Ce mémoire constitue une recherche conceptuelle opérationnelle au sein du projet "Escrileituras: um modo de ler-escrever em meio à vida” (Programa do Observatório da Educação CAPES-INEP). À partir de la littérature produite durant le projet lui-même, la recherche éprouve l'idée que toute didactique pensée à travers la philosophie de la différence devient possible comme expérimentation de la pensée, de l'écriture et de la lecture (escrileitura) et fonctionne comme didactique de la traduction. La didactique traductrice est susceptible de créer, étant Didactique-Artiste. Et c'est sur ce pari d'une Didactique-Artiste de la traduction que la Didactique-Cinématique est exercée. La recherche vise la thèse corazzienne sélon laquelle l'enseignant est, par sa fonction, un traducteur, il crée et transcrée le contenu en classe. Cherchant un exercice de traduction inter-sémiotique, le travail met à l´'epreuve l'escrileitura des concepts du processus cinématographique afin de les transcréer et transmuter en concepts didactiques. Le mémoire présente Deleuze dans sa réflexion sur le cinéma qui fait de la philosophie et s'approprie des possibilités d'une pensée philosophique avec le cinéma. Ainsi, il explore la transcréation des concepts dans l'enseignement potentialisés par les forces cinématiques, par les processus qui mettent l'image en mouvement. Cette composition didactique traductrice s'inscrit dans certaines théories de la traduction littéraire et inter-sémiotique. Le fond cinématographique est composé de la pensée deleuzienne, en particulier des livres Cinéma I et Cinéma II, ainsi que des termes techniques de plateau de tournage, de la production et de la post-production de films. La Didactique Cinématique fait de la didactique dans le montage à la scène de classe. L'enseignant-réalisateur cinématise et dramatise à partir d'un programme-scénario et à travers la montage qui établi la liaison entre plans et contenu, afin de construire un tout éducative comme forme d’apprentissage par les images et en mouvement. / Esta dissertação se constitui como pesquisa conceitual operatória dentro do Projeto “Escrileituras: um modo de ler-escrever em meio à vida” (Programa do Observatório da Educação CAPES-INEP). A partir da bibliografia produzida ao longo do próprio projeto, a pesquisa experimenta a noção de que toda a didática pensada em meio à filosofia da diferença é possível como experimentação do pensamento, escritura e leitura (escrileitura), e operada enquanto didática da tradução. A didática que faz tradução é passível de criação, sendo Didática-Artista. E é nesta aposta de uma Didática-Artista da tradução que a Didática Cinemática é exercitada. A pesquisa contempla a tese corazziana de que o professor é, por sua função, um tradutor, ele cria e transcria conteúdos em aula. O trabalho experimenta a escrileitura de conceitos oriundos do processo cinematográfico para serem transcriados e transmutados em conceitos didáticos, procurando um exercício de tradução intersemiótico. A dissertação apresenta Deleuze em seu pensamento sobre cinema que faz filosofia, e se apropria das possibilidades de um pensamento filosófico com o cinema. Assim, busca a transcriação de conceitos em educação potencializados por forças cinemáticas, pelos processos que colocam a imagem em movimento. Esta composição didática tradutória é embasada em algumas teorias da tradução literária e intersemiótica. O pano de fundo cinematográfico é composto pelo pensamento deleuziano, sobretudo presente nos livros Cinema I e Cinema II, além de termos técnicos dos sets de filmagem, da produção e pós-produção de filmes. A Didática Cinemática faz didática na montagem na cena de aula. O professor-cineasta cinematiza e dramatiza, a partir de um currículo-roteiro, por via da montagem, que liga planos e conteúdos, para construir um todo educacional como forma de aprendizagem por imagens e em movimento.

