Dans la création contemporaine, les musiciens s'inspirent parfois de l’océan dans leur pratique de la composition. Cette thèse a pour but d'observer leur façon de faire à travers l’analyse d'oeuvres dont le titre ou le sujet évoquent l'environnement océanique. Elle part de l’hypothèse que la poétique, c’est-À-Dire l’inspiration à partir de la mer, sert la poïétique, donc sert les manières de faire la musique, de l'écrire, sans pour autant servir nécessairement le rendu esthésique. Dans le chapitre I, l’analyse est basée sur des oeuvres de Claude Debussy, André Boucourechliev, Kaija Saahario et Yoshihisa Taira. Le chapitre II consacre une importante partie de son développement à l’étude des oeuvres de Tristan Murail inspirées de l'océan. Enfin, dans le chapitre III, deux des propres compositions de l'auteur sont analysées. Finalement, cette thèse révèle l'existence de cycles partant de l'esthésique, c'est à dire le ressenti devant la mer vers la poétique puis la poïétique et enfin l'esthésique, c'est à dire le ressenti du rendu musical. Par ailleurs, le travail d'analyse réalisé au cours de cette thèse a permis de mettre en valeur l'importance de la notion d'objet, c'est à dire une pensée de la composition orientée par la manipulation de l'objet musical. L'approche de Debussy, telle qu'interprétée par Barraqué, ouvre le siècle. Le modèle de la mer au sens des objets sur le plan dynamique est très cohérent avec la notion d'objet musical. Nous ne pouvons que constater cette présence et c'est en cela que la conclusion de la thèse est un peu ouverte. C'est avec cela que nous allons composer nos futures pièces. La thèse nous a servi finalement aussi à formaliser notre musique. / In the genre of contemporary music, musicians sometimes take their inspiration from the ocean when addressing take their compositions. The goal of this thesis is to observe method of these composers by analyzing works which evoke the ocean's environment in their subject. This study claims that the poetic inspiration which is engendered by the ocean ends up by providing the poietics of the projects themselves, which is to say, ways of creating music, of writing it, without necessarily treating the aesthesic of the final product. In Chapter I the analysis is based on the works of Claude Debussy, André Boucourechliev, Kaija Saahario and Yoshihisa Taira. Chapter II consecrates a large part of its development to the study of works by Tristan Murail which are inspired by the ocean. Finally, in Chapter III, two of the compositions of the thesis' author are taken into analytical consideration. This thesis reveals the existence of cycles coming from the aesthesic, which then moves towards poietics and returns to aesthesic. It also needs to be taken into account that the analyses produced during the course of this study focus on the musical object itself. This is to say that the study is geared towards the manipulation of the musical object. Debussy's approach, as it is interpreted by Barraqué, serves as the overture of the century. The model of the sea as a dynamic objet coincides with the notion of the musical object. We can only propose this stated presence and this is why the conclusion of the thesis is somewhat open-Ended. Nonetheless, it is this point of departure which allows us to compose future works. It is thesis, in the end, that formalizes our music.

L’accès violent dans la psychose est hors réalité, vive, brute, brutale et imprévisible. C’est, en effet, une violence qui a la particularité d’entraîner le sujet, l’entourage, les soignants, voire la société dans les confins de l’archaïque. La rencontre clinique avec les patients en décompensation psychotique pris dans un déferlement de violence permet de prendre la mesure du paradoxe de cette violence que notre étude envisage dans sa valence destructrice et créatrice. Cette étude transversale, envisagée dans un continuum décompensation/rémission, s’appuie sur l’analyse comparée des protocoles projectifs (Rorschach et TAT) de 9 cas de patients rencontrés au Cameroun. En référence aux champs théoriques de la psychanalyse et de le psychodynamique, nous avons ainsi tenté de montrer que l’accès violent dans la psychose au-delà de sa dimension destructrice viendrait opérer une remise en jeu de la dialectique du rapport entre la pulsion et la découverte de la réalité avec pour enjeux la psychisation de la pulsion, la constitution du Moi et de l’objet. / Violent access in psychosis is off reality, sharp, gross, brutal and unpredictable. It is, indeed, a violence which has the peculiarity of involving the patient, his circle of acquaintances, caregivers, even the society in the borders of the archaic. The clinical encounter with patients in psychotic decompensation exuding violence permits us to measure the paradox of this violence which our study envisages in its destructive and creative valence. This transverse study, envisaged in a continuum decompensation / forgiveness, leans on the comparative analysis of the projective protocols (Rorschach and TAT) of 9 cases of patients met in Cameroon. With reference to the theoretical fields of the psychoanalysis and psychodynamics, we have however tried to show that violent access in the psychosis beyond a destructive dimension would come to operate a throw-in of the dialectic of the relationship between the drive and the discovery of the reality with for stakes, the psychisation of the drive, the constitution of the Me and the object.

