Iracema no cinema: nação e identidade na passagem do literário para o fílmico busca responder a uma interrogação principal bastante simples: como o cinema brasileiro se apropriou de uma das personagens mais importantes da literatura brasileira: a Iracema de José de Alencar? A pesquisa busca entender como tal personagem, chave na construção da ideia de nação no século XIX, foi ressignificada por outra forma artística, o cinema, em outro tempo e em outro contexto histórico e social. Trata-se, portanto, de um estudo comparado de textos da língua portuguesa: texto literário, Iracema (José de Alencar, 1865), e textos fílmicos, Iracema (Carlos Coimbra, 1974), Iracema (Jorge Bodanzky e Orlando Senna, 1974) e Cine Tapuia (Rosemberg Cariry, 2002), que, além de propor um modelo para análise da adaptação de obras literárias para o cinema, visa entender como se deu a projeção de temas e personagens do romance fundador para além do seu tempo histórico. / Iracema on film: nation and identity from literary to the filmic seeks to answer a major question quite simple: how Brazilian cinema has appropriate of the most important characters of Brazilian literature, Iracema by José de Alencar? The present study investigates how this character, Iracema, central in the conception of the nation idea in the XIX century, was resignified by another artistc form, the cinema, in another time and in another historical and social context. This study, therefore, compares Portuguese language texts: literary text, Iracema (José de Alencar, 1865), and filmic texts, Iracema (Carlos Coimbra, 1974), Iracema (Jorge Bodanzky e Orlando Senna, 1974) and Cine Tapuia (Rosemberg Cariry, 2002).In addition to proposing a model for analyzing the adaptation of literary works for cinema, this study aims to understand how occurred the projection of themes and characters of the romance beyond its historical time.

Bilhões de dólares movimentam a indústria cinematográfica mundial anualmente. Por esse motivo, diversos estudos científicos têm intrigado pesquisadores e investidores que buscam prever a bilheteria de um filme. Ainda assim, os estudos preditivos pré-produção são escassos, e não existem propostas de pesquisa que utilizem atores e diretores como vínculo entre filmes. Essa é uma ideia sensata, pois, por diversas vezes, as altas bilheterias acompanham contratações de atores e diretores aclamados no universo cinematográfico. Posto isso, neste trabalho, buscou-se responder à pergunta de pesquisa: É possível prever receitas de bilheteria de cinema utilizando o relacionamento entre atores e diretores como indicador social? Através de técnicas de Social Network Analysis, que tratam da descrição de padrões de relacionamento entre membros de uma rede, e examinam como o envolvimento nessa rede ajuda a explicar comportamento e atitudes desses membros, descreveu-se uma forma inédita de utilização das métricas de SNA em um modelo de regressão linear múltipla, para estimar a bilheteria de um filme, dada a contratação de determinado diretor. A rede foi construída com informações dos atores principais e diretores de 1,144 filmes, de 2000 a 2013, e o modelo proposto validado com informações de filmes de 2014 a 2016. Apresenta-se ainda uma descrição exploratória detalhada da rede cinema, comparando atores e diretores e explorando seus relacionamentos pela análise de rede social. Como resultado, identificou-se atores e diretores líderes da rede cinema, e comunidades de atores e diretores influentes, que podem ser utilizadas para ações de marketing mais efetivas, maior notoriedade de eventos na mídia e contratações de elenco e direção. Isso para aumentar a disseminação do filme e, assim, maximizar a bilheteria para novas produções. Além disso, com um coeficiente de determinação adequado, o modelo proposto explica 67.66% da variabilidade da raiz quadrada da bilheteria, dada a contratação de determinado diretor. Dessa forma, concluiu-se que os conceitos e métricas de SNA, associados à inferência estatística, podem ser utilizados como estratégia de negócio na escolha do diretor de uma nova produção cinematográfica, visando ao sucesso pela maximização da bilheteria mundial. / Billions of dollars mobilize the movie industry annually. Because of that, many scientific studies are bothering researchers and investigators that seek to estimate a blockbuster. Nonetheless, pre-production predictive studies are rare, and there are no research proposals that use actors and directors as links between movies. This idea is reasonable, as the hiring of celebrated actors and directories from the movie universe usually follows blockbusters. In this context, the aim if this research was to answer the following question: Is it possible to estimate blockbusters through the relationship between actors and directors and a social indicator? By means of Social Network Analysis, that deals with the description of relationship patterns between members of a network - and investigates how the engagement in this network helps to explain these members´ behaviors and attitudes - we described a new way of using the SNA metrics in a multiple linear regression model to estimate a blockbuster, based on the hiring of a specific director. The network was built with information from the main actors and directors of 1.144 movies, from 2000 to 2013, and the proposed model was validated with other movies information, from 2014 to 2016. We also present a detailed exploratory description of the movie network, comparing actors and directors, and exploring their relationships through the social network analysis. As a result, we identified actors and directors considered leaders of the movie network, as well as communities of influent actors and directors that could be used for more effective marketing actions, more visibility of media events, and hiring of cast and direction. Furthermore, with anappropriatedetermination coefficient, the proposed model explain 67.66% of the blockbuster\'s square root variability based on the hiring of a specific director. In this way, we concluded that the SNA concepts and metrics can be used as a business strategy in choosing the director of a new movie production, together with the statistic inference, so as to maximize the global box office success.

