L'oeuvre de Eugene O'Neill est souvent considérée de manière parcellaire : si la critique s'accorde sur la place canonique d'O'Neill dans le théâtre américain, c'est qu'elle choisit généralement d'occulter l'oeuvre de jeunesse. Cette thèse vise à reconstruire le lien entre les pièces et les différents contextes qui se succèdent au cours de sa carrière pour mettre en évidence une esthétique du paradoxe, nourrie par des aspirations communautaires insatisfaites. Il s'agit non pas de conclure à la supériorité de l'oeuvre tardive, mais de redonner sa place à l'oeuvre de jeunesse, comme la matrice de l'écriture. La quête d'un sentiment d'appartenance parcourt l'oeuvre dans laquelle s'exerce la tension entre scène d'avant-garde et scène commerciale, démarche individuelle et démarche collective. Le théâtre d'O'Neill est difficile à appréhender dans sa globalité tant les pièces sont irrégulières et hétérogènes. L'oeuvre est cependant tendue vers une même quête : la quête d'appartenance qui transparaît aussi bien dans le contexte de production que dans l'écriture des pièces. C'est en envisageant les pièces comme un ensemble unifié autour de la recherche impossible d'une communauté que se dessine une nouvelle lecture de l'oeuvre théâtrale : les paradoxes de l'écriture donnent à voir les capacités de l'oeuvre à produire sa propre ambiguïté et sa propre richesse

La littérature africaine d'expression française et anglaise se présente aujourd'hui sous le signe de la remise en question et de la déconstruction des modèles occidentaux. Née dans un contexte trouble marqué par la violence et un* véritable génocide des cultures africaines, cette littérature est aujourd'hui marquée par les motifs de la folie et la violence. Les neuf romans sur lesquels cette étude est menée, s'inscrivent dans cette catégorie du roman africain contemporain.Elle met en lumière les diverses manifestations de la folie et de la violence : structures narratives éclatées et fragmentées, langues d'écriture (français et anglais) subverties par les langues africaines,thématique nourrie par la violence et la folie ... Les auteurs de ces textes ont pris l'option de mettre en scène des personnages présentant des symptômes de la maladie mentale, la violence extrême, -génocides, guerres civiles-, régimes dictatoriaux tenus par des élites inconscientes qui exercent sur les populations une violence structurelle. Bref, ces textes nous plongent dans un univers véritablement chaotique, tant dans leur contenu que dans leur esthétique.Ce travail tente de démontrer que la violence en postcolonie est causée d'une part, par la quête du pouvoir qui passe souvent par l'élaboration des stéréotypes à travers lesquels un individu ou un groupe se voit accablé d'attributs négatifs, et d'autre part, par la résistance opposée par les marginalisés contre toute forme de domination.Par ailleurs, la situation chaotique que vivent les Africains aujourd'hui- crises comportementales, crises identitaires, dépersonnalisation- est tributaire non seulement de son passé jalonné par la violence physique, morale et culturelle, mais aussi des élites politiques qui demeurent encore mentalement colonisées, et miment les attitudes des anciens maîtres.Enfin, la folie et la violence qui se manifestent par une véritable révolution esthétique et un recentrage du discours littéraire, s'inscrivent dans la logique de la démarche postcoloniale qui préconise une forme de révolte, de déconstruction des modèles hérités du centre normatif européen.En un mot, l'esthétique de la folie et de la violence se présente comme un moyen pour la littérature africaine de revendiquer sa différence, son autonomie et sa place au sein des grandes littératures du monde.

Produites dans une période de questionnement sur l'identité de l'homme et de l'écrivain, les nouvelles littéraires de François Mauriac et de Sévérin Cécile Abéga présentent un imaginaire tantôt symétrique, tantôt non, mais éclairant du rapport entre l'écrivain, son espace et son identité. Le sujet, "(Dis)continuités des identités et imaginaires en francophonie littéraire : étude comparée des nouvelles de Sévérin Cécile Abéga et de François Mauriac " pose le problème des modes de transfiguration des identités et de l'imaginaire dans la nouvelle littéraire francophone. L'hypothèse en est qu'en francophonie littéraire, la pluralité des lieux culturels se reflète dans la diversité d'un genre et implique une certaine cohérence. Cette étude interroge la représentation du cadre spatial et des personnages, les systèmes de valeurs de la société et du genre dans deux postures différentes. Les sujets de cette étude la destine à la critique des imaginaires, et cette approche est enrichie par d'autres lectures comparatistes. Ainsi, on constate que les périodes pendant lesquelles l'écrivain se trouve à la rencontre de tensions historiques,idéologiques et littéraires latentes sont celles où l'imagination créatrice de la nouvelle est réelle. On peut aussi établir que l'espace de la nouvelle est essentiellement celui des auteurs, mais qu'il s'agit d'un espace de désenchantement. Cet univers de déconstruction de l'être implique un univers idéal, un ailleurs qui est chez Mauriac en Dieu et chez Abéga est dans la justice sociale. Les personnages, empêtrés dans cet univers en épousent les valeurs,ce qui entraîne irrémédiablement leur chute. La seule planche de salut est l'humilité,l'ouverture vers le savoir nouveau (le modernisme par exemple) sans reniement de son ancrage identitaire. Abéga comme Mauriac sont donc pour une mixité décomplexée.