Ce mémoire constitue une recherche conceptuelle opérationnelle au sein du projet "Escrileituras: um modo de ler-escrever em meio à vida” (Programa do Observatório da Educação CAPES-INEP). À partir de la littérature produite durant le projet lui-même, la recherche éprouve l'idée que toute didactique pensée à travers la philosophie de la différence devient possible comme expérimentation de la pensée, de l'écriture et de la lecture (escrileitura) et fonctionne comme didactique de la traduction. La didactique traductrice est susceptible de créer, étant Didactique-Artiste. Et c'est sur ce pari d'une Didactique-Artiste de la traduction que la Didactique-Cinématique est exercée. La recherche vise la thèse corazzienne sélon laquelle l'enseignant est, par sa fonction, un traducteur, il crée et transcrée le contenu en classe. Cherchant un exercice de traduction inter-sémiotique, le travail met à l´'epreuve l'escrileitura des concepts du processus cinématographique afin de les transcréer et transmuter en concepts didactiques. Le mémoire présente Deleuze dans sa réflexion sur le cinéma qui fait de la philosophie et s'approprie des possibilités d'une pensée philosophique avec le cinéma. Ainsi, il explore la transcréation des concepts dans l'enseignement potentialisés par les forces cinématiques, par les processus qui mettent l'image en mouvement. Cette composition didactique traductrice s'inscrit dans certaines théories de la traduction littéraire et inter-sémiotique. Le fond cinématographique est composé de la pensée deleuzienne, en particulier des livres Cinéma I et Cinéma II, ainsi que des termes techniques de plateau de tournage, de la production et de la post-production de films. La Didactique Cinématique fait de la didactique dans le montage à la scène de classe. L'enseignant-réalisateur cinématise et dramatise à partir d'un programme-scénario et à travers la montage qui établi la liaison entre plans et contenu, afin de construire un tout éducative comme forme d’apprentissage par les images et en mouvement. / Esta dissertação se constitui como pesquisa conceitual operatória dentro do Projeto “Escrileituras: um modo de ler-escrever em meio à vida” (Programa do Observatório da Educação CAPES-INEP). A partir da bibliografia produzida ao longo do próprio projeto, a pesquisa experimenta a noção de que toda a didática pensada em meio à filosofia da diferença é possível como experimentação do pensamento, escritura e leitura (escrileitura), e operada enquanto didática da tradução. A didática que faz tradução é passível de criação, sendo Didática-Artista. E é nesta aposta de uma Didática-Artista da tradução que a Didática Cinemática é exercitada. A pesquisa contempla a tese corazziana de que o professor é, por sua função, um tradutor, ele cria e transcria conteúdos em aula. O trabalho experimenta a escrileitura de conceitos oriundos do processo cinematográfico para serem transcriados e transmutados em conceitos didáticos, procurando um exercício de tradução intersemiótico. A dissertação apresenta Deleuze em seu pensamento sobre cinema que faz filosofia, e se apropria das possibilidades de um pensamento filosófico com o cinema. Assim, busca a transcriação de conceitos em educação potencializados por forças cinemáticas, pelos processos que colocam a imagem em movimento. Esta composição didática tradutória é embasada em algumas teorias da tradução literária e intersemiótica. O pano de fundo cinematográfico é composto pelo pensamento deleuziano, sobretudo presente nos livros Cinema I e Cinema II, além de termos técnicos dos sets de filmagem, da produção e pós-produção de filmes. A Didática Cinemática faz didática na montagem na cena de aula. O professor-cineasta cinematiza e dramatiza, a partir de um currículo-roteiro, por via da montagem, que liga planos e conteúdos, para construir um todo educacional como forma de aprendizagem por imagens e em movimento.

