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Cette étude interroge les différentes relations que la littérature québécoise contemporaine noue avec l’espace, et particulièrement les lieux de confins que rien ne semble prédisposer à une entrée en littérature : la campagne, la forêt, la petite ville et le Nord. Peu de recherches ont été menées sur ce que représentent ces espaces dans l’imaginaire contemporain. Ce sujet est d’autant plus crucial en littérature québécoise que ces “provinces littéraires” sont associées à des idéologies passéistes héritées de l’histoire littéraire du Québec (la “littérature du terroir”). Comment le poète et naturaliste Pierre Morency (1942-), le romancier Louis Hamelin (1959-) et l’écrivain et essayiste Pierre Nepveu (1945-) prennent en compte cet héritage pour écrire ces confins qui, depuis le début du XXe siècle, subissent de profonds changements ? L’étude s’attache à montrer comment s’élabore une vie intellectuelle qui permet au sujet d’adopter une attitude réflexive propice à l’écriture. Le premier chapitre expose après Beaudoin et Morency en quoi la question de la représentation de l’espace est problématique dans l’histoire littéraire québécoise. Dans le sillage des travaux de Genette, le second chapitre envisage le livre et le texte comme des espaces matériels. Un troisième chapitre étudie la description (Hamon) de quelques paysages privilégiés (Roger). Le dernier chapitre montre comment l’écriture des confins interroge la subjectivité en adoptant une perspective qui combine les approches philosophique (Heidegger), psychanalytique (Anzieu) et esthétique (Simard-Laflamme). La réflexion s’ouvre sur une mise en relation de ces textes avec le discours écologique contemporain. / In this study the different relationships between space and literature in the works of contemporary Québécois poet and naturalist Pierre Morency (1942-), novelist Louis Hamelin (1959-), and polymath writer Pierre Nepveu (1945-) are examined. The focus is on remote areas (the country, the forest, the small town, and the North) that seem to be unlikely subjects for the pursuit of an intellectual life. Little research has been conducted on what remote places represent in the contemporary imagination. This topic is all the more important in Québécois literature as regional areas in Québec are associated with conservative ideologies inherited from the literary history (« littérature du terroir »). How do these writers take this heritage into account, and representing theses spaces that have changed dramatically over the past fifty years ? This dissertation concentrates on the development of a life of the mind that enables the subject to adopt a reflexive attitude and write. Using the works of Beaudoin and Lemire, the first chapter shows why the question of space is so crucial to Québécois literary history. Using Genette’s theories, the second chapter argues that the text and the book itself are considered by these writers to be physical parts of their writing. The third chapter offers insights into a few chosen locations, using the theories of Roger and Hamon. The last chapter demonstrates how writing about remote areas questions subjectivity by using a perspective that combines philosophical (Heidegger), psychoanalytic (Anzieu) and aesthetic (Simard-Laflamme) approaches. Finally this study widens to confront the works of the corpus with the contemporary ecological discourse.

