This thesis offers a detailed examination of the representation of topos, or homeland, in the poetry of George Seferis from an interdisciplinary perspective. It argues that Seferis’ poetry is a response to loss, and in particular the loss of a homeland in Asia Minor. The argument is divided into two parts. The first, entitled “Crisis and Response,” deals with Seferis’ personal biography and the subject of loss, while the second, “Allegories of Topos,” treats three distinct themes that illustrate and allegorize Seferis’ poetics of topos: dystopia, historical poetics, and the poet’s interpretation of Homer. A concluding chapter examines Seferis’ Cyprus poems and the similarities between Cyprus and Asia Minor. Ultimately, this study sheds new light on one of twentieth century Greece’s most iconic modernist poets by presenting a new, place-based reading that illuminates the relationship between nationalism and personal topography.<p> / Doctorat en Langues et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Le premier conflit mondial qui met fin à l’après-midi doré de l’époque édouardienne signe l’entrée du Royaume-Uni dans le XXe siècle politique et esthétique. La place unique qu’occupe la Grande Guerre dans l’imaginaire collectif britannique participe de l’engouement populaire que suscite encore aujourd’hui la war poetry, devenue un véritable « lieu de mémoire » textuel. Son importance dans le paysage culturel britannique paraît dès lors démesurée par rapport à la place qu’elle occupe dans le canon poétique du XXe siècle. À la fois conservatrice et innovante, respectueuse des formes mais sujette à l’expérimentation, l’œuvre des war poets, souvent confondue avec celle des Georgian poets, se range du côté des modernes plutôt que des modernistes. Poésie de circonstance définie par le moment et le lieu d’écriture, elle est jugée à l’aune de la problématique moderne de l’œuvre « impure », poésie tournée vers la révélation de l’événement plutôt que vers l’acte de création. C’est cette tension entre l’appel du monde et l’appel du texte qui fonde la définition générique, esthétique et éthique de la war poetry. Son intérêt critique réside dans sa double finalité, son hybridité tonale, générique et formelle, sa nature composite et polymorphe qui l’inscrivent de plain-pied dans le registre de la dissonance, propre à la poésie moderne. / By putting an end to the golden Edwardian afternoon, the First World War propelled Britain into the political and aesthetic twentieth century. Owing to the unique place occupied by the Great War in the collective British mind, war poetry represents today a highly popular textual “realm of memory”. However, its relevance in Britain’s cultural landscape does not correspond to its status within the poetic canon of the twentieth century. Both conservative and innovative, intent on codified forms yet experimental in nature, often confused with Georgian Poetry, war poetry leans towards the modern rather than the modernist definition of poetry. As a form of occasional writing, determined by the place and time from which it sprung, war poetry is judged according to the modern standards of “impure poetry”, more focused on the revelation of the event than on the act of creation itself. It is the contradictory claims of world and text that found the generic, aesthetic and ethical definition of war poetry. Its critical interest resides in its dual purpose, its tonal, generic and formal hybridity, its complex and changing nature, which firmly inscribe it within the modern poetics.

