Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

L'invention de la photographie bouleverse le monde de l'estampe entre 1850 et 1865. Le burin et la lithographie, pourtant récente, ne sont plus les seuls moyens de reproduire les tableaux, et l'eau-forte renaît. Dès ses premiers Salons, Baudelaire est attentif aux différents procédés. Vers 1859-1862, son action et ses articles en faveur de Charles Meryon et de la Société des aquafortistes font de lui un des principaux défenseurs de l'eau-forte originale. Après avoir acheté dans sa jeunesse des tableaux anciens, Baudelaire constitue alors une collection importante d'estampes, en rapport avec son activité de critique d'art. D'un autre côté, l'essai sur le rire, ceux sur les caricaturistes français et sur les caricaturistes étrangers, ainsi que les projets d'articles sur « L'Art philosophique » et les « Peintres de mœurs » sont entièrement ou en partie inspirés par des estampes. Ces textes donnent à Baudelaire l'occasion de poser des questions de poétique et d'esthétique, – le statut de l'artiste comique, la beauté de l'éphémère et la trivialité en art, par exemple. Comme les poèmes inspirés d'estampes, ils montrent aussi la façon dont le poète met à l'épreuve le sens des images. La dernière partie de notre travail est consacrée à l'histoire des frontispices dont Baudelaire voulut faire orner plusieurs de ses œuvres, et en particulier à celui qu'il projetait de donner à la deuxième édition des Fleurs du mal. / The invention of photography drastically changed the world of printing between 1850 and 1865. Lithography – though recent – and engraving were no longer the only means to reproduce paintings – etching came back to life. Since his first Salons, Baudelaire had been interested in these different techniques. Around 1859-1862, he became one of the key figures in the defense of original etching through his action and his articles in favour of Charles Meryon and the Société des Aquafortistes. After having bought antique paintings in his youth, Baudelaire built up a large collection of prints – in relation to his activity of art critic. Besides, his essay on laughter, the ones on French caricaturists and on foreign caricaturists, as well as his drafts of articles on “L’Art philosophique” and the “Peintres de mœurs” are entirely or partly inspired by prints. These texts gave Baudelaire the opportunity to raise issues of poetics and aesthetics, such as the position of the comic artist, the beauty of transience and triviality in art. Like his poems inspired by prints, they also show how the poet questions the meaning of images. The final part of this work is devoted to the history of frontispieces which Baudelaire wanted to use to illustrate several of his works with, and more particularly the one he planned to illustrate the second edition of Les Fleurs du mal with.

Pourquoi Jean Arceneaux, Deborah Clifton et David Cheramie – trois poètes francophones louisianais – font-ils le choix de se représenter sous les traits du monstre dans leur poésie ? L’étude comparée des recueils Cris sur le bayou, Suite du loup, A cette heure la louve et Lait à mère met en évidence l’existence d’un espace intertextuel, métaphorisé par les poètes eux mêmes sous les traits du « pays des loups », où les errances de leurs doubles poétiques dessinent les fondations d’un nouveau mythe américain.Dédoublement et enchâssement des différents alter ego de l’auteur en un processus poétique de « schizophrénie linguistique », projection de soi dans une figure monstrueuse à des fins de recolonisation d’un espace textuel devenu non-lieu poétique puis corps de substitution du poète, jeu carnavalesque où le texte devenu palimpseste figure une superposition de masques trahissant l’existence d’un monde littéraire caché, esthétique du louvoiement et prolifération d’une monstruosité formelle, tels sont les artéfacts poétiques mis en place par nos auteurs dans un jeu de stratégie du dire. Fidèles à une forme de pensée clandestine, les recueils donnent ainsi libre cours à une inversion des valeurs sociales, esthétiques et linguistiques, laissant le vide et le silence d’une condition d’aliéné devenir les matériaux d’une entreprise d’exploration mnésique à des fins de réhabilitation du soi.Se définissant dans cette difformité inscrite au cœur du texte, nos poètes semblent avoir réinventé et reconquis une langue française au potentiel performatif décuplé, faisant de cet Autre anglophone redouté, le complice médusé d’un rituel poétique de déconstruction et d’auto-gestation. / Why do Jean Arceneaux, Deborah Clifton and David Cheramie – three francophone poets from Louisiana – choose to represent themselves as the monster in their poetry? The comparative study of their works Cris sur le bayou, Suite du loup, A cette heure, la louve and Lait à mère reveals the existence of a special location in between their different texts the poets themselves imagine as " the wolves' country ", where the wanderings of their poetical doubles draw the bases of a new American myth.The splitting and setting of the different alter ego of the writer in a poetical process of " linguistic schizophrenia ", the throwing of one’s own picture as a monstrous figure in order to recolonize a textual space turned into a poetical non-place before becoming a substitute body for the poet, the carnivalesque game in which the text now a palimpsest represents a superposition of masks that betrays the existence of a hidden literary world, the aesthetic of the wolf-like gait and the proliferation of a formal monstrosity, these are the poetical artifacts used by our writers in a strategy game to express themselves. Thus, keeping to a form of secret thought, their works present inverted social, aesthetic and linguistic values, allowing the emptiness and silent specific to alienation to become the materials to set out for an amnesic exploration in order to rehabilitate one’s own self.As they define themselves by this deformity written down in the texts, our poets seem to have invented and conquered again a French language ten times more powerful that makes of the “Other one” the anglophone they fear, the dumbfounded accomplice of a poetical ritual of deconstruction and self-gestation.