Cette thèse propose d’étudier l’oeuvre tant cinématographique que télévisuelle d’un cinéaste singulier, Jacques Rozier, au regard des différents dialogues qu’elle engage entre l’art et la vie afin de questionner ce couple conceptuel. Auteur d’une oeuvre prolifique et figure emblématique de la Nouvelle vague avec Adieu Philippine (1963), Rozier constitue un modèle de cinéaste atypique tant par ses méthodes de création par la forme que prend son parcours du milieu des années 1950 à aujourd’hui. Son rapport à l’écriture cinématographique se caractérise notamment par une conception de la création comme aventure justifiant l’invention de conditions de tournage susceptibles de faire advenir l’imprévisible. Ces méthodes engagent ainsi un type de relation au réel, à la technique, aux acteurs, au tournage, soit plus généralement à la mise en scène, qu’il s’agira de qualifier. Naviguant au gré du vent, il ne cesse d’effectuer des va-etvient entre long et court métrage, fiction et documentaire, cinéma et télévision, culture savante et culture populaire. En s’intéressant à l’ensemble de ces objets autant du point de vue de l’étude esthétique que de l’analyse génétique en passant par la compréhension des modalités de fabrication ou de réception par le spectateur, il s’agit de définir une stylistique et d’interroger le fonctionnement des différents mécanismes d’interactions, de circulations et de débordements en jeu dans ce travail. / This doctoral dissertation aims to investigate the cinematographic as well as televisual work of a singular filmmaker, Jacques Rozier, in the light of the different dialogues it engages between art and life in order to interrogate this conceptual couple. Author of a prolific work and emblematic figure of the French New wave with Adieu Philippine (1963), Rozier represents an atypical template of filmmaker, both because of the ways he used to create and of the shape taken by its career from the mid-1950s until today. His relationship with cinematographic writing is notably characterised by the conception of creation as an adventure, justifying the invention of a shooting environment allowing the unpredictable to happen. Such methods thus engage a kind of association with reality, with technique, with performers, with shooting, infact more generally with mise-en-scène, which is going to be characterised here. Sailing with the wind, he is continually going back and forth between long and short films, between fiction and documentary, between cinema and television, between intellectual and popular culture. By focusing on all these items in terms of aesthetic study as well as genetic analysis, and through an understanding of the terms of creation or reception by the viewer, it is about defining stylistics and interrogating the operations of the different mechanisms of interactions, of motions and of overflows involved in this work.

The aim of the thesis was to study the relationship between film and architecture. Qualitative research methods were employed during precedent studies. The dynamic medium of film inspired an architectural anchor, the South African film archives. The Pretoria CBD was chosen as the backdrop for the Archive Cinema Complex, surrounded by public transport, pedestrianised streets and arcades. The objective of the design was to celebrate cinema and the collective heritage embodied in film. The programme was positioned in an existing building envelope, and it was allowed to partially occupy the roofscape, becoming a display to the city. The theory informed the need to identify views early on in the design process. Movement patterns around viewpoints define the viewer’s perspective during the spatial experience. Thus allowing the spectator to become the observed. The roof provided advantageous height required for an urban visual interplay. Investigation into circulation, in and around the building, created opportunities for interaction between various role players. These include the built environment, film, user and the city of Pretoria amongst others. The programme was extrapolated along this circulation route allowing the user to navigate the building. Cinematic devices, in particular memory and mental montage, were employed to define the route. On street level various images announce the programme. The placement of the building and visual interplay of projecting screens exposes the urban dwellers to film. / Dissertation (MArch(Prof))--University of Pretoria, 2010. / Architecture / unrestricted

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Le blanc dans le cinéma de science-fiction vibre et scintille, comme une invitation à l’interpréter. À travers le blanc se tisse un lien entre des images sans rapports apparents, et ce type de connexion hétérogène sollicite notre regard d’une manière qui se rapproche d’un montage. Ce regard facilite de plus le détachement des figures blanches de leurs objets référentiels, du contexte du film, et même du contexte du cinéma. Dans cette vision en forme de constellation, révélant des forces liées à la construction, à la destruction et à l’incertitude, le blanc au sein du cinéma de science-fiction, de par sa nature hybride et changeante, transgresse fréquemment les lois établies de l’espace-temps. Véhiculant des sensations et des pensées variées, le blanc reflète d’une manière indirecte et fragmentaire son époque et révèle avec subtilité son passé virtuel, lequel se caractérise par une grande richesse. À la fois couleur du degré zéro et couleur intégrale, porteur de mémoire tout autant que de nouveauté, le blanc, en raison de son caractère minimal et illimité, démontre une capacité à se déplacer librement dans le monde de la science-fiction, voire d’errer dans l’univers des images... / The colour white in the cinema of science fiction vibrates and sparkles, inviting our interpretations. Unrelated images are linked through whiteness in a form of heterogeneous connection that solicits our gaze as a montage. This look also facilitates the detachment of white figures from their reference objects, the context of the film and even the context of cinema. In this vision of a constellation, which reveals the energies of construction, destruction and uncertainty, whiteness in the cinema of science fiction by its hybrid and changing nature easily transgresses the established laws of space-time. Carrying diverse sensations and thoughts, the colour white reflects its era in a manner at once both indirect and fragmentary, discreetly revealing its virtual but rich past. At once the colour of nothingness and integrating all other colours, saturated with memory but new like a newborn, white with its minimal and unlimited character demonstrates an ability to move freely in the world of science-fiction, and even to wander in the universe of images.