La lecture est fréquemment associée dans la modernité à un exercice de l’esprit vers l’acquisition des informations et de savoir. Cette façon de concevoir l’acte de lire comme une action centrée majoritairement sur le mental, toutefois, cache une tradition de lecture amplement corporelle pratiquée entre la basse Antiquité et la fin de la période médiévale. Cette thèse s’occupe d’examiner alors une rupture historique entre corps et lecture, un processus qui sous-tend l’avènement de la façon moderne de lire, c’est-à-dire d’un modèle qui est enraciné dans la vision et dans les fonctions intellectuelles. Ce travail s’appuie sur les études des théoriciens de l’histoire de la lecture, ainsi que sur une ample réflexion sur la sagesse émanée du corps dans le but de récupérer une lecture associée à la pratique synesthésique. Pour accomplir cette tâche, l’on cherche à l’intégration de perspectives historique, analytique et pratique pour discuter et mettre en action une lecture de teneur corporelle. Ceci implique une pratique qui entre aussi dans la dynamique de la thèse. Ainsi, on part de l’analyse de la Poésie Concrète majoritairement brésilienne pour atteindre à deux objectifs à la fois : tout d’abord, on caractérise ce mouvement poétique qui est une référence dans le contexte de la poésie visuelle, ce qui corroborait à l’importance de la vue dans le contexte de l’histoire de la lecture. D’un autre point de vue, le travail de cette thèse avec la Poésie Concrète rend tangible aussi la démonstration d’une force corporelle dans la lecture en action qu’on y apporte. Ainsi, comptant sur une approche de lecture qui est aussi pratique, la thèse vise à démontrer qu’il y a une implication inexorable du corps dans l’acte de lire. / Reading is frequently associated in modernity with a mental practice seeking to acquire knowledge and information. Nevertheless, this way of conceiving reading as an act focused mainly on intellectuality conceals a vast tradition of bodily reading practiced from late Antiquity up to the end of the medieval period. This dissertation thus aims to examine the historical rupture between the body and the reading process underlying the emergence of our modern way of reading, which emphasizes the sense of sight and purely intellectual functions. This research is grounded on theoretical studies of the history of reading, as well as on a broad reflection on knowledge emanating from the body, and thus proposes recovering a reading model associated with synesthetic practice. To accomplish this task, this study seeks to integrate historical, analytical and practical perspectives as a way to discuss and enact a reading method conscious of the body's existence; the role of the body in the act of reading is part and parcel of the dissertation’s dynamic. The analysis of Brazilian Concrete Poetry allows for achieving two objectives at once: first, a characterization of this poetic movement, considered exemplary of visual poetry, corroborates the singular importance of sight in the history of reading in modernity. In addition, however, working with the Concrete Poetry offers a tangible demonstration of the body’s force in the context of interactive reading. In other words, in endorsing an understanding of reading based on practice, the dissertation strives to show how the act of reading implies the irrepressible presence of the body.

Le présent mémoire vise à démontrer que le projet des Cinq Grandes Odes de Paul Claudel et de l'Ode au Saint-Laurent de Gatien Lapointe est de retrouver, grâce à la parole poétique, une conscience mythique du monde, telle que définie par le philosophe Georges Gusdorf. Ces deux œuvres partagent en effet cette dimension fondamentale : enraciner l'être et la parole au cœur d'une expérience cosmogonique du langage et du réel. Nous expliquerons de manière plus générale ce qui fonde la spécificité de la parole poétique et en quoi elle rend possible l'expression de la conscience mythique. Cette réflexion préliminaire alimentera notre lecture de l'Ode au Saint-Laurent et des Cinq Grandes Odes. Nous tenterons de saisir les enjeux d'une poésie qui, chez Claudel comme chez Lapointe, puise la source de sa connaissance et son mouvement créateur au sein d'un imaginaire mythique.

Le silence — ou plutôt la grande variété de ce que l’on appelle “silences” — est un phénomène complexe qui prend une part directe dans la dynamique du langage et la création du sens linguistique, mais aussi dans la production du sens symbolique et des effets poétiques. Le travail est organisé en deux parties: la première traite la question de l'acte de silence dans l'expérience linguistique du monde, tandis que la deuxième analyse l'expérience poétique des silences en appliquant les résultats précédemment obtenus au Coup de dés de Stéphane Mallarmé. Plus précisément, dans la partie linguistique, on passe en revue différentes théories pour dégager la place que le silence s’y voit reconnaître. On l’étudie successivement en tant que signe linguistique, en tant qu’acte linguistique, comme élément pertinent, comme procédé rhétorique, comme phénomène symbolique. La partie poétique se fonde sur la théorie de l'évocation pour aboutir, en passant par un chapitre consacré à la poésie moderne dans son ensemble, à l'œuvre de Stéphane Mallarmé, le premier poète qui ait créé une véritable poétique des silences, tant dans ses ouvrages poétiques (dont le Coup de dés est l'exemple le plus radical) que dans ses écrits théoriques.

