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Le motif du masque dans l'oeuvre littéraire et photographique de Claude CahunHétu, Julie January 2005 (has links)
Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.
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Les décors de Molière 1658-1674 / The Sets of Molière, 1658-1674Cornuaille, Philippe 14 January 2013 (has links)
Cette thèse a pour objectif de démontrer la richesse et la variété des dispositifs scéniques utilisés par Molière à Paris, à partir de 1658. Sur ce thème, il n’y eut guère jusqu’ici que des travaux peu convaincants basés sur l’étude iconographique des frontispices. Cette étude s’ouvre sur un rappel circonstancié du contexte technique, matériel et scénographique au XVIIe siècle avec notamment les descriptions précises des grandes innovations dues aux Italiens ; puis, à l’aide de notes, de manuscrits ou de contrats, les spécificités architecturales du théâtre du Palais-Royal, qui fut pour Molière le principal espace de création, sont détaillés. Enfin, l’ensemble des comédies du dramaturge est regroupé en deux grandes catégories : les comédies données à la Ville, comme L’École des femmes, Le Tartuffe ou L’Avare ; celles-ci n’ont pas bénéficié de commentaires qui puissent éclairer sur le dispositif scénique. Mais le décryptage minutieux du texte a pallié cette lacune ; il met en évidence un rapport quasi constant entre action et décoration, et confirme l’intérêt manifeste de l’auteur-comédien pour la mise en scène. La seconde catégorie concerne les comédies données pour la Cour, souvent appelées « comédies-ballets » ou comédies « mêlées de danse et de musique » ; celles-ci ont fait l’objet d’amples relations contemporaines. Bénéficiant de moyens financiers considérables, elles furent caractéristiques par leur débordement de luxe et d’invention. / This thesis aims to demonstrate the richness and variety of scenic devices used by Molière in Paris beginning in 1658. On this subject, there have been only a few unconvincing works to date, and these have been based on iconographic study and frontispieces. The thesis begins with an account of the detailed technical background, materials and stage design in the seventeenth century. It is particularly committed to locating and describing in detail the major innovations resulting from Italian influence. Through an examination of notes, manuscripts and unpublished theater contracts, it has sometimes even been possible to specify the architectural characteristics of the theater of the Palais-Royal, which was Molière's main creative space. The thesis then groups all of the comedies of the playwright into two broad categories. The first category, comedies played “à la Ville” (e.g., L’École des femmes, Tartuffe and L’Avare) has not benefited from commentaries that could clarify the settings that were used. Detailed textual analysis helps to overcome this problem; it highlights an almost constant ratio between action and decoration, and confirms the author-actor Molière’s obvious interest in staging. The second category concerns comedies played for the Court, often called "comedies-ballets" and comedies of "mingled music and dance," which have received more thorough contemporary commentary. These comedies benefited from considerable financial resources and are characterized by their overflowing luxury, scenic writing and invention.
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O lugar da ficção - Le lieu de la fiction / Le lieu de la fictionKinas, Fernando César 02 July 2010 (has links)
O tema central desta pesquisa é a investigação sobre o estatuto da ficção no teatro contemporâneo ocidental. Em sintonia com as transformações sociais da sua época, os contornos do teatro perderam nitidez. Neste momento de questionamentos radicais, a permanência, mutação ou desaparecimento da ficção é uma das características centrais na reconfiguração da arte teatral. Ao diagnosticar o ambiente de desconfiança em relação aos métodos e resultados da representação, investigamos este novo lugar que ocupa, ou pode ocupar, a ficção teatral. Através do debate teórico e da análise de experiências teatrais das últimas três décadas, identificamos uma preocupação com o real e com a inovação formal que não são incompatíveis com um projeto teatral crítico. / Le sujet central de cette recherche est une investigation sur le statut de la fiction dans le théâtre occidental contemporain. En ligne avec les transformations sociales de son temps, les contours du théâtre ont perdu de leur netteté. En ce moment de mise en question radicale, la permanence, la mutation ou la disparition de la fiction est l\'une des caractéristiques principales pour la reconfiguration de l\'art théâtral. En diagnosticant l\'environnement de méfiance par rapport aux méthodes et résultats de la représentation, nous avons étudié ce nouveau lieu qu\'occupe, ou peut occuper, la fiction théâtrale. Par le débat théorique et par l\'analyse des expériences théâtrales des trois dernières décennies, nous avons identifié une préoccupation avec le réel et avec l\'innovation formelle qui ne sont pas incompatibles avec un projet théâtral critique.
