Jean-Philippe Dallaire (1916 - 1965) est reconnu comme l’un des peintres canadiens les plus doués de sa génération. Guidé par un savoir-faire exceptionnel et par une imagination féconde, il a produit des œuvres nombreuses et variées durant une carrière qui s’étend sur plus de trente années dont presque la moitié en France. Considéré autodidacte par les historiens et les critiques d’art, il suit néanmoins un parcours d’étude qui le place sans ambages dans la lignée artistique de l’École française. L’étude des commandes qu’il exécute en art mural montre les multiples influences qu’il absorbe et surtout le respect rigoureux des préceptes de ses grands maîtres, Maurice Denis et André Lhote d’abord, et par la suite Jean Lurçat. Mais ces ascendants n’atténuent jamais l’originalité de sa manière. Si ses premières œuvres murales liturgiques montrent une recherche dirigée par le milieu religieux dans lequel il gravite, après la guerre, suite à son retour au Canada, ses œuvres murales, religieuses et profanes, révèlent un respect marqué des caractéristiques de la grande peinture. / Jean-Philippe Dallaire (1916 - 1965) is recognised as one of the most talented Canadian painters of his generation. Guided by an exceptional aptitude and a fertile imagination, he produced numerous and varied paintings during a career that spanned over thirty years, almost half of which in France. Considered as self-taught by art historians and art critics, he nonetheless pursued a course of study that positioned him within the clearly defined tradition of the French School. An attentive study of the mural art works he accomplished shows the multiple influences he absorbed, but mainly the rigorous respect of the precepts he acquired from two great masters, Maurice Denis and André Lhote, and later from Jean Lurçat. But these constituents, although they link him to his French genesis, never lessened the originality of his style. If his first religious murals are strongly tainted by the spiritual environment in which he gravitated, his mural art, religious or profane, following his return from France after the war, demonstrate a scrupulous respect of the features that identify masterpiece.

Cette thèse a pour objectif de démontrer la richesse et la variété des dispositifs scéniques utilisés par Molière à Paris, à partir de 1658. Sur ce thème, il n’y eut guère jusqu’ici que des travaux peu convaincants basés sur l’étude iconographique des frontispices. Cette étude s’ouvre sur un rappel circonstancié du contexte technique, matériel et scénographique au XVIIe siècle avec notamment les descriptions précises des grandes innovations dues aux Italiens ; puis, à l’aide de notes, de manuscrits ou de contrats, les spécificités architecturales du théâtre du Palais-Royal, qui fut pour Molière le principal espace de création, sont détaillés. Enfin, l’ensemble des comédies du dramaturge est regroupé en deux grandes catégories : les comédies données à la Ville, comme L’École des femmes, Le Tartuffe ou L’Avare ; celles-ci n’ont pas bénéficié de commentaires qui puissent éclairer sur le dispositif scénique. Mais le décryptage minutieux du texte a pallié cette lacune ; il met en évidence un rapport quasi constant entre action et décoration, et confirme l’intérêt manifeste de l’auteur-comédien pour la mise en scène. La seconde catégorie concerne les comédies données pour la Cour, souvent appelées « comédies-ballets » ou comédies « mêlées de danse et de musique » ; celles-ci ont fait l’objet d’amples relations contemporaines. Bénéficiant de moyens financiers considérables, elles furent caractéristiques par leur débordement de luxe et d’invention. / This thesis aims to demonstrate the richness and variety of scenic devices used by Molière in Paris beginning in 1658. On this subject, there have been only a few unconvincing works to date, and these have been based on iconographic study and frontispieces. The thesis begins with an account of the detailed technical background, materials and stage design in the seventeenth century. It is particularly committed to locating and describing in detail the major innovations resulting from Italian influence. Through an examination of notes, manuscripts and unpublished theater contracts, it has sometimes even been possible to specify the architectural characteristics of the theater of the Palais-Royal, which was Molière's main creative space. The thesis then groups all of the comedies of the playwright into two broad categories. The first category, comedies played “à la Ville” (e.g., L’École des femmes, Tartuffe and L’Avare) has not benefited from commentaries that could clarify the settings that were used. Detailed textual analysis helps to overcome this problem; it highlights an almost constant ratio between action and decoration, and confirms the author-actor Molière’s obvious interest in staging. The second category concerns comedies played for the Court, often called "comedies-ballets" and comedies of "mingled music and dance," which have received more thorough contemporary commentary. These comedies benefited from considerable financial resources and are characterized by their overflowing luxury, scenic writing and invention.

