De nature essentiellement théorique, la présente thèse porte sur un sujet peu étudié dans le milieu universitaire francophone, que ce soit en Europe ou au Québec. Il s’agit du fan. Bien que les fan studies constituent un champ disciplinaire très actif dans les universités anglo-saxonnes (voir entre autres Henry Jenkins et Matt Hills), il n’existe aucun ouvrage dans la langue de Molière s’affairant à synthétiser et théoriser l’expérience affective du fan. Ma thèse entend combler cette lacune. Fortement inspiré par la notion de hiérophanie du célèbre historien des religions Mircea Eliade, j’ai créé le néologisme cinéphanie pour désigner un concept que je résume comme suit : toute manifestation affective s’échelonnant sur une courte période de temps, qui suscite un haut degré de satisfaction affective. À partir de ce concept, je déclinerai une typologie qui servira à illustrer les types d’expériences cinéphaniques qui peuvent motiver le spectateur et le fan à s’engager dans des activités de réappropriation culturelle (seul ou au sein d’un fandom) afin de réactualiser les émotions liées à l’objet culturel source. À l’aide des travaux de l’anthropologue Victor Turner portant sur l’activité rituelle, je proposerai l’organisation tripartite de l’expérience cinéphanique comme suit : la cinéphanie préliminale, la cinéphanie (liminale) et la cinéphanie post liminale. L’ensemble de mon travail répondra à trois objectifs. Le premier voudra théoriser de manière diachronique et synchronique le rapport affectif intense pouvant naître d’une relation entre le consommateur et un objet culturel issu de la culture populaire. De plus, il n’existe pour l’instant aucun ouvrage qui va dans ce sens, même chez les chercheurs anglo-saxons. Ma seconde ambition sera de séculariser la terminologie servant à décrire une expérience intense chez le fan. Certains d’entre eux se servent encore de l’analogie religieuse avec, entre autres, les termes d’épiphanie et de révélation pour souligner le plus adéquatement possible l’importance qu’ils accordent aux émotions qu’ils ressentent à l’endroit d’un objet culturel spécifique. Enfin, mon dernier objectif sera de synthétiser, dans une perspective ouvertement transdisciplinaire, les travaux provenant de disciplines variées liés à la question des affects médiatiques. Cela me permettra d’esquisser un portrait suffisamment précis qui visera à mettre en relief l’existence de traces théoriques du concept de la cinéphanie en filigrane dans les travaux d’autres chercheurs. / Mostly theoretical in nature, this thesis looks into a subject that has been little researched by the francophone academia both in Europe and in Québec: fans. Though fan studies are an active field of study in English-language universities (see Henry Jenkins and Matt Hills, among others), there exists no body of work in French that summarizes and speculates about the affective experience of fans. My thesis intents to fill this gap. Inspired by the concept of hierophany that was formulated by the famous religious historian Mircea Eliade, I created the neologism cinephany to describe the following concept: any affective expression spreading over a short period of time which culminates into a high level of emotional satisfaction. From this concept, I will define the typology which will illustrate the various types of cinephanic experiences that can drive viewers and fans to get emotionally involved in cultural reappropriation activities (alone or within a fandom) in order to adapt the emotions linked to the source cultural object. Using anthropologist Victor Turner's work on rituals, I suggest a tripartite organization of the cinephanic experience into the following phases: premilimal cinephany, cinephany (liminal) and post-liminal cinephany. My research objectives are threefold. The first is to speculate about the intense affective relationship between consumers and a pop culture object in a diachronic and synchronic manner. There currently exists no such body of work in the