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Le dépassement de la mise en scène et la question de la théâtralité dans l'itinéraire de Klaus Michael Grüber / Beyond stage directing and the question of theatricality in Klaus Michael Grüber's worksMaidon, Gaëlle 02 July 2009 (has links)
La thèse présentée étudie et analyse le processus de mise en scène dans le travail de Klaus Michael Grüber, en démontrant que la mise en scène relève dans le cas étudié, d’une pratique artistique à part entière, singulière et innovante, et restée peu étudiée comme telle dans le domaine des arts visuels et plus généralement dans le domaine de l’art contemporain. En s’appuyant sur l’analyse des rapports entre le mouvement pictural de la Figuration narrative — dont les peintres Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati — et l’œuvre théâtrale de Klaus Michael Grüber, l’auteure montre que selon les termes de Denis Bablet, une révolution scénique s’est accomplie dans la conception même du lieu théâtral, ouvrant par delà les oppositions binaires entre texte et image, Figure et Discours, à un « théâtre du regard » (Jean Jourdheuil). Parmi les cas de figure traités, l’un d’eux a été tout particulièrement étudié et analysé : il s’agit de la mise en scène du roman d’Hölderlin (Hypérion ou l’ermite de Grèce), intitulée Winterreise in Olympiastadion, réalisée en 1977 à Berlin. La thèse se présente comme une contribution à la recherche d’une méthodologie et d’un réseau conceptuel permettant de mieux comprendre en quoi l’œuvre de mise en scène de Klaus Michael Grüber ouvre pour le théâtre à une nouvelle pensée du Visible que Merleau-Ponty, dans L’Œil et l’Esprit, appelait de ses vœux. La thèse comporte également une part critique importante de la notion de « spectacle » et insiste tout particulièrement sur la question du lieu scénique dont l’irréductibilité à toute spectacularisation est problématisée comme fondement de l’œuvre théâtrale elle-même. / This thesis studies end analyses the stage setting process in Klaus Michael Grüber’s work, demonstrating in the case studied that stage directing is a genuine artistic practice, unique and innovative, and little studied as such to this day within the field of visual arts and more generally within the field of contemporary art. Based on the analysis of the relationship betwenn the pictorial movement of Narrative Figuration and those of painters who worked with Klaus Michael Grübers — such as Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati — the autor shows that, in Denis Balet’s terms, a scenic revolution has been accomplished in the mere conception of theatrical location, wich opens beyond the binary oppositions between texte and image, Figure and Speech, onto a « theater of the eye » (Jean Jourdheuil). Among the cases studied, one has been very closely examined and analysed : it is the staging and directing of Hölderlin’s novel (Hyperion or the Greek Hermit) entitled Winterreise in Olympiastadion and performed in Berlin in 1977. This thesis is a contribution to the search for a methodology and a conceptual network enabling one to better understand how Klaus Michael Grüber’s work as a stage director opens theatre to a new way of considering the Visible, wich was what Merleau-Ponty called for in L’Œil et l’Esprit. The thesis also includes an important critical review of the notion of « show » and puts a particular emphasis on the notion of scenic location, the irreducibility to any spectacularization of wich is problematized as a basis for the theatrical work itself.