Si les reliures arabes et islamiques ont connu une immense variété de décors au travers du Moyen-Age, la période allant du XIIIᵉ au XVᵉ siècle représente sans conteste un âge d’or quant à la richesse et la beauté des œuvres réalisées. Si pendant longtemps ce sont les formes géométriques et circulaires qui ont dominé, les conquêtes mongoles dès le XIIIᵉ ont contribuées à la diffusion du décor central en forme de mandorle de la Perse vers l’empire Mamelouk puis vers l’empire Ottoman. Celle-ci était largement utilisée par les relieurs persans dont l’art a certainement connu une influence artistique venant de Chine. Ce sont les artistes persans qui ont porté le décor en forme de mandorle à son plus haut degré de raffinement esthétique. La mandorle n’est apparue dans le répertoire des relieurs mamelouks qu’à partir de la fin du XIVᵉ siècle et a couramment été utilisée à partir de la deuxième moitié du XVᵉ siècle. C’est également à partir de cette période qu’elle apparaît sur les reliures ottomanes avec des mandorles polylobées ornées de belles arabesques et de décors floraux fins et raffinés réalisés de plus en plus souvent sur des fonds dorés. La fin du XVᵉ siècle est marquée par l’apparition des décors réalisés à l’aide de plaque qui va rapidement se répandre et remplacer les mandorles réalisées à l’aide de petits. L’influence esthétique des décors en forme de mandorle fut telle qu’elle se répandit jusque dans les répertoires des décors des reliures de la Renaissance italienne. Cette étude présente l'évolution et la diffusion du décor en forme de mandorle réalisé à l'aide de petits fers du XIIIᵉ au XVᵉ siècle sur la base d'un échantillon composé de quatre-vingt-douze reliures. / Arab and Islamic bindings offer a very large variety of patterns throughout the Middle Ages. The period from 13th to the 15th century is undoubtedly a golden age regarding the beauty of their ornement and decoration.If during a long time circular and geometric profiles dominated the bindings decoration, the Mongol conquests from the 13th century have contributed to the diffusion of almoond profile from Persia to the Mamluk and Ottoman's bindings. It was widely used by Persian bookbinders whose art has certainly experienced an artistic influence from China. Persian artists have worn the almond shape at its highest degree of aesthetic refinement. The almond profile only appeared into the Mamluk binder's repertoire until the end of the 15th century and commonly used from the second half of 15th century. It is also from this period that it appears on the Ottoman bindings with lobed profiles usually filled with beautiful arabesques and floral ornamentoften on gilded background. In the late 15th century appears the technique of pressure moulding, that involved the pressing of the leather with large stamps. This technique quickly spread and replace almond shape using small stamps. The aesthetic influence of the almond profile was such that it were introduced into the Italian bookbinder's repertoire by the middle of the 15th century. This study presents the developments and dissemination of the almond profile made with small stamps from the 13th to the 15th century on the basis of a sample of ninety two bindings.

