La mise en évidence, dans les traditions classique et chrétienne, d’un principe dominant de dysfonctionnement et d’infériorité du corps féminin, aboutit au constat d’une stabilité notable dans les thèmes, les images et les procédés littéraires utilisés dans les poèmes figurant ce dernier, depuis la période classique jusqu’à la latinité tardive. Qu’il s’agisse de la puella, de la sponsa ou de la uirgo, le corps de la femme est le support d’un discours le plus souvent édifiant, où dominent les canons traditionnels de la beauté, associés aux vertus de fides, pietas et pudor. Pour autant, on observe un infléchissement remarquable dans la tonalité d’ensemble du discours poétique tardif sur le corps féminin : du fait, notamment, de la prédominance progressive des textes chrétiens, celui-ci bénéficie peu à peu des implications du mystère de l’Incarnation, jusqu’à devenir, nonobstant le discours de certains Pères, le paradigme de la glorification de la chair, permise par le sacrifice du Christ et chantée, grâce à toutes les ressources d’un art de la profusion, par les poètes. / A striking constancy in the use of themes, images and literary techniques in poems spanning from the Classical to the late Latin periods emerges once a prevailing principle in the Classical and Christian traditions is brought to the fore. According to this principle as revealed by these poems the female body is both dysfunctional and inferior. Whether it be the puella, the sponsa or the uirgo, the female body serves as the medium for an oft edifying discourse dominated by the traditional canons of beauty together with the virtues fides, pietas and pudor. It is nevertheless possible to underscore a notable shift in the tone of the late poetic discourse taken as a whole with respect to the female body : little by little the latter reaps the benefits from the growing influence of Christian texts and, in particular, from the implications of the mystery of Incarnation, to become the paradigm of the glorification of the flesh allowed by the sacrifice of Christ – this, notwithstanding the discourse of certain Fathers – and sung by the poets thanks to the resources afforded by a generous art form.

Cette thèse étudie l’image de l’Afrique dans la poésie latine, d’Ennius à Corippe. Dans la plupart des occurrences, l’Afrique n’est présente que pour son caractère connotatif et sert surtout l’amplification du discours. Nous pouvons néanmoins en déduire un certain nombre de caractéristiques qui participent d’une imagerie topique attachée à l’Afrique. Nous avons ensuite mis en évidence la manière dont les poètes traitent ce matériau africain, ainsi que les caractéristiques propres à l’Afrique, qui la distinguent des autres régions « barbares » de l’Empire. L’originalité de l’Afrique, enfin, vient de la place qu’elle occupe dans le genre épique, puisqu’elle est le théâtre de plusieurs oeuvres. L’amplification propre au genre, qui se nourrit des réalités et de l’imaginaire précédemment évoqués, lui confère une dimension mythique, au point qu’elle joue un rôle fondamental dans la construction de ces poèmes. Par un effet de retour, elle en vient à être évoquée, dans les genres dits mineurs, commemétaphore pour désigner le genre épique. / This thesis is devoted to the study of the representation of Africa in Latin poetry, from Ennius until Corippus. In most cases, allusions to Africa have a mere connotative value and fulfill an amplification purpose. Nonetheless, various characteristics of the stereotypes associated to Africa can be deduced from them. We also describe the methods used by the poets to deal with these stereotypes and we shed light on the characteristics that make Africa different from the other “barbarian” regions of the Roman Empire. The originality of Africa is related to the importance it takes in epic, since Africa is the scene of several poems. The amplification proper to epic, mainly based on these stereotypes, gives Africa a mythic dimension and it plays thus a fundamental role in the structure of epic poems. Consequently, it becomes the metaphor of epic in many other minor genres.