Esta dissertação tem como tema quatro filmes do gênero ficção científica, produzidos nos Estados Unidos da América no período do segundo pós-guerra, O Dia em que a Terra Parou (1951), Vampiros de Almas (1956), A Bolha (1958) e Limite de Segurança (1964). Nas sociedades contemporâneas, este gênero se torna relevante como objeto de interpretação do real, representando, interpretando e discutindo o seu contexto histórico e as relações humanas com o desconhecido, propondo formas de organização social e reflexões sobre a natureza da Ciência e Tecnologia. Por meio da leitura crítica dos filmes pode-se compreender o imaginário americano sobre questões referentes às relações internacionais da Guerra Fria e às ameaças internas à sociedade, sem deixar para trás a visão de que estes filmes atingiram diversas sociedades em diversas regiões do mundo e também tratam de questões universais. / This dissertation presents four science fiction movies, produced in the United States of America in the second post war period, The Day the Earth Stood Still (1951), Invasion of the Body Snatchers (1956), The Blob (1958), Fail-Safe (1964). In contemporary societies, this genre becomes relevant as an interpretation of the real, representing, interpreting, and discussing its historical context and the human relationships with the unknown, proposing ways of social organization and reflections about the nature of Science and Technology. By means of critical reading of the movies, the American imaginary regarding the international relations of the Cold War and the internal threats to society can be comprehended, without leaving behind the notion that these movies reach societies in different regions of the world and deal with universal questions.

Os críticos de cinema são vistos como figuras próximas da elite cultural, gostando de filmes que a maior parte das pessoas não gosta e tendo um gosto que por vezes não se assemelha aos de seus consumidores. Os cinéfilos ou apaixonados por cinema são consumidores vorazes de filmes que buscam estar sempre assistindo uma produção, conversando sobre filmes, buscando informações. Nesse caso discute-se a possibilidade que esses mediadores entre produção e consumo e esses consumidores mais entusiasmados pelo cinema tenham práticas de consumo semelhantes e tenham visão semelhante sobre como apreciar esse produto. Com base em estudos de hierarquização cultural, consumo de cultura popular e de massa, crítica e cinefilia esse estudo busca compreender se os hábitos de consumo de críticos de cinema – considerados pelo Marketing como auxiliares na hora de um consumidor escolher um produto – e dos cinéfilos – consumidores em quantidade e variedade de filmes – compartilham das mesmas visões e se o que caracteriza um grupo caracteriza o outro ou não. Para responder isso fizemos 19 entrevistas em profundidade com críticos e 16 com cinéfilos na região de Porto Alegre. Há bastantes semelhanças na forma como tratam o cinema, em especial com relação à maneira como assistem ao filme e o quanto buscam de informações antes de ver um filme. Os críticos acreditam no seu papel como aumentando a conversa e reflexão sobre um filme, mas entendem que muitas vezes são utilizados como uma fonte de informação sobre o filme. Cinéfilos buscam menos entender de detalhes técnicos e possuem uma visão mais negativa com relação aos grandes lançamentos. Ambos os críticos de cinema e cinéfilos consomem de todos os tipos de filmes, reforçando o consumo onívoro por parte dos mesmos, mas os críticos sabem explicar mais porque veem todos os tipos de filmes. Em linhas gerais, os críticos de cinema precisam saber mais de filmes diversos porque precisam expor esse conhecimento ao passo que cinéfilos podem se aprofundar em um tipo de filme. Ambos os grupos acreditam que possuem uma experiência mais completa e que assistem filmes mais desafiadores do que a maioria das pessoas. Os cinéfilos são mais negativos em falar do tipo de filme que tem grande bilheteria e é apreciado por uma grande parte de espectadores. Por vezes esses cinéfilos consumiam os tipos de filmes mais autorais como forma de mostrar maior capital cultural frente a outras pessoas, mas por muitas vezes não eram capazes de usar esses conhecimentos em suas redes de relacionamentos. / Film critics are many times seen as people close