Cette étude doctorale s’inscrit dans le cadre d’une cotutelle de thèse entre les universités de Paris Ouest Nanterre La Défense et de « l’Orientale » de Naples. Elle vise à étudier les typologies architecturales et décoratives utilisées dans les maisons des classes moyennes de Pompéi entre la fin du IVe et le début du Ier s. av. J.-C. Cette thématique est encore incomplètement traitée par la littérature spécialisée, qui s’est souvent concentrée sur des contextes plus raffinés et des périodes ultérieures. La recherche a été appuyée sur l’analyse conjointe des données de fouilles, si ces dernières sont disponibles, et des structures d’époque samnite encore in situ. Par ailleurs, la participation à un projet de recherche sur la Regio VI, nous a offert l’occasion de travailler sur du matériel inédit et de démarrer notre enquête à partir d’un cas d’étude spécifique, la Casa del Granduca Michele (VI,5,5) et ensuite de vérifier la diffusion des données acquises à l’échelle de la ville. Le travail a été donc divisé en trois parties. La première a été consacrée au cas d’étude, avec une analyse approfondie de la structure et de la décoration de la maison notamment au IIe s. av. J.-C. La deuxième a concerné l’étude des types architecturaux diffusés dans la cité vésuvienne l’époque samnite, avec un regard particulier sur le type de la maison à atrium testudinatum qui n’avait pas fait l’objet d’une étude systématique. La troisième partie a enfin concerné des décors des maisons de taille moyenne. L’analyse a concerné, avec une approche diachronique, d’abord les décorations peintes des parois et des plafonds, ensuite les éléments accessoires et pour finir les revêtements de sols. / This Ph.D is prepared in co-tutorship between the Université de Paris Ouest Nanterre La Défense and the Università degli studi di Napoli « l’Orientale ». Its aim is to analyze the architectural and decorative typologies used in the construction of Pompeian middle class houses between the end of forth and the beginning of first c. B.C. As a matter of fact, if the most luxurious domus of this period are well known, many aspects of the middle-class houses are still to be studied, for they have long been left aside by the scientific research. The study has been based on the analysis of data coming both from excavations and from a survey of the samnitic structures still in situ. Moreover, the participation to a research program centered on the Regio VI has offered the occasion to work with unpublished material and to start the research from a case study, the Casa del Granduca Michele (VI,5,5). The diffusion of data collected in this house have later been verified with a research on the city level. Therefore, work has been divided in three parts. The first one has been dedicated to the case study by a deepened analysis of structure and decoration of this house in the second c. B.C. The second one to the architectural typologies used in middle class houses during the samnite period, with a particular regard to the type of the atrium testudinatum house, which previously had never been systematically studied. The third part has dealt with the decoration of these houses. The analysis, carried out with a diachronic approach, has concerned walls and ceilings’ paintings, floors and other elements like terracotta and main door stone capitals.

La recherche archéologique au sujet du Complexe Culturel Lapita, qui se développa en Océanie il y a environ 3200-2800 ans BP, a considérablement évolué ces dernières décennies. Le propos de la thèse présentée ici est de montrer que l’étude des décorations des poteries lapita peut être particulièrement utile pour la compréhension de des populations lapita. Après avoir rappelé l’historique de la recherche autour du lapita, et l’état de la recherche actuelle, nous présentons dans un second temps une étude très détaillée des décors céramiques : comment ceux-ci étaient réalisés, comment les différentes frises et les motifs s’organisaient entre eux. Enfin, quelles sont les différences et les répartitions spatiales et temporelles de tous ces motifs et de leurs variantes. Cette première étape permet de dresser un bilan exhaustif du mode de représentation graphique des Lapita et d’insister sur son importance dans notre connaissance de la société au tournant des IIème et Ier millénaires avant notre ère. Dans un troisième temps, les observations et les résultats obtenus sont mis en relation avec les autres données archéologiques, ainsi que celles issues de la linguistique historique et de l’ethnologie pour tenter de montrer que les décors lapita peuvent sans doute être considérés comme les reflets de certains aspects immatériels –principalement sociaux- des Lapita : de la parenté à l’organisation des groupes lapita dans le vaste territoire compris entre la Nouvelle-Guinée et les îles Samoa, en passant par les îles Salomon, le Vanuatu, la Nouvelle-Calédonie, les îles Fidji et les archipels de Tonga et de Wallis et Futuna. Ce type d’étude permet une ouverture de la recherche océanienne vers des hypothèses de reconstitutions sociales ouvrant de nouvelles perspectives pour la compréhension des sociétés dites « à tradition orale. » / Archaeological research on the Lapita Cultural Complex, which developed in Oceania about 3200-2800 years Before Present, has evolved considerably in recent decades. The purpose of the thesis presented here is to show that the study of Lapita pottery decoration can be particularly useful for the understanding of the Lapita people. After having remembered the history of research about Lapita, and the state of current research, we present in a second time a very detailed study of ceramic decorations : how they were made, how the various friezes and motifs organize themselves. Finally, what are the differences, spatial and temporal distributions of all these patterns and their variants. This first step allows a comprehensive review of the mode of graphical representation of the Lapita and emphasize its importance in our understanding of society at the turn of second and first millennia BC. In a third step, observations and results are linked with other archaeological data, as well as those from historical linguistics and ethnology in an attempt to show that Lapita decorations can probably be seen as the reflections of intangible aspects -mainly social- of Lapita: the relationship to the organization of Lapita groups in the vast territory between New Guinea and Samoa, through the Solomon Islands, Vanuatu, New Caledonia, Fiji and the archipelagos of Tonga and Wallis and Futuna. This type of study allows an opening for the Pacific Research into social assumptions reconstructions opening new perspectives for understanding the cultures so-called "oral tradition."