Ce travail de recherche étudie le dialogue intertextuel entre l’oeuvre de Stace et celle de Claudien, en mettant en évidence - dans les vers de ce dernier - les reprises les plus significatives de thèmes et de styles staciens. Ayant constaté la mémoire persistante de Stace chez Claudien, il vérifie la pertinence des références notifiées à ce jour par les éditeurs et commentateurs et il intégre les remarques critiques jugées valables à travers des argumentations diverses et selon certains axes thématiques importants chez les deux auteurs. En suivant les critères de recherche intertextuelle et la classification des passages parallèles illustrés dans le chapitre I, l'étude comparative est divisée en sept sections, sur autant de thèmes : le pouvoir dans l'univers mythique, le pouvoir parmi les hommes, la conception et la représentation de la discorde et de la guerre, la valorisation de la culture, l'éloge du mariage, l'image de la mère. La présente contribution, au-delà des coïncidences verbales qui – sans être dues au hasard – peuvent être considérées comme des réminiscences inconscientes, approfondit la relation entre les deux poètes sous le signe du processus afférent de leurs textes à une koinè thématique et stylistique qui s’est stratifiée dans le temps, mais surtout sous le signe d’une imitatio directe, créative et volontaire. Les textes de Claudien sont donc présentés à la lecture enrichis de réflexes et de significations provenant de la leçon de l’illustre prédécesseur. / The paper studies the intertextual dialogue between the work of Statius and that of Claudian, showing the most significant recurrences of Statius’ themes and stylistic features in the latter’s verses. Having ascertained the persistent memory of Statius in Claudian, it verifies the relevance of the allusions reported to date by editors and commentators and it supplements the critical remarks deemed valid with various arguments and in accordance with certain thematic axes of importance in both authors. Following intertextual research criteria and the classification of the parallel passages illustrated in Chapter I, the comparative survey is divided into seven sections dealing with as many themes: power in the mythical universe, power among men, the conception and representation of discord and war, the valorization of culture, the nuptial encomium, the image of the mother. The present contribution, apart from verbal coincidences which, albeit not casual, can be explained as unconscious reminiscences, explores the relation between the two poets in terms of the relevance of their texts to a stylistic-thematic koiné stratified in time, but above all in terms of a direct, creative and deliberate imitatio. Claudian’s texts are therefore presented to the reading enriched with reflections and meanings stemming from the example of his illustrious predecessor.

Ce travail vise à préciser l’importance que Silius Italicus donne dans ses Punica au personnage d’Hannibal. Il repose sur une étude comparée entre le poème et les différents textes latins et grecs à notre disposition sur le chef carthaginois. Les intertextes avec les épopées antérieures sont aussi sollicités, car Silius s’en inspire pour créer un Hannibal épique, propre aux Punica.L’Hannibal de Silius se distingue d’abord par son portrait dans l’ensemble de l’épopée : le poète nuance voire efface les défauts que la tradition historiographique attribue au Carthaginois, tandis qu’il en souligne les qualités en recourant en particulier aux topoi épiques. Silius fait également du chef le porteur de motivations et d’enjeux multiples qui le présentent comme le personnage majeur des Punica.Hannibal joue par ailleurs un rôle décisif dans la révélation progressive de la grandeur de Rome. Il constitue un véritable faire-valoir pour les Romains et se révèle le premier témoin du renouveau de Rome : c’est par rapport à lui, mais aussi à travers ses prises de conscience, que le redressement romain s’exprime au cours du poème. Enfin, Silius grandit le personnage d’Hannibal en lui faisant mener bien plus que la deuxième guerre punique : le chef entreprend une guerre titanesque contre les dieux ; il appelle en outre à une continuation du conflit au-delà de l’épopée. Entre réhabilitation et revalorisation, la vision d’Hannibal dans les Punica témoigne donc d’une innovation certaine de la part de Silius Italicus au sein de la tradition ancienne sur le personnage : le Carthaginois, qui fut pourtant l’un des plus féroces ennemis de Rome, y devient véritablement un héros épique. / The aim of the author is to clarify the importance that Silius gives in his Punica to the character Hannibal. This work is based on a comparative study between the poem and the different latin and greek texts that we have about the Carthaginian chief. The intertexts with the former epics are also questioned, since Silius draws his inspiration from them to create an epic Hannibal, specific to the Punica.The Silius’ Hannibal can first be distinguished by his portrait in the whole epic : the poet nuances, indeed erases the defects that the historiographical tradition imputes to the Carthaginian, whereas he emphasizes his qualities, in particular by using epic topoi. Silius also portrays the chief as the one who stands for numerous motivations and stakes, which present him as the main character of the Punica.Moreover Hannibal plays a decisive part in the progressive revelation of Rome’s greatness. He serves as a real foil to the Romans and shows himself as the first witness of Rome’s renewal : the Roman recovery expresses itself, during the epic, in comparison to him, but also through his realization of it.Lastly, Silius increases Hannibal’s stature, by making him rule more than the second Punic war : the Carthaginian starts a titanic war against the gods ; he also calls for a continuation of the conflict, beyond the epic.Between rehabilitation and enhancement, the presentation of Hannibal in the Punica shows an undeniable innovation from Silius Italicus within the ancient tradition about the Carthaginian : Hannibal, who was yet one of Rome’s most fierce enemies, truly becomes an epic hero.

