Cette recherche se propose d'étudier les interactions entre l'espace scénique et la folie dans le théâtre contemporain. À partir de l'étude de scénographies et des lieux dans lesquels elles se déploient, nous souhaitons interroger le recours à la déraison, non pas comme thématique ou comme caractéristique de personnages, mais comme outil de questionnement et de renouvellement de l'espace théâtral. La folie, notion polémique dont l'existence même est régulièrement questionnée, constitue pour certains metteurs en scène et/ou scénographes la possibilité d'une remise en cause radicale du réalisme illusionniste et une passerelle vers la mise en place d'une "réalité théâtrale" au sens où Antonin Artaud l'entendait. Ces interactions peuvent se manifester par les lieux dans lesquels sont joués les spectacles, mais aussi par l'usage de la symptomatologie de la folie (hallucination, délire, rêves) comme élément perturbateur de l'espace scénique. La folie est alors employée pour bouleverser les repères du spectateur, qui n'est plus en prise avec une représentation de sa réalité quotidienne, ni une représentation de l'ambiance du drame ou de l'état mental d'un personnage, mais avec des espaces qui proposent une perception en dehors des normes de la raison. La folie n'apparaît donc plus dans la constitution d'une fable, mais dans la structure même des spectacles. Dans la lignée des recherches de certains groupes futuristes ou surréalistes, certaines mises en scène et scénographies contemporaines cherchent alors à se défaire d'une raison dominante et voit dans la déraison le moyen de remettre en cause l'ordre politique et social autant que l'ordre théâtral. / This research proposes to study existing interactions between scenic space and madness in contemporary theater. By studying scenography and locations where they occur, we wish to question the use of insanity, not as a theme or dimension of a character, but as a tool to question and renew theatrical space. Madness, a subject of debate whose very existence is regularly questioned, appears for certain directors and/or set designers as a way to radically question illusionist realism and as a pathway to a "theatrical reality" as perceived by Antonin Artaud. These interactions may be exploited by the site chosen for staging but also through the use of madness (hallucination, delirium, dreams) as a disruptive element of scenic space. Madness is then used to disorient the spectator : he is no longer exposed to a representation of his daily life, or a representation of the drama’s setting, or the mental state of a character, but with spaces that offer a perception outside the norms of reason. Madness no longer occurs in the creation of a fable, but in the very structure of theater. Along the lines of certain futurist or surrealist groups’ research, some contemporary staging and scenography therefore tries to do away with dominant reasoning, and view insanity as a means to question political and social order as much as theatrical order.

Arbetets syfte är att undersöka berättelseformer i datorspel baserade på tillämpningen av sceneri, avgränsat till spelarens uppfattning av tid och plats. Utifrån de svårigheter som förknippas med framställningen av naturligt förfall och framställningen av teknologiska möjligheter har två hypoteser formulerats; då att spelaren främst skapar sig en uppfattning om spelets tidsperiod utifrån upplevt artificiella objekt, samt att spelaren främst skapar sig en uppfattning om spelets verklighetsförankring utifrån spelets miljö. För undersökningens syfte har en virtuell miljö framställts i tre olika versioner, de två första avsedda att testa arbetets hypoteser avskilt, den senare avsedd att testa båda i samma miljö. Undersökningen har skett genom testspelning av dessa av totalt 30 testdeltagare. Undersökningens resultat styrker arbetets hypoteser, då den första i högre grad än den andra, men påvisar även svårigheter förknippade med sammanförandet av de metoder som tillämpats.

La notion de contradiction en linguistique a souvent été rejetée en marge des recherches en langues. On considère généralement que la parole contradictoire ou les structures oppositives ne peuvent servir logiquement l’efficacité requise par la théorie traditionnelle de la communication. Pour cette raison, la linguistique traditionnelle tend à considérer ces structures comme artificielles, servant des fins stylistiques ou rhétoriques. Or, nous pouvons observer à l’oral nombre d’énoncés présentant des marques de la contradiction nous amenant à examiner non pas des structures préparées mais bien spontanées, servant des fins communicatives et ayant un effet pragmatique réel dans la communication. Nous montrons que la contradiction s’actualise bel et bien en discours et que l’aporie logique qu’elle manifeste à première vuemet en scène une singularité énonciative. Le locuteur, en effet, met en scène la contradiction moyennant des conditions d’énonciation particulières (polyphonie, négation, connecteurs). Des énoncés présentant des marqueurs de la contradiction sont autant d’indices qui permettent de prendre en compte cette notion et de l’analyser sous une lumière nouvelle. C’est à partir d’un corpus établi sur des enregistrements de français oral spontané que nous mettons au jour les formes morphologiques et syntaxiques qui traduisent la mise en scène de la contradiction à l’oral ainsi que les effets pragmatiques qu’elles engendrent, afin de parvenir à dresser un système possible du fonctionnement de cette structure / The notion of contradiction in linguistics has often been rejected to the margins of language research. We generally consider that contradictory speech or structures of opposition cannot logically serve the effectiveness required by the traditional theories of communication. For this reason, traditional linguistics tends to consider these structures as artificial, serving stylistic or rhetorical goals. Yet, we can observe, in oral speech, numerous utterances presenting marks of contradiction. This brings us to examine not the prepared structures but the spontaneous ones, serving communicative goals and having a real pragmatic effect within communication. This study will demonstrate that such utterances do exist in speech, and that the logical aporia they express at first sight reveals in fact a distinctive enunciative posture. We will showhow the utterer stages this posture through particular conditions of enunciation (polyphony, negation, markers). We will finally analyse the pragmatic effect of the structure of contradiction in and on discourse.The utterances presenting pragmatic connectors are of as many indications which allow us to take into account these notions and to analyse them under a new light. It is from a corpus established on the recordings of spontaneous oral conversations that we attempt to bring up the morphological forms and the syntax which conveys oral contradiction along with the pragmatic effects which it creates, in order to draw up a possible system of the functioning of these structures