Cette étude se situe dans le cadre des recherches sur le patrimoine balnéaire de la Côte d'Azur dans la deuxième partie du XXème siècle. Elle porte sur l'histoire de trois créations ex nihilo: Port-Grimaud, Marina-Baie-des-Anges, Port-la- Galère initiées par trois constructeurs de rivage. Les terrains, encore disponibles parce qu'hostiles, avaient en commun, d'allier à la beauté naturelle des sites des conditions de vie inhospitalières. La société de consommation des années soixante, tournée vers les activités nautiques fut responsable d'une nouvelle forme d'urbanisme proche de celle des marinas américaines. Urbanisme et architecture étant indissociables dans le balnéaire, la typologie fonctionnelle des stations balnéaires anciennes fut remplacée par des constructions plus ou moins standardisées qui secrètent une faculté d'identification: maisons de pêcheurs, alignées sur des péninsules, conçues par François Spoerry à Port-Grimaud, pyramides serpentiformes à terrasses décalées en. amphithéâtre autour du port imaginées par André Minangoy, grappes accrochées au rocher à Port-la-Galère. Une profusion décorative sur les façades rehaussée par l'emploi de matériaux variés, sont responsables du style du site balnéaire. Les nouvelles créations balnéaires sont le reflet d'une architecture méditerranéenne avec la prédominance de terrasses, prolongeant le dehors au-dedans, avec les emprunts de motifs architecturaux aux pays du Sud et à la sémantique du nautisme. Ces constructions, les pieds dans l'eau, permirent à la société des années soixante, de satisfaire leur désir de rivage et devinrent les marqueurs d'un urbanisme révolu. / This investigation situates itself in the frarnework of the studies on the seaside resort heritage of the Côte d'Azur in the second part of the 20th century. It concerns the history of three creations ex nihilo: Port-Grimaud, Marina-Baie-des- Anges, Port-la-Galère,initiated by three seashore builders. The grounds, still available because of their hostile character, had in common to combine natural beauty of the sites with inhospitable conditions of life. The consumer society of the sixties, turned towards watersports activities, was at the origin of a new way of urban development close to that of American marinas. Urban development and architecture being indissociable concerning seaside resorts, the functional typology of former seaside resorts was replacecl by more or less standardised constructions secreting a facility of identification: fishermen's housings, aligned on peninsulas, conceived by François Spoerry at Port-Grimaud, meandering pyramids bearing staggered terraces organised as an amphitheatre around the harbour and imagined by André Minangoy, grapes clung to the roc at Port-la-Galère. The style of the seaside resort isdue to the abundance of façade decoration, set off by the use of various materials. The new seaside resorts retlect Mediterranean architecture, with the prevalence of tenaces extending the outside inside, with architectural motives from the South and t'rom watersports semantics, These waterside constructions allowed the society of the sixties to satisfy their desire of seashore access and beeame the market of a bygone urban development.