to cultural elite, enjoying movies that most people do not like and cultivating a taste that sometimes does not resemble those of their readers. Film buffs or passionate about film are voracious consumers of films always seeking to watch a motion picture, talking about movies, searching for information. In this paper we discuss the possibility that these mediators between production and consumption and those most enthusiastic consumers have similar cinema consumption practices and have similar views on how to enjoy this product. Drawing upon studies of cultural hierarchy, popular culture, criticism and cinephilia this study has the aim of understanding whether the habits of film critics - considered by Marketing as assistants for a consumer to choose a product - and film buffs or cinephiles - consumers in number and variety of films - share the same visions. To answer these questions we made 20 long interviews with critics and 16 long interviews with inhabitants of Porto Alegre area. There are many similarities in the way they treat the cinema, especially with respect to the way they watch the film and how much information they search before seeing a movie. Critics believe in its role as increasing the conversation and reflection on a movie, but they understand they are often used as an information source about the movie. Cinephiles search less understand technical details and have a more negative view in relation to major releases. Both film critics and cinephiles consume all kinds of movies, reinforcing the omnivorous consumption, but critics can explain more because they see all kinds of movies. In general, film critics need to know more about many films because they need to expose this knowledge while movie buffs can delve into a type of film. Both groups believe they have a richer experience and they watch most challenging films than others moviegoers. Film buffs are more negative in talking about the kind of movie that has big box office and is appreciated by a large number of spectators. Sometimes these cinephiles consumed these auteur movies as a way to show more cultural capital, but often they were not able to use this knowledge in their social networks.

Atualmente as animações, antes destinadas somente ao público infantil, são sucesso de público inclusive entre adultos. Esses desenhos modernos têm atraído pela tecnologia, pela criatividade e pela mensagem que desejam passar. Crianças e até mesmo adultos são influenciados no imaginário por essas tramas. Raras são as animações que não utilizam animais como personagens principais que interagem com humanos ou que substituem completamente os próprios humanos. Nelas os animais são aproximados dos humanos tanto que até ganham voz e podem ser compreendidos por todos quanto aos seus interesses que, em algumas vezes, são mostrados de forma semelhante ao dos humanos. Adultos costumam compreender essas representações de animais como metáforas de nossas sociedades humanas. Então, nós podemos nos perguntar: antropomorfizar é eticamente correto? O que isso diz sobre nossa cultura? E sobre nossa relação com os animais? Tal dissertação objetiva investigar o que a representação desses animais antropomorfizados diz a respeito de nossa cultura, especialmente sobre o modo como vemos e lidamos com os animais. / Nowadays both, children and adults appreciate animated movies. Families do not need to have children to go to the movies to watch cartoons. These cartoons keep a high appeal due to their technology, creativity and their moral message. People are influenced by these movies in their imagination. It is interesting to note that the main characters of these movies are, usually, anthropomorphized animals. In these animations, the animals are approximated to humans and the animals can be understood by everyone according to their interests. These interests are showed very similar to the humans interests. Adults usually understand these animal representations as metaphors of our society or humanity. So, we can question ourselves: Is anthropomorphizing ethically correct? What does it show about our culture? What about our relationship with other animals? This dissertation aim is to investigate what the animal animated representation tells us about our culture, mainly, about the way that we see and deal with animals.