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Le théâtre de Thomas Ostermeier : en quête d’un réalisme nouveau à l’appui de quatre mises en scène de pièces d’Henrik Ibsen / The Theater of Thomas Ostermeier : In Search of a New Realism, on the Example of four Representations of Henrik Ibsen’s PlaysPelechová, Jitka 28 April 2011 (has links)
Le travail théâtral (de 1994 à 2010) du metteur en scène allemand Thomas Ostermeier est ici étudié : à travers son parcours professionnel (de la période de sa formation à l’École Ernst-Busch à sa direction du théâtre de la Schaubühne de Berlin, en passant par celui de la Baracke), à travers ses choix esthétiques (sur le répertoire et la recherche de la narration, la revalorisation du récit, la direction d’acteurs, etc.) et ses collaborations principales avec le dramaturge Marius von Mayenburg et le scénographe Jan Pappelbaum, et à travers l’analyse des quatre représentations des pièces de l’auteur norvégien Henrik Ibsen : Une Maison de poupée (Nora) en 2002, Le Constructeur Solness en 2004, Hedda Gabler en 2005 et John Gabriel Borkman en 2008. Il en ressort le constat que le théâtre de Thomas Ostermeier résulte d’un subtil mélange d’influences diverses et variées, jusqu’alors souvent considérées comme opposées, contradictoires et incompatibles entre elles : les théories de Stanislavski, Meyerhold et Brecht coexistent et leurs procédés artistiques sont appliqués de façon complémentaire. Ceci est particulièrement visible dans le jeu des comédiens et, à l’appui et resitué dans les scénographies architecturées de Jan Pappelbaum, cet assemblage donne des œuvres artistiques d’un réalisme tout particulier, “contrarié”, qui devient même un signe distinctif du travail du metteur en scène, lequel a rencontré jusqu’à aujourd’hui un très grand succès public. / This thesis studies the theatrical work (from 1994 till 2010) of the German stage director Thomas Ostermeier: through his professional career (from the period of his studies at the Ernst-Busch School, to his direction of the Baracke Theater and later to that of the Theater of Schaubühne Berlin), through his aesthetic choices (concerning his repertoire, his search for the stories and for the narration, his directing of actors, etc.) and his major collaborations with the playwright Marius von Mayenburg and the set designer Jan Pappelbaum, and finally through the analysis of his four representations of the plays of the Norwegian playwright Henrik Ibsen: A Doll's house (Nora) in 2002, The Master Builder Solness in 2004, Hedda Gabler in 2005 and John Gabriel Borkman in 2008. The thesis shows that the theater of Thomas Ostermeier results from a subtle mixture of diverse and varied influences, until then often considered as opposite, contradictory and mutually incompatible: the theories of Stanislavski, Meyerhold and Brecht coexist and their artistic methods are applied in a complementary manner. This is particularly visible in the acting of the comedians and, while situated in the architectonical sets by Jan Pappelbaum, this mixture bears artistic works of a very particular, “perturbed” realism, which becomes even one of the distinguishing features of the work of Thomas Ostermeier, which met until today an important public success.
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Mise en scène du point de vente et comportement du consommateur : une approche expérientielle par l'imagerie mentale / Staged of the point of sale and the behavior of the consumer : an approach by the mental imagingLe Jean Savreux, Dominique 25 June 2009 (has links)
L'objet de notre recherche est de clarifier les thèmes du réenchantement, de la théâtralisation et de l'expérience dans la distribution : ils correspondent à une réalité managériale diversifiée et répondent à l’impératif économique de se différencier dans un univers de plus en plus concurrentiel. Une étude menée auprès de professionnels de la distribution et de consommateurs de deux enseignes du secteur du jouet présentant des positionnements différents (expérientiel versus fonctionnel) nous permet de définir le concept de mise en scène d'un point de vente : création globale qui s'articuleautour des constituants suivants : décor ,scénario, acteurs, action, rebondissements et coup de théâtre. Cette vision holiste englobe la diversité des pratiques et dépasse l'équation théâtralisation = décor. Nous avons également établi que le consommateur vit une expérience spécifique lors de sa confrontation avec la mise en scène du point de vente. L'apport principal de cette thèse est de proposer le concept d’expérience de visite qui décrit