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Submitted by Vinícius Lírio (vinicius.lirio@gmail.com) on 2014-08-05T00:22:38Z No. of bitstreams: 1 Tese - Vinícius_Lírio.pdf: 4176343 bytes, checksum: d8f60e7c70598d53b51d5a726bf2824b (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2014-08-05T11:37:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese - Vinícius_Lírio.pdf: 4176343 bytes, checksum: d8f60e7c70598d53b51d5a726bf2824b (MD5) / Made available in DSpace on 2014-08-05T11:37:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Vinícius_Lírio.pdf: 4176343 bytes, checksum: d8f60e7c70598d53b51d5a726bf2824b (MD5) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / O presente estudo apresenta uma série de reflexões deflagradas no contato com a poética do espetáculo DÔ, do Bando de Teatro Olodum com direção do mestre de butô Tadashi Endo. Desenvolvido durante o ano de 2012, esse processo criativo constituiu-se como espaço-tempo de entrecruzamento e atualização de matizes culturais diversos, por meio de um projeto dinâmico que hibridizou princípios de uma prática específica de butô, a de Tadashi Endo, e os traços de uma teatralidade profundamente marcada pelas culturas que a atravessam, aquela do Bando. Considerando essa rede transcultural, as articulações desenvolvidas no decorrer dessa tese sinalizam alguns traços e desdobramentos daquilo que se reconheceu, aqui, como Poéticas Híbridas. Para tanto, foi realizada uma abordagem dessa poética enquanto ato criativo em processo, a partir da apreciação dos rastros da criação, sua maior parte em registro audiovisual, entrevistas com os sujeitos dessa obra, materiais publicados pelos mesmos e expectação do espetáculo em si, a fim de identificar os fenômenos implicados nessa montagem. Junto a isso, os pensamentos de alguns estudiosos das Artes Cênicas, dos campos das culturas e Ciências Humanas, bem como, filósofos, foram basilares para a abordagem e os desdobramentos reflexivos implicados nesta tese, a citar: Christine Greiner (1998; 2000; 2005), no que tange aos estudos do corpo e do butô; Sônia Azevedo (2009) e Lúcia Romano (2008), no que se refere às discussões acerca do lugar do corpo e de seus fenômenos na cena; Stuart Hall (2003a; 2003b; 2006), Homi Bhabha (1996; 2010) e Nestor G. Canclini (1982; 2011), cujos estudos versam sobre os processos identitários e culturais no contexto dos campos híbridos e das nações pós-modernas; Michel Maffesoli (2008; 2007), cujo pensamento sugere diferentes formas de lidar com os fenômenos socioculturais; estudiosos como Jean-Pierre Ryngaert (1995; 1998), Patrice Pavis (2010a; 2010b; 2008) e Sílvia Fernandes (2010), que trazem reflexões importantes para pensar os projetos poéticos na cena contemporânea; por fim, dentre outros, vale citar o nome de Cecília de Almeida Salles (2008; 2009), cujos estudos contribuíram em muito para a abordagem metodológica dessa pesquisa. As articulações desenvolvidas no corpo dessa tese foram desencadeadas a partir de questões relacionadas à poética em si, isto é, seus processos e procedimentos, seu espaço-tempo e os sujeitos nela envolvidos, com o intuito de construir uma rede de pensamentos considerando o modo como foram estabelecidas as conexões, os agenciamentos e mediações entre os desejos, discursos e culturas envolvidas no processo criativo. Esse estudo acabou por mapear os vetores (procedimentos, movimentos, memórias, discursos, práticas, etc.) que, articulados, constituíram essa poética do Bando e de Tadashi. Nesse caminho, foram realizadas uma série de reflexões sem, no entanto, encerrá-las, o que faz deste um estudo de ideias provisórias. / ABSTRACT: This study presents a series of reflections triggered by contact with the DÔ poetics, spectacle of Bando de Teatro Olodum under the direction of the Butoh master Tadashi Endo. Developed during the year 