Cette thèse propose d’étudier les enjeux et les répercussions de l’introduction du dispositif de la réalité augmentée dans l’espace muséal assurant, de ce fait, deux fonctions principales : « médium de médiation » et « médium de création ».La première partie s’intéresse à la présentation de la réalité augmentée. Elle précise, en premier lieu, sa définition, son histoire d’invention, ses différents outils techniques, ainsi que ses multiples usages dans différents domaines d’application. Elle essaie, en deuxième lieu, de démontrer, à partir de l’analyse de quelques expériences artistiques pionnières, l’ancrage de la réalité augmentée dans l’histoire de l’art. La deuxième partie consacrée à la « mise en scène » de l’espace muséal, examine, d’abord, l’implication de la réalité augmentée dans la mise en place de deux stratégies de « médiation in situ » : « médiation documentaire » et « médiation par appropriation ». Ensuite, elle ambitionne, en se référant à quelques exemples de musées, de dégager les principaux avantages et inconvénients liés à l’adoption de la réalité augmentée comme « médium de médiation ». Axée sur la « mise en oeuvre » de l’espace muséal, la troisième partie aborde la réalité augmentée comme étant un « médium de création ». Elle présente, d’abord, l’histoire du passage de l’espace d’exposition muséal en « oeuvre-exposition ». Elle focalise, ensuite, son intérêt sur l’œuvre We AR in MoMA (2010) du collectif Manifest.AR. De l’analyse des étapes du processus de création de celle-ci, il en découle, enfin, la mise en évidence de notions corollaires telles que : hacktivisme, « musée portatif », « ville augmentée ». / This thesis proposes to study the issues and the repercussions of the introduction of the augmented reality device in the museum space, thus ensuring two main functions : "medium of mediation" and "medium of creation".The first part focuses on the presentation of augmented reality. It specifies, firstly, its definition, its history of invention, its various technical tools, and its multiple uses in different fields of application. Secondly, it try to demonstrate, from the analysis of some pioneering artistic experiences, the anchoring of augmented reality in the history of art. The second part devoted to the "staging" of the museum space, examines first, the involvement of augmented reality in the setting up of two "in situ mediation" strategies : "documentary mediation" and "mediation by appropriation". Then, it aims to identify, by referring to a few examples of museums, to the main advantages and disadvantages of adopting augmented reality as a "mediation medium". Axed on the "implementation" of the museum space, the third part studies augmented reality as a "medium of creation". First, it presents the history of the transition from the museum space of exhibition to a "work-exhibition". Then, it focus its interest on the work We AR in MoMA (2010) of the collective Manifest.AR. From the analysis of the stages of the creation process of this one, it results, finally, the highlighting of corollary notions such as : hacktivism, "handled museum", "augmented city".

This interior design practicum investigates how narratives linked to the St-Boniface Fire Hall No.1, located in Winnipeg, can inform its adaptive reuse. Its oral history gathered in part through interviewing past users is spacialized into a physical realm. Narratives are translated into design elements by utilizing the creative process and analytical framework of the concept of mise en scène. Stories are analyzed and given structure through narratology as a theoretical approach. Post-Museum theory joined the concept of mise en scène by encouraging the visitors to become part of a living museum through sharing stories, thus becoming performers themselves. By utilizing narratives as a foundation, the interior weaves the existing heritage structure with new design interventions, therefore preserving the unique character of the building and incorporating its neighboring francophone community. The resulting design solution manifests itself as a mixed typology including a brewpub, an artist in residence studio and, a living museum.

This interior design practicum investigates how narratives linked to the St-Boniface Fire Hall No.1, located in Winnipeg, can inform its adaptive reuse. Its oral history gathered in part through interviewing past users is spacialized into a physical realm. Narratives are translated into design elements by utilizing the creative process and analytical framework of the concept of mise en scène. Stories are analyzed and given structure through narratology as a theoretical approach. Post-Museum theory joined the concept of mise en scène by encouraging the visitors to become part of a living museum through sharing stories, thus becoming performers themselves. By utilizing narratives as a foundation, the interior weaves the existing heritage structure with new design interventions, therefore preserving the unique character of the building and incorporating its neighboring francophone community. The resulting design solution manifests itself as a mixed typology including a brewpub, an artist in residence studio and, a living museum.