L’objet de la thèse est l’illustration des traits distinctifs du travail d’André Antoine au Théâtre Libre. Sa modalité de mettre à la scène est présentée dans son cadre historique à la confluence de nombreux facteurs et elle est lue comme un nœud où plusieurs éléments arrivent à converger. L’analyse des constantes du devenir scénique et des modalités opératives sont mises en rapport avec sa sollicitation continuelle de tous les aspects de l’expérience théâtrale, dictée par l’aversion pour un type de théâtre dépourvu de souffle artistique et ensuite, en dernière analyse, de vérité. On expose la construction de l’espace scénique, inspirée par son attention à l’aspect visuel de la scène, et ses liaisons avec la dramaturgie. Du côté de la dramaturgie on considère le rapport entre Antoine et les auteurs, sa conception dramatique, la constitution du répertoire, l’éclectisme, le caractère de laboratoire et sa contribution à la recherche de la nouvelle formule dramatique. Du côté de la construction de l’espace scénique on considère les décors, les accessoires, l’action des figurants et les effets d’éclairage. On analyse aussi le rôle du Théâtre Libre en rapport avec l’univers théâtral environnant, au moyen d’une réflexion à propos du sens attribuable à son amateurisme, d’une confrontation avec les cercles d’amateurs contemporains et d’un examen de son public. Enfin, on envisage la manière de jouer d’Antoine, sa méthode de construction du personnage et le travail de la troupe / This thesis focuses on the distinctive features of André Antoine’s work at the Théâtre Libre. His staging practice is examined in its historical framework, located at the confluence of various factors, and read as a knot in which several elements come to converge. The constants of his scenic research and of its operative modes are analysed in relation to his ceaseless questioning of the theatrical experience in all its aspects: this approach springs from Antoine’s hostility to a theatre completely devoid of artistic inspiration and, ultimately, of truth. The thesis describes his use of the scenic space, suggested by his attention to the visual aspect of the stage, and its relationships with dramaturgy. As for the dramaturgy, the relations between Antoine and the authors are studied together with his dramatic theory, the making of his repertory, his eclecticism, his experimental attitude and the participation of Théâtre Libre in the search for a new dramatic form. As for the shaping of the scenic space, the thesis examines sceneries, props, the role of walk-ons and light effects. The analysis also takes into account the role of the Théâtre Libre in relation to the contemporary theatrical world, focusing on the meaning of Antoine’s amateurism, on a comparison with the contemporary amateur groups and on the composition of his public. The final part of the thesis is devoted to Antoine’s acting features, to the method through which he built characters and to his company’s work

Cette thèse examine et réévalue l’oeuvre théâtrale d’Osanai Kaoru qui a joué un rôle fondamental pour instaurer le théâtre moderne dit shingeki au Japon et qui a incarné à lui seul le héraut de la modernité en cumulant une multitude de fonctions. Notre étude repose en premier lieu sur les écrits théoriques d’Osanai sur le théâtre et s’articule en trois parties. Tout d’abord nous procédons à l’examen de son parcours multiple et foisonnant en le divisant en trois périodes dans l’histoire du shingeki. La deuxième partie explore son rapport avec la modernité, en traitant d’abord de la réforme visée par lui dans un paysage théâtral dominé par la tradition, ensuite de sa quête du public populaire qui soustend sa seconde phase et qui se complexifie conjointement à sa quête du théâtre national. Par la suite nous examinons l’émergence de la mise en scène, point nodal du théâtre occidental, et son évolution en nous en tenant à trois pièces emblématiques. Enfin nous procédons à l’examen des apports du théâtre occidental au travers de quatre visionnaires : E.G.Craig dans la théorie duquel Osanai puise, puis trois metteurs en scène Stanislavski, Reinhardt et Meyerhold, lui donnant l’occasion d’aborder des scènes occidentales majeures et ayant une grande incidence sur son propre travail. Dans la troisième partie, nous nous consacrons à étudier le rapport complexe d’Osanai avec le théâtre traditionnel, aspect très mal évalué au Japon, principalement le kabuki sans pour autant négliger le théâtre de marionnette [bunraku] et le nô. Nous prolongeons notre réflexion sur le paradigme de la tradition à deux metteurs en scène japonais, Suzuki Tadashi et Miyagi Satoshi (Ku Na’uka). / This thesis consists in examination and re-evaluation of the theatrical works of Osanai Kaoru who played a fundamental rule to launch modern theatre called shingeki in Japan and embodied the herald of modernity accumulating different functions. Our study relies first of all on theoretic writings of Osanai on theatre and is structured in three parts. The first one examines his multiple and rich courses and is divided in three periods along the history of shingeki. The second part explores his relations with modernity regarding first the reform intended by him in a theatrical landscape dominated by tradition, then his search for a popular audience underlining his second phase and becoming more complex in conjunction with his quest for a national theatre. Thereafter we examine the emergence of mise en scène, a concept specific to western theatre and its evolution through the examination of three emblematic plays. Lastly we analyse the contribution of western theatre through four visionaries: first E.G.Craig of whom he has drawn much and then getting in touch with three directors, Stanislavski, Reinhardt and Meyerhold that impacted his own work. All along the third part we study the complexity of Osanai’s relations with traditional theatre, aspect which is not properly considered in Japan, focusing mainly on kabuki without neglecting puppets theatre [bunraku] and nô. We broaden our research on the tradition’s paradigm to two Japanese stage directors, Suzuki Tadashi and Miyagi Satoshi [Ku Na’uka].