La poésie française de l’entre-deux-guerres présente bien souvent un visage désuni, entre des groupes d’avant-garde à la parole théorique forte, qui renouvèlent en profondeur la pensée et la pratique de la poésie (surréalistes, dadaïstes ou poètes de la modernité bohème sous l’égide d’Apollinaire et de Reverdy), et des poètes sans affiliation, qui laissent une œuvre parfois orpheline de théorie (Claudel, Jouve, qui placent leur œuvre sous le signe de la spiritualité chrétienne, Saint-John Perse ou Fargue, qui recherchent la modernité loin de l’agitation des mouvements littéraires). Ce travail entend proposer une catégorie historiographique susceptible d’offrir une vue cohérente de la poésie de la période, à travers le concept d’image, tel que le développent notamment Reverdy et Breton dans leurs écrits théoriques. L’image et l’analogie sont au cœur des écrits théoriques de l’entre-deux-guerres : elles donnent à la poésie moderne la possibilité de se redéfinir hors des critères désuets du vers et de la rime, de s’identifier à l’expression de la pensée intuitive, dans le vis-à-vis de la rationalité portée par le positivisme. À travers elles, apparait également l’unité esthétique de la poésie de la période, marquée par le goût de l’imaginaire et du merveilleux, la tentation de l’hermétisme. Le concept d’image permet donc d’unifier la poésie de l’entre-deux-guerres, par-delà les divergences qui existent entre ces auteurs, et d’articuler celle-ci à sa théorie et à sa place dans l’histoire des idées. / French poetry of the interwar years often presents an uneven complexion, between groups of the avant-garde that deeply renew both how to think of, and to practice poetry, thanks to their assertive theoretical discourse (surrealists, dadaïsts, or poets belonging to the bohemian modernity under the aegis of Apollinaire and Reverdy), and poets without affiliation, who leave behind them works that are sometimes devoid of theoretical parentage (Claudel, Jouve, whose writing is inspired by Christian spirituality, Saint-John Perse or Fargue, whose quest for modernity unfolds far from the frenzy of literary movements). This thesis wishes to construct a historiographical category liable to give a coherent view of the poetry produced during this period, through the concept of the image, as developed by Reverdy and Breton, particularly in their theoretical writings. The concepts of the image and the analogy are the heart of the theory written during the interwar years : they give modern poetry the possibility of redefining itself outside the obsolete criteria of rhyme and verse, of identifying itself to intuitive thinking as opposed to the rationality carried in positivism. Through them, there appears an aesthetic unity of poetry, characterised by a taste for the imaginary and the marvellous, and the temptation of hermeticism. The concept of the image thus makes it possible to unify interwar poetry, beyond the differences that exist between these authors, and to articulate poetry with its theory and its position in the history of ideas.

Cette thèse propose une synthèse autour des différents rôles de la lumière et de l'obscurité dans les Argonautiques d'Apollonios de Rhodes. Ce sujet comporte une forte composante lexicale, qui fait l'objet d'une étude dans la première partie, où les vocabulaires de la lumière et de l'obscurité chez Apollonios sont comparés aux emplois homériques. Ce thème interroge également les catégories de l'espace et du temps dans la mesure où lumière et obscurité structurent la narration autant qu'elles la déstructurent et proposent un itinéraire placé à la croisée de la barbarie et de la civilisation, état d'entre-deux qui reflète bien les craintes de l'époque alexandrine. La dialectique de la lumière et de l'obscurité permet aussi de mettre en perspective la notion d'héroïsme placée au cœur de l'épopée : la brillance des armes homériques fait alors place à l'éclat de la séduction, arme principale de Jason dont la valeur se mesure surtout dans le domaine érotique. Ce transfert des valeurs traditionnelles de la lumière sur le plan masculin s'accompagne d'une affirmation des pouvoirs féminins en contexte nocturne. Une quatrième partie interroge enfin le statut littéraire des Argonautiques à l'aune de la dialectique entre lumière et obscurité : l'épopée au long cours dénigrée par Callimaque peut en effet être lue comme un recueil poétique de pièces autonomes et une galerie de tableaux correspondant aux canons de l'esthétique hellénistique. Le dieu Apollon, dieu de la lumière et de la poésie placé au centre de l'oeuvre d'Apollonios, se fait le porte-parole privilégié d'un auteur au nom si proche du sien et devient le destinataire d'une sorte d'hymne atomisé qui mêle célébration poétique et réflexions métapoétiques. / Through this thesis, we aim to prove the various roles played by light and darkness in Apollonius Rhodius'Argonautica. In the first part, a lexical study specifically explores the terms expressing the ideas of light and darkness, in comparison to the Homeric references. Our thematic also tackles the issue of the construction of space and time, a notorious one in the Hellenistic period. The epic's structure is indeed based on the light and darkness' duality, but the threat of darkness symbolizing chaos is never far from the Argonauts who constantly struggle with barbarians and on the contrary symbolize Greek enlightment and civilization. The light and darkness'couple also allows us to give a new perspective on heroism, which is a central issue in Apollonius'poem. Whereas Homeric warriors project martial light due to their armour's glistening, Jason appears as love-hero shining with his purple cloak, an Hellenistic artefact replacing Achilles'shield described in the Iliad. At the same time, we can observe a kind of empowerment on the feminine side during the scenes occuring at night. In the fourth and last part, light and darkness endorse a metapoetical value, as they build a new kind of epic, like a collection of brief literary pieces joined together by a common celebration of Apollo, god of both poetry and light. Apollonius'Argonautica can therefore be seen as a prefiguration of Philostratus'Imagines, as it is built around a succession of vivid poetical paintings.

