Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 patricia.pdf: 10314725 bytes, checksum: 715f5c31241bfc42e4c33c08b3d4387a (MD5) Previous issue date: 2007-05-10 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Between 1976 and 1981 Bernard Faucon staged window mannequins of children for photographic mise en scènes. These mise en scènes present celluloid dummies with glass eyes arranged in scenes constructed to appear natural and familiar (such as outdoor promenades, games and picnics) and belong to the series called Les Grandes Vacances. In some images, and disturbing the fictions, a living child is seem naked among the manequins. This research focus on the relation between verisimilitude and inverisimilitude as found between the living child and the non-living ones in this series. It also deals with the relation between the experience of time and the photographic gaze. As far as methodology is concerned, our study is based in authors such as Roland Barthes, Maurice Blanchot e Sigmund Freud, who approach, each of them in his own field of reaserch, the connections of the gaze with life and death, as well as with verisimilitude and inverisimilitude. The conclusions indicate that, in these photographs, life and truth are not to be searched in reality, for they ermerge from the non-living and the inverisimilitude. It is the mannequin, rather than the living body, that concentrates the power of guiding the gaze to places where it can experience true affections and fictionalize possible lifes. The true and living body is impossible / Entre 1976 e 1981, Bernard Faucon realizou mise en scènes fotográficas com manequins de vitrine infantis. Reunidas na série que viria a se chamar Les Grandes Vacances, elas apresentam bonecos de cera e olhos de vidro em cenas construídas para parecerem naturais e familiares como passeios ao ar livre, jogos e piqueniques. Em algumas imagens, um menino vivo, de corpo descoberto, aparece em meio aos manequins, para abalar as ficções. Esta pesquisa se debruça sobre a questão da verossimilhança e da inverossimilhança, pautada na relação entre a criança viva e a não-viva nestas imagens. Também buscamos explorar como nelas se articula a experiência do tempo e o olhar fotográfico. Metodologicamente, este trabalho parte de um diálogo com um conjunto de autores, como Roland Barthes, Maurice Blanchot e Sigmund Freud, que tangenciam, cada qual em seu próprio campo de estudo, a relação do olhar com a vida e a morte, bem como com a verossimilhança e a inverossimilhança. As conclusões às quais chegamos indicam que em Les Grandes Vacances a vida e a verdade não são buscadas pelo lado da realidade, mas emergem do não-vivo e do inverossímil. Percebemos que é o manequim que concentra todas as potências de conduzir o olhar a experienciar afetos verdadeiros e a fabular vidas possíveis. O corpo vivo e verdadeiro é impossível

Cette thèse examine l’importance de la figuration dans le récit policier et ce sous le signe de l’En-Quête – figure centrale de cette étude – qui se développe en deux parties, chacune divisée en trois chapitres. La première partie se penche sur le roman policier en tant que genre et analyse la pertinence, voire la nécessité de s'en extraire afin de saisir l'importante charge des récits policiers. La deuxième partie reprend les éléments soulevés dans la première en plongeant cette fois dans les récits, dans les textes, dans le littéraire. La division en chapitres, quant à elle, permet d'identifier les engrenages de cette pensée en construction, de placer les bornes importantes au déploiement de l'argument. C'est en créant, en plaçant au centre de la pensée la figure de l'En-Quête, que j'invente petit à petit au fil de la réflexion, que j'aborde les récits policiers en tant que textes mettant en scène la quête du savoir par la mise en mots, la mise en figures de la pensée. En commençant par l’analyse des textes policiers classiques, pour ensuite me diriger vers ceux de la modernité, il s’agit de réfléchir sur la figure de l’En-Quête et la manière dont elle se place comme un potentiel de création dans ces textes – abordés d’abord et avant tout comme des récits –, opérant comme une sorte d’auteure dans le texte qui, par les figures qu'elle crée, invente ou découvre, réfléchit à l'objet même qui la fait advenir, soit le littéraire, en tant qu'accès aux savoirs. Cette réflexion permet de voir combien riches sont ces textes souvent ignorés par l'institution, combien importantes sont les réflexions présentées sous la forme de personnages, de mises en scène, puisque celles-ci donnent accès à un langage riche, une mise en mots toujours nouvelle, qui réfléchit le pouvoir du littéraire dans les figures. La figure de l'En-Quête, figure génératrice de figures, d'un savoir indissociable de la rhétorique, permet quant à elle de voir ce qui unit les textes dits policiers tout en déplaçant le focus pour insister non plus sur les thèmes, mais bien sur la construction des savoirs dans le littéraire et, par la mise en scène, la mise en figure justement. / This dissertation examines the importance of figuration in crime fiction, under the sign of the In-Quest, the central figure of this study which is developed into two parts, each one divided in three chapters. The first part looks into