Pourquoi proposons-nous ce titre ? Pourquoi une telle entrée « Le Moi et l’Autre » dans la poésie ? Comment peut-on s’interroger sur les représentations du Moi et de l’Autre à travers des poèmes antéislamiques ? En quoi, les Mu‘allaqât nous offrent-elles un espace de lecture du Moi et de l’Autre ? Cette étude ouvre en quelque sorte un pan entier de la poésie et de la compréhension des univers symboliques et psychosociaux qu’elle véhicule. Dans un souci d’explorer de nouvelles approches de l’analyse des textes littéraires, nous considérons que la poésie antéislamique constitue un puits inépuisable pour comprendre les phénomènes liés à la construction de l’identité et à la rencontre avec l’Autre. Cette thèse s’intéresse à ce que peut nous révéler tout texte poétique, à savoir un symbolisme fertile, un univers sociologique et un imaginaire social. / Whence this title "The Self and the Other", why such an introduction to poetry? How can the representations of the Self and of the Other be explored in ante-islamic poems? In what ways do the Mu‘allaqât offer a place for interpreting the Self and the Other? This study opens up, as it were, a whole aspect of poetry and of the understanding of the symbolical and psycho-social worlds it vehicles. In the effort to experiment new approaches in the analysis of literary texts, it considers ante-islamic poetry as an inexhaustible resource to understand events related to the construction of the Self and to the encounter with the Other. This thesis is concerned with what any poetic text may reveal to us, namely a fertile symbolism, a sociological universe and a social imaginative world.

