctions qu’elle y remplit. À l’occasion de l’analyse de deux films qui centralisent la figure du peintre et la forme du contrat - The Draughtsman’s Contract et Nightwatching – et prenant comme point de départ théorique les travaux de Walter Moser, nous identifions et analysons quelques-unes des relations interartielles à l’oeuvre dans ces films, pour montrer que la mise en relation des arts de la peinture, du théâtre et du cinéma, dans leurs rapports biartials et pluriartials, constituent la trame fondamentale des films de Greenaway, dans une « interartialité non hiérarchique ». Nous concluons que le recours au dialogue interartiel permet au cinéaste d’esquisser, en filigrane, une posture critique sur l’art et l’artiste, une « théorie de l’art », par laquelle il exprime un point de vue sur le rôle et le statut de l’artiste au sein de la société. / Taking its theoretical starting point from the work of Walter Moser in interartiality, this thesis explores the place and function of interatiality (relationships between the arts) in the cinema of Peter Greenaway. The Draughtsman’s Contract and Nightwatching, two films that focus on the figure of the painter and the form of the contract, are examined for the purpose of identifying and analysing some of the interartial relationships at work in them and thereby demonstrating that the interconnecting of painting, theatre and cinema in bi- and pluri-artial relationships constitutes a basic framework of “non-hierarchical interartiality” in Greenaway’s films. The conclusion is reached that reliance on interart dialogue allows the filmmaker to assume an implicit critical stance in regard to art and the artist – a “theory of art” that expresses a point of view on the artist’s role and status in society.

Abstract This thesis attempts to contribute to both intermedial studies and F. Scott Fitzgerald scholarship by studying the text-illustration interplay in two versions of “The Rich Boy”. Intermediality, which pays close attention to media interactions, is a natural method to explore the word-image relations in these texts: the first version, published in Red Book Magazine in 1926, and an illustrated Spanish translation from 2012.             Lars Elleström’s definition of media as a combination of modes and modalities, plays a central role in the analysis, where I study how these interact in each text: For instance, in terms of the material and sensorial modalities, both illustrators try to simulate depth and convey the senses in a flat interface. In terms of the spatiotemporal modality, the anachronies in the time placement of Gruger’s images intensify the nostalgic mood in the text, while Ágreda’s adherence to the text’s time relays a certain autonomy. Both their treatments of space are often symbolic; thus, regarding the semiotic modality, the images are symbolic besides iconic. Each text is colored by the reading of the illustrator, who is also a reader and interpreter.             The theoretical framework also comprises of an approach to nostalgia: While Fitzgerald’s story is nostalgic per se, the illustrators display variations of nostalgia: Gruger’s work mirrors and enhances the nostalgic mood of the text, and while to a certain extent, Ágreda’s also does this, his nostalgia is most manifest in how he attempts to recreate a particular picture of the Jazz Age.