the notion of “detective novel” understood as a genre and analyses the relevance, and even the necessity of thinking outside of this category in order to grasp the full significance of this kind of fiction. The second part revisits these observations, this time diving into the texts and stories and into their literary components. The division in chapters enables us to get a glimpse of the key elements of this thought-in-process and to set the conceptual groundwork needed for deploying the argument. Focusing my reflection on the In-Quest figure, which I invent and create progressively through the course of the essay, I address crime fiction as texts that stage a quest for knowledge in their recourse to words and figures of thought. I begin by analysing classic detective tales and continue with more modern texts in order to observe how the In-Quest figure places itself as a potential of creation within those narratives, working through the literary device it is creating as a sort of author in the text reflecting upon the object from which it arises, namely the literary as a way of knowing. This conceptual drive allows us to see the richness of these texts frequently ignored by the institution and the importance of the reflections they embody in the form of characters and mises-en-scène; these elements give access to a diversity of language that creates renewed forms of writing showcasing the power of the literary, in and through figuration. Thus, the In-Quest as a figure of figuration, of knowledge that is inseparable from rhetoric, enables us to see what unifies the texts known as “detective novels” by changing the focus and insisting not on the themes, but on the construction of knowledge within their literary form, through figures of speech and their particular mises-en-scène.

Depuis quelques années, certains metteurs en scènes européens prennent des initiatives particulièrement audacieuses dans leurs adaptations de textes classiques, coupant le texte, modifiant l’ordre des monologues et allant jusqu’à injecter des morceaux de textes écrits par eux ou bien issus d’autres oeuvre littéraires. Ils n’hésitent plus à "se mettre en scène", c’est-à-dire à traiter avant tout leurs propres questions existentielles par l’intermédiaire des textes classiques, se libérant ainsi de toute pression exercée sur eux par les interprétations textuelles faisant autorité ou bien par les représentations de ces textes dans l’imaginaire collectif, et emmenant les textes classiques dans un "ailleurs" très personnel. Leurs mises en scène dépassent la fragmentation et le désordre propres au théâtre postmoderne et s’attachent au contraire à raconter une histoire cohérente, centrée sur les préoccupations intimes du metteur en scène. Ce nouveau type de mises en scène s’appuie sur des influences diverses, depuis André Antoine jusqu’à Heiner Müller, en passant par Stanislavski, Artaud et Brecht, et constitue une nouvelle étape dans le processus d’autonomisation de l’art de la mise en scène à l'oeuvre depuis le XIXème siècle. Le corpus de cette thèse comprend quatre récentes adaptations (réalisées entre 2008 et 2011) de textes classiques : Hamlet de Thomas Ostermeier, Hamlet de Nikolaï Kolyada, Roméo et Juliette d’Olivier Py et Un tramway de Krzysztof Warlikowski (à partir de Un tramway nommé Désir de Tennessee Williams). Il comprend également une mise en pratique sous la forme d’une adaptation, Pygmalion - J’ai créé une femme (à partir de Pygmalion de George Bernard Shaw), réalisée par l’auteur de la thèse en 2014 au sein des Théâtres Nationaux de Turquie, et ayant permis de tester les arguments et conclusions tirés des analyses précédentes. / In recent years, some European directors are taking particularly bold initiatives in their adaptations of classic texts, cutting the text, changing the order of monologues and even injecting pieces of texts written by them or from other literary works. They do not hesitate to "stage themselves", that is to say, to treat primarily their own existential questions through the classic texts, thus releasing any pressure exerted on them by the authoritative textual interpretations or by the representations of these texts in the collective imagination, and taking the classic texts in a very personal "elsewhere". Their stagings exceed the fragmentation and disorder specific to postmodern theater and focus instead on telling a coherent story, centered on the intimate concerns of the director. This new type of staging draws on diverse influences from André Antoine to Heiner Müller through Stanislavski, Brecht and Artaud, and represents a new stage in the empowerment process of the art of staging at work since the nineteenth century. The corpus of this thesis includes four recent adaptations (conducted between 2008 and 2011) of classic texts: Thomas Ostermeier’s Hamlet, Nikolai Kolyada’s Hamlet, Olivier Py’s Romeo and Juliet, and Krzysztof Warlikowski’s A Streetcar (from A Streetcar Named Desire by Tennessee Williams). It also includes a practical application in the form of an adaptation, Pygmalion - I Created A Woman (from Pygmalion by George Bernard Shaw), directed by the author of the thesis in 2014 in the Turkish State Theatres and having tested the arguments and conclusions from previous analyzes.