2012, this creative process was established as a space-time of crisscross and update of cultural nuances various through a dynamic project that hybridized principles of a specific practice of Butoh, the one of Tadashi Endo, and traces of a theatricality deeply marked by cultures that cross it, that one of Bando. Considering this transcultural space, the articulations developed during this thesis indicate certain traits and developments of what is recognized here as Hybrid Poetics. Therefore, an approach of this poetic as a creative act in process, from the enjoyment of creating tracks, mostly in audiovisual recordings, interviews with the participants in that work, materials published by them and expectation of the show itself, to identify the phenomena involved in this poetic. In addition, some theoretical thoughts of Performing Arts, fields of cultures and Humanities, as well as philosophers, were fundamental to the approach and reflective developments implicated in this thesis, among them: Christine Greiner (1998, 2000, 2005), in regard to studies of the body and Butoh; Sônia Azevedo (2009) and Lúcia Romano (2008), in relation to discussions on the place of the body and its phenomena in the perfomance; Stuart Hall (2003a, 2003b, 2006), Homi Bhabha (1996, 2010) and Nestor G. Canclini (1982, 2011), whose studies are related to the identity and cultural processes in the context of hybrid fields and post-modern nations; Michel Maffesoli (2008, 2007), whose ideas suggests different ways of dealing with the socio-cultural phenomena; scholars such as Jean-Pierre Ryngaert (1995, 1998), Patrice Pavis (2010a, 2010b, 2008) and Sílvia Fernandes (2010), which bring important insights to think the poetic projects in the contemporary theatre; Finally, among others, it is worth mentioning the name of Cecilia de Almeida Salles (2008; 2009), whose studies have contributed much to the methodological approach of this research. The articulations developed in the body of this thesis were triggered from issues related to the poetic itself, in other words, its processes and procedures, its space-time and the participants involved in it, aiming to build a network of thoughts considering how connections, negotiations and mediations between the desires, discourses and cultures involved were established in the creative process. This study turned out to map the vectors (procedures, movements, memories, discourses, practices, etc.) which, articulated, constituted this poetics of Bando and Tadashi. In this way, a series of reflections were performed without, however, close them, which makes this a study of provisional ideas.

Submitted by Déa Silva (andreabetania@gmail.com) on 2014-10-03T00:43:53Z No. of bitstreams: 2 VOLUME 1 PARA DEPÓSITO NO BRASIL corrigido em 16.09.pdf: 11308548 bytes, checksum: 34c00c50193e2dee1353c16f8f1116cb (MD5) VOLUME 2 (1) EM 16.09.pdf: 24020552 bytes, checksum: 789ec6bac24716a1aea3505d000e1cc6 (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2014-10-03T18:46:25Z (GMT) No. of bitstreams: 2 VOLUME 1 PARA DEPÓSITO NO BRASIL corrigido em 16.09.pdf: 11308548 bytes, checksum: 34c00c50193e2dee1353c16f8f1116cb (MD5) VOLUME 2 (1) EM 16.09.pdf: 24020552 bytes, checksum: 789ec6bac24716a1aea3505d000e1cc6 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-10-03T18:46:26Z (GMT). No. of bitstreams: 2 VOLUME 1 PARA DEPÓSITO NO BRASIL corrigido em 16.09.pdf: 11308548 bytes, checksum: 34c00c50193e2dee1353c16f8f1116cb (MD5) VOLUME 2 (1) EM 16.09.pdf: 24020552 bytes, checksum: 789ec6bac24716a1aea3505d000e1cc6 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta tese investiga a trajetória dos Festivais de Violeiros realizados no Nordeste brasileiro, tendo como fio condutor da pesquisa a poética oral, notadamente a cantoria de improviso. Para construir uma cartografia dos festivais, reflete