Théodulf d’Orléans (∼ 760 ?-821) est un évêque et un érudit de la Renaissance carolingienne qui participa activement aux réformes de son époque. Il laissa une abondante œuvre poétique en latin, composée d’environ soixante-dix poèmes pour un total d’environ quatre mille sept cents vers. La thèse en propose, dans le premier volume, une étude systématique qui suit l’ordre d’une collection médiévale connue grâce à l’editio princeps publiée en 1646 par J. Sirmond. Cette étude entend analyser les poèmes de Théodulf en les mettant en relation avec le contexte intellectuel, culturel et historique de la Renaissance carolingienne. Elle s’attache également à mettre à jour les sources patristiques de Théodulf. Partant des nombreux cas de paraphrases d'extraits d'Isidore de Séville, de Grégoire le Grand ou encore d'Augustin, elle s'efforced'en dégager les enjeux, non seulement exégétiques, théologiques ou encore ecclésiologiques, mais aussi poétiques. Le second volume contient une nouvelle édition critique des poèmes de Théodulf, fondée principalement sur l'editio princeps et sur une collation nouvelle d’une soixantaine de manuscrits. Cette édition est accompagnée de la première traductionintégrale en français des poèmes de Théodulf. Un triple étage de notes permet d'éclaircir certains passages, de relever les références scripturaires et d'indiquer les sources classiques et patristiques. Les annexes qui terminent le second volume ont pour but de faire le lien entre l'étude et les poèmes. La thèse, en associant étude, édition, traduction et annexes, s'efforce ainsi de rendre accessible une poésie subtile et complexe, qui illustre le caractère protéiforme de la Renaissance carolingienne. / Theodulf of Orléans (∼ 760 ?-821) was a bishop and scholar who, as part of the Carolingian Renaissance, actively engaged in the reforms of his time. He left a copious poetical oeuvre in Latin, comprising some seventy poems for an approximate total of four thousand and seven hundred lines. This thesis presents, in the first volume, a systematic study which follows the order of a medieval collection, known to us thanks to the editio princeps published in 1646 by J. Sirmond. This study aims at analysing Theodulf's poems by relating them with the intellectual, cultural and historical context of the Carolingian Renaissance. It also endeavours to bring to light Theodulf's patristic sources. Starting with the many paraphrases of extracts from Isidore of Seville, Gregory the Great or Augustine, it purposes to discover what is at stake in this practice, exegetically, theologically, ecclesiologically, but also poetically speaking. The second volume comprises a new critical edition of the poems, based for the main part on the editio princeps and on a new collation of some sixty manuscripts. This edition comes with the first complete translation of Theodulf's poems into French. Three layers of notes are used to clarify some passages, document the scriptural references and indicate the sources, classical as well as patristic. The appendices that close the second volume aim at establishing a link between the study and the poems. By associating study, edition, translation and appendices, the thesis endeavours to give a better access to a complex, subtle poetry, one that illustrates the protean quality of the Carolingian Renaissance.

Catulle, dans le poème 64, invente une ekphrasis d’un nouveau genre : au lieu de décrire une œuvre d’art dans sa matérialité pour la mettre sous les yeux des lecteurs selon la tradition rhétorique, il fait parler son personnage principal, Ariane. En quoi la figure d’Ariane a-t-elle permis à Catulle d’entériner une évolution de l’ekphrasis entamée par la littérature hellénistique, à savoir la focalisation non sur la matérialité de l’objet, mais sur son sens, une réflexion sur les liens entre vision et diction ? Il convient d’éclairer ce poème majeur de la littérature latine en le réintégrant, d’une part, aux multiples représentations figurées d’Ariane dans l’Antiquité et, d’autre part, à la lignée des ekphraseis précédentes, concept entendu au sens de « texte consacré à une œuvre d’art » pour inclure descriptions mais aussi narrations ou courts dialogues comme ceux des épigrammes ecphrastiques. En particulier, la prise de parole de l’objet d’art se révèle un topos épigrammatique hellénistique qui nécessite une étude systématique. Ce motif, baptisé topos de l’illusionnisme de l’art, mesure la qualité d’une œuvre d’art à sa capacité à sembler sur le point de parler, se mouvoir ou prendre vie. La typologie de ce topos met en évidence l’évolution de l’esthétique et de la relation entre poésie et arts figurés. Le poème 64 de Catulle se révèle alors reprendre ce topos – comme de nombreux textes après lui – pour constituer une surenchère illusionniste dans l’ekphrasis où l’œuvre d’art prend vie. La poétique de Catulle trouve un éclairage nouveau qui permet de mieux tracer la réception de l’esthétique alexandrine à Rome et l’influence de Catulle sur les poètes latins postérieurs. / This interdisciplinary dissertation uses text and image studies, intertextuality and metapoetics to analyze the relationships between vision and diction in ekphraseis understood as texts devoted to works of art, and particularly in Catullus’s canonical poem 64. Poem 64 has puzzled many critics by its “disobedient ekphrasis” of a coverlet: not only does it scarcely describe its subject, but it turns into a long monologue by Ariadne, the main figure woven into the coverlet. I argue that, far from disregarding the coverlet, Catullus elaborates on a topos of Hellenistic ekphrastic epigrams that measures an artwork’s value by its illusionist capacity to “seem about to speak” and “come to life”. My extensive classification of the epigrammatic variants of this topos reveals its presence in Catullus through specific keywords. Ariadne’s representation on the coverlet is so lifelike that it starts to speak. Instead of following the critical tradition which considers Ariadne’s speech as another instance of epic or tragic monologue, I analyze it as a major Catullan innovation, in dialogue with the aesthetic debates of his day. Bringing together Hellenistic and Roman figurative arts and literatures sheds a new light on Catullan poetics and, more generally, on the reception of Alexandrian aesthetics in Rome and on Catullus’s influence on posterior Latin poets.