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Ce travail a pour objet de comprendre les évolutions majeures de la pratique théâtrale au XVIIIe siècle,à travers l’analyse de sources manuscrites inédites du Comédien-Français Henri-Louis LeKain. Figureauto-constituée de « souverain des planches », LeKain n’a eut de cesse de vouloir réformer les modesde production et de fabrication théâtrales de son temps. En quoi le rapport de force qu’il instaure avectoutes les instances de décision et de pouvoir de la Comédie éclaire-t-il justement les mutations encours ? Quelles sont ses revendications ? Comment et pourquoi émergent-elles dans le champ théâtralde l’époque ? Quelles sont les stratégies mises en place par LeKain pour parvenir à ses fins ? En quoiconsiste cette tentative de prise de pouvoir sur l’ensemble du champ théâtral ? Pourquoi et commentcette va-t-elle esthétiquement et politiquement marquer les modes de gouvernance de la scène enFrance ? Le Registre et tout l’appareil écrit qui l’entoure et l’accompagne, procèdent autant, voiremoins, d’une tentative de fixer la « mise en scène » des tragédies retenues par le comédien que d’unevolonté d’arriver à la définition d’un Théâtre idéal dont LeKain se donne pour être tout à la fois leconcepteur et le dépositaire exclusif. En cherchant à se placer au centre d’un dispositif de productiondont il entend surveiller tous les aspects – artistiques, politiques, économiques, moraux – LeKaindéfinit les contours d’un système de contrôle très proche du système panoptique définit par Foucaultdans Surveiller et Punir. / The aim of this study is to understand the major changes in theatrical practice in the 18th century,through an analysis of unpublished manuscript sources, written by the French actor Henri-LouisLeKain. Self-appointed « king of the boards », LeKain never ceased in his striving to update anddevelop the practice of theatrical production and presentation. To what extent does the power-strugglehe initiated with the decision makers at the the Comédie-Française, throw light on the changes takingplace ? What were his demands ? How did they emerge in the theatrical world of the time, and why ?What strategies did LeKain pursue to achieve his goals ? What did this attempt to seize power consistof in the wider field of theatre ? And how does it affect the governance of French theatrical productionin the widest political and aesthetic sense ? The Registre and all surrounding and accompanyingwritten material arise from LeKain’s desire to arrive at a definition of a theatrical ideal, of which heconsidered himself both the originator and sole repository, and to a lesser extent, from an attempt toformalise the production of the tragedies that he had commissioned.By attempting to place himself at the heart of an apparatus of production such that he could watchover every aspect – artistic, political, economic and moral – LeKain defined the outlines of a system ofcontrol very similar to the panoptic gaze defined by Foucault in Surveiller et Punir.

La recherche d’espaces dépouillés est l’un des grands marqueurs de l’évolution de la scénographie au XXe siècle. De même que pour les arts plastiques, cette tension vers le vide est associée à la redéfinition des formes dans leur mutation moderne et postmoderne. Plateaux nus et espaces vides constituent deux modalités particulières de cette recherche de l’épure. Le plateau nu débarrasse la scène du décor et de son appareil illusionniste et resserre la représentation sur la présence d’un acteur et l’écoute du texte. D’abord solution pratique, rupture avec un théâtre commercial et bourgeois, le plateau nu est ancré dans une conception éthique du théâtre. Cette première partie de l’étude se fonde sur les espaces de Jacques Copeau, Jean Vilar, Antoine Vitez et Christian Schiaretti. L’espace vide, étudié à travers le travail de Peter Brook, Claude Régy, Joël Pommerat et Nacera Belaza cherche à construire un ailleurs. Cette étude propose d’étudier le succès contemporain des esthétiques scéniques du vide et du dépouillement. Aujourd’hui, le plateau nu est devenu un patrimoine, portant en lui les valeurs du théâtre public et s’associant implicitement à une célébration de ses pionniers, Jacques Copeau et Jean Vilar. L’espace vide, vu à travers les traditions orientales se charge d’une spiritualité, et est aussi perçu comme l’au-delà mental de la représentation. Espaces vides et plateaux nus, s’ils ont pu naître de contraintes économiques sont aujourd’hui devenus des espaces luxueux. / The research of concise spaces is one of the marks of the scenography evolution on the 20th century. As in the visual arts, this mouvement towards to the void is associated with a redefinition of the forms in their modern and postmodern mutations. Naked stages and empty spaces constitute two particular modalities of research of an uncluttered style. The naked stage removes the scenery and the scenic illusion from the stage to focus its representation on the actor and the text. Starting as a practical solution and rupture with commercial and bourgeois theater, the naked stage is anchored in an ethical conception of theater. This first part of this study is based on the spaces according to Jacques Copeau, Jean Vilar, Antoine Vitez and Christian Schiaretti. The empty space seeks to find new horizons, examined through the concepts of space by Peter Brook, Claude Régy, Joël Pommerat and Nacera Belaza. This study proposes to examine the contemporary success of aesthetic scenics based on void and bareness. The naked stage has become nowadays a heritage, carrying values of public theater, and being implicitly associated with a celebration of its pioneers Jacques Copeau and Jean Vilar. Seen throughout eastern traditions, the empty stage is filled with spirituality and thus becomes a mental hereafter of the representation. Initially consequence of an economical imposition, naked stages and empty spaces have become luxurious spaces nowadays.