Les musées et les zoos d’Afrique de l’Ouest apparaissent comme des « nouveaux terrains » pour la recherche ethnologique et invitent à articuler une anthropologie historique et une ethnographie de la mise en exposition (une ethnomuséologie). L’étude conjointe de ces musées et de ces zoos permet en effet de questionner à la fois les transformations historiques (notamment postcoloniales) que la présentation d’objets et d’animaux vivants subit et les différents usages qui en sont faits. Ce sont ces usages qui donnent un sens et une fonction sociale à la mise en exposition. En donnant à lire les résultats d’une recherche ethnographique approfondie, menée au Niger, au Mali et au Burkina Faso, il s’agit également d’expliquer comment les relations aux objets et aux animaux exposés dans les musées et les zoos de ces trois pays constituent avant tout des relations sociales. On verra ainsi que les usages rituels de la mise en exposition sont particulièrement fréquents en Afrique de l’Ouest, et obligent à interroger d’une manière nouvelle cette forme relationnelle spécifique qu’est l’exposition postcoloniale. / West African museums and zoos appear to be « new fieldworks » for anthropological research. They call for the articulation of an historical anthropology and an ethnographic analysis of exhibiting (an ethnomuseology). To study simultaneously such museums and zoos questions both the historical changes (including the postcolonial ones) that the display of objects and living animals is undergoing, and their various uses. It is precisely the ways in which objects and animals are use that give a meaning and a social function to the exhibition. This thorough ethnographic research (led in Niger, Mali and Burkina Faso) also aims at understanding how the relations with the objects and the animals exhibited in the museums and the zoos are primarily of a social nature. Ritual uses of the exhibition are indeed particularly frequent in West Africa, and therefore force us to question in a new way this specific form of relations : the postcolonial exhibition.

La coappartenance de l’abstraction et de la liberté constitue le ressort d’un questionnement sur l’être-au-monde à partir du tableau. Tableau ici n’est pas seulement à comprendre dans son acception esthétique, comme œuvre d’art mais comme la monstration, au moyen de la peinture, de la structure qui préside à l’événement de l’être et du monde. Un tableau n’est pas abstrait, souligne le peintre Pierre Dunoyer, mais fondamentalement une abstraction. Un tableau témoigne en effet d’une saisie et d’un dévoilement de ce qui a été oublié et caché. Il atteste de la différence ontologique et plus encore du processus à l’origine de cette scission entre l’être et l’étant. Il montre la liberté se libérant, la puissance de détermination en acte, s’affirmant dans la finitude de l’objet. Face à un tableau, l’être ne se voit pas. Il est convoqué, tenu d’advenir à soit-même comme être s’il veut que le visible lui parvienne. Voir un tableau ne relève donc de la sensation qu’en tant que celui-ci doit être perçu pour que le phénomène ai lieu. Mais il s’agit véritablement de s’éprouver soi-même comme l’« ouvert-ouvrant » qui préside à la phénoménalisation du monde. Le tableau est indissociable de l’avènement de la conscience dans la mesure où c’est par l‘Autre, dans le surgissement de la limite, que la conscience arrive et au rythme du logos qu’elle se déploie. Le tableau est une figure de cette parole ontologique qui nous façonne dans son dire. Cette recherche est le fruit d’un effort pour advenir à soi-même dans la conscience du tableau et renouveler, pour l’ensemble des hommes, la promesse de liberté. / The fact that abstraction and freedom belong to one another eables us to question the “being-at-world” from paintings. Paintings are not to be understood in an aesthetic way, as works of art, but as a structure demonstrating the event : the being and the world together. A painting is not abstract, emphasizes the painter Dunoyer, but fundamentally an abstraction. In effect, a painting unveils what has been forgotten and hidden. It attests to the ontological difference and to the process at the origin of the split between being and beingness. It shows freed, the power of determination in actuality, asserting itself in the finite object. Being cannot actually be seen by looking at a painting. It is summoned, obliged to become itself if it wants to see the world as its own. To see a painting is a matter of sensation only because a painting has to be perceived if the phenomenon is to take place. But it is rather a matter of experiencing oneself as the one who is “opened and opening” and therefore governs the world’s phenomenalization. Paintings cannot be separated from the arrival of consciousness as long as consciousness is first linked to the Other which limits it and secondly, to the logos which rhythms its growth. Painting are figure of the ontological speech that models us while speaking. This research is the result of an effort to become oneself by becoming aware of paintings. It aims at giving us a new insight into freedom’s promise.