Au début des années 1950, le cinéma japonais achève de se remettre des restrictions d'abord imposées par le régime militariste, puis entraînées par la défaite du pays. L'industrie cinématographique prospère rapidement et puise dans la littérature des histoires pour les films qu'elle doit produire à une cadence toujours plus élevée afin de répondre à la demande des salles de cinéma. C'est dans ce contexte que Naruse Mikio (1905-1969) a réalisé six films inspirés de textes de Hayashi Fumiko (1903-1951). Ces films sont représentatifs tout à la fois des relations que les institutions littéraires et cinématographiques entretenaient à l'époque où les films ont été réalisés, du rôle joué par la littérature dans la politique de production des studios de cinéma et de la façon dont l’adaptation était perçue par la critique de cinéma.Mais outre la présentation de ces aspects contextuels et historiques, l'objectif de cette thèse est de dégager des pistes qui aideraient à appréhender l'œuvre de Naruse Mikio à travers l'examen des choix qu'il opère lors du processus d'adaptation, que ce soit au niveau du sujet, de la construction du récit, ou encore de la mise en scène. Naruse parvient à trouver un équilibre entre ses ambitions formelles et les exigences du récit en élaborant avec virtuosité un style effacé ou « invisible ». Pour tenter d'en faire ressortir les particularités, notre effort s'est concentré sur l'analyse des éléments de notre corpus (films, textes et scénarios). Dans cette entreprise, les textes de Hayashi constituent un référent précieux qui aide à déterminer les rapports que le cinéaste entretient avec son sujet, avec le scénario ou encore avec les contraintes inhérentes au cadre dans lequel il travaille. / In the early fifties, the Japanese film industry had almost recovered from the restrictions imposed first by the military regime and then from Japan’s defeat in the Pacific War. The industry then prospered rapidly and found in literature the stories needed in order to produce enough movies to comply to the always growing demand of the cinemas. It was in this context that Naruse (1905-1969) realized six movies inspired by Hayashi Fumiko's (1903-1951) works. These movies are exemplary of the relationship between literary institutions and the film industry at the time they were shot. They are also typical of the importance of literature in the production policy of the diverse film studios as well as the manner movie critics received these screen adaptations.Besides the presentation of the contextual and historical aspects, our objective is to identify ways which would help to discover Naruse Mikio's works through the filter of choices made by him at the time of the adaptation, be it when choosing the topic, the story construction or the stage direction. Naruse was able to find a balance between his formal ambitions and the requirements of the story by skillfully elaborating a subdued or “invisible” style. In order to highlight the singularities of his personal style, we have concentrated our effort on the analysis of the diverse elements of our corpus: the films, texts and scripts. In this endeavour Hayashi’s writings are a precious point of reference helping us to determine the precise nature of the relationship the film director had with his subject, with the script as well as the constraints imposed by the frame he was working in.

