Ma thèse porte sur l’évolution de la réception des chevaux dans l’art européen du XVIIIe siècle à aujourd’hui. En examinant minutieusement des œuvres d’artistes tels que Rosa Bonheur, George Stubbs, Sawrey Gilpin, Pablo Picasso, Art Orienté Objet et plusieurs autres, dans des contextes artistiques variés – peinture, dessin, sculpture, bioart ou encore danse –, j’entends démontrer que les façons de voir (ou de ne pas voir) les chevaux dans toute leur complexité sont historiquement limitatives et changeantes. Selon une approche transdisciplinaire, ma recherche combine l’histoire de l’art animalier, les études animales, ma formation en beaux-arts, et une vaste expérience sur le terrain auprès des chevaux. Elle cherche également à modifier et à nuancer les lectures contemporaines de l’art mettant en scène des chevaux, en plus de proposer des façons alternatives, plus accueillantes, d’écrire au sujet de cet Autre. La première moitié de la thèse se concentre sur la façon dont le cheval a été représenté dans l’art aux XVIIIe et XIXe siècles, tandis que la seconde moitié, qui couvre les XXe et XXIe siècles, poursuit ce thème en mettant en exergue les pratiques d’écriture au sujet des œuvres d’art représentant les chevaux et la façon dont elles ont souvent été inhospitalières. Cherchant à dépasser le dualisme linguistique actuel au sein de la discipline pour décrire les dynamiques interespèces, cette thèse propose des avenues de réflexion innovantes sur le binaire cheval/humain, qui ont puisé dans des ressources inusitées en histoire de l’art, soit les idées de la déconstruction en lien avec les animaux, où la notion d’hospitalité est particulièrement importante. Puisque l’historienne de l’art dispose d’une certaine latitude quant à la structuration de « l’histoire qu’elle raconte », les récits de la thèse sont transmis de manière à être plus empathiques aux réalités équines. Dans cette veine, l’ambition globale de ma thèse est de mettre l’accent sur l’importance de conscientiser le regard posé sur l’œuvre d’art équine ou équestre et sur les responsabilités de l’auteur, de manière à sensibiliser le regardeur à des responsabilités relevant de l’éthique interespèces. Chaque cheval est unique, physiquement et psychologiquement. À l’intérieur d’une pratique qui souhaite étudier l’art qui le représente, (re)connaître la valeur singulière de cet Autre impose des défis particuliers. Aujourd’hui, les contacts avec les chevaux sont pour la majorité des historiens de l’art inexistants, ce qui engendre généralement une vision et une compréhension plus superficielle de l’Autre. Ma thèse apporte de nouvelles perspectives aux débats contemporains sur les possibilités de voir les chevaux dans l’art et sur les paramètres à prendre en compte pour le faire, et elle fournit des modèles potentiels quant à la manière d’écrire sur cet Autre en tant qu’être familier. Bien que mon sujet soit les chevaux dans l’art et dans les écrits sur l’art, les interprétations que je développe ici ont une résonance et une pertinence plus larges, notamment pour les études animales. / My thesis considers the shifting reception of equine themed European art from the 18th Century to today. Through a series of close readings of works encompassing diverse media such as painting, drawing, sculpture, bio art and dance, by artists including Rosa Bonheur, George Stubbs, Sawrey Gilpin, Pablo Picasso and Art Orienté Objet, I demonstrate that the ways horses have been seen (or not seen) in all their complexity are historically contingent and changeable. My transdisciplinary approach combines insights from the history of animal art, animal studies, my training in fine art and my substantial practical knowledge of actual horses gleaned from my time teaching bareback riding and rehabilitating horses suffering from physical and psychological trauma. As well as seeking to shift and nuance contemporary readings of art featuring horses, I also strive to develop a mode of writing about horses that is more welcoming to this Other, the horse, than many previous art historical analyses. The first half of the thesis focusses on how horses were represented in 18th and 19th century European art. The second half considers 20th century and 21st century art and also examines how ways of writing about horses in art history have been restrictive and unwelcoming. I seek to move beyond the dualistic language conventionally employed by art history to refer to equine subject matter because it constrains efforts to rethink interspecies dynamics and impedes attempts to reconceptualise the horse/human binary. My attempts to transcend dualism have required me to engage with deconstruction, a way of thinking rarely embraced by art history. In this context, the notion of hospitality has been particularly important. As art historians possess a measure of agency regarding the structuring of the stories they tell, my own endeavours are organized around the need to show empathy towards horses in their lived reality. In this vein, the overarching concern of my thesis is to emphasize the need for a critically reflexive way of looking at art with equine subject matter, one that foregrounds the viewer’s and the writer’s responsibilities in relation to interspecies ethics. Every horse is physically and psychologically unique and acknowledging this singularity, the singularity of an Other, as it manifests in and through representation, poses specific challenges. Today most art historians have no day-to-day knowledge of horses, a reality that leads to a superficial and unempathic perception of this Other. My thesis, grounded in an intimate familiarity with equines, in lived experience, in fieldwork of a kind, contributes new insights to contemporary debates about the parameters and possibilities for seeing horses in art and provides potential models for how to write of this Other as a familiar. Although my subject is horses in art and in writings about art, the understandings I develop here have a broader resonance and relevance for animal studies.

