Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Ce mémoire rend compte du processus de création de la pièce de théâtre Monologues de Femm, processus qui s'est échelonné sur plus de huit mois, de l'idée initiale aux représentations finales. Présentée pour la première fois en octobre 2007, cette pièce rassemble sept extraits de textes tirés d'oeuvres de la littérature. Premièrement, j'aborde ce qui a guidé mes choix littéraires et la manière dont j'ai agencé, adapté et parfois même traduit ces fragments. Ensuite, j'explique comment j'ai créé Femm, placière rebelle, personnage principal de la pièce, dont le propos unit chacun des extraits entre eux. Suit la description de l'arrivée des trois comédiennes dans le processus de travail ainsi que la définition de la scénographie, élaborée à l'étape des lectures. Finalement, je décris la mise en scène du spectacle proprement dit ; depuis la direction d'actrices jusqu'à la création de la pièce au Théâtre de la Bordée, à Québec. Des traces du spectacle sont conservées sur un DVD qui accompagne cet essai.

Ce mémoire décrit un travail de recherche-création portant sur la mise en scène théâtrale et ses multiples enjeux. Il y est question du parcours entrepris pour créer le spectacle La vie comme un voyage à partir d'un collage de textes, avec pour objectif d'explorer toutes les étapes d'un processus de mise en scène, c'est-à-dire l'élaboration de la proposition dramaturgique qui découle du texte, l'idéation de l'environnement spatial avec une équipe de concepteurs professionnels (scénographie, costumes, éclairages, bande-son), la recherche, l'apprentissage et la création de projections animées de photos, l'élaboration des déplacements des comédiens, l'établissement de conventions avec les spectateurs et la direction d'acteurs. Tous les jalons de l'élaboration de ce spectacle sont décrits, y compris une première étape constituée de rencontres avec des metteurs en scène professionnels de Québec jusqu'à la présentation des résultats de recherche en laboratoire public. Cet essai inclut également un résumé des notions de mise en scène retenues et une évaluation des résultats obtenus.

Cette recherche-création traite de l’interprète musical dans les arts de la scène. Elle vise à définir et répondre aux problématiques posées par l’insertion de cette figure musicale dans une forme théâtrale. Elle propose, dans un deuxième temps, une création visant à intégrer le musicien de manière totale, en dégageant les stratégies de mise en scène pour y parvenir. Pourquoi faire le choix de convoquer un musicien sur scène, alors que l’on dispose aujourd’hui des technologies nécessaires pour diffuser du son dans un spectacle? Et en tant que metteur en scène, comment l’exploiter à son plein potentiel? Après avoir défini ce que l’on appelle l’interprète musical, un rapide historique de sa place dans les interrelations musique-théâtre permet de dégager des fonctions récurrentes de ce dernier. On aborde ainsi les tendances d’apparition et réapparition successives du musicien dans l’histoire du théâtre, les expérimentations de théâtralisation de celui-ci dans le domaine musical, ainsi que le théâtre instrumental, véritable exercice de « mise en jeu » de l’interprète. Par la suite, une étude de dix spectacles employant des musiciens permet de constater les tendances de traitement de ces derniers, et proposer une typologie des grandes postures possibles du musicien dans les arts vivants. Enfin, la dernière partie de ce mémoire fait état de la création menée en collaboration avec un musicien, et expose les différentes étapes nécessaires à l’élaboration de celle-ci. En parallèle, on peut voir comment s’est construite la méthodologie de travail, et quelles stratégies ont été mises en place pour mener à bien cette entreprise. Cette recherche-création vise donc à mieux comprendre et explorer une figure complexe, qui malgré sa présence fréquente sur les scènes contemporaines, n’est que très peu sujet d’ouvrages théoriques ou de travaux universitaires.

I filmen Anna Karenina (Wright, 2012) används mise-en-scène för att skildra det sociala livet hos den ryska aristokratin i slutet av 1800-talet. Men på vilket sätt kan filmens narrativ förmedlas till publiken genom filmens visuella uttryck? Den här uppsatsen undersöker hur iscensättning kan använda symbolik för att skildra en films narrativ. Analysen utgår från sju scener ur Anna Karenina som tolkas efter dess scenografi, kostymering och ljussättning. Uppsatsen använder denotation och konnotation för att undersöka vilka tolkningar som kommer av filmens visuella uttryck. Analysen visar hur aristokraterna porträtteras i en teatral miljö för att skildra hur deras sociala interaktioner blir till ett framträdande, den teatrala miljön skildras genom både scenografi och ljussättning. Kostym tolkas bland annat utifrån färgsymbolik vilket kan ge flera olika tolkningar angående karaktärernas motiv och sinnesstämning. Undersökningens slutsats blir att filmens narrativ förstärks av dess scenografi, kostym och ljussättning men att det ofta finns flera möjliga tolkningar att göra gällande symboliken.