Une des plus importantes lacunes des outils actuels de mise en scène est que la collaboration en temps réel est très difficile à réaliser. En fait, les metteurs en scène doivent actuellement être situés au même endroit pour collaborer, ce qui n'est pas toujours possible. Les logiciels actuels de mise en scène ne permettent généralement pas la collaboration en temps réel. De plus, ces systèmes sont souvent très dispendieux et complexes d'utilisation. Une solution plus adaptée combinant des concepts de réalité virtuelle, technologie réseaux et vision numérique a ainsi été spécifiquement développée pour combler ces lacunes. Ce mémoire présente l'application de réalité virtuelle permettant la mise en scène collaborative résultant de nos travaux de recherche. Les défis les plus importants étaient d'assurer une synchronisation en temps réel entre une scène réelle et une scène virtuelle partagée et de minimiser les coûts tout en offrant un système multi-plates-formes et convivial. / One of the more important limitations of actual tools for performing arts design is that collaboration between designers is hard to achieve. In fact, designers must actually be co-located to collaborate in the design of a show, something that is not always possible. Actual software tools for performing arts design do not generally provide real-time collaboration and are not really convenient for collaborative work. In addition, these Systems are often expensive and complex to operate. A more adapted solution combining concepts from virtual reality, network technology, and computer vision has then been specifically developed to solve these issues. This master thesis presents the virtual reality application for supporting distributed collaborative production of theater shows resulting from our research. Challenges were to ensure real-time synchronization between a real and a shared virtual scene and to keep System cost as low as possible while offering platform independence and user-friendliness.

I den här undersökningen studeras hur visuella linjer används i den sydkoreanska filmen Parasite (2019) och hur dessa tillsammans med filmens mise-en-scène och bildkomposition bidrar till att förstärka de sociala teman som finns. Detta görs genom en semiotisk- och formanalys med hjälp av filmvetenskapliga begrepp. Teorier som används är främst Pierre Bourdieus kapitalteori men också filmvetenskapliga begrepp som mise-en-scène och dess underkategorier så som; setting, kostym och smink samt ljus. Dessutom ligger kameraarbetet och bildkomposition i fokus. Fyra olika scener där visuella linjer är närvarande valdes ut och analyserades, och samtliga semiotiska tecken i scenerna tolkades på en denotativ och konnotativ nivå. Genom att de kopplas till Pierre Bourdieus kapitalteorier om kulturellt, socialt och ekonomiskt kapital samt habitus och fält visar resultatet av undersökningen att de visuella linjerna, tillsammans med scenernas mise-en-scène och bildkomposition bidrar till att förstärka de sociala och ekonomiska skillnaderna. / This study examines the use of visual lines in the South Korean film Parasite (2019) and how they, together with the film’s mise-en-scène and composition, contribute to reinforce its social themes. A semiotic and form analasys is used, utilizing film theoretical concepts. The primary theory used is Pierre Bourdeu’s capital theory, as well as film studies concepts such as mise-en-scène and its subcategories, including setting, costume and makeup and lighting. Additionally, camera work and composition are emphasized. Four scenes featuring visual lines were selected and analyzed and semiotics signs in the scenes were interpreted both denotatively and connotatively. By connecting them to Pierre Bourdieu’s theories of cultural, social, and economic capital as well as habitus and fields, the results of the study demonstrate that the visual lines, along with the mise-en-scène and the visual composition of the scenes, contributes to reinforce social and economic divisions.

Malgré les efforts des différents travaux philosophiques sur la musique, il manque toujours une philosophie de l’opéra. Le travail que nous proposons tente de combler cette lacune, en concentrant ses recherches sur une période précise, le dix-neuvième siècle allemand. Ce choix se justifie par l’imprégnation philosophique des différents discours tenus sur la musique à cette époque, ainsi que par l’importance acquise par le répertoire austro-allemand dans la musique effectivement jouée aujourd’hui. Le manque de philosophie traitant de l’opéra de manière directe et sérieuse nous a conduit, dans un geste qui donne l’orientation générale de notre travail, à étudier des auteurs ne faisant pas à proprement parler partie du monde philosophique académique. Les trois guides que nous avons retenus pour ce travail sont successivement E.T.A. Hoffmann, Hanslick et Wagner. Les réflexions développées par ces auteurs permettent en effet à une pensée attentive de remédier à l’impression d’une absence de philosophie de l’opéra. Hors du monde universitaire mais non contre lui, les réflexions des trois penseurs que nous avons étudiés dessinent un cadre que nous avons choisi comme berceau de notre travail sur l’opéra. Nous mobilisons à cette fin les concepts d’impureté et de compromission, et nous nous efforçons de leur donner un sens positif et une valeur effective. La tâche d’élucider ce que fut historiquement l’opéra allemand exige l’aide de la philosophie. Mais la philosophie est également indispensable lorsqu’il s’agit de mettre au jour les forces conceptuelles qui le sous-tendent. Celles-ci permettent de construire une pensée