Ce projet de recherche, qui comporte un volet créatif, a pour objectif l’exploration des possibilités de mise en scène du mystère français, forme théâtrale qui n’est presque plus jouée, à partir d’éléments empruntés au code de représentation du ta'zieh, une forme théâtrale iranienne encore très vivante. Ce projet de création s’inscrit dans une démarche interculturelle qui vise à mettre en contact deux formes théâtrales religieuses relevant de traditions anciennes. À partir d’un modèle théorique proposé par Patrice Pavis et en nous inspirant de la démarche créatrice de quelques artistes, nous avons monté, dans le cadre d’un laboratoire, un extrait de la pièce de théâtre médiévale Le Mystère de la Passion d'Arnoul Gréban, afin non pas de reconstituer à l’identique les représentations médiévales du mystère français, mais de créer, par l’amalgame de deux formes théâtrales religieuses issues des cultures chrétienne et iranienne, une forme nouvelle.

Syften med den här uppsatsen är att fördjupa kunskapen om hur Alfonso Cuarón använder sigav staging/blocking, kamerarörelse och bildkomposition för att förebåda olycka i filmenRoma från 2018. Studien kommer att använda sig av bildsemiotisk metod för att analyserautvalda scener som kretsar kring huvudkaraktären Cleo och hennes förhållande med Fermínsamt den graviditet som följer.Uppsatsen uppmärksammar Cuaróns användning av långa tagningar och långtskärpedjup, för att kunna nyttja detaljer i bakgrunden av sin mise-en-scène som en kommentarpå förgrunden. Cuarón använder sig av linjer och tredjedelsregeln för att vägleda tittarensögon mot det som är väsentligt. Detaljerna i bakgrunden tillsammans med filmens stagingskapar i sin tur symboler/tecken som förebådar eller varnar för saker som kommer händasenare i filmen.

This essay will analyse how the components settings and costume/make-up from the concept Mise-en-scène show the differences between homosexual characters and heterosexual characters. The representations and stereotypes that made the differences visible together with the theory of semiotic and what signs we interpret in the films help us find the connection between the settings, costume/make-up and stereotypes. Together with the social Mise-en- scène this essay analyses three Swedish films with homosexual main characters and their love lifes. Previous research focuses on the homosexual representation in films so we can see how the homosexual characters earlier has been represented. The analysis uses the components settings and costume/make-up to look into the aspect of stereotypes and representations of homosexual characters compared to heterosexual ones. At the end of the essay in the discussion the previous research and the analysis of the films are discussed and in the last part the research question is answered.

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Uppsatsens avsikt är att undersöka hur posttraumatiskt stressyndrom, PTSD, gestaltas ifilmerna Batman Begins, The Dark Knight och The Dark Knight Rises genom karaktärernaBatman och Bane. Negativa porträtteringar av psykisk ohälsa har förekommit på film genomatt det gång på gång är skurken eller offret som lider av det, däremot har Christopher NolansBatman-trilogi inte blivit kritiserad för att gestalta PTSD på ett negativt sätt. Analyserandet avdessa filmer görs därför utifrån manualen DSM-5 där olika kluster beskriver de kriterier sombehöver vara synliga för att en person ska kunna diagnostiseras med PTSD. Scenerna därBatman och Bane möjligen visar prov på dessa kriterier analyseras genom karaktärernasdialoger, handlingar och mise-en-scène. Analysen görs för att ta reda på om gestaltandet skerpå ett sådant sätt att dessa filmer kan sägas ge en rättvis bild av PTSD. Genom enkaraktärisering av Batman och Bane utifrån dessa begrepp och metoder gick det att fastställaatt filmerna förhåller sig till DSM-5. Tack vare att både skurken och hjälten gestaltar tvåmöjliga sidor av PTSD ger de tillsammans en helhet och därmed en mer rättvis bild av PTSD generellt.