Structure architecturée destinée au besoin vital de chauffage, la cheminée était par conséquent l'élément le plus important d'un intérieur. Ainsi obtînt-elle la plus grande des attentions de la part des architectes, qui s'ingénièrent à donner à cet ouvrage utilitaire l'apparence d'un véritable monument de marbre, orné de motifs sculptés ou de bronzes dorés. Cette attention décorative valut parfois à l'ouvrage caminologique le privilège d'accéder au rang d'œuvre d'art.Plus qu'un simple foyer destiné à accueillir le feu, la cheminée était le point focal d'un intérieur. Sa position déterminait aussi bien la composition du décor mural que l'agencement du mobilier. C'est également autour de la cheminée que s'organisaient au quotidien les activités humaines. Cette attraction à la fois visuelle et physiologique incita à associer à la cheminée, pour son usage et pour son agrément, une grande diversité d'objets. Les objets d'art les plus précieux d'une habitation étaient volontiers exhibés sur la tablette de la cheminée, flattant ainsi l'orgueil du propriétaire, qui, au-delà, affirmait, aux yeux de tous, son rang social.Cette étude définie dans son intégralité les caractéristiques de la décoration intérieure de la seconde moitié du XVIIIe siècle, période durant laquelle s'opéra en France le renouveau classique, en partant de la cheminée tout en considérant le décor mural qui l'entourait, le choix des matériaux, des couleurs et des objets, à valeur d'usage et à valeur esthétique, qui lui étaient associés. L'analyse de la cheminée et de son décor permet ainsi de saisir au plus près les goûts et les habitudes ornementales de la société française de la fin de l'Ancien Régime. / As an architectural structure providing heat to satisfy one of man's vital need, the fireplace was the most important element of interior decoration. Then it attracted the attention of architects who strived to give to this useful device the appearance of a true monument in marble, decorated with sculpted motifs or ormolu. As a result of the attention paid to its decoration, the fireplace eventually reached the status of a genuine work of art. More than a mere hearth aimed at setting the fire, it became an essential element of the household. Its central position determined both the arrangement of the panelling and the layout of the furniture. At this point, daily occupations got tied to the fireplace; its physiological and esthetical value led to the necessity of possessing a wide range of objects either useful (to set the fire) or decorative. The most precious ownings of the house were usually exhibited on the marble top, flattering its owner, while affirming his vanity. This PhD is a thorough study of the characteristics of interior decoration during the second half of the 18th c.. In France at the time, there was a major classicism revival, operating through the fireplace and the decoration of the walls around it, including changes in colors and in the range of fireplace-related objects to use or admire. This survey of the fireplace and its decorative context enables us to apprehend french society's tastes and habits at the very end of "Ancien Régime".

La production de textiles fut initiée par les protestants Henri IV et Sully, épaulés en cela par Barthélemy de Laffemas. Dans la seconde partie du XVIIe siècle, ils constituèrent une telle source de revenus pour la couronne qu’ils devinrent, entre les mains de Louis XIV et de Colbert, une affaire d’État. De nombreuses manufactures et compagnies commerciales furent alors créées sur décision royale. La fabrication et la distribution furent dès lors légalement corsetées. Dans le Midi-toulousain, les plus riches marchands finançaient la culture de matières premières ou la façon de broderies, de dentelles et d’étoffes. L’essentiel de l’activité de Toulouse s’articula cependant autour du négoce, même si certains tissages effectués in situ furent suffisamment estimés des habitants pour marquer leur temps. Les textes d’archives dévoilent certains usages élaborés autour des textiles, comme la charge de dorer et nipper la future épousée ou encore les pratiques de deuil. Ils décrivent, à travers les décors intérieurs, comment les notions de mode, de luxe et d’opulence s’étaient imposées d’une façon si particulière dans la ville. / Textile production began with the protestant king Henri IV, helped by Sully and Barhélemy de Laffemas. In the second half of the seventh century, they constituted a so much source of income for the crown, that Louis XIV and Colbert made of it a real business of state. Many manufactories and commercial companies were created by royal decision and legally assisted. In south of France, the most famous and rich traders financed the production of laces, embroideries, and various stuffes. The most important part of Toulouse activity was trade, even if many weaving realized in the town, were enough estimated by the population to have had a strong influence. Archives records reveal customs worked out textiles, like the development of the bundles or the way to be in mourning. They show interiors design and the manner whereby notion of luxury, fashion, and wealth light up in the city.