Cette thèse en création littéraire contient trois parties. La première partie est constituée du texte de création littéraire : Ces jeunes filles parlent trop. Le texte est divisé en trois parties afin de rendre compte d'une parole multiple, comme le titre du texte le laisse penser. La création littéraire est constituée de poèmes en prose et en vers, ainsi que de fragments poétiques. Ce texte de création avait pour objectif d'expliciter la problématique suivante : Comment rendre compte de situations traumatisantes et du corps à travers différents objets? Ainsi le texte présente plusieurs objets dont le miroir, la bouteille et des tresses capillaires. La deuxième partie est divisée en trois chapitres. Le premier chapitre présente une analyse du corps poétique chez Anne-Marie Albiach dans son recueil Mezza Voce. Il s'agit ici de voir de quelle manière Albiach transforme le corps afin de permettre à celui-ci de devenir un objet d'écriture. Le deuxième chapitre aborde Les chants de Maldoror du comte de Lautréamont. Dans ce chapitre, un passage en particulier est analysé. Celui-ci nous servira à présenter de quelle façon le corps chez Lautréamont permet, malgré ses nombreuses mutilations, d'être un outil de transmission et de communication. La dernière partie ajoute une composante réflexive à la thèse. Il s'agira de présenter et d'expliquer la problématique et la thématique choisies. Le dernier chapitre, Création et corps, sert aussi à mettre en lien le texte de création et les auteurs abordés.

Le banal objet manufacturé a pris une place de plus en plus importante sur la scène artistique depuis son irruption, via le geste de Marcel Duchamp en 1913. De 1913 à aujourd’hui, cet objet pose problème : 1/car il est à la fois objet quotidien et objet d’art ; 2/ car exposé, il est soumis à un dispositif communicationnel qui tout à la fois en montre le sens et en génère ; 3/ car plus l’objet se réduit plus le discours tissé autour est important. Le sens qu’il revêt au long du siècle change et une évolution se dessine : plus l’objet tend à s’abstraire, à se numériser plus il va revenir sous la forme du discours et de la communication nous donnant à voir quelque chose d’irréductible, ce que l’homme dépose en lui de fondamentalement humain. Envisagé sous les angles esthétique, anthropologique et institutionnel, l’objet, apparemment simple, nous montre son indéniable complexité. Il est fonctionnel, utile, décoratif parfois, objet d’art plus rarement et en lui se fixe quelque chose du sujet qui l’utilise, le regarde, le crée. L’objet, comme paradigme de la communication humaine, suit, induit, en tout cas entérine les progrès et les régressions de la société. Et l’objet d’art, dans les dispositifs d’exposition de plus en plus prégnants, interactifs et sophistiqués, est un révélateur essentiel pour une meilleure saisie du présent. / The mundane and manufactured object has taken an increasing place on the artistic scene since its irruption, by the act of Marcel Duchamp in 1913. From 1913 to nowadays, this object is problematic: 1/ because it is both an everyday thing and a piece of art; 2/ because, when it is exhibited, it is submitted to a device of communication which simultaneously reveals and creates the meaning; 3/ because more the object is reducing itself, more the discourse about it is important.Throughout this century, the meaning of the object has changed and an evolution is discernable: more the object is abstracting or digitizing itself, more it exists by the discourse and the communication. This gives us to see an irreducible thing, a fundamentally human leftover.Analysed by aesthetic, anthropologic and institutional perspectives, the object, apparently simple, reveals its clear complexity. It is functional, useful, sometimes decorative, and more rarely a piece of art; and something of the subject, who uses, peers, creates its, sets in itself. The object, as a paradigm of the human communication, follows, induces, endorses at any rate progresses and regressions of society. In increasingly significant, interactive and sophisticated exhibitions’ devices, the piece of art is an essential indicator for a best understanding of the present time.

