Le travail abordé concerne le domaine de l’histoire artistique et culturelle. La période étudiée est le XXè siècle. Les événements se déroulent à New York et à Paris. - La recherche pose l’hypothèse suivante : la création, puis l’édification du premier musée d’art moderne, le MoMA à New York, ouvre la voie à l’architecture contemporaine, à travers l’édification du musée d'art moderne. Les pensées architecturales américaine et française, n’œuvraient pas dans le même sens. Tandis que l’une s’appuie sur une recherche formelle, qui trouverait des liens avec la réception de l’art moderne, l’autre oriente la projection formelle de l’architecture en relation avec la ville. La démonstration se fait à partir d'exemples, pris dans l’histoire de l’architecture moderne de 1910 jusqu'aux années fin soixante : la construction du Musée national d’art moderne à Paris en 1936, au Palais de Tokyo, la création en 1929 et la construction, en 1939, du MoMA à New York. Deux autres musées s'édifient à New York : le Solomon Guggenheim Museum en 1959, et le Musée Whitney en 1966, et les agrandissements du MoMA réalisés aux mêmes années. Sont pris en compte, concernant et autour des édifications muséales : les débats intellectuels dans l’art, les conflits, les acteurs, les lieux, les usages, les effets d’influence et de voisinages. L'histoire culturelle contemporaine se fait à plusieurs niveaux : - dans la période qui précède la réalisation des édifices muséaux, à travers l'analyse des réalisations architecturales et de leurs esthétiques, auprès des architectes auteurs des édifices.- Dans un autre temps, sont développés la réception et les usages des lieux mis en fonction des réalisations, et les effets d’influence des réalisations et de l'architecture. / The thesis concerns the history of contemporary architecture artistic and cultural. The period is the 20th century and the events take place in New York and Paris. - My research poses the following hypothesis. The creation and erection of the first museum of modern art, the MoMA in New York, opened the way to contemporary architecture though the edification of the museum. American and French views on architecture do not stem from the same school of thought. One direction of architecture leans on a formal view findings links in art and the reception of art, the other architecture opens the formal projection of architecture in relation to the city. - The demonstration is done using examples taken from the history of modern architecture from 1910 until the late sixties : the creation of MoMA in New York in 1929 and its construction in 1939. Then, there are the works of the Solomon Guggenheim Museum in 1959 and the realization of the Whitney Museum in 1966, and the enlargements of MoMA. In parallel, we are developing the construction of the National Museum of Modern Art in Paris in 1936, at the Palais de Tokyo. The following are taken into account the different intellectual considerations in Art, the artists, the conflicts, the actors and the places, the different uses and the influence of the neighbouring areas on the museums themselves, the architects and the aesthetics of the buildings put into function and the effects/influences caused by each building.

Qu’apportent la collecte et l’exposition des objets préislamiques et islamiques dans la définition d’un rapport spécifique entre l’Arabie saoudite et ses objets archéologiques ? Il s’agit de rendre compte de l’activité de conservation saoudienne « consciente et systématique » pour comprendre la manière dont des objets archéologiques sont parvenus à incarner un pan du « patrimoine » du berceau de l’Islam. L’étude de la collecte et de l’exposition d’objets archéologiques dans une approche centrée sur l’objet doit permettre de décrire les évolutions de sens donnés aux objets préislamiques et islamiques en Arabie saoudite. Le propos est organisé en deux parties. La première a pour objectif de présenter, et le processus de collecte de l’objet archéologique en Arabie ottomane puis saoudite (1761-1981), et ses conséquences sur la reconnaissance des objets archéologiques transformées en antiquités nationales. Un suivi chronologique a été privilégié, depuis les missions ethnographiques, épigraphiques et archéologiques menées entre 1761 et 1953 par des étrangers jusqu’à la nationalisation saoudienne de l’archéologie avec la création d’un Département des Antiquités et Musées en 1963 et d’un Département d’Archéologie à la King Saud University en 1966, et le lancement d’un premier plan quinquennal de fouilles archéologiques entre 1976 et 1981. La seconde partie présente le processus d’exposition publique de ces nouvelles antiquités nationales. Le déroulé chronologique est poursuivi pour rendre compte de trois contextes d’exposition de ces antiquités entre 1978 et 2015 : en musées régionaux, en musée national, et dans le cadre d’expositions temporaires à l’étranger. Le récit de ces expositions amène à percevoir les transformations sémiotiques des objets archéologiques et à véritablement présenter la reconnaissance du passé préislamique de l’Arabie saoudite. / What do the processes of collection and exhibition of pre-Islamic and Islamic objects bring to the definition of a specific relationship between Saudi Arabia and its archaeological objects? The objective is to describe the “conscious and systematic” Saudi conservation activities