Cette thèse étudie l’émergence du culte de Rāma à travers l’évolution de son iconographie dans les décors sculptés des temples de l’époque de Vijayanagar. À partir du XIIe siècle, Rāma qui, jusqu’ici, était un avatar de Viṣṇu, se détache de sa tutelle pour acquérir une autonomie de culte, avec ses propres dévots. Nous nous sommes demandé dans quelle mesure le changement de statut de Rāma était perceptible dans les reliefs qui le prennent pour sujet et comment l’étude de ces reliefs pouvait nous éclairer sur ce changement. Notre étude se fonde sur un corpus d’environ 2700 reliefs, relevés dans 47 temples sur tout le territoire de l’empire (Karnataka, Andhra Pradesh, Tamil Nadu). Trois catégories de reliefs se dégagent : les cycles narratifs, les séquences narratives et les reliefs iconiques. En comparant les modes de représentation au sein d’une même catégorie, puis entre catégories, nous avons observé l’importance prise par les images iconiques. Nous avons constaté le faible rôle du régionalisme, mais plutôt une homogénéité à travers l’empire, confirmée par le rapprochement que nous avons fait des reliefs avec six versions du Rāmāyaṇa, et qui démontre que les différentes régions ont toutes eu, de préférence, recours à la même version. Cette analyse s’inscrit dans un examen plus vaste de la place de Rāma dans la culture indienne et aboutit à des conclusions sur la relation entre arts visuels et littérature, les liens entre Rāma et la royauté de Vijayanagar et montre les différents moyens de signifier la divinité désormais accomplie de Rāma. / This thesis studies the emergence of the cult of Rāma through the development of his iconography in the sculpted decoration of temples from the Vijayanagara era. From the 12th century, Rāma, who until then had been an avatar of Viṣṇu, broke away and acquired a separate cult, with his own worshippers. We wondered to what extent the change in Rāma’s status could be observed in the reliefs in which he features and how studying these reliefs could shed light on this change. Our study is based on a corpus of around 2700 reliefs from 47 temples throughout the territory of the Empire (Karnataka, Andhra Pradesh, Tamil Nadu). Three categories of relief can be identified: narrative cycles, narrative sequences and iconic reliefs. When we compared the means of representation within each category, then between categories, we noted the increasingly important role of iconic images. We observed little difference between regions, but rather homogeneity throughout the Empire, confirmed by our comparison between the reliefs and six versions of the Rāmāyaṇa, which showed that the various regions all favoured the same version. This analysis forms part of a broader study of the role of Rāma in Indian culture and leads to conclusions on the relationship between visual arts and literature, the links between Rāma and the Vijayanagara royalty, and the different ways of representing the divine status that Rāma had, by then, acquired.

La poésie de célébration politique de la Pléiade est lue ici dans son rapport avec l'épopée, dont la Deffense formule le projet (1549), et dont la Franciade marque une réalisation incomplète (1572). Les pièces de célébration se relient à ce projet de nouvelle Enéide, qui les extrait des fastes éphémères de la fête dont elles se font l'écho : chaque poème est à la fois dans l'actualité de la circonstance et la virtualité du grand oeuvre où il doit s'accomplir. Celui-ci, envisagé comme un récit de fondation légitimant l'espoir d'un Empire immortel, se veut à la fois une mise en forme de l'Histoire, une image idéale du souverain et une construction poétique intégrant la culture antique au génie français. Les poètes de la génération Henri II célèbrent les Grands comme les héros de l'épopée en gestation et explorent les formes que pourra prendre cette célébration de la monarchie valoise. Le furor prophétique devient l'énonciation privilégiée du lyrisme politique. Pourtant, à la fin des années 1550, la formule n'engendre plus que sa propre répétition désenchantée, ou bien les poètes s'en détournent en signalant ironiquement sa vacuité. Dans la décennie suivante, lorsque le conflit armé rend l'Histoire incertaine, les poèmes de célébration habillent les Grands en bergers. La pastorale s'apparentait d'abord à une variation susceptible de revivifier le projet initial. Elle devient une alternative au modèle héroïque obsolète, en liaison avec des valeurs politiques et poétiques de séduction, d'aménité, de raffinement maniériste en accord avec la nature. / This thesis studies The Pleiade's poetry of political celebration in relation to the epic, with the examples of Deffense as a statement of this project (1549) and Franciade as an incomplete realization of it (1572). The celebration poems are part of this project of a new Aeneid, which removes them from the ephemeral splendour of the celebration which created them in the first place ; these poems fall both within the moment of the festive event and the virtuality of the great work in which they must come to fruition. This great work, seen as a tale of foundation legitimating the hope of an immortal Empire, wants to shape History as well as depict an ideal image of the sovereign and present a poetic construction inserting the culture of Antiquity to the French genius. During Henri II's reign, the poets celebrate the princes as the heroes of the developing epic and explore the forms that this celebration of the Valois monarchy could take. The prophetic furor becomes the privileged statement of political lyricism. Yet, at the end of the 1550s, the formula only creates its own disenchanted repetition, or poets abandon it by ironically pointing out its vacuity. During the decade that follows, while the armed conflict creates historical uncertainty, the celebration poems disguise the princes as shepherds. At the beginning, the pastoral was a variation that could rejuvenate the initial project. It transforms into an alternative to an obsolete heroic model, related with political and poetic values of seduction, appeased gentleness, mannerist refinement in harmony with nature.