world, including among English-language researchers. My second aspiration is to secularize the terminology used to describe the intense episodes fans experience. Some still use religious analogies with words such as epiphany and revelation to adequately illustrate the importance fans attach to the emotions they feel towards a specific cultural object. Finally, my last objective is to synthesize – in an openly transdisciplinary perspective – the work from various disciplines in regards to media affect. This will allow me to paint a clear picture highlighting the implicit existence of theoretical traces of cinephany within the work of other researchers. / Thèse écrite grâce au financement du Fonds Québécois de la Recherche sur la Société et la Culture (FQRSC)

Cette thèse étudie le phénomène du concours de chant « Super Voice Girl » dans le but de déterminer les mécanismes fondamentaux de la dynamique culturelle en Chine contemporaine. S’inspirant de l’émission américaine « American Idol », le concours de chant « Super Girl Voice » est produit par Hunan TV et sa compagnie filiale EE Media. Avec une participation massive, le concours est commenté par un jury dans les auditions régionales préliminaires, complété par un système de vote des téléspectateurs afin d’élire le gagnant. « Super Girl Voice » est devenu un des sujets les plus discutés de la société chinoise dans le domaine des medias de masse. La thèse examine ce phénomène dans la cadre théorique de l'hégémonie culturelle qui articule des vues divergentes dans des études culturelles. Pour son auteur, la force culturelle en Chine contemporaine est caractérisée par la négociation entre l’idéologie dominante, la culture populaire et les discours intellectuels. L'idéologie dominante de l’état fortement ancrée dans la société détermine la politique et les pratiques culturelles chinoises. Elle est en même temps réinterprétée et diluée dans le processus de la modernisation économique. La culture émergente populaire à visées lucratives se tient délibérément à distance de l'idéologie dominante, mais elle reste dans l’obligation de s’adapter aux règles de l’idéologie dominante. Les discours intellectuels sont diversifiés depuis que les intellectuels chinois ont plus d’indépendance économique, politique et culturelle. Leur influence, toutefois, a été minée par la politique de contrôle des médias et la dépolitisation de l’industrie culturelle chinoise. / This thesis investigates the Super Girl Voice phenomenon in order to achieve some understanding of the mechanisms underlying cultural dynamics in contemporary China. A Chinese imitation of the American reality television singing competition American Idol, the Super Girl Voice Contest is produced by Hunan TV and its subsidiary company EE Media. This highly participatory contest features a panel of judges in the preliminary regional auditions and employs a telecommunication-Based voting system to determine the winner. Its finals are broadcast live in prime time with record-Breaking national viewership. This contest also becomes one of the most heatedly discussed issues in Chinese society in the public sphere of mass media. The author contends that the cultural dynamics in contemporary China is characterized by the mediated negotiation between the dominant, the emergent, and the residual cultures. The dominant state ideology is embodied in the majority of the society and determines Chinese cultural policy and practices. On the other hand, it is being reinterpreted and diluted in the process of economic modernization. The profit-Oriented emergent popular culture deliberately keeps a distance from the dominant ideology, but it still need to comply with the ideology-Dominated regulations. The intellectual discourses are diversified since Chinese intellectuals achieve more economic, political and cultural independence. However, their influences have been undermined due to the political control over Chinese media and the depolitisation of Chinese cultural industry.