Syftet med denna uppsats är att undersöka dels vilka former av makt som den drivande karaktären Hans Landa i filmen Inglourious Basterds (2009) använder sig av i två utvalda förhörsscener, dels hur mise-en-scène i form av föremål, kostym och gester nyttjas för att presentera makt. Uppsatsen tar avstamp i en semiotisk bildanalys, med teorin om maktbas som grund. Analysen kommer fram till att karaktären Hans Landas makt framstår i de fyra olika maktbaserna legitim makt, tvingande makt, belöningsmakt och informationsmakt. Slutsatsen finner även likheter i scenerna, så som den vita färgen i föremål som mjölkglas och grädde samt dess konnotation till det oskyldiga. Föremål med vit färg är något Landa i båda scenerna förstör på olika sätt, vilket kopplas till hans position som SS-soldat.

Ce mémoire consiste en un travail intellectuel méthodique ayant pour objectif de dresser un premier portrait général de la comédie musicale professionnelle québécoise de 1960 à 2020, en plus de s'intéresser à la pratique actuelle liée à ce genre de production. La première partie est consacrée au recensement des diverses productions de ce genre produites au Québec de 1960 à aujourd'hui. Elle présente notamment divers éléments entourant le contexte de production et de diffusion de ces spectacles, en passant par leurs lieux de création et de diffusion, leurs créateurs et artisans, en plus de rapporter quelques critiques journalistiques qui proposent des points de vue variés sur la mise en scène de ces comédies musicales. Au cours de nos recherches, nous observons que les productions professionnelles de comédies musicales québécoises se divisent en deux catégories ; certaines sont écrites, composées et produites au Québec, alors que d'autres sont écrites et composées à l'étranger pour ensuite être adaptées pour la scène québécoise. Les deux premiers chapitres se veulent donc une première synthèse historique de la comédie musicale québécoise et des thématiques abordées dans 43 productions professionnelles. Le premier chapitre regroupe les créations originales québécoises et le second, les adaptations québécoises de comédies musicales internationales. Finalement, le troisième chapitre de ce mémoire est consacré au processus de création et de mise en scène de comédies musicales professionnelles au Québec. Il aborde entre autres le travail d'adaptation et de traduction, de direction d'acteurs et de mise en scène de quelques metteurs en scène de comédie musicale québécoise. Nous avons retenu, dans ce mémoire, quelques informations sur les œuvres marquantes qui ont eu un impact important dans le milieu de la comédie musicale québécoise au fil des décennies. Dans le but de rendre accessible l'ensemble des informations recensées pour ces productions, les lecteurs intéressés pourront consulter des informations supplémentaires à l'Annexe A. Par ailleurs, des fiches descriptives des productions qui n'ont pas été retenues aux chapitres 1 et 2 ont été réalisées et peuvent être également consultées à l'Annexe A.

Ce mémoire s’intéresse à la rencontre de l’objet-chanson et du théâtre dans le cadre d’un concert de chansons. Il le fait à travers trois corps: le chant-acteur, le musicien-acteur et le «corps» musical. La visée principale de cette recherche est de dévoiler et de tester des stratégies de théâtralisation brouillant la frontière entre les genres, avec le désir de donner au concert de chansons toute l’amplitude qu’il peut prendre, voire de lui ouvrir les portes d’un nouveau langage. Pour ce faire, après avoir analysé un corpus d’œuvres au profil hybridant, nous avons cherché des pistes de réponse à nos questions de recherche dans des ouvrages dédiés à la musique contemporaine. Les hypothèses issues de cette phase de travail ont été mises à l’épreuve lors de la création du spectacle expérimental Le spectacle raté de la chanteuse écrapoutie. Le présent essai retrace donc ce processus en mettant en évidence les stratégies qui nous ont semblé les plus efficaces, tant parmi celles que nous avions formulées au départ que parmi celles qui sont nées du travail de création lui-même. En annexe, le lecteur pourra consulter nos différents outils de travail, suivre notre processus de création en images et lire la partition finale du spectacle en version simple ou commentée. Un enregistrement du spectacle est aussi disponible.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Lavoisier à la mer est une recherche-création visant à mettre en parallèle deux différents modes de perception et de pensée, l'un de type lecture et l'autre de type réseau, tout en offrant deux points de vue sur la fable, au sens propre comme au figuré. Ce mémoire présente les prémices de même que les étapes préparatoires à la réalisation future de cette recherche-création. La conception d'un espace théâtral à double optique a pris appui sur certaines conclusions de Marie-Madeleine Mervant-Roux et de Rie Knowles portant sur la réception théâtrale. La conception de la proposition dramaturgique et du texte laboratoires a été orientée par le principe de double optique. Les différents langages scéniques (scénographie, lumière, son, image, texte, etc.) ont été mis en espace de manière à tenter de susciter des expériences de réception différentes en fonction de l'emplacement du spectateur dans l'espace théâtral.