A partir d’une enquête ethnographique multisituée menée dans plusieurs communautés quichua, shuar et achuar d’Amazonie équatorienne et auprès d’acteurs extérieurs (institutions gouvernementales, ONG, agences de voyage, etc.), cette thèse interroge les dynamiques culturelles et identitaires à l’œuvre dans les projets de tourisme communautaire. En prenant en compte le contexte de « glocalisation » dans lequel le tourisme opère, elle cherche à appréhender les enjeux qui s’articulent autour de cette activité, en tentant d’en saisir les contours, d’évaluer les stratégies mises en place et d’analyser le rôle des différents acteurs dans ce processus. Elle s’intéresse également à la manière dont l’identité culturelle et les performances touristiques sont mises en scène et interroge les effets du processus de touristification sur les constructions identitaires. / From a multi-sited ethnography conducted in several kichwa, shuar and achuar Amazonian Ecuadorian communities and external stakeholders (government institutions, NGOs, travel agencies, etc.), this thesis examines the cultural and identity dynamics at work in community tourism projects. Considering the context of "glocalization" in which tourism operates, it seeks to understand the issues that revolve around this activity, trying to grasp the contours, evaluate strategies in place and analyse the role of different stakeholders in this process. It also examines how cultural identity and tourist performances are staged, and questions the effects of touristification process on identity constructions.

L'étude de l'œuvre de Patrick Kermann permet de dresser les contours d'un théâtre où la parole des morts met en péril la mimésis et devient un véritable pari sur l'absence. Les différentes voix donnent une présence aux disparus, constituant la charpente du drame à travers un matériau sonore très dense, discontinu et hétérogène. La composition rythmique ouvre sur une polyphonie de voix qui génère un appel désespéré des morts n'ayant pas trouvé de place parmi les vivants. Une première partie traite de la dramaturgie de l'après où les disparus reviennent pour dire leur désastre intime et la barbarie du monde. Une deuxième partie déplace l'analyse sous l'angle de la dramaturgie sonore et examine comment la partition textuelle fait résonner la langue privilégiant une réception auditive qui n'est pas sans mettre en question la position du lecteur et, plus encore peut-être, celle du spectateur. Ainsi, ces voix abandonnées rencontrent-elles des metteurs en scène qui les accueillent en leur proposant des espaces singuliers faits pour répondre au trouble que crée l'écoute des corps absents. / The study of Patrick Kermann's work makes it possible to draw up the contours of a drama in which the words of the dead endanger the mimesis and become a real wager on absence. The different voices give presence to the departed, forming the framework of the drama through very condensed, intermittent and heterogeneous sound material. The rhythmic composition opens up on a polyphony of voices which produces a desperate appeal from the dead who have found no place among the living. A first part deals with the dramatic effects of what follows, when those who disappeared come back to relate their intimate disaster and the barbarity of the world. A second part moves the analysis to the angle of sonorous dramatic art and examines the way in which the textual score causes the language to resound, privileging auditory reception, which is not without questioning the reader's position and, perhaps, even more, that of the spectator. Thus it is that these abandoned voices meet producers who greet them with offers of unexpected areas intended to be an answer to the confusion resulting from listening to absent bodies.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-27T21:00:19Z No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-08-28T01:32:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-28T01:32:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5) / Pesquisa de caráter teórico que propõe o reconhecimento do espectador “itinerante”, tipo de público forjado a partir do ponto de vista do espectador comum e do “espectador de profissão”, o encenador. A proposição deste sujeito itinerante parte de um percurso artístico que tem base na linguagem da performance, através dos trabalhos Na Cinza das Horas, Misericórdia e corre-dorde- frida, e nas encenações Yo soy o que a água me deu Frida e Quatro Luas Pelas Pedras; experiências estéticas que tiveram como princípio o trânsito entre territórios fronteiriços (cinema, fotografia, artes plásticas, teatro, instalação, entre outros). A complexidade desta configuração de pesquisa permitiu atravessar teorias e campos de estudo diversos que englobam desde a produção à recepção. / Theoretical research that suggests the recognition of the “itinerant” viewer, kind of audience forged from the standpoint of the average viewer and the “professional spectator”, the director. The purpose of this “itinerant” public came from an artistic route that is based on performance art, through the works, Na Cinza das Horas, Misericórdia, corre-dor-de-frida and the mise en scènes Yo soy o que a água me deu Frida and Quatro Luas Pelas Pedras; aesthetic experiences that had as principles the transit between border areas (cinema, photography, visual arts, theater, installation etc). The complexity of this research configuration passes through theories and fields of study that range from the production to reception.