Cette étude met en lumière la dimension carnavalesque telle que théorisée par Mikhaïl Bakhtine chez Rabelais dans le roman cubain contemporain (El arpa y la sombra d’Alejo Carpentier, Paradiso de José Lezama Lima, De donde son los cantantes de Severo Sarduy, Tres tristes tigres de Guillermo Cabrera Infante, El color del verano o Nuevo “Jardín de las Delicias” de Reinaldo Arenas, La piel y la máscara de Jesús Díaz). Il s’agira principalement de montrer comment les caractéristiques de « ce monde à l’envers » qui marque la « vision carnavalesque » proposée par le théoricien russe s’inscrivent dans l’écriture, tant dans l’intégration des codes du carnaval comme motifs littéraires que dans les techniques narratives employées. Dans une lecture dépassant le concept baroque associé jusqu’ici aux romans cubains de notre corpus, nous envisageons la résurgence de traditions populaires anciennes de la fête carnavalesque, le mélange entre hommage et irrévérence, sacralisation et désacralisation, comme le symptôme d’une crise du sujet cubain, l’expression postmoderne du rejet des idoles en même temps que la manifestation d’un désir profond de retrouver une liberté provisoire dans la représentation littéraire carnavalisée et de se plonger dans l’âge d’or célébré par la fête. / This study sets out the Bakhtine “carnival dimension” in the Cuban contemporary novel (El arpa y la sombra by Alejo Carpentier, Paradiso by José Lezama Lima, De donde son los cantantes by Severo Sarduy, Tres tristes tigres by Guillermo Cabrera Infante, El color del verano o Nuevo “Jardín de las Delicias” by Reinaldo Arenas, La piel y la máscara by Jesús Díaz). Our main concern is to demonstrate that “upside down world characteristics” that fixe the “carnavalesque vision” proposed by the Russian theorist is part of the writing in the integration of the carnival’s codes both as literary themes as narrative techniques. In a reading exceeding the baroque concept associated up to now with the Cuban novels of our corpus, we envisage the resurgence of the carnival’s former popular traditions, the mixture between tribute and irreverence, sacralization and deconsecration, as the symptom of the Cuban subject’s crisis, the postmodern expression of the rejection of the idols at the same time as the demonstration of a deep desire to recover a temporary freedom in the carnivalized literary representation and to plunge into a golden age celebrated by the carnival.

Le personnage principal féminin actif du film d'horreur voit le jour dans les années 1970. Sa naissance a eu un impact important sur le genre : elle est à l'origine de l'émergence de nouveaux sous genres(le slasher, le woman's horror film, le film d'horreur/mélodrame familial et l'action/horror auquel la série Alien donne naissance dans les années 2000). Ces sous-genres se distinguent par leur structure narrative, leur mode de production et le public auquel ils s'adressent. Chacun d'entre eux accorde du reste son rôle principal à un modèle différent de personnage féminin. Le traitement réservé par ces sous-genres à la question de la relation de leurs protagonistes féminines à la société, à leur corps et à leur sexualité évolue entre 1970 et 2007. Alors que dans les années 1970, la majorité des personnages féminins héroïques du genre étaient des femmes indépendantes, entre 1980 et 1995, elles sont remplacées par des mères sacrificielles, tandis qu'entre 1996 et 2007, les femmes indépendantes refont surface et se mettent à partager le devant de la scène avec des mères-célibataires. La mutation monstrueuse ou héroïque de ces personnages dépend aussi de leur relation à leur corps : celles qui ne parviennent pas à contrôler la "nature transformable" de leur biologie féminine (celles qui tombent enceintes ou qui ont leurs règles) deviennent des monstres, alors que celles qui sont disposées à contenir leur corps, ses mutations et leurs désirs sexuels parviennent à survivre. Notre analyse chronologique de ces sous-genres montre que l'évolution de leur discours sur leurs personnages féminins est due à l'impact que les différents courants féministes qui ont traversé l'histoire des États-Unis et le(s) backlash(s) contre le féminisme ont eu sur le genre de l'horreur. / The birth of the active female main character of the horror film in the 1970s has a significant impact on the genre of horror : this phenomenon prompted the emergence of new sub-genres (the slasher, the woman's horror film, the horror film/family melodrama and the action/horror to whom the Alien series gives birth in the 2000s). These sub-genres differ in their narrative structure, their production mode and the type of audience they address. Each of them grants the leading role to a different type of female character. From 1970 till 2007, the relationship of the female protagonists of horror film to the society in which they live, their body and their sexuality evolves. While in the 1970s, most of the heroic women of the genre are independent women, between 1980 and 1995, they become sacrificial mothers, and from 1996 to 2007, the independent women resurface again but are often single mothers. The ability of these female characters to become heroes or monsters is also affected by their relationship to their body : those who cannot control the "changeable nature" of their biology (i.e. those who become pregnant or have their period) turn into monsters, while those who can contain their bodies and sexual desires survive. The chronological analysis of these sub-genres shows that their discourse on their female main protagonists and the way it evolves are influenced by the different feminist currents that come to birth in the United States from 1970 till 2007 and by the backlash(es) against them.