Les études consacrées à la thématique de l’eau sont multiples. Néanmoins, elles concernent le plus souvent un des aspects de la symbolique aquatique et se réfèrent à la littérature d’un seul pays ou même d’un seul auteur. Tenant compte des ouvrages de recherches déjà existants, nous aimerions présenter dans une seule étude la lecture comparatiste des auteurs qui n’ont jamais été réunis dans le contexte de l’imaginaire aquatique. Le choix du domaine polonais et francophone n’est pas contingent. Le modernisme polonais, pour des raisons historiques, surgit un peu plus tard que le symbolisme à l’Ouest de l’Europe. Grâce à ce décalage, il s’inspire d’auteurs tels que Mallarmé, Verlaine, Baudelaire ou Maeterlinck et de peintres tels que Gustave Moreau ou Odilon Redon. L’analyse de ces œuvres nous semble d’autant plus intéressante qu’elle concerne deux langues et deux cultures différentes qui comprennent et expriment le symbole chacune à sa manière.En effectuant une recherche littéraire et linguistique, et en appliquant différentes méthodes d’analyse, nous espérons avoir abouti à une étude approfondie de la création des artistes francophones et polonais qui aidera à mieux connaître leurs mondes imaginaires. / There are a lot of studies on the theme of water. However, they usually concern one aspect of aquatic symbolism and refer to the literature of one country or even a single author. Taking into account the existing research, I would like to present in a single study the comparative analysis of authors who have never been gathered in the context of the aquatic imagination.The choice of Polish and French-speaking area is not contingent. Polish modernism, for historical reasons, appeared later that the symbolism in western Europe. With this shift, he was inspired by writers such as Mallarmé, Verlaine, Baudelaire, or Maeterlinck and painters such as Gustave Moreau and Odilon Redon. The analysis of these works seems a lot more interesting as it involves two languages and two cultures that include the symbol and express it in their own way.By searching literature and language, and applying different methods of analysis, I hope to have led to a thorough study of the works of French and Polish artists that will help better understand their imaginary worlds.

Le théâtre des symbolistes est souvent considéré comme une tentative dramatique ayant échoué dans la vocation première du genre : la rencontre d’un texte et de la scène. Pourtant, les symbolistes ont mené une importante réflexion sur l’art de la scène, dans laquelle la poésie occupe une place centrale. La poésie doit permettre de refonder un art qui apparaît en crise. Ce parti-pris est perçu comme le socle théorique d’un théâtre à lire, entraînant le renoncement à la scène. C’est dans cette articulation que se loge notre démonstration : nous montrons que cette poésie au théâtre n’est pas incompatible avec les exigences de la scène. Les auteurs étudiés développent en effet une réflexion sur la possibilité d’un théâtre à lire. Mais cette théorie n’est pas une façon de renier la scène : le livre et la scène sont des objectifs poursuivis parallèlement dans leur dramaturgie. Dans cette nouvelle optique, il existe deux types de représentations du texte théâtral : celle de la scène, qui se réalise sur les planches, et celle de la lecture, parce que le lecteur se représente le texte qu’il lit. Apparaît alors une « scène intérieure », tout aussi valable, tout aussi théâtrale que le plateau. Cette thèse prend comme point d’appui des critères stylistiques, dramaturgiques et scéniques pour fonder le rapprochement entre poésie et théâtre. Il s’agit de mettre en perspective ces catégories en fonction de l’esthétique symboliste. En effet, cette dynamique prend naissance en réponse à une crise dramatique propre au dix-neuvième siècle, qui s’interroge sur les rapports entre scène et texte. / Symbolist theatre is often considered as an unsuccessful attempt to drama that failed in the main purpose of the genre: the encounter of text and stage. The symbolists, though, carried an important reflexion on the art of stage, in which poetry is playing a central role. Poetry is thought to allow a new foundation of an art in crisis. This postulation was considered as the theoretical ground of an “armchair theatre”, resulting in a renunciation of stage. Our reflexion discusses this assumption: we demonstrate that poetry in drama is not incompatible with the stage’s obligations. The dramatists studied in this work develop indeed a reflexion on the possibility of an “armchair theatre”. But this theory is no denial of the stage: the reading and the staging are equally pursued by their dramaturgy. In this new conception of theatre, drama can be represented in two different ways: on the stage or in the reader’s mind, because the reader’s represents himself the text he reads. An “inner stage” emerges then, that the symbolists considered of equal dramatic worth as the boards. Our study leans on stylistic, dramaturgic and scenic criterions in order to establish the connection between poetry and theatre. Those categories shall be understood according to the symbolist aesthetics. This new dramaturgy arises as a response to a dramatic crisis characterising the XIX century: dramatists through out the century question the relation between stage and text.