to understand how archaeological objects have come to embody pieces of the cradle of Islam’s “heritage”. To study the collection and exhibition of archaeological objects from a centred-object approach should allow the understanding of the recognition given to pre-Islamic and Islamic objects in Saudi Arabia. The thesis is organized in two parts. The first aims to introduce the collection process of archaeological objects in Ottoman and Saudi Arabia (1761-1981) as well as its impact on the recognition of archaeological objects transformed into national antiquities. A chronological track is privileged, from ethnographic scientific missions to epigraphic and archaeological ones conducted between 1761 and 1953 by foreigners, to the Saudi nationalization of archaeology along with the creation of a Department of Antiquities and Museums in 1963 and of a Department of Archaeology at the King Saud University in 1967, and the launch of a first five-year plan of archaeological excavations between 1976 and 1981. The second part presents the public exhibition process of these national antiquities. The chronological path followed in the first part is pursued to account for three exhibition contexts of these antiquities between 1978 and 2015: in regional museums, in the National Museum, and within temporary exhibitions abroad. The presentation of these exhibitions leads to the understanding of both the semiotic transformation of collected archaeological objects and the inner recognition of the pre-Islamic past of Saudi Arabia.

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La présente recherche s'intéresse aux stratégies de succès mises en place par l'artiste québécois Marc-Aurèle de Foy Suzor-Coté (1869-1937) basées sur les rôles de son image publique de et de son atelier, à partir de la « Collection Suzor-Coté » du Musée de l'Amérique française. En s'intéressant au personnage public que fut Suzor-Coté, le texte identifie les derniers efforts de l'artiste afin de faire survivre sa réputation, retrace l'histoire de la « Collection Suzor-Coté », projet à sa mémoire et témoin de sa vie, constituée à partir de son fonds d'atelier. Un retour dans le temps, mettra en relief les moyens entrepris par l'artiste afin d'établir sa réputation de grand artiste : la création d'une image professionnelle affirmée et diffusée par la photographie, le rôle de l'atelier en tant qu'outil promotionnel et le mariage entre la promotion des aptitudes artistiques et la presse écrite dans l'élargissement de la renommée acquise.

Cette thèse s’intéresse à la médiation de l’architecture au musée et aux divers moyens employés pour communiquer le projet architectural en exposition. L’objectif est de mieux connaître la réception que font les visiteurs architectes et non-architectes des outils utilisés pour exposer les aspects variés du projet architectural. On s’entend pour dire que la communication du projet architectural par l’exposition n’est pas tâche facile. Des représentations diverses (dessins, maquettes, photographies, vidéos, etc.) sont utilisées pour exposer le bâti absent. Plusieurs des objets présentés sont complexes à interpréter, surtout pour un néophyte, notamment en raison des codes qu’ils contiennent. Une méthode souvent employée par les commissaires est la « mise en série » de divers types de représentations, chaque outil permettant d’accéder à des informations spécifiques sur le projet. Comme les objets présentés sont souvent difficiles d’accès et que leur présentation sous forme de série peut ajouter à la complexité, il apparaît important d’investiguer la manière dont les visiteurs font sens de ce type de dispositif. Cette recherche vise principalement à jeter les bases d’une connaissance empirique de la réception d’expositions d’architecture par les visiteurs. Six questions ont été retenues pour analyse : (1) Quels objets sont mobilisés par le visiteur? (2) Quels types d’opérations mentales sont faites en lien avec ces objets? (3) Quels sont les obstacles rencontrés, et que fait le visiteur suite à la rencontre d’un obstacle? (4) Quels aspects du projet architectural (matérialité, concept, contexte, etc.) retiennent l’attention du visiteur? (5) Comment le visiteur fait-il des liens entre les différents objets exposés sous forme de série? (6) Le profil professionnel des visiteurs (architectes vs non-architectes) a-t-il une influence sur la construction de sens? Le recueil de données auprès d’une trentaine de visiteurs s’est déroulé au Centre canadien d'architecture (CCA) de Montréal dans l’exposition « Perspectives de vie à Londres et à Tokyo imaginées par Stephen Taylor et Ryue Nishizawa ». Chaque participant visite l'exposition en compagnie de la chercheure avec qui il partage, au fur et à mesure de sa visite, ses pensées et émotions, selon la méthode des protocoles verbaux concomitants (aussi connue sous le nom de thinking aloud ou protocol analysis). L'ensemble des propos est enregistré pour permettre une retranscription exacte avant analyse. Plusieurs des résultats obtenus confirment des idées déjà avancées par les chercheurs telles la popularité des photographies, le peu d’intérêt de la part des non-architectes pour les plans, les aspects variés du projet mentionnés face aux objets exposés, ou encore l’établissement de liens entre les objets comme moyen d’identifier la série. D’autres résultats mettent