De toutes les musiques populaires contemporaines, le rap, né dans le South Bronx à New York vers le milieu des années 1970, est probablement celle que l’on associe le plus communément à l’expression d’un discours masculin misogyne. Les rappeuses elles-mêmes décrivent fréquemment le rap comme un environnement masculin voire hostile aux femmes. Pourtant, depuis 1979, plusieurs générations de rappeuses ont fait le choix d’investir cet espace, écoulant des dizaines de millions de disques et participant de manière significative au développement de cette musique, sans être reconnues à la hauteur de leur contribution la plupart du temps. Cette thèse, inscrite au croisement de la science politique et des sciences de l’information et de la communication, s’intéresse à la façon dont des femmes noires des classes populaires négocient leur place dans une industrie dominée par les hommes. Grâce au rap, elles accèdent à une forme de visibilité sociale dans l’espace public qui leur permet de faire entendre un discours sur le genre, la race et la sexualité à rebours des représentations hégémoniques. La représentation étant un principe organisateur des relations sociales réelles, l’analyse du discours des rappeuses aide à mieux comprendre la façon dont se constituent et sont contestées les normes de genre, de race et de sexualité aux États-Unis. Le rap est aujourd’hui l’un des principaux lieux de (re)production de ces normes, et le terrain d’une guerre de position culturelle à propos des différentes idéologies de genre et de race. Dans le rap, des artistes femmes performent leur genre et leur race et construisent autrement leur identité, loin des modèles dominants de la féminité. / Of all popular music genres, rap – a music born in the South Bronx in New York in the mid-1970s – is the one most commonly linked to a masculine and misogynistic discourse. Even female rappers often describe the genre as a male-dominated and even hostile environment. Still, numerous female rappers have entered this space since 1979, selling millions of records and contributing to the development of this genre, even though they usually don’t get the recognition they deserve. At the crossroads of political science and media studies, this study focuses on how working-class, black women find success in a male-dominated industry and reach social visibility in the public sphere. In their lyrics, female rappers openly discuss gender, race and sexuality and dispute hegemonic representations. Because representation is an organizing principle of social relations, a study of female rappers’ discourse provides us with a better understanding of the way norms of gender, race and sexuality are constituted – and challenged – through rap music. Rap is now one of the main spaces where these norms are (re)produced. It is the battlefield of an ongoing "war of position" involving ideologies of gender and race. In this space, black women express gender and race through performance and negotiate their identity far from the traditional gender norms.

Le baseball occupe une place atypique dans les discours publics au Québec. Ses multiples représentations, teintées d’une exubérante ferveur ou d’un désintérêt des plus opiniâtres, l’attestent sans équivoque. Outre l’unicité de la langue française (qui est déjà beaucoup en soi), on se doute que des particularismes québécois existent et qu’ils prennent forme dans les diverses manifestations culturelles écrites, chantées, dessinées ou publicisées de ce sport. Le baseball a influencé les cultures savante et populaire d’ici et il continue à faire couler de l’encre, à pénétrer et à structurer des discours de natures diverses et à marquer l’imaginaire et l’imagination. Il s’agit dans la présente recherche d’arriver à une lecture spécifiquement québécoise des représentations du baseball dans l’imaginaire (social, collectif et culturel) entre 1994 et 2014, grâce à l’examen de quatre thématiques principales, soit l’écriture, l’espace, le temps et la sexualité. / Baseball holds a special place in Quebec’s public discourse. Its multiple representations, stuck between heartfelt passion and a stubborn disinterest, are proof of this. Besides the uniqueness of the French language (which is already significant in itself), we can suspect that a Quebec distinctiveness exists through the various cultural expressions of this sport, whether they be written, sung, drawn or publicized. Baseball has influenced both highbrow and popular culture and continues to be discussed, to penetrate and structure various discourses and to influence imagination and the imaginary. The aim of the present research is to provide a Quebec-specific reading of baseball’s presence and representations in the social, collective and cultural discourses between 1994 and 2014 through the consideration of four main themes : writing, space, time and sexuality.