Notre étude de doctorat se focalise sur une minutieuse analyse des rencontres organisées autour de l'oeuvre et la personne de Marguerite Yourcenar, sur une base théorique bien précise : d'une part, la métacritique de l'Italien Gianbattista Vico, de l'autre, la théorie de la réception littéraire de l'École de Constance, en particulier de son élève Hans Robert Jauss.Notre analyse essaye de mettre de l'ordre dans le dédale des théories à ce sujet, en montrant que toute approche sur la réception doit situer son objet dans une triple dimension du processus herméneutique : la compréhension, l'interprétation et l'application du texte à la situation historique de l'interprète.Selon la méthodologie de la réception de Jauss, qui fournit des outils pour une relecture critique de tout produit littéraire, nous avons étudié les actes des colloques sur la base de différents genres d'analyse :l'édition du texte, l'analyse thématique, lexicale et sémantique, herméneutique, génétique, pragmatique,psychocritique, sociocritique, l'étude du paratexte (épitexte et péritexte) et l'étude comparatiste.Sur la base de cette théorie, nous avons fourni un véritable dossier de toutes les expériences de lecture de l'oeuvre yourcenarienne, exposées au cours de plus de quarante-quatre rencontres. Une riche annexe est offerte, composée par des fiches déductives pour chaque rencontre organisée depuis 1984, pour essayer de montrer les approches préférées par la plupart des critiques de l'oeuvre yourcenarienne. À la fin de cette analyse, nous sommes animée par la conviction que le lecteur, voire la lecture, sont bien l'objet central de la communication yourcenarienne et nous ne sommes donc pas surprise que le thème fasse l'objet de très nombreux travaux et approches différents, qu'ils préfèrent s'intituler recherches sur la réception ou sur le récepteur, l'un et l'autre recouvrant en définitive les mêmes questionnements. Les récepteurs de l'oeuvre yourcenarienne jouent donc un rôle déterminant dans le travail de décodage des messages qui leur sont proposés par l'écrivaine, mais sans pour autant que le contenu soit indifférent ou neutre.Ce travail esquisse la ligne de notre lecture personnelle, qui, d'une part, se voit comme une tentative de bilan des études produites à l'occasion des colloques yourcenariens, et qui, d'autre part, ouvre la voie à d'autres lectures possibles de ces écrits épitextuels.Nous espérons pouvoir stimuler d'autres horizons d'attente chez d'autres lecteurs, "différemment"intéressés aux colloques yourcenariens. Et nous espérons, aussi, que notre recherche donnera à plusieurs le goût d'une meilleure connaissance de Marguerite Yourcenar et le plaisir de la recherche littéraire, pour que la littérature soit un domaine de jouissances esthétiques, voire un accès à la connaissance intérieure de l'homme.

Cette thèse propose une lecture de l'œuvre monumentale de Chateaubriand, les Mémoires d'outre-tombe à propos du thème de la satire comme genre littéraire et comme tonalité d'écriture. La démarche est très ambitieuse étant donné la complexité des niveaux de lecture, de l'autobiographie à la fresque historique en passant par la critique sociale et politique. De même l'écriture épique, poétique, satirique et comique fait découvrir un autre Chateaubriand. Face à ce monument souvent considéré comme inclassable, cette thèse présente un plan clair avec une première partie qui dresse d'abord un tableau des grands évènements au centre des Mémoires. L'introduction et la première partie dégagent la double face de cette thèse entre civilisation et sociocritique, entre un tableau de la France et une étude de genre : Qu'est-ce que la satire ? et l'évolution du genre de Juvénal à Chateaubriand.Dans la deuxième partie et la troisième partie, sont exposés les objets de la satire, à savoir la politique et son image, puis la question sociale. Les informations sont nombreuses, car elles dressent un portrait nuancé de cet aristocrate fier et blessé : il condamne les tyrannies, les révolutions et leurs violences, mais il exalte la liberté des peuples et surtout reste lucide, malgré sa foi en eux, sur les erreurs des derniers Bourbons.La quatrième partie répond à la problématique de la recherche : la satire et sa rhétorique. Les différentes nuances de l'écriture satirique sont analysées : de l'ironie au cynisme en passant par le comique. Le comique n'est jamais gratuit, il sert souvent à cacher l'amertume des sentiments et la dérision des situations. De même, le cynisme ne vient pas d'une froideur d'esprit, mais d'une blessure intérieure ou de désillusions blessantes pour l'amour-propre. Pour cette raison, le sarcasme est une étape entre le comique et le cynisme, le premier masquant le deuxième dans les Mémoires