Die in der Literatur zu Gustav Mahlers Symphonik immer wieder diagnostizierten ›Formbrüche‹ lassen sich mit den herkömmlichen Kategorien der Formenlehre nicht befriedigend analysieren und erklären. Der Text schlägt deshalb als zusätzliches Untersuchungskriterium das Begriffspaar ›Kontinuum‹ und ›Diskontinuum‹ vor, das unabhängig von bekannten Kategorien der Formenlehre verwendet werden und zu einem tieferen Verständnis von Gemeinsamkeiten und Unterschieden von Kompositionsweisen verschiedener Komponisten und der Anlage verschiedener Werke beitragen kann. Die Problematik und Begrifflichkeit wird anhand von Beispielen Gustav Mahlers vorgestellt und dann auf Musik von Charles Ives und György Ligeti übertragen, wobei als zusätzliches Hilfsmittel die Theorie und Technik der Montage nach Pudovkin fungiert. / Common categories in musical theory of form fail to analyze and explain what studies on Gustav Mahler’s symphonies have described as disruptions of the (sonata) form. The text therefore suggests, as an additional set of analytical tools, the conceptual pair of “Continuity” and “Discontinuity”, to be used independently of the well-known categories of musical form, that can contribute to a deeper understanding of similarities and differences of compositional methods used by different composers. Examples from Mahler’s symphonies illustrate the problem and introduce the explanation of the concept, which later is applied on music by Charles Ives and György Ligeti, Vsevolod Pudovkin’s montage theory serving as a supplementary means of analysis.

The purpose of this paper is to track the history of interaction of two fundamental principles of creating sounding musical texts: the organic unity, on the one hand, and the editing, on the other hand, in both composers’ and performers’ artwork. It is likely that the idea of organic unity reached the highest point of its development in Mozart’s oeuvre; later, Beethoven and composers of the following generations started comprehending the idea of a process (or, in philosophical terms, “the becoming”) as something organically integral. According to an opinion of musicians with a romantic way of thinking, sound engineers’ work in general, in particular editing, tends to break an ideal view of integrity as the instantaneous and inimitable life of an artwork. At the same time, as will be presented, the principle of editing an artwork, from the motifs to the entire structure, also reached its highest, though often implicit, expression in the music of Romanticism (Schumann, Chopin). On the contrary, musicians of the post-Romantic era, such as Strawinsky or Gould, preferred the method of montage which can easily explain their general preference for the audio recording, with its almost unavoidable, merely “cinematographic,” editing for the live sound. Having disavowed an idea of the process as a kind of organic development, both composers of the avant-garde and the following trends in new music have engaged a virtuosic playing with the very principle of editing, including the editing of every separate sound, as their most important creative method. Therefore, there are various ways of comprehending an idea of integrity at different time periods of art history as well as fundamentally different methods of implementing this idea in accordance with certain artistic purposes.