Dès l’apparition du Pop art autour de 1962, l’iconographie de l’illustration et de la publicité indique l’émergence d’une véritable esthétique graphique. La rencontre du Pop art et du dessin se révèle particulièrement intéressante car suivre les productions réalisées dans cette discipline éminemment manuelle permet de réexaminer les différentes positions des artistes vis-à-vis de la culture de masse et d’aborder des questions tant matérielles qu’iconographiques. Partant du constat que les formations artistiques sont à l’origine du va-et-vient entre options manuelles et mécaniques dans l’économie du Pop art, le propos débute par l’examen des conditions d’émergence du dessin. L’examen des relations entre dessin et culture de masse ne saurait être complet sans évoquer la réponse d’artistes qui s’engagent dans la recherche d’un dialogue avec un public croissant (par des stratégies de classe, l’iconographie de logos de produits, la prise en compte des possibilités de l’estampe etc.). Non seulement l’œuvre naît du parcours de la main, mais le dessin pop dépasse le seul processus créateur pour exister dans un corpus d’œuvres autonomes, qui s’écarte de tout schéma finaliste. Cette présence souligne ce que peuvent avoir de critique l’image et l’action du corps. De même que Claes Oldenburg et David Hockney opposent une tension manuelle aux expressions mécanisées dans la société – et là réside le double sens de la notion d’engagement autant physique que politique dans le dessin pop –, le réinvestissement du corps sous la forme du portrait et du nu affirme sa solidarité avec les combats pour la libération sexuelle à l’aube des années soixante-dix. / By 1962 with the beginning of Pop art, the iconography of illustration and advertising points the development of an art founded on graphics. Interestingly, the relations between Pop art and drawing allow to follow how the handmade practices reassess the artists’ positions towards mass culture and deal with material issues (such as manual involvement) and the meaning of iconography (counter-culture, return of the figure). Starting from the point that artistic pop economy of art owes its back and forth mouvement between manual and mechanical options to its protagonists’ artistic education, this dissertation opens with the study of drawing’s emergence in a pedagogical context. The study of the relations between drawing and mass culture wouldn’t be fully led without assessing the answer of the artists who involve in the claim for a bigger audience (with a class strategy, an iconography full of mass products and the possibilities of prints). Moreover, not only the graphic works stem from the hand, but pop drawing overwhelms the solely issue of creation processes to exist in an autonomous corpus of works, which doesn’t fall into the finalist schema. This presence points how critical may be the body, through drawing, as an image and as an action. Similary to Claes Oldenburg and David Hockney who oppose a manual tension to the social mechanized expressions – and there lay the double sense of the very notion of involvement which is to be understood in Pop art in the same time on a physical and a political level – the reinvolvement of the body by way of portrait or nude shows its solidarity with the fights in the wake of the sixties, fight for sexual liberation, or women rights.