A dissertação objetiva aprofundar os estudos sobre o filme Sagarana, o Duelo, do cineasta mineiro Paulo Thiago, por meio de aproximações e rupturas com a matriz literária, o conto Duelo, do livro Sagarana, contribuindo para a reflexão da obra de Guimarães Rosa em outras linguagens. Preterindo a concepção de fidelidade da adaptação, a pesquisa mostra que o filme é obra autônoma, constituído com liberdade narrativa, ao incorporar personagens e ações dramáticas de outras obras de Guimarães, na tentativa de abarcar temáticas recorrentes do escritor mineiro, tais como a jagunçagem, a violência, a força do acaso, as questões metafísicas, o arcaico e o moderno, etc. As análises e interpretações da dissertação apontam que as propostas estéticas, temáticas e formais de Sagarana, o Duelo são resultados do diálogo do jogo de intenções pessoais do diretor e do contexto histórico, cultural e social da época de sua realização, o começo da década de 1970. A pesquisa se fundamenta na ideia de que o filme é constituído de misturas, em que o cômico e o trágico, o místico e o mundo terreno e o imbricamento de gêneros se fundem na narrativa. Pretende-se mostrar como Sagarana, o Duelo incorpora aspectos do faroeste, do gesto cômico e da temática regionalista, por meio de configurações estruturais da narrativa, tais como a tessitura dramática, a dimensão espacial, a caracterização e interpretação de personagens, aspectos da fotografia e a trilha sonora. / The dissertation aims to deepen the studies of the movie Sagarana, the Duel, by the filmmaker Paulo Thiago, through approaches and ruptures with the literary reference of the tale Duel, from the book Sagarana, contributing to the reflection Guimarães Rosas work in other forms of expression. Passing over the conception of fidelity of the adaptation, research shows that the film work is autonomous, constituted with a freedom of narrative, incorporating the characters and dramatic actions of other works by Guimarães, in an attempt to cover recurring themes of the writer, such as jagunçagem, violence, the force of chance, metaphysical questions, the archaic and modern, etc. The analyzes and interpretations of the thesis show that the aesthetic proposals, thematic and formal of Sagarana, the Duel are the result of the directors dialogue in the game of personal intentions and the historical, cultural and social context of the period of its completion, the beginning of the 1970s. The research is based on the idea that the film consists of mixtures, in which the comic and tragic, the mystical and the earthly world and the interweaving of the genres merge in the narrative. It is intended to show how Sagarana, the Duel incorporates aspects of the western, the comic gesture and regionalist themes through the narratives structural configurations, such as the dramatic texture, the spatial dimension, the characterization and interpretation of characters, aspects of photography and the soundtrack.

Made available in DSpace on 2017-07-10T17:56:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Daniel_Ivori_de_Matos.pdf: 962028 bytes, checksum: 5ec80654284dfad44b9059a0ba85f72f (MD5) Previous issue date: 2012-02-27 / In this study we intend, through film analysis, to understand how the movie industry has represented the Serial Killers, discussing the aspects that compose it and that constituted diverse views on the subject. Immediately film analysis led us to reflect on representations spread over the years about the Serial Killers, for better understanding of what aspects are present in these productions and appearing in the social imaginary. To this problematization noting as cinema dialogue with the cinema itself, in addition to treating social characteristics that are actually identified as belonging to these individuals, that is, showing how the film itself through the decades approached this subject. Therefore, we propose a study of image analysis that seeks to understand how the movie industry represents some questions, thus revealing aspects that make up an imaginary cast often by violent scenes of murders that boost the attendance of crowds to theaters. In this study will seek an analysis of how serial killers are represented in film, or are prepared to note how the representations of these individuals in the social imaginary and that impacts and changes caused by the strategies of language/esthetics of narrative film, so that the film turned out to be the main reference on the subject. / Visamos nesta pesquisa, através da análise fílmica, perceber como a indústria cinematográfica representou os Serial Killers, discutindo os aspectos que o compõem e que constituíram visões diversas sobre o tema. Logo a análise fílmica nos levou a refletir a respeito das representações disseminadas ao longo dos anos frente aos Serial Killers, para melhor compreensão sobre quais aspectos estão presentes nessas produções, e que figuram no imaginário social. Para tal problematização percebendo como o cinema dialoga com o próprio cinema, para além do tratamento social das características que são apontadas como de fato pertencentes a estes indivíduos, ou seja, mostrando como o cinema por si só através das décadas abordou este assunto. Deste modo, propusemos uma pesquisa de análise de imagens que busca compreender como a indústria do cinema representa certas questões, assim revelando os aspectos que compõem um imaginário moldado muitas vezes por cenas violentas de assassinatos que impulsionam a ida de multidões aos cinemas. Busca-se nesta pesquisa uma análise de como os Serial Killers são representados no cinema, ou seja, como são elaboradas as representações destes indivíduos no imaginário social e que impactos e transformações causaram através das estratégias da linguagem/estética da narrativa cinematográfica, de modo que o cinema acabou se tornando o principal referencial sobre o assunto.