Dans Les détectives sauvages, Respiration artificielle et Les Soldats de Salamine, Bolaño, Piglia et Cercas mettent en avant trois questions que nous traitons dans cette étude: 1. Le roman est un objet historique, en tant que document et en tant que dispositif du discours. 2. L’écriture de fiction, l’écriture romanesque, la fabrication des romans ne peut se faire sans recourir à la mémoire. 3. La relation conflictuelle entre réel et fiction constitue le terrain de développement du récit contemporain. Le premier chapitre part d’une réflexion sur le rapport entre littérature et Histoire en Amérique Latine et en Espagne ; suit une réflexion sur le concept d’Histoire et le rôle de l’historien dans la littérature, une étude sur les rapports entre le narrateur et l’objet de sa narration, et finalement une analyse sur la littérature en tant que transgression. Dans le deuxième chapitre nous traitons la notion de mémoire en relation avec l’imaginaire ; les notions de durée et d’image chez Platon, Aristote, Freud, Bergson et Ricœur sont à la base de cette analyse. Suit une analyse sur les tensions entre écriture, souvenir et imagination. Nous nous occupons du document et de la fiction en étudiant le rôle des personnages écrivains, de la mémoire en tant qu’imagination, et sur le rapport entre le corps et la mémoire dans l’écriture chez les trois auteurs. Le troisième chapitre pose la question d’une nouvelle poétique de la fiction par une étude sur la notion d’ostranenie de Brecht, ainsi que sur les limites de l’écriture de fiction à travers les notions d’origine, de l’infini, de l’insuffisant, et du dissemblable — celle-ci par une lecture comparée avec les travaux de Didi-Huberman. Pour finir, une réflexion sur les notions de local, d’universel, du récit manqué, et de l’inutilité de la littérature. Toutes ces notions sont traitées par des analyses ponctuelles des trois romans étudiés. / In The Savage Detectives, Artificial Respiration, and Soldiers of Salamis, Bolaño, Piglia et Cercas highlight three questions that we discuss in this study: 1. The novel is a historical object, both as a document and as a mechanism of discourse. 2 Fiction, novel writing, the construction of novels, cannot take place without recourse to memory. 3. Conflict between reality and fiction is the area where contemporary narrative is developing. The starting point of the first chapter is a reflection about the relationship between literature and history in Latin America and Spain; followed by a reflection on the concept of history and the role of the historian in literature, a study on the relationships between the narrator and the object of his or her narration and finally an analysis of literature as transgression. In the second chapter we deal with the notion of memory and its relationship with the the imaginary; the concepts of the duration and image from Plato, Aristotle, Freud, Bergson et Ricœur underpin this analysis. This is followed by an analysis of the tensions between writing, memory and imagination. We examine archives and fictional works to assess the role of writers as fictional characters, memory as imagination, the relationship between the body and memory in the work of these three writers. The third chapter poses the question of whether there exists a new poetics of fiction by studying Brecht's concept of ostranenie as well a the limits inherent in fiction because of the concept of origin, the infinite, the insufficient and the different - the latter through a comparative reading of the work of Didi-Huberman. To conclude, there is a reflection on notions of local, universal, the failed novel and the uselessness of literature. All these notions are considered through specific references to the three novels under study.

En art numérique, une pratique tend à se développer chez un nombre croissant de créateurs. Cette pratique correspond à la mise en relation d’une image numérique projetée, immatérielle, avec un support, matériel, généralement non standardisé, qui conserve par rapport à celle-ci une certaine indépendance ou autonomie. Il s’agit dans ces créations de partir d’une distinction, d’une opposition ou d’une distance entre un élément virtuel et un élément physique, qui, à partir de leur rapprochement, permet de faire émerger un sens que ce type de création devient prédisposé à porter. Devenant ainsi une façon particulière de traduire une relation au monde, cette articulation est un mode d’expression du sensible qui a sa singularité et qui dispose de spécificités.L’objectif de ce mémoire est de mettre en avant certaines pistes de réflexion pour la création, des méthodes de mise en œuvre, ainsi que des mécanismes de perception éventuels quand se joue cette rencontre de l’image, de l’objet, de la scène. Non seulement afin de comprendre la raison de l’expansion de cette pratique grandissante en ce début de 21e siècle, mais aussi d’orienter certains axes de travail envisageables pour des réalisations ou des analyses d’œuvres. / In digital arts, a practice is being developed by an increasing number of creators. This practice puts in relation an immaterial projected digital image, with a material medium, generally non standardized, that ensures a certain kind of independence or autonomy towards the image. In these creations, it’s about starting from a distinction, an opposition or a distance between a virtual element and a physical element, and by moving it closer, make emerging a sense that this type of creation is becoming susceptible to carry. Becoming a specific way to express a relationship to the word, this articulation is a way to express sensible world with its own singularity and specificities. The purpose of this thesis is to outline various approaches for creation, methods of implementation, and potential mechanisms of perception when this meeting between image, object and scene is on. Not only to understand the reason of the expansion of this growing practice in the early 21st century, but also to guide some possible working areas for productions or analysis of art works.