Le biohacking est une vive critique contre les institutions scientifiques officielles et un appel à plus de liberté à travers notamment la constitution de laboratoires citoyens « indépendants », les biohackerspaces. Mon étude philosophique et anthropologique s’est basée essentiellement sur un laboratoire citoyen, la Myne à Lyon. Après une partie historique décrivant et analysant les influences épistémologiques dont s’inspire le biohacking, je me suis posé plusieurs questions : en quoi la pratique du bricolage technique et scientifique réalisée dans ces espaces, amène à construire de « nouvelles » normes et valeurs morales ? Comment se construit l’éthique collective au sein d’un espace tel que la Myne ? Comment les valeurs morales défendues sont opérationnalisées sur le terrain ? Comment s’articule la construction d’une éthique collective avec l’ensemble des éthiques individuelles au cours du temps ? L’objectif de ce travail, à travers l’analyse critique de ce mouvement, est de conduire à une réflexion plus large sur la participation citoyenne dans les choix technoscientifiques et sur les politiques de production scientifique et technique. / Biohacking provides sharp criticism against official scientific institutions and endorses a call for more freedom through the constitution of “independent” citizen laboratories, the so-called biohackerspaces. My dissertation, which has a philosophical and anthropological focus, is based essentially on the study of a citizen laboratory, la Myne in Lyon. After a historical part, dedicated to the description and analysis of the epistemological influences which inspire biohacking, I poses several questions: how does the practice of technical and scientific Do-It-Yourself in these spaces lead to the construction of “new” norms and moral values? How is collective ethics articulated in a space like la Myne? How do the moral values defended become operative with the set of an individual ethics throughout the time? The aim of this dissertation is to lead through a critical analysis of biohacking to a broader reflection on citizens’ participation in techno-scientific choices and on policies concerning scientific and technical production.

Ce travail a pour objectif d'apporter une aide au développement et a la maintenance de logiciels de grande taille dans les environnements de génie logiciel (egl). Il s'agit de définir et d'implanter un noyau générique de stockage et de gestion permettant l'intégration de l'ensemble d'informations génie logiciel et offrant des outils généraux et déclaratifs. Le gestionnaire d'un projet peut ainsi spécifier la stratégie ou la methode de développement souhaitée. Nous avons défini un modèle de données pour les systèmes hypertexte capable de gérer la spécificité des informations génie logiciel et d'offrir une interrogation bien adaptée a ce type d'environnement (navigation, browser, etc). Le modèle est sémantique oriente-objet qui intègre aussi bien les aspects statiques que les aspects dynamiques des informations génie logiciel. Nous avons exploite la richesse des modèles sémantiques pour la représentation des abstractions nécessaires: objets complexes et composites, versions multiples et généralisation de la notion d'objet composite a celle d'objet générique composite. Via la notion de document, qui représente, en plus du contenu textuel des documents, leur contenu sémantique et leur présentation visuelle, le modèle comprend les éléments de base nécessaires pour l'intégration des fonctionnalités d'un systeme hypertexte, et, dans une étape ultérieure, de la recherche par le contenu sémantique des informations. Concernant la dynamique, nous utilisons le couplage entre données et traitements existant dans les modèles orientes-objet et donnons aux méthodes une définition déclarative sous forme de déclencheurs. Les méthodes, dans ce formalisme, n'expriment pas seulement le comportement des objets, mais aussi, les situations de leur déclenchement et les contrôles a effectuer sur le comportement des objets

De nos jours souvent kitsch et touristique, l’éventail européen -fragile objet féminin associé à la mode- a été mal apprécié et reste méconnu. Construite pour cette thèse à partir de collections publiques ou privées et de ventes publiques, une base de données éclectique permet, par une approche statistique, d’interroger 2350 objets et d’en étudier principalement les sujets au cours d’un très long XVIIIe siècle. Une vingtaine de monographies focalise le regard sur des éventails des diverses catégories déterminées. À travers le dialogue entre statistiques et monographies, éclairé par l’observation de l’art et de la société contemporains, l’éventail apparaît reflet de l’art via les mythes, l’histoire sainte ou ancienne, la peinture morale… ; mais il est aussi témoin voire acteur de la vie sociale, politique, théâtrale, jusqu’à être mis au service de projets économiques ou de la caricature. Éventails « sans histoire », ornés de « bergerades », reflets de la mode ou supports des amusements de société : tous sont porteurs de sens. Ce sens a longtemps été occulté à cause des transformations sociales du XIXe siècle, peut-être aussi car les éventails pouvaient à l’origine être un espace de liberté et de pouvoir des femmes - voire de libertinage ?-. En effet cet objet d’art à la fois public et privé tient, par les sujets qui l’ornent, un véritable discours (largement lié au mariage mais aussi à l’amour) dont la femme était à la fois destinataire et locutrice. Il convient, en étudiant les objets, d’apprendre à en déchiffrer les messages : leur compréhension pourrait être utile à diverses disciplines. / Nowadays fans are often kitsch and for tourists. Associated with fashion, these fragile feminine objects have been misjudged and remain unknown. Built for this thesis from public and private collections and public sales, an eclectic database is capable, thanks to a statistical approach, to query and study 2350 items. This study deals mainly with the topics on fan leaves during a very long Eighteenth Century. Twenty monographs are focusing on objects of the various determined categories. Statistics and monographs, informed by the observation of contemporary art and society, enter into dialogue. The Fan appears as a reflection of art through myths, sacred and ancient history, and morality painting. But it is also a witness or an actor in the social, political, and theatrical life, and even used for promoting economic projects or for caricature. Almost all fans carry a meaning, even those "without history", adorned with pastoral scenes, seemingly only mirrors of fashion or occasions of entertainment. This meaning has long been obscured because of the social transformations of the Nineteenth Century, perhaps for the reason that fans were originally an area of freedom and power of women - even going to libertinism? - For this objet d’art, both public and private, speaks, through the subjects that adorn it, a real speech (largely related to marriage but to love as well). Woman was both recipient and speaker. Studying these objects and learning to decipher their messages would improve their understanding and benefit various disciplines.