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:39Z (GMT). No. of bitstreams: 6 Kleber Eliandro da Silva1.pdf: 2461281 bytes, checksum: 35256e915d4328339c1da3fd59fc05db (MD5) Kleber Eliandro da Silva2.pdf: 2563461 bytes, checksum: ac9b41b1df25ca8c6c3066d8fb8d0e97 (MD5) Kleber Eliandro da Silva3.pdf: 2071940 bytes, checksum: 3b1b1947ce2d4551655916e4de4de716 (MD5) Kleber Eliandro da Silva4.pdf: 2280241 bytes, checksum: e430acc3217648b05408d99fccdacd34 (MD5) Kleber Eliandro da Silva5.pdf: 2501689 bytes, checksum: dbde07545013d5b1c68222fec13112ce (MD5) Kleber Eliandro da Silva6.pdf: 3327566 bytes, checksum: 22211132f5ac4ee5c5807efdb1ece96e (MD5) Previous issue date: 2008-02-11 / Hoping to contribute to enlarge the discussions about the subject of the cultural intertextualidade, the objective of the present dissertation is to contemplate on the parody concept in the film O Lamparina (1964) of Amácio Mazzaropi dedicated to the representation in the social and cultural universe of the caipira with the satire of the cangaço films and about the historical illustration of the most famous cangaceiro Lampião. We will present the influences that passed over comedian Mazzaropi s road, searching to identify to personage caipira in its history lived from the circus-theater to the dimension as director, actor, producer and writer of their own films. We will discuss also some reasons of the critics' indifference, that they joined in the movement called New Movies. Basing on those studies this research moves in an interdisciplinary way through the languages History of the Culture and Cinematographic, presenting the encounter among culture; caipira and cangaceiro , in the way that they are expressed in the fiction condition in the film O Lamparina and in the historical references. / Esperando contribuir para ampliar as discussões sobre a questão da intertextualidade cultural, o objetivo da presente dissertação é refletir sobre o conceito de paródia no filme O Lamparina (1964), de Amácio Mazzaropi dedicado à representação no universo social e cultural do caipira com a satirização dos filmes de cangaço e sobre a figura histórica do mais famoso cangaceiro Lampião. Apresentaremos as influências que transpassaram o caminho do comediante Mazzaropi, buscando formadores da personagem caipira em sua história vivida desde o circo-teatro até a dimensão como diretor, ator, produtor e escritor de seus próprios filmes. Discutiremos também algumas razões da indiferença de críticos, que se uniram no movimento chamado Cinema Novo. Baseando-se nesses estudos, esta pesquisa transita de forma interdisciplinar pelas linguagens História da Cultura e Cinematográfica, apresentando o encontro entre cultura; caipira e cangaceiro, do modo que são expressas na condição de ficção no filme O Lamparina e nas referências históricas.