Si les Poésies de l’époque des Thang (1862) de Hervey-Saint-Denys est apprécié des savants et des poètes, le Livre de Jade (1867) de Judith Gautier touche les non-spécialistes et diffuse la poésie chinoise en Occident. Regardé du point de vue de la poésie classique chinoise, le Livre de Jade porte plusieurs transformations : le changement du lyrisme à la narration, la perte inévitable des images et des formes poétiques classiques chinoises. Considéré du point de vue de la poésie française du XIXème siècle, le Livre de Jade porte les grands thèmes lyriques du romantisme et manifeste les récents développements du Parnasse : son enthousiasme pour le poème en prose et son goût pour la peinture. A la fin nous prendrons à la fois le point de vue de la poésie classique chinoise et celui de la poésie romantique française. Bien que le Livre de Jade possède deux caractéristiques communes à ces deux poésies, nous n’y trouvons pas de point de rencontre idéal. Tant de différences par rapport aux poèmes originaux justifient les réticences, depuis son apparition, à considérer Le Livre de Jade comme une traduction. Nous nous proposons de considérer ce livre du point de vue de la première rencontre poétique entre la France et la Chine. A travers cette rencontre, ces deux poésies se renvoient leur image comme un miroir l’une de l’autre et, ce faisant, leur fait découvrir ce qu’elles ne voyaient pas de leur propre culture. / If Hervey-Saint-Denys’s Poésies de l’époque des Thang (1862) have touched French sinologists and men of letters, the Judith Gautier’s Livre de Jade (1867) properly initiated classical Chinese poetry into the vision of the Western reader. Seen from the perspective of classical Chinese poetry, Poésies de l’époque des Thang can be taken as a reference for the Livre de Jade about what scholars and poets have in common when translating poetry. This demonstrates the influence and limitation that the Chinese and French languages, cultures, and literary traditions exert on poetic translation. Examined from the perspective of the 19th-century French poetry on the other hand, the Livre de Jade possesses qualities of romantic themes, but it also bears Parnassian imprints in its imitation of the newly emerging prose poetry and its transplantation of ideas of painting. Besides, in analyzing the two obvious features of the Livre de Jade, namely its abundant metaphors and the omnipresence of nature, this thesis juxtaposes French romantic poetry keen on figures of speech, especially metaphor, with classical Chinese poetry immersed in its tradition of bi-xing. The above analysis reveals that the Livre de Jade is by no means translation in the strict sense of the word. However we might regard it as the first encounter between Chinese and French poetry which enables them to reflect and rediscover each other before they finally merge into one.