de l’opéra en général, à travers leurs enseignements et leurs apories. C’est alors tout l’enjeu de ce moment où l’opéra est enfin compris comme « problème » qui se met au jour.Le lecteur trouvera également, en annexe de ce texte, la traduction inédite de douze articles de critique musicale d’Eduard Hanslick. / In spite of numerous philosophical works upon music, there is no philosophy of opera. My work aims to fill the gap by concentrating on one specific period, nineteenth century Germany. This was chosen because of the patently philosophical implications of several different views of music at the time, as well as the importance of the Austro-German repertoire in music played today. The lack of philosophy dealing directly and seriously with opera has led me to authors who stood apart from the strictly academic world of philosophy, and this has guided my work’s orientation. The three guides I have chosen are, successively, E.T.A. Hoffmann, Hanslick and Wagner. Carefully considered, their reflections allow us to correct the impression of a lack of philosophy of opera. Although outside the realm of academic philosophy (but not against it), their thinking provides a framework and a basis for my own work on opera. To this end, I take the concepts of impurity and compromise and try to give them a positive meaning and practical value. What German opera was historically needs philosophy to elucidate it, but philosophy also proves indispensable to revealing the conceptual forces that sustain it. The lessons and aporias of the latter allow one to construct a general philosophy of opera. The moment becomes clear when opera is finally understood to be a “problem”, with all the implications of this.The reader will also find, as appendix, the translation of twelve articles of musical criticism by Eduard Hanslick unpublished in French up to now.

Cette thèse propose une réflexion sur la relation entre scène et salle se tissant à travers l’écoute. Dépassant le modèle activité/passivité auquel pourrait être rattachée l’expérience sonore du spectateur, nous tenterons de cerner les contours de cette relation où l’un émet tandis que l’autre reçoit, mais aussi répond. Le pouvoir semble du côté de la scène, capable de forcer l’écoute du spectateur, d’écraser toute réaction, tandis que le désir serait l’enjeu même de cette relation asymétrique, et circulerait de part et d’autre. Associant la notion d’auralité, qui englobe en un seul terme l’écoute et l’audition, à celle d’oralité, acte d’émettre une parole à l’intention d’un auditeur, la notion d’inter[o]ralité, fusionne les deux pôles, émission et réception, et les deux organes, bouche et oreille. Elle cherche à cerner la dimension intersubjective de la relation d’écoute liant la scène à la salle : si celle-ci prend modèle sur la situation d’énonciation, elle ne se réduit pas à l’écoute muette d’une parole ; elle est jeu d’adresse, intention d’attention.Cette réflexion, mûrie au fil d’une expérience de spectatrice, nourrie de la mémoire, souvent fragmentaire, de spectacles, se fonde sur un corpus d’oeuvres vues et entendues entre 2004 et 2017, créées par des artistes de la scène européenne tels que Joël Pommerat, Romeo Castellucci, Maguy Marin, Vincent Macaigne, Gisèle Vienne, Rimini Protokoll, dont le rapport au sonore est remarquable ou parlant du fait de la relation qu’il engendre avec le spectateur. Aussi cette réflexion invite-t-elle à une appréhension plus large de l’écoute : non seulement comme réception du sonore et de ce qu’il y a à entendre, mais comme réponse à une proposition émise à l’attention d’un autre, attention à cette attention elle-même, à laquelle ce dernier est libre, à tout moment, de se dérober. / This thesis explores the relationship between stage and audience as it arises in listening. Going beyond the activity/passivity paradigm that could be used to describe the audience’s sonic experience, we will try to draw the contours of a relationship in which the one produces while the other not only receives, but also responds. Power seems to belong to the stage in order to enforce listening on the part of the spectator and to prevent any reaction, while desire appears to be circulating back and forth as the purpose of this asymmetrical relationship. Conflating the notion of aurality, which gathers “listening” and “hearing”, and the notion of orality, which is the act of producing speech for a listener, the notion of inter[o]rality combines the two sides, production and reception, and the two organs, mouth and ears. It aims at capturing the intersubjective dimension of the listening relationship between stage and audience : even if it is modeled on the paradigm of enunciation, it is not limited to the mute listening of what is being said ; it is a game of addressing, an intention of attentiveness. This reflection, which has matured along with my experience as a spectator and which relies on the often incomplete memory of the shows I have seen, is based on a corpus of works that I watched and heard between 2004 and 2017. They were produced by European stage directors and artists such as Joël Pommerat, Romeo Castellucci, Maguy Marin, Vincent Macaigne, Gisèle Vienne, or Rimini Protokoll, whose connection to sound is remarkable or significant because of the relationship it creates with the spectator. In this way, this reflection encourages a wider approach to listening, considered not only as the reception of sound and of what is to be heard, but also as a response to what is offered to the attention of an other, and as an attentiveness to this attention itself, which the other is free, at any moment, to relinquish.