plutôt en doute des affirmations retrouvées dans les écrits, mais encore jamais appuyées par des données empiriques. Par exemple, plusieurs commissaires considèrent que la maquette est un excellent outil pour communiquer l’architecture et qu’elle est appréciée de tous. Or, dans le cadre de la présente étude, la maquette est peu utilisée par les visiteurs. Le type de maquette et la manière dont elle est disposée dans l’espace peuvent ainsi rendre cet outil peu utile dans la construction de sens du visiteur. Plusieurs auteurs appréhendent des difficultés et des obstacles pour les visiteurs non-architectes. Les présents résultats confirment certaines difficultés des visiteurs néophytes, mais ils démontrent également que les architectes rencontrent eux aussi des obstacles variés / This thesis focusses on the mediation of architecture in the museum setting and on the different tools used to communicate the architectural project in the exhibition. The main goal of this research is to get a better knowledge and understanding of the reception of the different objects used to exhibit the many aspects of architectural projects by visitors (architects and non-architects). There is a general agreement on the fact that it is difficult to communicate architecture through the exhibition media. Many objects are typically used to exhibit the architectural project : drawings, models, photographs, videos and so forth. Some of these tools can be hard to understand, especially for a layperson, since they are coded objects. In order to better communicate the architectural project, curators often choose to depict it by presenting a series of objects, each tool conveying a different aspect of the building. This serial type of presentation can make the task even harder for some visitors. Since understanding an architectural project can be quite difficult for visitors, it appears important to investigate the meaning making of visitors of varying profiles. Six main questions were investigated in this thesis : (1) Which exhibition objects attracted the visitor’s attention? (2) What type of mental operations did the visitor do in relation to these objects? (3) Which obstacles did the visitor face, and what did he do when faced with such obstacles? (4) Which aspects of the architectural project (materiality, concept, context, etc.) attracted the visitor’s attention? (5) How did the visitor link the different objects presented in a serial manner? (6) Did the visitor’s professionnal profile (architect or non-architect) influence his meaning making? Data were collected among thirty visitors at the Canadian Centre for Architecture (CCA) in Montreal during the exhibition « Some Ideas on Living in London and Tokyo by Stephen Taylor and Ryue Nishizawa ». Each participant was asked to express, as freely as possible, what he thought, saw, felt and imagined during the course of his visit, as is prescribed by the thinking aloud method (also known as protocol analysis). The participant is accompanied by the researcher throughout his visit. Visitor’s verbalisations are recorded, then typed and encoded for analysis. Many of the results obtained in this research confirm ideas that were presented in previous texts by scholars : the popularity of photographs ; the little interest for plans by non-architects ; the various aspects of the architectural project mentionned in relation to the objects exhibited ; the links established between objects as a means to identify the serial presentation. Other results, though, challenge some ideas frequently presented by authors, but never validated by empirical data. For instance, many curators consider a model to be a very popular and easily understood tool used to communicate architecture. In the present research, the model is not used very much by visitors. Therefore, the type of model and the way to exhibit it might make this tool more or less useful for meaning making by visitors. Many authors believe that non architects encounter difficulties and obstacles during their visit. The results obtained in this thesis show that, as expected, non architects do face obstacles, but they also reveal that architects themselves face many obstacles and challenges in their meaning making while visiting the architecture exhibition

La question du statut des objets issus des sociétés extra-occidentales conservés dans les musées occidentaux restait posée, jusqu'à récemment, dans les termes du paradigme construit au cours du vingtième siècle opposant le statut ethnographique au statut esthétique, et à partir d'une conception intrinsèque du statut des objets. La controverse suscitée par l'annonce du projet du musée du quai Branly au sein des communautés anthropologique et muséale en témoigne. Cette recherche propose de renouveler l'approche du statut des objets extra-occidentaux en adoptant une conception extrinsèque du statut des objets. Elle repose sur deux analyses sémiotiques successives de l'exposition permanente du musée du quai Branly. La première vise à analyser séparément et exhaustivement les registres médiatiques de l'espace, scriptovisuel et audiovisuel qui composent, avec le registre des objets, l'exposition ; la seconde à analyser, au sein d'un corpus restreint d'unités d'exposition, l'interaction des registres, dans le but final d'identifier les processus interprétatifs producteurs du sens des objets. L'objectif