Este trabalho aborda a relação da mulher com a sensualidade tal como retratada em quatro filmes dos anos sessenta, oriundos de diferentes países. São eles: Nunca aos Domingos (Pote tin Kiriaki, 1960), de Jules Dassin; Repulsa ao Sexo (Repulsion, 1965), de Roman Polanski; A Bela da Tarde (Belle de Jour, 1967), de Luis Buñuel e A Primeira Noite de um Homem (The Graduate, 1967), de Mike Nichols. Para tanto, utilizamos como referencial teórico a Análise do Discurso de matriz francesa. Interessa-nos buscar os efeitos de sentido presentes nestes filmes sobre a representação da mulher e seu diálogo conflituoso com a instituição familiar, com o matrimônio e com a sensualidade, sempre atentando para os movimentos do sujeito que fazem falar, de modo heterogêneo, uma memória discursiva sobre o que é ser mulher, levando à tona regiões de sentido antes vetadas que envolvam prostituição, casamento, família e sexo. O objetivo geral da pesquisa é compreender os efeitos de sentido no discurso sobre a sensualidade feminina inscritos nos processos verbal e não-verbal em filmes dos anos sessenta, marcando especialmente o modo de o sujeito produzir sentidos e se constituir em sujeito discursivo. Como é nosso escopo apontar as (muitas) interpretações possíveis numa década de transição (dentro e fora das telas) sobre a emancipação da mulher, encontramos na Análise do Discurso (AD) de matriz francesa o referencial pertinente para rastrear os múltiplos sentidos sobre o feminino que se inscrevem nesses filmes. Por meio deste referencial teórico, visamos o estudo da linguagem em suas práticas sociais, pois a compreensão do discurso passa necessariamente pela sociedade, visto que história e linguagem se afetam e alimentam mutuamente. Definindo a linguagem como trabalho, a disciplina desloca a importância dada à função referencial da linguagem, a qual ocupa posição nuclear na Lingüística clássica, que defende esse enfoque ma comunicação, ou na informação; assim, o viés da AD entende a linguagem como ato sócio-histórico-ideológico, sem negar o conflito, a contradição, as relações de poder que ela traz em seu bojo. O sentido, na perspectiva discursiva, não tem origem nem no sujeito, nem na história. Sujeito e sentido se constituem simultaneamente. Não há um sentido adâmico, legítimo, para um significante qualquer. Só existem efeitos de sentido. Em vista disso, os sentidos não existem por si, mas são determinados pelas posições ideológicas do sujeito, o que faz com que a interpretação das palavras mudem de acordo com essas posições. Isso acontece porque a apropriação da linguagem pelo sujeito não se dá num movimento individual, mas social. Buscamos também bases metodológicas na própria AD para rastrear o discurso inscrito em obras cinematográficas, buscamos trabalhar o não-verbal em seu sentido amplo, indo além do conceito de narrativa. As imagens não falam, mas significam por sua materialidade visual, portanto será analisada aqui a partir dessa perspectiva. Como resultado de nosso trabalho, obtemos as regularidades discursivas dos recortes e/ou segmentos analisados, suas relações com o interdiscurso e as Formações Discursivas (FDs) em jogo, os modos de inscrever a resistência e a ruptura com o já-lá sobre a sensualidade feminina. Feito isso, nos foi possível traçar um panorama com o arquivo sobre o feminino e sua sensualidade no cinema dos anos sessenta, compreendendo como o sujeito recortou a memória para fazer circular dizeres até então silenciados. / This work addresses the relationship of the woman and her sensuality as portrayed in four films from the sixties, from different countries. They are: Never on Sunday (Pote tin Kiriaki, 1960), by Jules Dassin, Repulsion (1965), by Roman Polanski, Belle de Jour (1967), by Luis Bunuel, and The Graduate (1967), by Mike Nichols. For this purpose, we used the teory of the Franch Discourse Analysis. We are interested in seeking the meaning effects present in these films on the representation of women and their confrontational dialogue with the institution of the family, marriage and sensuality, always paying attention to the movements of the subject that they talk about, in a heterogeneous way, the discoursive memory about being a woman, leading to the surface regions of meaning before vetoed involving prostitution, marriage, family and sex. The aim of the research is to understand the effects of meaning in the discourse on female sensuality enrolled in both verbal and nonverbal processes in films of the sixties, especially the way of marking the subject produce senses and thus be a subject of discourse. As our scope is pointing out the many possible interpretations in a decade of transition (in and out of screens) on the emancipation of women, we find in Discourse Analysis (DA) an adequate reference to track multiple meanings about women who enroll in these films. Through this theoretical framework, the aim is the study of language in its social practices, for the understanding of speech necessarily entails the society, since history and language affect each other and feed each other. Setting the language to work, the discipline displaces the emphasis on the referential function of language, which occupies a position in nuclear Linguistics classic, this approach argues that poor communication or the information, so the bias of the DA understands the language as a social act -historical-ideological, without denying the conflict, contradiction, relations of power that it brings in its wake. The meaning, in the discursive perspective, does originate neither in the subject, nor in history. Subject and sense are constituted simultaneously. There\'s not an Adamic meaning, legitimate, for a significant. There are only meaning effects. As a result, the meaning do not exist by itself but are determined by the ideological positions of the subject, which makes the interpretation of the words change according to these positions. This is because the assimilation of the subject does not give an individual movement, but social. We also looked at the very foundations AD methodology to track the discourse inscribed in films, we seek to work non-verbally in a broader sense, going beyond the concept of narrative. The images do not \"speak\", but by their mean visual material, so it will be analyzed here from this perspective. As a result of our work, we obtain the discursive regularities of clippings and/or segments analyzed, their relations to interdiscourse and Discursive Formations (FDs) in the game, modes of resistance and enter the break with the already-there about female sensuality. That done, we can draw a picture with the file on the female and her sensuality in cinema of the sixties, untersdanting how the subject cut the memory to circulate senses silenced so far.