Dans une approche superficielle de l'Histoire péruvienne récente, la violence a d'abord eu pour nom Sentier Lumineux ; elle s'appelle aussi " armée " et " groupes para-militaires ". Chronologiquement, elle peut être située entre 1980 et 1992 (date de l'arrestation d'Abimael Guzmán, le leader incontesté du groupe maoïste). Une façon de dénoncer cette violence a été de faire appel à une forme discursive dont le premier sens est juridique : le témoignage. Les témoignages, alors réunis du temps de cette guerre sale (appelée aussi " conflit interne ") et dans les années qui ont suivi, ont permis à la Commission de la Vérité et de la Réconciliation (C.V.R., créée en 2001) de mettre en évidence des mécanismes qui tiennent autant à cette expérience de la violence qu'à une mise en mots de cette expérience. La réalité de ces décennies de terreur engendre donc deux réactions. Une réaction politique, journalistique et juridique (par exemple, la commission présidée par Mario Vargas Llosa en 1984, après le massacre de journalistes à Uchuraccay), d'abord. Ensuite, une réaction artistique et littéraire, souvent en décalage par rapport à la chronologie historique. Dans tous les cas, on pourrait dire que le témoignage est une forme privilégiée de ce dire. Ainsi, l'écriture des écrivains péruviens, empreinte du contexte national, tente d'informer le lecteur à l'aide de données historiographiques, journalistiques, politiques et/ou personnelles plus ou moins avérées, et au-delà cherche à réfléchir sur la crédibilité du politique, sur la légitimité du pouvoir, sur la permanence de l'Humain. Dans la plupart de ces œuvres, dont notre corpus est un échantillon, nous nous interrogeons sur les formes littéraires que peut prendre cette violence. Mêlant prose, vers et bande dessinée, on trouve chez les auteurs, d'une part, la nécessité de dire ce que l'on a vu ou entendu -le témoin de cette Histoire s'impose donc souvent comme protagoniste de l'œuvre littéraire- mais aussi, d'autre part, la nécessité de guider le lecteur dans la fiction proposée. Pour ce faire, nous avons choisi dix auteurs, consacrés ou relativement inconnus, dont une partie de l'œuvre traite de cette problématique. Ce sont les romanciers Mario Vargas Llosa (Lituma en los Andes, 1993), Alonso Cueto (La hora azul, 2005) et Santiago Roncagliolo (Abril rojo, 2007). Dans le domaine de la nouvelle, nous avons retenu aussi trois auteurs : Julián Pérez (" Los alzados ", 1986), Pilar Dughi (" El cazador ", 1989) et Sócrates Huaita Zuzunaga (" Ayataki ", 1989). Quant à la poésie, elle est représentée ici par Rodrigo Quijano (Una procesión entera va por dentro, 1998), Rocío Silva Santisteban (Las hijas del terror, 2005) et Luis Rodríguez Castillo (El monstruo de los cerros, 2005). Enfin, nous avons sélectionné la bande dessinée de Jesús Cossío, Alfredo Villar et Luis Rossell (Rupay, 2008).

Cette thèse commence par définir la notion de morale dans l'Espagne du XVIIème siècle, et celle de la poésie morale, en ce qui concerne l'oeuvre de Quevedo. D'autres buts préalables à l'analyse sont de définir et de justifier le corpus choisi, de montrer quelles sont les sources d'inspiration de l'auteur, de définir les notions utilisées dans l'analyse poétique par la suite, et de rappeler les précédentes études sur le sujet. L'objet de cette thèse est ensuite de montrer que la poésie morale quévédienne constitue un système cohérent, au service d'un propos non univoque, mais qui correspond à une préoccupation constante : l'édification morale de l'allocutaire. La figure de l'Autre est également au centre de ce travail qui entend montrer quelle place l'Autre occupe dans cette poésie, et ce que sa représentation implique du point de vue de l'écriture. Enfin cette thèse montre que l'idéal moral visé par ce corpus est le dépassement, complexe, de toute dualité (Bien/Mal, Vie/Mort, Autre/Soi), pour permettre à l'homme de s'acheminer vers Dieu et d'obtenir le salut de son âme. La conclusion finit d'illustrer la cohérence du système et du corpus étudiés et propose des éléments destinés à remettre en question la paternité de certains sonnets récemment attribués, de manière un peu inconsidérée, à Quevedo.