Submitted by Glauber de Assunção Moreira (glauber.moreira@ufba.br) on 2018-09-21T17:45:15Z No. of bitstreams: 1 CORPO DA TESE-Total.pdf: 27942627 bytes, checksum: 2d95ca7f8cd3ba25101536c866640617 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-24T19:08:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 CORPO DA TESE-Total.pdf: 27942627 bytes, checksum: 2d95ca7f8cd3ba25101536c866640617 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-24T19:08:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CORPO DA TESE-Total.pdf: 27942627 bytes, checksum: 2d95ca7f8cd3ba25101536c866640617 (MD5) / Esta pesquisa foi conduzida pelo desejo de gerar um projeto de encenação; seu objeto é um processo criativo, e situa-se no ponto de vista do artista, para o qual compreender, tornar visível e comunicável sua poética e o trajeto construtivo da mesma constitui o “método”. A partir de sessenta e três desenhos inéditos, e dezesseis poemas, também inéditos, de autoria da própria pesquisadora, estudam-se os temas e imagens mais recorrentes nesse conjunto de obras, inspirando-se no método da psichocritique de Mauron. Como desdobramento desse primeiro corpus, revelam-se constelações de poemasdesenhos e temas dominantes no conjunto, em fusões, repetições, transformações. Essas dominâncias constituem-se em Corpus Gerador, utilizado nos formatos criativos produzidos pela pesquisa: livro, vídeo, espaços, objetos, culminando na concepção de um Espetáculo-Exposição. Este trabalho está inserido numa vertente da pesquisa sobre o imaginário, tendo o jogo, a imagem e a memória como geradores da criação cênica; como pensamento das formas e formas do pensamento, nutre-se de leituras de obras já realizadas, inéditas, para gerar novas obras. O conceito de “visibilidade” em Calvino, que se traduz como “pensar por imagens”, soma-se aqui às idéias de “jogo como fundamento da cultura”, inspiradas em Huizinga e Caillois, e de “imagem como produtora de conhecimento”, na ótica de Bachelard e Durand. Partindo de um tipo de interiorização da experiência sensível, espera-se que essas idéias de observação e interpretação da experiência estética e cultural possam inspirar outros artistas e pesquisadores da arte, mais ainda, os que desejam realizar sua própria poética como objeto de estudo na academia. / Cette recherche a pour objet de créer um projét de mise en scéne à partir d’une démarche créative. Elle se situe du point de vue de l’artiste par lequel comprendre, révéler et communiquer sa poétique et sa démarche constructive constituent la “méthode”. Le travail a porté sur une oeuvre inédite du chercher lui-même, constituée de soixante trois dessins et seize poèmes, dont nous avons étudié les thèmes et les images les plus récurants en s’appuyant sur la méthode de la psychocritique de Mauron. Dans le déroulement de ce corpus initial, apparaissent des constellations de dessins-poèmes et de thèmes dominants, en mouvement de fusion, de répétition et de transformation. Ces dominantes forment le Corpus Générateur utilisé suivant les supports créatifs produits par la recherche : livre, film vidéo, espaces, objets dont le point culminant est la conception d’un Spectacle- Exposition. Ce travail s’insère dans la recherche sur l’imaginaire, utilisant le jeu, l’image et la mémoire comme simulateurs de créativité dans la mise en scène. Comme la pensée sur les formes et les formes de la pensée, il se nourrit d’oeuvres inédites et dejà existantes pour en générer de nouvelles. Le concept de «visibilité» chez Calvino, qui se traduit en «penser par images», s’ajoute ici à l’idée de «jeu comme fondement de la culture» traitée par Huizinga et Caillois et à celle d’ «image productrice de connaissance» dans l’optique de Bachelard et Durand. A partir d’un mode d’intériorisation, de reflexion sur l’expérience sensible, nous pensons que ces idées d’observation et d’interprétation de la pratique esthétique et culturelle peuvent contribuer à inspirer d’autres artistes et chercheurs en arts et plus encore, ceux qui désirent faire de leur propre poétique un objet d’étude.