de cette double analyse consiste à vérifier que l'exposition permanente du musée du quai Branly assigne le statut d'objet de patrimoine aux objets issus des sociétés extra-occidentales qu'il conserve.La première partie de la thèse est consacrée à restituer la construction de la question de recherche, qui porte surle caractère patrimonial du statut des objets de musée extra-occidentaux, et à rendre compte des moyens méthodologiques mis en oeuvre pour y répondre. La deuxième partie, consacrée aux résultats de l'analyse séparée des registres, confirme que les marqueurs nécessaires à l'assignation du statut patrimonial des objets extra-occidentaux, les mondes d'origines ailleurs et muséaux, sont bien certifiés dans l'exposition. Elle montre également la mobilisation particulière du registre de l'espace. L'ensemble incite à formuler l'hypothèse que l'espace ne constitue pas un interprétant des objets, que les mondes d'origine ailleurs et muséaux occupent une place secondaire dans l'assignation du statut des objets et, finalement, que les objets sont les principaux interprétants des objets. Enfin, la troisième partie permet de vérifier que la certification de l'appartenance des objets à leur double monde d'origine est bien réalisée par le traitement muséal, l'exposition assigne donc bien le statut de patrimoine aux objets exposés, mais elle montre aussi que les éléments de la certification apparaissent comme secondaires, tandis que la production du sens des objets par la relation entre les objets favorise l'assignation d'un autre statut de l'objet : le statut de curiosité. En s'appuyant sur la production de la signification des objets par le dispositif d'exposition pour le visiteur, cette recherche permet de penser, plus largement, la capacité de l'exposition à proposer un discours neutre qui modifie son opérativité, et qui permet à l'institution muséale de se placer dans une posture de délégation du sens produit par l'exposition.

Cette étude aborde la carrière et l’oeuvre de René-Yves Creston, artiste qui dans les années vingt, fonde le groupe Ar Seiz Breur. Impliqués dans la vie culturelle locale, les artistes du groupe participent au renouveau des arts décoratifs en Bretagne. Gravure, peinture, faïence, meuble sont autant de domaines dans lesquels ils influencent l’esthétique régionale de la première moitié du XXe siècle dans l’esprit des Arts and Crafts, de l’école de Zakopane et d’autres mouvements européens. Fréquentant les milieux intellectuels parisiens, René-Yves Creston devient un organisateur hors pair et permet à Ar Seiz Breur de participer à des expositions internationales d’envergure. Dans les années trente, son attrait pour le milieu maritime lui permet de participer à la campagne de 1933 au Groenland. Découvrant la pratique ethnographique, il s’inscrit à l’Institut d’ethnologie à la fin des années trente pour y suivre les cours de Marcel Mauss et intègre le musée de l’Homme pour lequel il effectue une mission aux Féroé. Durant la Seconde Guerre mondiale, il participe à la création du réseau du musée de l’Homme et continue ses recherches autour de l’ethnographie bretonne. Après guerre, Georges Henri Rivière l’introduit dans le milieu des musées de société. René-Yves Creston est à l’origine de nombreuses collections dans les musées bretons et au musée des Arts et Traditions populaires. Attaché à l’étude de la région bretonne, il continue néanmoins à s’investir dans l’ethnologie maritime européenne. De la fin du XIXe siècle à la deuxième moitié du XXe siècle, cette étude revient sur le parcours d’un artiste ethnologue dont les préoccupations se tournent sur l’étude de l’homme, de l’utilisation du réalisme dans sa pratique artistique à l’étude des peuples en ethnologie. / This study approaches the career and work of René-Yves Creston : this artist, who, in the twenties co-created the group of Seiz Breur. Strongly involved in local cultural life, the group-artists took part in the revival of decorative crafts in Brittany: engraving, painting, earthenware, furniture, so many areas in which they affect the regional aesthetics of the first mid-twentieth century, in the same spirit as Arts and Crafts or Zakopane school or other european movements. Taking part in parisian intellectual life, René-Yves Creston became a leader, without equal organiser so he leaded Seiz Breur to take part in famous international exhibitions. In the thirties, his own interest for the maritim world leads him to take part in 1933 in a trip to Greenland. He then discovered the ethnographic practice. He joins then the ethnological institute and at the end of thirties follows Marcel Mauss’s lessons and fit in “musée de l’Homme” for which he was involved in a mission in Feröe islands. During the world war two, he took part in setting up the “Réseau du musée de l’Homme”. He then follows on his searches about breton ethnography. After the war, Georges Henri Rivière introduced him in thesociety-museums circles. René-Yves Creston leaded to many collections in breton museums and Arts and popular Traditions museum. Deeply involved in the study of brittany, he carries on taking part in european maritim ethnology studies. From the end of 19th century to second part of 20th, this work reads the process of this man, starting as an artist, who becomes an ethnologist using his realism in art as a tool for his study of man.