Traversé par une insatiable soif de spiritualité et de liberté, le XXe siècle est connu pour être celui de la « Mort de Dieu » ou plus explicitement celui du repositionnement de l’homme au centre du divin. C’est dans l’élan de modernité, de renouvellement spirituelle, donc de rejet de toute sorte de tradition religieuse que s’inscrit l’expérience poétique de Pierre Jean Jouve, Georges Bataille et Paul Valéry.Alors que rien ne semble a priori les réunir, ces trois poètes aux idées divergentes et souvent opposées, un croyant iconoclaste et hétérodoxe, un athée hanté par la quête du sacré et un pur rationaliste à la recherche de son « Dieu », ont fait de l’univers de la poésie un lieu de questionnement, d’exploration profonde de l’intériorité et de quête de soi. A travers une extase à la fois poétique et mystique qui fait le lit à l’éros, à l’amour, à la musique et à la mort dans une sorte de jonction entre Immanence et Transcendance, il se dessinent de nouvelles voies d’expérimentation spirituelle qui érigent ces poètes en véritables prophètes de leur époque. / Crossed by insatiable one thirst of spirituality and freedom, the XXth centuryis known to be the one of «God’s Death or more explicitly that repositioning of theman in the center of the divine. It is in the moose of spiritual modernity, of renewal,thus various rejection of religious tradition that joins the poetic experience of PierreJean Jouve, Georges Bataille and Paul Valéry. While nothing seems to gather them, these three poets in the divergent andoften set ideas, an iconoclastic and heterodox believer, an atheist haunted by the questof the sacred and a pure rationalist in search of his "God", made of the universe of the poetry a place of questioning, deep exploration of the interiority and quest of one.Through an ecstasy at the same time poetic and mystic which makes the bedfor éros, love, music and death in a junction of Immanence and Transcendence, it take shape new ways of spiritual experiment which set up these poets as real prophetsof their time.

Éminemment élégiaque, l’œuvre de Dominique Fourcade n’en est point moins évacuée de l’effusion lyrique. L’Orphée contemporain ne se retourne pas, le poème se décentre et accueille en sa langue des rapports mis en œuvre par des présences formellement diverses qui exposent le monde. Espace de la vulnérabilité, l’écriture fourcadienne pose la question du sens et de la représentation ; elle interroge jusque la légitimité poétique de ses questionnements dans une époque marquée par la violence et la mort. La poésie de Dominique Fourcade ne supporte plus d’autres sujets que le réel, la langue et l’écriture. Prise dans une interprétation systémique propre à l’œuvre, elle se fait envers et contre les images créant ainsi une nouvelle surface poétique faite d’interactions avec d’autres praxis artistiques. Le motif du dos est aussi un mode d’être au monde comme responsabilité pour autrui. L’envers est l’insoutenablement plus-que-visible du corps nu : un visage-vulve. L’un des aspects de la théorie sémiostylistique, celui qui ne sacrifie pas le corps et aboutit à une herméneutique matérialiste de la signification, est en affinité interprétative avec cette poésie et satisfait à la prendre en charge sur certaines questions. L’écriture de Dominique Fourcade se situe sur la ligne opaque des grandes voix poétiques modernes. / Eminently elegiac, Dominique Fourcade’s corpus is not the less drained of lyrical effusion. Modern-day Orpheus would not look back, the poem is thrown off-center and hosts within its own language a number of connections which are implemented by strictly diverse presences, themselves uncovering the world. A location of vulnerability, Fourcadean writing raises the question of meaning and representation; it goes as far as doubting the very poetic legitimacy of its questioning in an era marked by violence and death. Dominique Fourcade’s poetry can no longer stand other subjects but the real, language and writing. Entangled in a systemic interpretation which is inherent to the corpus, such poetry turns itself inside out and against the images thus creating a new poetic surface made of interactions with other artistic praxes. The back motif is also a way of being in the world as a responsibility for others. The inside out is the unbearably more-than-visible of the naked body: a vulva-face. One of the aspects of semio-stylistic theory, that which does not sacrifice the body and leads to a materialist hermeneutics of meaning, has an interpretative affinity with this poetry and fulfillingly takes it in charge on certain questions. The writing of Dominique Fourcade places itself on the opaque line of the greatest modern poetic voices.