Made available in DSpace on 2015-03-05T18:10:46Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 17 / Nenhuma / Situada no campo interdisciplinar que estuda as relações entre linguagem e trabalho, esta investigação propõe-se a analisar textos do informativo diário de comunicação interna, on line, do Banco do Brasil – Agência de Notícias Hoje no BB – com o objetivo de descrever: (1) a situação de comunicação (marco situacional) na qual se encontram os parceiros da troca linguageira participantes da relação contratual; (2) as estratégias de mise en scène, de ordem enunciativa, utilizadas pelo sujeito enunciador na modalização do discurso e na construção dos papéis enunciativos, de modo a identificar: a imagem que o locutor faz de si mesmo; a que o locutor faz do interlocutor; (3) as estratégias de mise en scène, de ordem enunciatória, utilizadas pelo sujeito enunciador para a realização da finalidade do ato de comunicação, configuradas através do modo de organização argumentativo. O quadro teórico e metodológico de análise está ancorado na perspectiva semiolingüística de Patrick Charaudeau (1983; 1992; 2001). Os

Notre thèse retrace l’évolution de l’architecture du jardin et de son décor entre le Haut-Empire et l’Antiquité tardive, dans les maisons de Gaule romaine, en particulier dans les demeures des élites. Elle permet désormais de faciliter les comparaisons entre nord et sud de la Gaule. L’élaboration d’un corpus a permis de répertorier et analyser les formes du jardin. Les plans, colorisés afin de visualiser le jardin au milieu des espaces d’apparat et de circulation et faciliter les comparaisons, permettent de constater dans un premier temps que certains éléments du jardin italique sont repris. Cependant, l’élaboration d’une typologie des formes du jardin indique que cette architecture importée est rapidement adaptée. La Gaule romaine innove par de nouvelles formes architecturales et des créations. Puis, la crise du IIIe siècle marque une importante rupture dans la diffusion de cette forme d’habitat résidentiel. Il reste difficile de dire si le jardin est un espace que l’on abandonne à cause des valeurs païennes qu’il véhicule, dans une spiritualité chrétienne nouvelle. Dans un second temps, l’analyse de l’apparition chronologique des bassins permet d’appréhender l’évolution des formes et des modes au sein d’une province, ainsi que leurs modalités de diffusion. L’élaboration d’une typo-chronologie révèle les formes les plus utilisées et la naissance de modes locales. Nous avons enfin cherché à restituer l’univers et la sensibilité du jardin dans les maisons urbaines de Gaule romaine à travers les choix iconographiques des propriétaires. Malgré une documentation parfois sporadique, des ensembles permettent désormais de reconstituer la scénographie des jardins gallo-romains. / Our thesis relates the evolution of the architecture of the garden and its decoration between Early Empire and Late Antiquity, in Roman Gaul houses, in particular, in high social class residences. It enables easier comparisons in between northern and southern Gaul. The elaboration of a corpus allowed us to list and analyze the forms of the garden. At first, the maps (colorized to visualize the garden among the pleasure and circulation spaces, and to facilitate the comparisons) enable us to notice that certain elements of the italic garden are reused. However, the elaboration of a typology indicates that this imported architecture is quickly adapted. Roman Gaul is breaking new ground with new architectural forms and creations. The 3rd century crisis shows an important break in the spreading of that form of residential habitat. It is still difficult to say if the garden is a space that is being abandoned because of its pagan values, in a new Christian spirituality. Secondly, studying the chronological apparition of basins let us understand the evolution of the forms and modes in each province and how they spread. Thanks to our typo-chronology, we noticed that some forms are more used with local modes. We tried to give a faithful idea of the world and sensibility of the garden in Gallo-Roman urban residences through the iconographical choices of its owners. Despite the sporadic documentation, remnants, while incomplete, enable us to recreate the staging of those Gallo-Roman gardens.