Cette étude a pour origine le constat d'un paradoxe : Junon, grande déesse romaine qui siège au sein de la triade Capitoline, a aussi combattu le projet d'installation d'Énée dans le Latium, a été hostile à l'apothéose de Romulus ou a protégé les Carthaginois d'Hannibal. Si cette hostilité semble a priori le fait des poètes depuis Ennius jusqu'aux poètes augustéens, elle est aussi intrinsèque à la nature de la déesse qui fut celle qui subit le plus souvent le rituel d'euocatio destiné à apaiser la divinité de l'ennemi et à l'intégrer au panthéon romain, comme à Véies en 395 av. Mais surtout, cette colère semble inséparable de la réconciliation finale de la déesse avec les Romains. Enfin, cette hostilité et cet apaisement ont été réactualisés au cours de l'histoire de Rome : guerres contre les Étrusques, les Carthaginois ou guerres civiles. Notre démarche suit un plan chronologique pour analyser la dynamique du phénomène tout en étudiant à la fois le fait religieux et le fait littéraire. / This study results from the observation of a paradox : Juno, great Roman goddess, part of the Capitoline triade, has fought the Aeneas' project to establish a settlement in Latium, was hostile to Romulus' apotheosis and has also protected the Carthaginian army of Hannibal. Juno's hostility was told by the poets since Ennius, up to the augustan poets, but can also be studied in the cultual practice, owing to the fact that she was subject to euocatio-rituel several times as in Veii in 395 BC. The ritual of euocatio has been used in order to calm ennemies' divinity and to integrate it in the Roman pantheon. Moreover, Juno's anger implies to be examined simultaneously with her final reconciliation with Rome. Finally, this hostility and reconciliation underwent some updates during the Roman history : Etruscan, Punic or Civil wars. Our approach follows a chronological plan in order to analyze the phenomenon's dynamics while studying both religious and literary facts.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Avec l'avènement du prince en 27 av. J.-C. s'ouvre à Rome ce qu'on appelle le siècle d'Auguste et qui correspond à une période de révolution à la fois politique, mais aussi culturelle. Auteurs et poètes étaient engagés dans cette réflexion collective sur les fondements de la Ville, son identité, ses rapports avec son prince et ses dieux, I'imperium d'Auguste et les modèles à offrir à la nouvelle génération. La thèse entend étudier la manière dont le poète latin Horace participa non seulement au renouvellement des formes poétiques à Rome, mais aussi à ces réflexions sur le nouus status. Comment la lyrique archaïque grecque qu'il tente d'acclimater à Rome dans ses Odes, mais aussi les mythes grecs qu'il réélabore et fait entrer en résonance avec les enjeux du principat, lui permettent d'évoquer les relations privilégiées de Rome et de son prince ? / With the accession of the princeps in 27 BC, begins in Rome the "Age of Augustus" - a period of political, but also cultural revolution. Authors and poets joined this collective thinking about the foundations of the City, its identity, its relationship with its princeps and its gods, the imperium of Augustus, and the ideals to offer to the new generation... This dissertation aims to analyse how the Latin poet Horace took part not only to the renewal of the poetic forms in Rome, but also to these reflections around the novus status. ln which way the archaic Greek lyric, that he tries to adapt to Rome in his Odes, as well as the Greek mythology, that he recreates to make them echo the challenges of the Principate, make it possible for Horace to conjure the privileged relation ship between Rome and its princeps?

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