Dans ce travail nous nous proposons d’étudier la poésie de deux écrivains nikkei-péruviens : José Watanabe et Doris Moromisato. Nous voulons observer comment elle témoigne d’un processus de construction identitaire. Avant d’aborder notre corpus, nous dressons un panorama historique et sociologique de la présence japonaise et nikkei en Amérique latine, et spécialement au Pérou, à travers notamment un examen des artefacts culturels destinés à rendre hommage à la communauté nikkei péruvienne qui s’est constituée au début du XXe siècle avec l’arrivée de main d’œuvre paysanne japonaise. Membres de cette communauté, fils et fille d’immigrés, Watanabe et Moromisato ont dû se définir comme péruviens d’origine japonaise, et l’ont fait pour une grande part en écrivant. Nous voulons montrer comment chacun exploite et intègre son héritage familial à son identité péruvienne. Nous traitons chaque auteur séparément dans le but de dégager plus clairement les points essentiels de leurs univers poétiques et de leur position face à leurs origines. Nous verrons ainsi que l’héritage culturel de Watanabe conditionne en parti sa posture de poète, et que sa vision du haïku japonais, tel que son père le lui a fait connaître enfant, révèle une conception particulière de son travail de poète. À l’inverse, les parents Okinawaïens peu instruits de Moromisato n’ont pu la mettre en contact avec la culture littéraire japonaise, et c’est une fois adulte qu’elle la rencontre telle qu’elle s’exporte. Issue d’un foyer renfermé sur les souvenirs d’un Okinawa rural, Moromisato envisage son identité multiple d’une façon différente que Watanabe, qui a grandi dans un foyer ouvert sur la culture autochtone. / In this work we aim to study the poetry of two Peruvian nikkei writers: José Watanabe and Doris Moromisato. We hope to see how it reflects a process of identity building. Before going into the texts, we will provide a historical and sociological overview of the Japanese and Nikkei presence in Latin America, especially in Peru, through an examination of cultural artefacts paying tribute to the Peruvian Nikkei community formed at the beginning of the 20th century with the arrival of Japanese peasant workers. As members of this community (both are children of immigrants), Watanabe and Moromisato had to define themselves as Peruvians of Japanese origin, and did so largely by writing. We intend to demonstrate how each utilizes their family heritage to their advantage, integrating it into their Peruvian identity. We will study each author separately in order to clarify the essential characteristics of their poetic universes and their position in relation to their origins. We will see that Watanabe’s cultural heritage partially conditioned his work as a poet, and that his vision of the Japanese haiku, as passed down by his father, reveals unique insight into his artistic work. Conversely, Moromisato's undereducated Okinawan parents were unable to bring her into contact with Japanese literary culture, and it wasn’t until she was an adult that she encountered it in its exported form. Moromisato, who was born into a home closed off from influences outside those originating in /who was born into a home that thrived on memories of rural Okinawa, sees his multiple identities differently than Watanabe, who grew up in an environment that was open to peruvian culture.

La malédiction littéraire n'est pas une exclusivité du temps des Poètes maudits : il s'agit d'un discours assez conventionnel en littérature, actualisé par Paul Verlaine dans ses Poètes maudits, ouvrage qui inscrit le terme dans l'histoire de l'art littéraire. Le présent mémoire, composé de deux parties, a pour objectif de procéder à une étude de Rester vivant, ouvrage de Michel Houellebecq, en affirmant dans la figure du poète présentée une mise à jour du mythe du Poète maudit. La première partie cherche à exposer les éléments qui fondent cet important mythe du poète à la fin du XIXe siècle français, en partant des premières mythologies de la poésie moderne. La seconde partie présente le texte intitulé Rester vivant et analyse les points de similitude et de différence entre le mythe du poète houellebecquien et de ses prédécesseurs maudits du XIXe siècle. Ainsi, en suivant un parcours de différentes mythologies, formées sans doute par des contextes sociaux, politiques et culturels bien divers entre eux, je crois que nous pouvons reconnaître quelques héritages qui stimulent la réflexion sur l’importance du genre poétique dans la société aujourd’hui. / A maldição literária não é uma exclusividade do tempo dos Poetas malditos: trata-se de um discurso bastante convencional em literatura, atualizado por Paul Verlaine em Os Poetas malditos, obra que inscreve o termo na história da arte literária. A presente dissertação, composta por duas partes, tem por objetivo estudar a obra Rester vivant, de Michel Houellebecq, afirmando na figura de poeta aí presente uma atualização do Poeta maldito. A primeira parte do presente trabalho busca expor os elementos que fundam esse importante mito de poeta no final do século XIX francês, partindo das primeiras mitologias da poesia moderna. A segunda parte apresenta o texto Rester vivant e analisa os pontos de semelhança e diferença entre o mito de poeta houellebecquiano e seus antecessores malditos do século XIX. Assim, através de um percurso de diferentes mitologias formadas, sem dúvida, por contextos sociais, políticos e culturais bem diversos entre si, creio ser possível reconhecer algumas heranças que estimulam a reflexão sobre a importância do gênero poético em relação com a sociedade ainda hoje.