Cette thèse étudie le statut du dessin dans l'œuvre de Sergueï M. Eisenstein, à partir de l’étude des rapports entre dessin et montage, entre dessin et mise en scène et de l’examen de la nature intermédiale de l’œuvre d’Eisenstein. Dans le système de ce réalisateur le dessin est au cœur de son processus créatif et devient un milieu-médium à l’intérieur duquel des transferts, passages, transportations de formes, d’images et d’idées sont possibles. Eisenstein s’intéresse au dessin, à la fois, comme processus et comme méthode visuelle universelle de la créativité.On constate l’analogie entre la structure globale du film Ivan le Terrible et les axes essentiels de sa réflexion théorique, en particulier les principes de sa méthode créatrice (la pars pro toto, le MLB, la plasmaticité et le montage). Subordonnée à une architectonique spatio-temporelle rigoureuse, la structure du film est en même temps une structure ouverte, vivante en évolution perpétuelle, et cela tant à l’étape de sa conception qu’au niveau de sa perception et de sa post-analyse.Les analyses conduites dans cette thèse sur la production graphique d’Eisenstein, et à partir de celles-ci sur l’ensemble de ces travaux et de ces concepts, démontrent clairement la corrélation entre la structure de l’œuvre d’Eisenstein, en particulier pour celle du film Ivan le Terrible, et le fondement de son processus de pensée créative, processus qui traduit son propre rythme intérieur et la structure de sa conscience, les deux donnant l’impulsion à son expression artistique. Le dessin devient pour Eisenstein le milieu de réflexion sur lequel il s’appuie pour exposer la problématique du médium, mais aussi celle de l’histoire du cinéma en son lien avec l’histoire des médiums expressifs. Les dessins préparatoires constituent le médium visuel d’élaboration, de vérification et de mise en pratique de ses concepts théoriques dans une situation réelle de création de film.Eisenstein a ainsi constitué, à travers ce projet transversal et intermédial du film, un dispositif sphérique d’écriture de la méthode et de l’histoire générale du cinéma, en réalisant ainsi un modèle du « livre sphérique ». / This thesis studies the status of drawing in the work of Sergei M. Eisenstein, based on the study of the relationship between drawing and montage, between drawing and staging and the examination of the intermedial nature of Eisenstein’s work. In the system of this film director, the drawing is at the heart of his creative process and becomes an environment-medium in which transfers, passages, transportations of shapes, images and ideas are made possible. Eisenstein is interested in drawing, both as a process and as a universal visual method of creativity. An analogy exists between the overall structure of the film Ivan the Terrible and the essential axes of his theoretical reflection, in particular the principles of his creative method (pars pro toto, MLB, plasmaticity and montage). Subordinated to a rigorous spatial and temporal architectonics, the structure of the film is at the same time an open, living structure, in perpetual evolution, this as much at the stage of its conception as at the level of its perception and its post-analysis.The analyzes led in this thesis on the graphic production of Eisenstein, and from them on all his works and concepts, clearly demonstrate the correlation between the structure of the work of Eisenstein, and in particular that of the film Ivan the Terrible, and the foundation of his creative thought process, a process that reflects his own inner rhythm and the structure of his consciousness, both giving an impetus to his artistic expression. Drawing becomes for Eisenstein the medium of reflection on which he relies to develop the problematic of the medium, but also the one of history of cinema in its connection with the history of expressive mediums. The preparatory drawings constitute the visual medium of elaboration, verification and putting into practice of his theoretical concepts in a real situation of film creation.Eisenstein thus constituted, through this transversal and intermedial film project, a spherical system of writing of the method and the general history of the cinema, thus realizing the model of the "spherical book".