sobre as mudanças sociais que motivaram o surgimento dessa estrutura mais moderna, o festival, com elementos voltados para o espetáculo urbano como transformação de uma prática mais tradicional, o pé de parede, que acontecia no âmbito rural. O percurso entre a permanência de uma modalidade e o fortalecimento de outra passa pela produção de encontros e congressos que ocupam os espaços da cantoria improvisada, conhecida como repente. A primeira parte, intitulada Improviso e pé-de-parede, volta-se para o caráter estrutural dessa modalidade de poesia oral, enfocando o processo de criação dos versos improvisados, assim como pensa sobre performance a partir do tripé voz, corpo e imagem, que modula a figura do repentista. Além disso, traz uma discussão sobre o envolvimento dos cantadores e das cantadoras com o universo da cantoria desde a infância, a partir da análise das entrevistas realizadas ao longo da pesquisa. A segunda parte, intitulada Festivais: entre rotas e ondas, debruça-se sobre os festivais e busca apresentar uma trajetória a partir dos eventos realizados na Europa e como o modelo adotado no Brasil buscou inspiração nos moldes já em voga nos Festivais de Música Popular Brasileira, por exemplo. Embora a estrutura já fosse utilizada numa vasta tradição de congressos e encontros realizados ainda nos anos 1940, o nome festival passou a ser adotado apenas a partir dos anos 1970. A pesquisa trouxe à tona a existência de rotas que impulsionam o movimento dos festivais. Ao mesmo tempo, verificou-se mudanças na configuração dos eventos, alterando a estética no que se refere à viola, ao verso e à voz, bem como a inserção no circuito da indústria cultural, fomentando a criação de espetáculos voltados para o consumo de massa e valendo-se dos medias como canais de manutenção e expansão. / This thesis investigates the trajectory of Violeiros Festivals held in Northeast Brazil having as common thread of the research the oral poetry, notably the improvisation singing. To build a cartography of these festivals, the research reflects on the social changes that led to the emergence of this more modern structure, the festival, with elements facing the urban spectacle as a transformation from a more traditional practice, o pé de parede, which occurred in rural areas. The route between the permanence of a modality and the strengthening of other involves the production of meetings and conferences which occupy the spaces of improvised singing, known as repente. The first part, entitled Improvisation and pé de parede, aims at the structural nature of this type of oral poetry, focusing on the process of creating improvised verses, as well as thinking about performance from the tripod voice, body and image, which modulates the “repentista” profile. It also offers a discussion of the involvement of the singers and “cantadoras” with the universe of “cantoria” since childhood, from the analysis of the interviews conducted during the research. The second part, entitled Festivals: between routes and waves, addresses festivals and aims at presenting a trajectory from the events held in Europe and how the model adopted in Brazil found inspiration in the pattern still in practice in Brazilian Popular Music Festivals for example. Although the structure had already been used in a wide tradition of conferences and meetings performed in the 1940s, the noun “festival” started to be adopted only from the 1970s. The research revealed the existence of routes that drive the movement of the festivals. At the same time, there are changes in the configuration of events, changing aesthetics in relation to the viola, the verse and the voice as well as the inclusion in the cultural circuit industry, encouraging the creation of shows geared for mass consumption and making use of the media as maintenance and expansion channels.

Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / La présente thèse cherche à étudier les poétiques du tragique dans les uvres d'Euripide (Grèce, v. 484 406 av. J.-C.), de Johann Wolfgang von Goethe (Allemagne, 1749 1832) et de Federico García Lorca (Espagne, 1898 1936) et soutient que, chez les trois auteurs, de telles conceptions esthétiques s'établissent surtout sur la représentation poétique du filicide maternel. L'antinomie tragique engendrée, métaphoriquement, dans le meurtre de l'enfant par les mains de celle qui lui a donné la vie est le thème de Médée (431 av. J.-C.), de la Tragédie de Marguerite (1790) et de Yerma (1934), des uvres fondamentales pour comprendre la vision tragique des trois poètes respectivement étudiés. Le conflit entre le sacré et la raison, en montrant l'affirmation tragique du corps et du féminin, est présent dans les trois uvres. Le parallélisme entre les dimensions politique et esthétique est, par conséquent, patent dans les trois drames, alors que chaque auteur, avec leurs propres contexte et signature, élabore une idée esthétique entièrement singulière autour du tragique. Le dialogue entre littérature et philosophie, ou entre intuition et concept, traverse, dans cette thèse, la lecture du tragique dans la métaphore du filicide. Sous une telle perspective, la Médée d'Euripide s'impose dans le centre du débat entre socratiques et sophistes, et aborde des thèmes, comme l'empire des passions sur la raison, qui ont aussi séduit des auteurs comme Platon, Aristote et Nietzsche. La Gretchentragödie, de Goethe, se présente, de sa part, comme une uvre poétique où convergent les discussions esthétiques les plus chaleureuses de la pensée allemande moderne, comme les questions du "sublime" (Kant, Schiller) et de la "volonté" (Schopenhauer). Yerma, de García Lorca, sera aussi une uvre de convergence philosophique, en exprimant la "nueva manera espiritualista" qui marque la dernière phase de la production lorquienne. La perspective tragique de Nietzsche, dans l'affirmation du corps comme "grande raison", ainsi que le dialogue de Lorca avec la pensée de Miguel de Unamuno sur "El sentimiento tragico de la vida", caractérisent une espèce de tragédie à l'envers, qui nie le sacré et affirme le tragique comme synthèse libertaire du "je", du corps et du féminin / A presente tese investiga as poéticas do trágico nas obras teatrais de Eurípides (Grécia, c. 484 406 a.C.), Johann Wolfgang von Goethe (Alemanha, 1749 1832) e Federico García Lorca (Espanha, 1898 1936) e defende que, nos três autores, as concepções estéticas do trágico se constituem principalmente sobre a representação poética do filicídio materno. A antinomia trágica engendrada, metaforicamente, no assassinato da criança pelas mãos daquela que lhe deu a vida é tema de Medeia (431 a.C.), Tragédia de Margarida (1790) e Yerma (1934), obras fundamentais para compreender a visada trágica dos três poetas aqui, em respectivo, estudados. O conflito com o sagrado e com a razão, ao apontar para a afirmação trágica do corpo e do feminino, frequenta as três obras. O paralelismo entre as dimensões política e estética é, por conseguinte, patente nos três dramas, ao mesmo tempo em que cada um dos autores, com contexto e assinatura próprios, configura uma ideia estética acerca do trágico inteiramente singular. O diálogo entre literatura e filosofia, ou entre intuição e conceito, atravessa, nesta tese, a leitura do trágico na metáfora do filicídio. Sob tal perspectiva, a Medeia de Eurípides impõe-se no centro do debate entre socráticos e sofistas, e aborda temas, como o domínio das paixões sobre a razão, que também aliciaram autores como Platão, Aristóteles e Nietzsche. A Gretchentragödie, de Goethe, apresenta-se, por sua vez, como obra poética aonde convergem as mais calorosas discussões estéticas do moderno pensamento alemão, como as questões do sublime (Kant, Schiller) e da vontade (Schopenhauer). Yerma, de García Lorca, será também uma obra de convergência filosófica, expressando a nueva manera espiritualista que marca a última fase da produção lorquiana: a perspectiva trágica de Nietzsche, na afirmação do corpo como grande razão, assim como o diálogo de Lorca com o pensamento de Miguel de Unamuno sobre El sentimiento trágico de la vida, caracteriza uma espécie de tragédia às avessas, que nega o sagrado e afirma o trágico como síntese libertária do eu, do corpo e do feminino

Este trabalho consiste em uma reflexão teórico-prática sobre a atividade escultórica de Cláudio Ilson Ramos Maciel, desenvolvida no período de 1997 a 2000, como dissertação conclusiva do Mestrado em Artes Visuais da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Este estudo focaliza a análise do processo de formação de esculturas, que tem por princípio a montagem. Parte da seguinte questão: Como abordar, no espaço tridimensional, através da relação matéria-forma, as funções de conter e transvasar, permanecer e passar? Aborda a possibilidade de se relacionar um ajuste entre matéria e forma, no espaço tridimensional, às noções de permanecer e passar que vemos refletidas nos espaços constituídos por certos objetos que visualizamos e que identificamos em nosso cotidiano. / This work is a theoretical-practical reflection about the production by Claudio Ilson Ramos Maciel in sculpture within 1997 and 2000, as Master Degree thesis on Art at the Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brazil. This study focuses the analysis of the process of creation of sculpture, having as a principle the act of mounting. The question is: How to approach, in the threee-dimensional space, through the relation between matter and form, the functions of containing and flowing, staying and passing? It discusses the possibility of relating an adjustment between matter and form, in the three-dimensional space, to the idea of staying and passing that are reflected in the spaces which some objects consist and are identified in the daily life of an individual.