Ce mémoire intitulé L’impact du nombre. Vers une neutralisation de l’érotisme dans les œuvres de Vanessa Beecroft et de Spencer Tunick explore les liens entre érotisme et nudité dans les œuvres de Vanessa Beecroft et de Spencer Tunick. Les œuvres de ces deux artistes contemporains présentent une multitude de corps dénudés, qui semblent pourtant se détacher de la dimension érotique. Afin de montrer les différentes façons par lesquelles les œuvres tendent vers une neutralisation de l’érotisme, nous interrogerons le rapport entre les corps présentés et la tradition du nu artistique, tout en nous intéressant aux problématiques plus actuelles en art comme la position du spectateur et l’influence de la biopolitique. Nous proposons ainsi que la neutralité qui traverse les œuvres de Beecroft et de Tunick n’est pas seulement un problème de nudité, mais qu’elle est liée aux différents enjeux soulevés par la représentation du corps dans un contexte spécifique.

Cette étude porte sur les caractéristiques de la poésie du quotidien en bande dessinée. Les petites joies de la vie de tous les jours, leur représentation visuelle et leur transposition narrative, poétique ou non, traversent les différentes œuvres de mon corpus, soit Moins vingt-deux degrés Celsius de Jimmy Beaulieu (Mécanique générale, 2003), L'Homme qui marche de Jirô Taniguchi (Casterman, 2003), Whiskey & New York de Julia Wertz (Altercomics, 2011), Calvin et Hobbes en couleurs! de Bill Watterson (Hors Collection, 2008), Le Jardin de Mimi de Yoon-Sun Park (Misma, 2014) ainsi que Shä & Salomé, Jours de pluie d'Anne Montel et Loïc Clément (Jean-Claude Gawsewitch éditeur, 2011). Cette poésie du quotidien constitue un regard particulier sur le monde, à l'instar du réalisme magique. Cette étude explore le dialogue visuel et narratif qui existe entre les deux concepts, la poésie amenant une dimension magique importante au sein même de la fiction bédéique. En second lieu, il sera question de la bande dessinée Nora et Mathieu, laquelle a constituée la partie création de ce mémoire. Le processus artistiques ainsi que les caractéristiques qui définissent ma pratique de la bande dessinée, seront abordés.

Je m’intéresse aux femmes et à la résistance qu’elles imposent aux conditionnements en matière de beauté qui leur sont infligés par la société occidentale. Dissidence est le résultat de deux années de recherches et créations portant sur l’exploration de cette forme résistance. La dissidence est l’action ou l’état d’une personne qui cesse d’obéir à une communauté, à une autorité établie. Ce type de refus existe chez les femmes en regard aux normes imposées par les diverses industries gérant le domaine de la mode. C’est d’ailleurs autour de ces notions que je définis ma démarche artistique et mon corpus de dessins.

Le paysage expérientiel ou le paradigme du regard pose les balises théoriques et pratiques du travail réalisé dans le cadre de la maîtrise en arts visuels avec mémoire. Ce mémoire marque le tracé d'une voie, celle qui m'a menée à la création d'une installation vidéo avec programmation aléatoire et mise en espace sonore. Il accompagne l'oeuvre intitulée Permutations : le regard à travers et au-delà, présenté du 9 octobre au 9 novembre 2009, chez VU, centre de diffusion et de production de la photographie, situé dans le complexe Méduse à Québec. Tel un dispositif, ce mémoire est composé des pièces constitutives du parcours réalisé : les phases d'un processus, mes approches idéelles et leurs éclaircissements livresques, ma méthode et les résultats provenant des expériences avec la matière. Les mots-clefs constituant la toile de fond de mes deux années de recherches sont : la flânerie et la contemplation, le regard et le paysage, l'image et la lenteur.