Cette étude se situe dans le contexte des échanges culturels franco-chinois au temps de la Révolution culturelle (1966-1976). Nous nous proposons d'étudier le lien entre les œuvres de Baudelaire et la poésie souterraine chinoise écrite à cette époque, dont la valeur est reconnue aujourd'hui'hui par le monde littéraire. Alors que Baudelaire est exclu de la liste de diffusion de la littérature officielle chinoise par la censure, Les Fleurs du Mal sont traduites, lues, admirées et imitées par des jeunes auteurs souterrains. Dans la mesure où l'art devient le meilleur moyen de révolte contre la dictature idéologique, la poésie de Baudelaire participe à l'édification d'un nouveau langage poétique qui revalorise l'existence individuelle en rupture avec la langue de bois, dépositaire de l'expérience collective. C'est dans ce cadre que nous discutons, sur la base d'une analyse textuelle, de l'influence de Baudelaire sur une génération de poètes chinois.

Ce travail propose une étude de la poétique de la douleur, tant physique et morale, dans certaines œuvres choisies de la poésie grecque archaïque et classique. Il démontre comment la douleur remplit une fonction essentielle dans les œuvres étudiées, en tant que moteur de l’action et mode de caractérisation des personnages, ainsi que par les liens qu’elle établit avec les thèmes centraux plus larges. L’étude de la poétique à proprement parler permet par ailleurs d’examiner en arrière-plan la question historico-culturelle de la valeur éthique et sociale de la douleur. Trois œuvres servent de cas d’étude: l’Iliade d’Homère (le livre V en particulier), l’Orestie d’Eschyle (principalement l’Agamemnon), et le Philoctète de Sophocle. Le premier chapitre traite de la douleur divine dans l’Iliade, en contraste avec celle des simples mortels. Le deuxième chapitre propose de réexaminer la question de la douleur et du chagrin de la perte dans l’Orestie d’Eschyle, en portant une attention particulière à la nature perverse de la souffrance maternelle de Clytemnestre. Le troisième et dernier chapitre examine la représentation de la douleur dans le Philoctète de Sophocle, et le caractère ambigu de la souffrance du héros, en analysant comment celle-ci sert à la fois de menace et de catalyseur de l’humanité de la victime souffrante elle-même et de ses témoins. / The present study offers an exploration of selected representations of physical and moral pain in archaic and classical Greek poetry, with a focus on the poetics. The analysis centers on the extent to which depictions of pain fulfill a central role in the works selected, as motor of the plot, instrumental mode of characterization, and link to key overarching themes. In the course of the examination of its poetic function, the cultural-historical question of pain’s ethical and social value emerges as a dominant background axis of investigation. Three works serve as case studies: the Homeric Iliad (book V in particular), Aeschylus’ Oresteia (mainly the Agamemnon), and Sophocles’ Philoctetes. The first chapter deals with the portrayal of divine pain in the Iliad, by contrasting it with that of mortals. The second chapter seeks to offer a better understanding of the portrayals of pain and loss in Aeschylus’ Oresteia, with particular focus on the perverse nature of Clytemnestra’s maternal suffering. The third and final chapter turns to the representation of pain in Sophocles’ Philoctetes and the ambivalence of the eponymous hero’s suffering, analyzing how it serves both as a threat and a catalyst to the humanity of the sufferer himself and that of his witnesses.