Cette thèse propose de faire une étude des usages antiques et modernes d'un passage du deuxième chant de l’Iliade, connu depuis le Ve siècle avant notre ère sous la désignation de Catalogue de vaisseaux. Ce passage est devenu une sorte de paradigme d'un type d'énonciation, I'« énonciation en catalogue» (καταλέγειν), qu'une grande partie des études modernes a interprété comme un manière idéale de décrire la réalité du passé dans un ordre discursif étroitement lié à la transmission d'une« vérité», voire comme étant à l'origine de l'écriture de l'histoire. Cette lecture, à notre avis, eu un effet sur un certain nombre d'études modernes, et est aussi un effet de ces études. Ces effet sont loin d'être anodins car ils ont conduit à considérer le catalogue comme un document jugé utile pour trouver la « Grèce homérique» et, qui sait, pour répondre à d'autres « question homériques» La qualification de ce passage en «catalogue» fait néanmoins écho à une pratique qui, comme l'on montré d'autres études, remonte non seulement à la production poétique diversifiée de l'époque archaïque -y compris l’Iliade où cette pratique se présente comme un mode d'interlocution original -mais se prolonge bien au-delà. En se tournant vers quelques usages anciens des discours e catalogue et, en particulier, du Catalogue des vaisseaux, nous cherchons à comprendre à quelle autres fonctions (qu'elles soient proches ou non des fonctions repérées par les textes modernes) cette pratique énonciative répond et comment elles se manifestent dans la dialectique avec les texte antérieurs mobilisés et avec leurs propres enjeux. / This thesis proposes a study of the ancient and modern uses of a passage from the second Book of the Iliad, known since the 5th century before our era under the designation « Catalogue of Ships ». This passage became a sort of paradigm of a particular mode of utterance, the « catalogue mode of enunciation » (καταλέγειν), which great number of the modern studies had interpreted as an ideal way to describe the reality of the past in a discursive order closely related to the transmission of a « truth », or rather being in the origins of the writing of history. We assume that this reading had an impact on a number of modern studies and it is a consequence of them as well. Such impacts are far from being meaningless, once they had led to consider the catalogue as a document judged reliable to find the « Homeric Greece » and, who knows, to answer to other « Homeric questions». The status of « catalogue » in this passage nevertheless echoes the practice which, as other studies had shown, goes back not only to the diversity of the poetical production from the archaic period - including the Iliad where this practice presents itself as an original interlocution mode - but extends it far beyond. On turning towards some ancient uses of the speeches in catalogue, particularly the ones from the Catalogue of Ships, we aim to understand to what other functions (those being close or not from the ones identified by the modern texts) this enunciative practice answers and how they appear in the dialectic with the previous texts concerned and with their own issues.

« I think that philosophy is still rude and elementary. It will one day be taught by poets.The poet is in the natural attitude; he is believing; the philosopher, after some struggle, havingonly reasons for believing. » Le propos de cette thèse consistera à étudier dans quelle mesurele poète pourrait, un jour, enseigner la philosophie. Pour mener à bien ce travail de recherche,il conviendra d’étudier les paradoxes de la poétique révélés par une lecture génétique del’oeuvre d’Emerson.Alors que Platon chassait le poète en dehors de la cité, Emerson souhaite lui redonnerune place de choix dans la société. Par la lecture du projet poétique formulé par Emerson,l’étude de ses poèmes dans un cadre de « longue durée » et l’analyse d’une poétique quis’éprouve dans la prose pour progressivement perdre la subjectivité dans l’impersonnel, ils’agira de mettre en lumière dans quelle mesure l’expressivité poétique peut être productriced’un discours philosophique. Il conviendra alors de revenir sur l’idée de transcendance, et del’ouvrir au dialogue avec celle d’immanence pour mettre en lumière les liens entre poésie etphilosophie. Dès lors, il faudra s’interroger sur le discours produit par l’écriture d’Emerson etse demander s’il y a création de concepts, et donc philosophie, telle que Deleuze la définit. Lapoétique d’Emerson pourra apparaître comme la propulsion d’une pensée philosophique,suspendue dans l’indicible. Dans ce travail derecherche, il sera question de comprendre comment la poétique participe du projetmétaphysique de reformulation de l’âme pour suggérer un discours