Cette thèse part de l'hypothèse que la motivation principale des États dans l'adoption d'une politique culturelle est la promotion de l'identité collective. Nous tâchons de comprendre comment se développe cette notion tiraillée dans un contexte post-moderne entre une fragmentation territoriale et politique et la globalisation provoquée par la force économique des marchés. Afin d'illustrer notre propos, nous examinerons une situation particulière, celle des politiques culturelles et des musées nationaux du Canada et du Québec depuis 1950. La première partie de la thèse explore les questions des visées identitaires et de leur impact sur les politiques culturelles et muséales. Nous proposons un schéma conceptuel qui ramène en fonctionnement de ces politiques à un processus cyclique en quatre temps: planification, intégration, réalisation et évaluation. Ce schéma nous permet de comparer les politiques culturelles canadienne et québécoise afin de vérifier notre hypothèse. Les concepts modernes de l'identité collective, de la nation et de l'État sont abordés succinctement, afin d'analyser le développement culturel contemporain. Enfin, nous utilisons les approches muséologiques actuelles afin d'identifier deux types de musées nationaux de civilisation: le musée de synthèse, à l'approche thématique et à la vision universelle, et le musée emblématique, à l'approche périodisée et qui donne à voir la spécificité identitaire dans le multiculturalisme. Les deux parties suivantes abordent la problématique de façon concrète, à travers l'étude des politiques culturelles canadienne et québécoise. La deuxième partie fait état de toute l'importance accordée par l'État canadien à la promotion de la vision identitaire officielle énoncée dans la loi sur le multiculturalisme, pour les politiques culturelles canadiennes en général et le Musée canadien des civilisations en particulier. Celui-ci est vu comme un musée emblématique, avec une approche linéaire et modulée espace-temps en fonction des vagues de peuplement, ainsi qu'une vision multiculturelle. La troisième partie effectue le même exercice pour les politiques culturelles du gouvernement québécois dont la vision identitaire en mutation entoure la langue française et l'interculturalité. Le Musée de la civilisation s'apparente au musée de synthèse, aux réalisations thématiques et à l'approche circulaire d'inclusion universelle. La comparaison des schémas conceptuels appliqués aux politiques canadienne et québécoise permet de constater qu'elles entrent en conflit au niveau de la motivation d'identités dissonantes, au niveau de leur fonction fondamentale sur un même territoire et de l'importance accordée aux partenaires. Ces résultats nous permettent de conclure de la validité de l'équation: politique culturelle / identité collective / musée national.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

This thesis discusses the recent construction and anthropological collaboration of the Paris museum: Musée du quai Branly (MQB), an art museum dedicated to showcasing art collections specific to aboriginal and indigenous cultures in the Americas, Africa, Asia and Oceania. The opening of MQB in June 2006 raised a plethora of controversial questions concerning the museum’s methods of curatorial display of the art it has made its primary focus. One of the major issues discussed examines the Quai Branly’s authentic, or inauthentic, representation of certain artworks displayed throughout the museum. Thus, the essay raises the questions: does a non-Western object remain authentic once it is exhibited in a Western society’s art museum? To answer this question, the essay explores the various explanations of art and authenticity in order to reach an understandable conclusion of what constitutes an authentic display of non-Western objects in a Western art museum.