l’interaction entre le consommateur et la mise en scène du point de vente. L’échelle de mesure développée comprend 5 dimensions : exploration, convivialité, exception, surprise et enchantement. Le prisme de l’expérience de visite représente graphiquement les scores atteints dans les 5 dimensions par une enseigne. Il permet ainsi de déterminer son degré de réenchantement et de procéder à des comparaisons avec ses concurrents. Nous avons eu recours au concept d'imagerie mentale, fondamentale dans la perspective expérientielle parmi les modalités sensorielles qui agissent dans la réception de l’expérience par le consommateur ; ce dernier interprétant la mise en scène grâce à la production d'images mentales. Une étude quantitative menée auprès des consommateurs des deux enseignes confirme :- qu'il existe des différences significatives entre enseignes pour chacune des dimensions de l’expérience ainsi que dans les caractéristiques des images mentales produites par le consommateur : nombre d’images, d’images congruentes suscitées par des techniques projectives, caractère agréable ;- que chacune des dimensions de l’expérience influence ces caractéristiques des images mentales ;- que chacune des dimensions de l’expérience influence le comportement d’achat : nombre d’articles achetés et nombre d’articles achetés non programmés.En effet, conscients de l’importance du critère de rentabilité des entreprises de distribution, nous avons mesuré l’impact de la production d’expérience sur le comportement d’achat. Le recueil des données dans les rayons s'est avéré d'une grande richesse et confirme la faisabilité technique pour les distributeurs de tester leur mise en scène in situ.Nos résultats montrent que l’expérience de visite est favorisée par la mise en scène du point de vente et exerce une influence sur le comportement d’achat. La mise en scène s’avère un levier stratégique que le distributeur doit s'appliquer à maîtriser et à rentabiliser afin d'améliorer ses résultats globaux. / The purpose of our research is to clarify the themes of reenchantment, dramatization and experience in retailing. They correspond to a diversified managerial reality and reveal the economic necessity to differentiate from competitors in ever increasing number. We have interviewed retailing specialists and consumers of two Toy retailers who have adopted opposite positioning : experiential versus functional. We have specified the French concept of dramatization : it is a global creation combining decor, scenario, actors, action, developments and coup de théâtre. This holistic view enables to include the variety of practices and to go beyond the equation dramatization = decor. We have highlighted that the consumer has a specific experience during the confrontation with the store dramatization. The main contribution of this design is to propose a new concept : the experience of visit, which describes the interaction between the consumer and the store dramatization. We have conceived a scale of measurement including five dimensions : exploration, conviviality,exception, surprise and enchantment. A prism shows graphically the scores reached by each of the five dimensions : for a retailer, it enables to measure his reenchantment level and to make comparison with competitors. The concept of mental imagery has been of great benefit for us. It is fundamental in the experiential perspective : among the sensorial modalities that act in the reception of experience, the consumer interprets the dramatization by the means of mental imagery.A quantitative study with consumers confirms that :- there exist significant differences between retailers for each dimension of the experience of visit, and for the characteristics of mental images produced by the consumer : number, number of congruent images and pleasantness ;- each dimension of the experience of visit has an influence on these characteristics of mental images ;- each dimension of the experience of visit has an influence on purchasing behavior : number ofpurchases and non planned purchases.Conscious that the return on investment is a main criterion for the managers, we have indeed measured the impact of experience production on purchasing behavior. Gathering the data in the store has revealed great interest and gives considerable support to the technical feasibility to test the store dramatization in situ. The results indicate that the experience of visit is favored by the store dramatization and has an influence on purchasing behavior. Managers should consider dramatization as a strategic means and try to control it and make it profitable.