Cette thèse a pour objet d’étudier les interactions entre le texte et l’image dans le Livre de dialogue, crée en commun par un poète et un peintre, en France et Allemagne de 1980 à 2004. Il ne s’agit pas ici de s’intéresser au « Livre illustré » qui sous-entend que l’image sert seulement d’illustration au texte, mais au« Livre de dialogue » où deux modes d’expression sont mis en présence en un rapport d’égalité ; dialogue qui provoque des interactions complexes. La problématique réside dans l’existence de deux systèmes sémiotiques différents, tels la poésie et la peinture avec, l’un et l’autre, ses unités distinctes, son fonctionnement syntagmatique et paradigmatique propre et sa manière particulière de créer de la signification. Les procédés examinés portent sur les différentes apparitions, les conséquences et les limites de cette rencontre. Une étude détaillée aborde en premier lieu les procédés s’attachant à la représentation de l’objet - poétique ou pictural – oscillant entre figuratif et abstrait. Ensuite, sont explorées les interactions entre texte et image à partir des notions de l’espace, du fragment, du corps et du processus créatif. En conclusion, il s’agit non pas de transposer le modèle stylistique sur la peinture ou inversement, mais de dégager des points d’intersection entre sémiotique, intermédiatique, esthétique et histoire de l’art. / This thesis investigates the interactions between text and image in the artist book (Livre de dialogue), composed jointly by a poet and a painter, in France and Germany from 1980 to 2004. In contrast to the « illustrated book», where the image is subordinated to the text, I explore in this special type of book the encounter between two means of expression sharing equal importance, a dialogue that yields complex interactions between visual and verbal signs. The existence of two different semiotic systems such as poetry and painting bears interesting questions, as each possesses its specific units, its own syntagmatic and paradigmatic structure and its specific way to create significance. The analysis focuses on the different forms, the consequences and the limits of this encounter. The first part consists of an examination of the figurative processes that are linked to the representation of the poetic or pictorial object in a general way. Following this examination, a more detailed analysis investigates the interactions between text and image based on the concepts of space, fragment, body and the creative process. Thus, the aim is not to transpose the stylistic system to painting or vice versa, but to explore points of intersection between semiotic, intermedia, aesthetic and history of art.

Ce mémoire porte sur les deux premiers recueils de Raoul Duguay (ruts et or le cycle du sang dure donc). Il cherche à examiner les liens étroits qu’entretient la poésie de Duguay avec la production parallèle du poète, qui s’oriente dès la fin des années 1960 vers la chanson. Le mémoire s’attachera d’abord, dans le premier chapitre, à présenter l’histoire des liens entre les poètes et la chanson au Québec afin de relever les points de contact significatifs au cours des années 1960 et de poser le cadre théorique de la chanson comme objet d’étude. Dans un deuxième temps, l’analyse des deux premiers recueils de poèmes de Duguay nous mènera à une réflexion sur la présence de la métaphore du chant, puis de la parole poétique en poésie québécoise, qui annonce un changement de paradigme dans l’approche du lyrisme et du sujet lyrique. Enfin, le troisième chapitre se penchera sur le contexte contre-culturel québécois, pour examiner le discours et le contre-discours sur la poésie, pour expliquer le phénomène de décloisonnement des genres qui conduit Raoul Duguay à investir le champ de la culture populaire de sa poésie. Il y sera aussi question du sujet « dans le langage », de l’expérience de la langue et de la subjectivité de la voix. / This thesis addresses the early works of Raoul Duguay. Our study focuses on the first two collections of poem (ruts [1966] and or le cycle du sang dure donc [1967]), while examining Duguay’s parallel production as an experimental musical artist and eventually songwriter. Hereby, our study wishes to unveil the close ties between poetry and what could be considered as its popular derivatives: songwriting. Indeed, a significant number of poets wrote songs, especially among the proponent of the counterculture. Therefore, the first chapter will present a portrayal of Quebec’s cultural history that underlies the ties between songwriters, poets and artists in general in the 1960s. Furthermore, it will lay the theoretical framework to address the song as a study object. The second chapter studies the notion of lyricism in Quebec’s early modern poetry. It will study the use of song – or singing – as a metaphor, to demonstrate how it later loses its relevancy in regard of the modern poetry, which prefers the use of speech as metaphor. This shift heralds a change of paradigm in approaching lyricism and the lyrical subject. However, it will appear that Duguay persists in using song and singing metaphors – as well as speech – as he experiences language in its vocal and oral undertone. The third chapter studies the context – Quebec’s counterculture – in which the ties between poetry and song are tighten around the question of their function. It addresses the notion of popular art and its legitimacy.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.