de portée philosophiqueencore inapprochable. Cette dernière idée ouvrira la perspective de la création, si elle existe, duconcept de « poète-penseur » dont Nietzsche prendra la pleine mesure à la suite d’Emerson. / Does Ralph Waldo Emerson make a better essayist than a poet? For a majority of his readers, it seems to be so: Emerson’s poetic talents would be best expressed in prose. In any case, he would not personify the poet he describes in his famous essay “The Poet,” and we should turn to Whitman and Dickinson for avant-garde poetry. It is such an assertion that I wish to challenge in this study. To do so, I offer an architectonic exploration of Emerson’s poetics to surpass the simplistic oppositions between his poems and essays, and to show how the ones as well as the others come under poetics that outstrip their constructive paradoxes. This research is thus organized around three major paradoxes, whose solution depends on three offices Emerson all holds at once. The office of the archeologist allows to resolve the paradox of the tabula rasa: how are we to understand that Emerson repeatedly rejects the influence of the past while his work remains saturated with literary and philosophical references? The office of the architect allows to untangle the paradox of the poet: how are we to interpret the conflicting relationship between Emerson and the poetic persona, given that his poems do not seem to take account of the poetic principles that the great poet to come is obliged to respect? The office of the anarchist finally allows to shed light on the paradox of the subject: how are we to account for an absolutely free subject – the projected goal of Emerson’s poetic project – that would not be limited by the restring confines of textuality itself?

Cet écrit traverse l'encre de la peinture par la sienne propre. Elle a ce corps en partage, à la fois fraternel et inconciliable. L'encre de l'écrit a voulu ici se frayer un chemin de liquidité dans la peinture, donnant à son mouvement l'ébranlement de la couleur, qui est un geste de la matière elle-même. Mon geste, lui, bu par le papier et retiré dans des plis de vagues, opère un glissement jusqu'au blanc d'une page sur la table qui se déploie jusqu'à cet objet singulier qu'est la thèse en arts. De fait, comme la peinture accompagne dans son sillage d'ombres le questionnement d'un regard, son itinéraire sans tracé, l'écrit depuis la peinture, se retourne sur son propre objet — d'une encre à l'autre. La construction d'une parole en prise avec une errance d'atelier est délicate. Elle mêle son corps résonant d'images à celui des mots des poètes, travaillant un langage inconnu au creux de l'impasse même que constituent les mots, la prise de parole. La voix du peintre est la seule que je connaisse. Elle est issue de l'abandon et du dessaisissement à l’œuvre. Elle engage la pensée dans le faire, au milieu d'une déposition qui est celle, multiple, d'un corps d'encre, d'une peinture en éclat, d'un geste et sa dépose, d'une voix et de ses fragments. La déposition appelle le sol. C'est bien de ce sol dont il est question tout au long de cet écrit. Un fondement, comme fondation mais aussi comme ce qui fond sous les pas. Liquide, fluide, mouvante. Une déprise qui est aussi un ancrage, une attache qui est aussi un débord. / This writing goes through the ink of painting through its own. It has this body to share, both fraternal and irreconcilable. Here the ink of writing sought to pave a liquid way in painting, giving to its movement the trembling of color, which is a gesture of matter itself. As for my gesture, drunk by the paper and withdrawn in folds of waves, operates a drift to the white of a page on the table, that unfolds to this singular object that is the thesis in fine arts. In fact, as painting accompanies in its shadowy wake the questioning of a gaze, its course without outline, writing from painting, turns on its own object - from one ink to another. The construction of a discourse in touch with the wandering of the studio is delicate. It merges its body resonant with images with that of words from poets, working an unknown language in the very core of the impasse that constitutes words, access to speech. The painter's voice is the only one I know. It is the result of the abandonment and divestment at work. It engages thought in making, in the midst of a deposition which is, multiple, that of a body of ink, of a radiant painting, of a gesture and its removal, of a voice and its fragments. Deposition calls for the ground. It is that very ground that is being discussed throughout this writing. A grounding, as foundation but also as what melts under the steps. Liquid, fluid, moving. A release that is also an anchor, a tie that is also an overflow.