L'exposition FORME ET AFFECT DANS LA CIRCULARITÉ NATURE/ART/NATURE présente un parcours sculptural par le biais de formes directement inspirées de la nature. Cette inspiration de la nature découle de la circularité nature/art/nature, plus spécifiquement du passage effectué d'un univers à l'autre. U s'agit du passage de la nature à l'art et du passage de l'art à la nature. Ce retour vers la nature est en soi le cadre de ma problématique qui se veut un questionnement à savoir s'il est possible par l'activation des sens de l'homme, lors de la stimulation visuelle découlant de l'observation des formes naturelles, de réaliser un retour vers la nature par une expérience proposée dans un espace qualifié de non naturel. Il est question également dans cette exposition d'un processus sensible vers le parcours suggéré via la proposition d'un jeu de mise en espace. Le spectateur sera donc invité à prendre part à ce jeu lors de son propre parcours formel dans cet univers naturel.

Ce texte accompagne le livre d'artiste Là où je ne suis pas, oeuvre résultant de ma recherche-création à la maîtrise en arts visuels (2007-2010). Le livre présente des dessins et un texte poétique relatant mon voyage vers l'état de solitude. J'emploie l'image de la maison pour représenter la solitude, ce lieu intime qui est l'objet de ma quête. J'ai choisi la forme du livre car l'objet sert de refuge, celui où l'on peut s'enfuir par l'imaginaire. Et trouver la solitude dans le défilement des pages. C'est par le pouvoir évocateur de la poésie et de la schématisation, de l'absence et du silence que je définis mon sujet. Par les détours que j'emprunte, j'affirme l'importance de ce qui n'est pas montré.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2003-2004 / Ce mémoire, Orlan : l'identité violente, est le résultat d'une démarche multidisciplinaire où furent utilisés l'anthropologie et de la sociologie du corps afin de rendre compte de la production d'Orlan, artiste française contemporaine. Cette recherche visait à comprendre la volonté de l'artiste de transformer son corps à coup de performances artistiques successives, effectuées des années 1990 à 1993. À cette fin, elle étudiait particulièrement deux performances, soit Opération no 5 datant de 1991, et Omniprésence de 1993. Si la prémisse de départ de cette recherche tablait sur l'existence d'une volonté univoque, la mise en lumière de la structure des performances, de même que des apories du discours de l'artiste incitèrent toutefois à reconsidérer cette assertion. Le discours de l'artiste et le déroulement des performances mirent en lumière, de manière large, une volonté de transformation identitaire qui fit migrer la signification de l'œuvre selon le sens que l'artiste entendait donner à sa production ultérieure. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

Ce mémoire est l’aboutissement de mes efforts à nommer et rendre concret ce qui voyage entre les synapses de mon cerveau en ce qui a trait à l’art, à mes visions de l’art, à mes manières de faire de l’art. À la place de l’art comme moteur de changement personnel et social. À la recherche en art. Bref, à l’art comme expérience sensorielle, conceptuelle et esthétique. Personnelle et collective. Se rapprochant plus du style « écrit d’artiste » que d’un texte théorique, ce mémoire propose des réflexions en lien au commun dans ses deux significations. Soit celle qui réfère au banal et celle qui renvoie au collectif. Nous sommes plusieurs se veut une ode au précaire. À l’intuition, aux débuts, au processus. À l’ordinaire, au banal et au commun. À la communauté. Depuis toujours, je baigne dans ces eaux. Je tourne autour de ce pot : le quotidien. Les lectures entreprises associées à ce champ de recherche ont été des plus révélatrices. Ce texte aborde donc les thématiques du quotidien, de l’excellence ordinaire, et des problématiques en lien avec les termes vulgaire, ambigu et superficiel.

Mon travail de création à la maîtrise s'est principalement développé autour de la question des relations interpersonnelles dans une pratique de la performance. J'y interroge la fragilité et l'instabilité des relations que nous entretenons avec les autres par le biais de propositions artistiques m'amenant à partager des expériences de rencontre avec les spectateurs. Ce texte présente le processus de création du travail artistique en retraçant le chemin de mes inspirations et l'émergence d'une conception personnelle de la relation à l'autre. J'y explique aussi le choix de la performance comme moyen d'expression artistique. Ce texte est divisé en trois parties qui permettent d'illustrer mes réflexions sur mon travail. Plus précisément, je spécifierai pourquoi et comment je réalise mon projet artistique sur ce thème subtil de la relation.