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La traversée du miroir : le théâtre de Giraudoux, écritures et théâtralité / Through the looking glass : giraudoux’s dramatic artAkrout, Souad 18 December 2015 (has links)
L’écriture théâtrale de Giraudoux est une traversée du miroir. Elle donne à l’évanescence du reflet les contours définis d’une réalité nouvelle. Il suffit d’ailleurs de situer l’œuvre de Giraudoux dans son contexte historique et littéraire et de se débarrasser de l’image convenue d’un écrivain précieux pour apprécier toute la modernité du texte. Car c’est au cœur même de cette pratique du langage dramatique qu’éclate avec le plus de force la particularité de Giraudoux. En apportant au théâtre la force incantatoire d’une langue littéraire, l’auteur affirme son refus du prosaïque. Notre problématique s’inscrit dans une optique de création et d’agencement, le théâtre est un art de la composition. L’auteur dramatique compose avec les différents éléments de l’écriture théâtrale : le langage, la construction du personnage, le temps, l’espace ou encore les différents impératifs du système dramatique. Par ailleurs, le succès de Giraudoux doit beaucoup au talent de Jouvet qui, en véritable artisan du théâtre, a su transposer sur scène, avec un mélange subtil de sensibilité et de grandeur, de passion et d’émotion, le texte à entendre et le texte à voir, l’éclat unique du théâtre de Giraudoux.Giraudoux a cette particularité d’introduire une sorte de jeu avec les poncifs du langage dramatique pour en tirer des effets inattendus. Le jeu, c’est peut-être là le maître mot du théâtre de Giraudoux tant son écriture joue avec le texte et se joue des contraintes du genre. Son écriture didascalique, sans pour autant complètement s’affranchir des canons classiques, se transforme ainsi en espace d’écriture ; sans être un didascale prolixe, Giraudoux est l’un de ceux qui redorent le blason d’un texte circonscrit jusque-là dans une fonction purement utilitaire. L’espace, le temps, les personnages, les conventions dramatiques tout obéit chez Giraudoux à une sorte de pratique ludique de l’écriture qui s’inscrit bien souvent à contre-courant des attentes critiques. On veut coûte que coûte le faire entrer dans une case alors qu’il échappe aux codes de classification établis. Son écriture refuse de se soumettre aux confinements génériques. Son théâtre repose sur un désir de transcender le réel en donnant à la fantaisie les couleurs du quotidien et au quotidien les allures d’une féerie, Intermezzo, Ondine ou encore La Folle de Chaillot sont des exemples parfaits de cette dichotomie qui traverse toute l’œuvre. Nous nous sommes posé deux questions mais qui nous semblent essentielles : Comment se construit l’écriture théâtrale de l’auteur? Et comment s’opère cette traversée du miroir qui est le propre du passage du texte à la scène ? / Redefining the reality, Giraudoux’s playwriting seems to be a sort of passing through the looking glass.Only when situating Giraudoux’s work in its historical and literary context and getting rid of the conventional image of preciousness that one can appreciate the modernity of the text. For it is in the deep of the playwriting practice that Giraudoux’s virtuosity appears.Bringing the incantatory power of a poetic language to the theatre, the author affirms his rejection of prosaic. Playwriting is an art of composition. The playwright is dealing with the different elements of dramaturgy: language, character, time, space, and dramatic impulse… Moreover, the success of Giraudoux owes much to the talent of Jouvet. The theatre director knew how to transpose on stage, with a subtle blend of sensitivity and grandeur, passion and emotion, the unique glow of Giraudoux's poetic fantasy.In this thesis we intend to demonstrate that Giraudoux's playwriting is an area of an undiscovered modernity. His specificity is to play with the clichés of dramatic language in order to produce unexpected effects. This study starts with the specifics of the playwriting: language, stylistic elegance, stage directions, characters, time, space and play structure. Then, we investigate in Jouvet’s direction through the play’s premiere and finally we try to point out the specifics of the close collaboration between the two men.
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La notion de mise en scène dans les pièces de théâtre d'Elfriede JelinekWind, Priscilla 06 December 2008 (has links) (PDF)
La puissance omniprésente du langage jelinekien est souvent le point principal dans l'interprétation de son oeuvre dramatique. Cependant, le théâtre naît de la confrontation entre différents canaux. Une lecture chronologique des pièces d'Elfriede Jelinek permet de voir comment la radicalisation de son esthétique théâtrale correspond à un changement de cible dans sa logique déconstructive: de la critique du monde théâtralà la critique des médias de masse. Le but de cet ouvrage de recherche est de considérer la pièce de théâtre seulement comme un texte ou une représentation, mais comme un projet artistique, un processus fait de différentes étapes, de la production d'un texte auctorial immanent et d'un message aux différentes interprétations scéniques qui peuvent jeillir de ce premier matériau brut. Cette analyse entrelace ainsi différentes disciplines: littérature, arts scéniques, mais aussi philosophie des médias, car les médias se comprennent comme un base structurelle de notre société postmoderne. Le choix d'une méthode décloisonnée, càd postmoderniste, permet de faire écho aux méthodes de travail postmodernistes d'Elfriede Jelinek.