Du 11 septembre aux extraterrestres, des camps de concentration américains à l'assassinat de Kennedy, cette thèse a pour objectif d'éclairer sous un angle sociopolitique les fondements, les mécanismes et les enjeux de la pensée conspirationniste aux États-Unis depuis la révolution jusqu'à nos jours. S'il ne s'agit pas de dresser un catalogue exhaustif de toutes les théories du complot en vogue, le but demeure de démontrer que le conspirationnisme est un véritable fait social aux États-Unis, un élément de culture politique et populaire. Cette thèse se propose alors d'étudier les rouages et les origines du conspirationnisme sous trois aspects différents et complémentaires qui forment un triangle. D'abord, sous l'angle factuel, c'est-à-dire en étudiant les thèses du complot relatives à un événement extraordinaire (9/11, assassinat de JFK, etc.). Ensuite, sous l'angle des acteurs du conspirationnisme : les leaders conspirationnistes (LaRouche, Icke, etc.), les citoyens enquêteurs et les boucs-émissaires (communistes, juifs, illuminatis, etc.). Enfin, sous l'angle culturel en mettant en perspective le conspirationnisme avec la culture américaine : l'anti-étatisme, la présence de mafias ou encore le cinéma de masse. / From 9/11 to UFOs, from American concentration camps to the Kennedy's assassination, this dissertation aims to enlighten, through a sociopolitical analysis, the grounds, the mechanics and the goals of the conspiratorial thought in the United States since the Revolution. Even Though it is no question to draw an exhaustive catalog of each and every conspiracy theory, I would stress that conspiracism is part of the American political and popular culture. Then, this dissertation studies the origins and the developments of conspiracism through three complementary focuses. First, a factual approach which dwells on specific conspiracy theories such as the 9/11 attacks or the assassination of Kennedy. Secondly, I will come on the actors of conspiracism : the conspiracist leaders (LaRouche, Icke) the citizens sleuths and the scapegoats (Communists, Jews, Illuminatis). Finally, under a cultural angle, I will outlook conspiracism and the American culture of anti-statism, the presence of mafias or the role of mass-medias.

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Ce mémoire tente de mettre en valeur la pertinence des séries d’animation japonaise dans l’étude de l’identité nippone. À travers un processus interactif de création entre producteurs, sponsors et consommateurs, les anime, et la culture qui les caractérise, permettent en effet d’explorer les dynamiques de construction identitaire entre le Japon des discours nationalistes et l’Étranger qui en apparaît comme la contrepartie. Les anime deviennent ainsi un outil de négociation culturelle. Plus précisément, ce travail porte sur les dynamiques de production et création en place depuis les années 1990, moment à partir duquel l’audience internationale a commencé à prendre de l’importance dans un milieu qui ne considérait jusqu’alors presque exclusivement que le public japonais. C’est aussi une période d’expansion pour l’industrie anime qui devient en quelque sorte une fierté pour le Japon et un étendard de son identité. Face à ce potentiel nationaliste et politique des anime comme promoteurs de la culture japonaise commence à se poser la question de leurs représentations. C’est notamment sur l’idée d’un contraste entre représentations hégémoniques et minoritaires que ce mémoire s’attarde. Il dévoile alors des conceptions hiérarchisées de l’Étranger. En même temps, il témoigne d’une évolution du positionnement japonais vis-à-vis de l'altérité au cours des dernières décennies. / This master thesis attempts to highlight the relevance of Japanese animation series in the study of Japanese identity. Indeed, through an interactive process of creation between producers, sponsors and consumers, anime, and the culture surrounding the medium, makes it possible to explore the dynamics of identity construction between Japan, as painted by nationalistic discourses, and the Foreign, which appears as its counterpart. Anime thus becomes a tool for cultural negotiation. More specifically, this work considers the dynamics of production and creation established since the 1990s, when the international audience started to become significant in a field which, previously, considered almost exclusively its Japanese audience. The 1990s also are a time of expansion for the anime industry which then becomes, to a certain extent, a source of pride for Japan and a banner of its identity. In view of the nationalistic and political potential of anime, as promoters of Japanese culture, the issue of their representations starts to arise. It is particularly on the idea of a contrast between hegemonic and minority representations that this thesis focuses. It consequently sheds light on hierarchical conceptions of the Foreign. Simultaneously, it testifies to an evolution of Japan’s position regarding otherness over the last decades.