Dans cette thèse, nous traitons de l’antisémitisme comme un symptôme à déchiffrer à partir des enseignements de Freud et Lacan. Il ne s’agit donc pas de psychanalyse appliquée à l’antisémitisme mais de cerner ce qu’enseigne l’antisémitisme à la psychanalyse. Deux questions nous orientent : Pourquoi le Juif est-il la cible d’une haine séculaire ? Comment se met-elle en place ? Autrement dit, quels sont les mécanismes psychiques à l’œuvre dans la haine. Ce que signifie être Juif devient alors essentiel pour notre recherche. Pour Freud, ne renoncer à rien et suppléer à ce qui a été perdu, est l’essence du Juif. Et c’est cette ténacité qui lui attire une haine éternelle. Pour Lacan, le sujet Juif, c’est celui qui sait lire dans l’intervalle, et celui qui par l’acte de la circoncision, noue les trois registres du symbolique, de l’imaginaire et du réel et représente l’objet a en tant que reste ; ce qui a pour effet de diviser le champ de l’Autre. Et c’est cela qui lui attire cette haine éternelle. Il n’y a pas de haine sans le surmoi. Chez Freud la haine à l’égard de l’Autre se retourne sur soi. Chez Lacan, le surmoi est sacrifice aux Dieux obscurs qui conduit à l’anéantissement du prochain et de soi-même. Avec Lacan, nous voyons aussi que l’universel, le tout, produit la ségrégation qui est rejet de l’Autre. Il y a là une équivalence signifiante entre le Juif et la femme situés à la fois dans le tout et en dehors, donc pas tout dedans. Nous appréhendons, prenant appui sur le discours du maître forgé par Lacan, comment l’antisémitisme traverse le discours contemporain, comment il se glisse dans la langue. Nous laissons une voix logique, Jean-Claude Milner, une voix philosophique, Bernard-Henri Levy, une voix psychanalytique, Gérard Wajcman, déplier ce que signifie être Juif et démontrer comment l’être Juif est le symptôme du manque à être de celui qui hait. / In this thesis, we aim to present antisemitism as a symptom that can be deciphered using the writings of Freud and Lacan. Its intention is not to apply psychoanalysis to antisemitism, but rather to identify what psychoanalysis has to learn from antisemitism. Two main questions serve to orient this discussion: Why did Jews become an object of a secular hatred? And what are the psychic mechanisms that are at the origin of this kind of hatred? In order to address these questions, it is essential initially to define the significance of being Jewish. According to Freud, the essence of the Jew is to concede nothing, and to compensate for what has been lost. It is this tenacity that provokes an eternal hatred. For Lacan, the Jew is the one who knows how ‘to read between the lines’, and also the one who, through the act of circumcision, represents the Objet a as a remnant (according to Lacan’s Register theory) and binds together the three registers: the symbolic, the imaginary, and the real. Thereby, the Jew produces a division in the field of the Other – and it is this that attracts eternal hatred. There is no hatred without the existence of a superego, and Freud demonstrates how hatred towards the Other redounds upon the self. Lacan, argues that the superego is a form of sacrifice to obscure Gods that results in annihilation of the Other and the self. Lacan also shows that the Universal, the all, causes segregation and rejection of the Other. There is a significant equivalence between Jews and women as they are at one and the same time part of the ‘all’ and outside it; they are therefore not all inside. In the present work, we try to grasp, by employing the Discourse of the Master as developed by Lacan, how antisemitism is assimilated into contemporary discourse and insinuates itself into language. We call upon the logical voice of Jean-Claude Milner, the philosophical voice of Bernard-Henri Levy and the psychoanalytical voice of Gérard Wajcman, to unfold the significance of being a Jew, and to demonstrate how the Jew is the symptom of a lack-of-being of the one who hates.