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Du principe d'adhésion dans la représentation théâtrale : des Anciens à une expérience de neurosciences cognitivesBressan, Yannick 10 March 2008 (has links) (PDF)
Si l'on se pose la question de l'adhésion d'un sujet lors d'une représentation théâtrale vient immédiatement en question le phénomène de la perception d'une réalité (théâtrale) en parallèle de la « réalité proche » du sujet. En d'autres termes, lorsque l'adhésion est effective lors d'une représentation théâtrale « l'objet mental » que se fait le sujet de la représentation est, par instant, supérieur aux percepts. C'est là qu'intervient le principe d'adhésion ; lorsque le spectateur perçoit Hamlet à la cours d'Elseneur alors qu'il voit un comédien sur un plateau vide. Comment cette substitution de réalité s'opère t-elle ? Le metteur en scène, par son travail sur l'émergence d'une réalité théâtrale constituée d'événements théâtraux, a-t-il une action particulière dans la perception qu'a le sujet percevant d'une réalité en train de se dérouler ? Le texte engage-t-il physiologiquement et neurologiquement le spectateur ? Quels sont les éléments neuro-anatomiques engagés dans l'adhésion du spectateur à la réalité théâtrale ? Si l'on effectue une introspection, ces zones sembleraient être celles de l'empathie c'est à-dire la zone temporo-pariétale. Est-ce effectivement le cas ? Est-ce la seule ? Le théâtral peut être envisagé comme un tube à essais d'une représentation circonscrite dans l'espace et dans le temps. En effet, pour tenter de mettre en évidence le principe d'adhésion en action lors d'une représentation théâtrale il est nécessaire de tenter d'isoler le phénomène. En effet, une localisation des aires cérébrales en interdépendances (interactions ?) lors de l'adhésion permettra, probablement d'aller plus loin dans la compréhension, fondamentalement ontologique, de l'être au monde et de notre rapport d'être humain à la réalité et sur la manière dont nous (nous) la faisons émerger, par-soi.
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Le laboratoire Woyzeck : autopsie de trois mises à l'épreuve scéniques par Thomas Ostermeier, Árpád Schilling et Robert WilsonMill, Jessie January 2008 (has links) (PDF)
Le laboratoire Woyzeck propose une approche de l'oeuvre de Büchner en trois temps, ordonnée autour de la métaphore anatomique. L'écriture de Woyzeck prend la forme d'une autopsie, indissociable des travaux scientifiques de Büchner réalisés à la même période. Le premier chapitre évoque ce geste d'écriture incisif et sa réception. Un état des recherches permet de considérer les analyses philologiques et herméneutiques de l'oeuvre qui font aujourd'hui autorité. Sont ici rappelés les lieux communs de la critique et les interprétations marquantes de la pièce. Si leur validité est ensuite interrogée, leur valeur symptomatique est aussi prise en compte sur un autre plan. Le deuxième chapitre prend la forme d'un essai portant sur les personnages et les corps, objets de l'autopsie. Il explore autrement des hypothèses formulées dans le premier chapitre autour du langage et du fragment. Le lieu de cette autopsie, la scène, est abordé dans le troisième chapitre à travers les mises à l'épreuve scéniques. Les trois spectacles choisis adoptent des partis pris dramaturgiques distincts. Celui de Thomas Ostermeier se présente comme un atelier social;
« le cirque des travailleurs » d'Àrpàd Schilling est une machine à jouer qui semble relever le pari du théâtre de la cruauté artaudien; Robert Wilson travaille de pair avec Tom Waits pour créer un spectacle musical qui fait figure de conte populaire universel et autoréférentiel. Parmi les enjeux de ces mises à l'épreuve figurent notamment le rapport au réel et au présent, ainsi que le regard porté sur les corps que le texte de Georg Büchner invite à questionner. Dans un esprit d'ouverture et de confluence, en adéquation avec les travaux de Büchner, cette réflexion puise autant dans des notions d'analyse théâtrale que dans l'esthétique et l'histoire de la médecine. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Woyzeck, Regard, Fragment, Mise en scène.
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