Essa pesquisa, a partir de construtos da Psicologia Analítica e Psicologia Arquetípica, apresenta uma reflexão teórica sobre vivências de perdas, concretas ou metafóricas, que ocorrem no cotidiano, as mortes simbólicas, seguidas de luto, um trabalho psíquico de desconstrução da presença e da reconstrução da ausência, um processo de transformação, experiências denominadas no senso comum como depressões. Tal termo é empregado, referindo-se aos afetos relativos a essas perdas, seguidas de suas elaborações, e não aos transtornos mentais classificados no Manual Diagnóstico e Estatístico (DSM) utilizado pela Psiquiatria. A observação dos assim chamados fenômenos da depressão e a reflexão sobre este tema na clínica particular da autora, motivaram a leitura sobre morte e luto na academia e na literatura, além da execução de uma amplificação mítico-simbólica dos conteúdos em filmes contemporâneos (Um Conto Chinês, Cisne Negro, Enrolados, O Show deve continuar e A partida). Compreender a depressão, para além da patologia psiquiátrica, como a noite escura da alma, uma descida ao mundo dos Ínferos, uma possibilidade de introspecção e um acesso ao mundo interno, uma oportunidade de autoconhecimento e uma vivência necessária às transformações de si mesmo nas diferentes etapas da vida, torna indispensável a ancoragem dessas experiências nos processos inconscientes arquetípicos constituintes de nossas psiques. Em cada filme, foi escolhido um personagem, que foi pareado com temas dos divinos gregos respectivamente, Crono, Deméter, Perséfone, Dioniso e Hades. O personagem do filme analisado ilustra um padrão dominante de comportamento referente à vivência de perda, diferenciando essas experiências vitais de transformação como expressões arquetípicas de diversos modelos de morte e luto simbólicos / This research, from Analytical Psychology and Archetypal Psychology constructs, presents a theoretical analysis about loss experiences, concrete or metaphorical, that occurs daily, the symbolical deaths, followed by mourning, a psychic work of presence deconstruction and absence reconstruction, a process of transformation; experiences known as depressions in the common sense. The term depression here refers to the affects related to those losses, followed by its elaborations, rather than to the disorders classified on the Diagnostic and Statistical Manual of Mental Disorders (DSM) used by Psychiatry. The observation of the so called phenomena of depression and this theme analysis on authors private clinic have motivated the reading of the themes death and mourning in the academy and in literature, and the execution of a mythic-symbolical amplification of the contents in contemporary movies (Chinese Take-Out, Black Swan, Tangled, All That Jazz and Departures). To understand the depression, beyond psychiatric pathology, as a souls dark night, a journey into the Underworld, an introspection and internal world access possibility, a self-knowledge opportunity and a necessary experience for self-transformation over lifes different times, it is necessary to link these experiences to the archetypal unconscious processes constituents of our psychics. In each movie, a character was chosen and he/she was respectively paired to one of the following greek divine themes: Cronus, Demeter, Persephone, Dionysus and Hades. A character illustrates a dominant behavior pattern referring to loss experience, differentiating those vital transformation experiences as archetypical expressions of several symbolical death and mourning models