Ce travail est centré sur l'œuvre de l'écrivain baianais Herberto Sales et se propose d'analyser les éléments constitutifs de l'univers de la Chapada Diamantina en tant que construction identitaire de l'individu et de son milieu. Nous soulignons l'importance de l'étude de l'identité dans la littérature brésilienne, plus précisément celle de la région de Bahia, à travers les romans Cascalho et Além dos marimbus qui constituent le corpus de la recherche. Cette étude prétend démontrer comment se manifeste la mise en place d'un dialogue entre la littérature et les autres discours sociaux, dans une perspective interdisciplinaire. Nous étudions la place de l'auteur dans le contexte de la littérature brésilienne, le " projet littéraire de Herberto Sales ". Nous nous penchons sur les formes sociales des constructions identitaires et leurs relations avec le pouvoir. Nous soulignons en particulier comment s'articulent la connivence et la réciprocité avec l'Etat dans ces interrelations et comment se met en place le réseau de soutien du " coronelato " à travers un projet légitimant. Nous analysons également les constructions identitaires sous le jour de l'importante contribution de l'oralité, des mythes, des croyances populaires et de leur poids dans la culture locale. Nous abordons les représentations du territoire dans l'univers romanesque de la Chapada diamantina, territoire de " passage " qui représente un croisement de plusieurs cultures et incarne aussi bien une image de terre promise, Eldorado, que celle d'un enfer sur terre. Enfin, nous mettons en avant les différentes représentations de la nature et la dimension épique des romans

Cette thèse essaie d'établir dans un premier temps que Mallarmé, Valéry et Reverdy accomplissent exemplairement la critique théorique des fondations romantiques (à la fois ontologiques et rhétoriques) de la littérature ; que cette critique conduit à une crise de légitimité, qui, sans donner lieu à une rupture violente avec la tradition (à la différence de ce qu'implique par exemple l'ethos dominant des avant-gardes), témoigne cependant d'une lucidité sans concession. On montre alors que cette lucidité s'inscrit dans l'écriture même des poèmes selon une poétique a-théologique et par le réinvestissement de formes (l'allégorie, l'écriture moraliste) susceptibles d'indiquer, contre la considération idolâtre d'une autonomie sans autre de l'œuvre, une transitivité rhétorique et non résolutoire de celle-ci. On explique ainsi que l'écroulement de la métaphysique romantique ouvre la voie, chez ces auteurs, à une reconnaissance de la discursivité de l'œuvre, à sa considération tout à la fois poétique et rhétorique. De cela on conclut à l'éviction d'un paradigme esthétique de la poésie et de ses implications indissociablement politiques et communicationnelles, au profit d'une reconnaissance des contingences rhétorique et factuelle du discours littéraire, celles-ci définissant, sans dogmatisme, une inquiétude humaniste.

La poésie française doit-elle ses avancées contemporaines à une certaine " alchimie verbale " ? En convoquant Hermès dans son œuvre, Salah Stétié offre une visibilité à la problématique de l'intégration de l'alchimie dans le champ de la poésie. Par cette voie, nous projetons d'inaugurer une facette de l'œuvre de Salah Stétié qui n'a fait l'objet d'aucun discours critique jusqu'à présent, puisque les exégètes ont toujours ramené cette poésie à l'influence de la tradition musulmane, délaissant la saveur de la substance au profit de l'apparence et de la doctrine. En même temps, ce sera l'occasion de réhabiliter, voire de redéfinir la science d'Hermès, eu égard à cette alliance poético-alchimique. La première partie entreprend l'état des lieux, en défrichant le terrain hermétique, son statut par rapport aux sciences de l'homme et son apport à la poésie. Après ce cadrage théorique, les deux parties suivantes s'intéresseront à l'usage de l'hermétisme par Salah Stétié. L'élaboration d'un nouveau langage implique profondément l'alchimie de la substance. D'une part, l'entente opérée par le poète, fils d'Hermès, entre l'Orient et l'Occident se traduit par un français croisé d'arabe. D'autre part, les images mentales renvoient à un processus souterrain qui, mettant en jeu les forces de l'inconscient, la chair organique et cosmique, la musique des mots, le souffle du lecteur, remet en perspective des concepts littéraires et des notions méthodologiques (francophonie, hermétisme, approches critiques ...).