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Este trabalho consiste em uma reflexão teórico-prática sobre a atividade escultórica de Cláudio Ilson Ramos Maciel, desenvolvida no período de 1997 a 2000, como dissertação conclusiva do Mestrado em Artes Visuais da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Este estudo focaliza a análise do processo de formação de esculturas, que tem por princípio a montagem. Parte da seguinte questão: Como abordar, no espaço tridimensional, através da relação matéria-forma, as funções de conter e transvasar, permanecer e passar? Aborda a possibilidade de se relacionar um ajuste entre matéria e forma, no espaço tridimensional, às noções de permanecer e passar que vemos refletidas nos espaços constituídos por certos objetos que visualizamos e que identificamos em nosso cotidiano. / This work is a theoretical-practical reflection about the production by Claudio Ilson Ramos Maciel in sculpture within 1997 and 2000, as Master Degree thesis on Art at the Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brazil. This study focuses the analysis of the process of creation of sculpture, having as a principle the act of mounting. The question is: How to approach, in the threee-dimensional space, through the relation between matter and form, the functions of containing and flowing, staying and passing? It discusses the possibility of relating an adjustment between matter and form, in the three-dimensional space, to the idea of staying and passing that are reflected in the spaces which some objects consist and are identified in the daily life of an individual.

Este trabalho tem origem na inquietação teórica desde a perspectiva do projeto, isto é, desde quem está na posição de, por assim dizer, produzi-lo, atendendo à cadeia de decisões e operações que lhe dão origem. Apoia-se no princípio de que estética constitui reflexão filosófica tanto quanto reflexão empírica de maneira indissociável e complementar. Investiga conceitos que giram em torno de valores, contemporâneos ou não, de estética, de arte, de literatura, e de outras áreas do conhecimento aplicados à arquitetura. Paralelamente, examina obras em sua maioria brasileira e pertencente ao que se acostumou a chamar de movimento moderno; entretanto, inclui significativas exceções ao grupo escolhido. Evitando reduzir as obras em enquadramentos, assim como as ideias em programas fechados, insiste na singularidade e na multiplicidade de cada uma delas para estabelecer uma estrutura em que os capítulos resultam entrelaçados de tal modo que as lições dialogam entre si e as análises constroem pontes entre as obras e entre arquitetos e outros profissionais, delimitando o que é e deve ser a arquitetura. Desse modo, propõe cinco lições fundadas na arquitetura, condicionadas por leituras desenvolvidas a partir de poéticas - construções de linguagens amparadas no campo do fazer -; essencialmente positivas, mas envolvidas na ideia precípua da simultaneidade, e não da linearidade; reiterando permanências, bem como sugerindo a possibilidade de novos pontos de vista para o debate contemporâneo. / This dissertation has its origins in the uneasy relationship with theory that arises in a project, that is, from the perspective of one who is in a position to produce it, so to speak, taking into account the chain of decisions and operations that give rise to it. It relies on the principle that aesthetics is as much a philosophical reflection as it is an empirical contemplation, both inseparable and complementary. It investigates concepts that revolve around the values, contemporary or not, of aesthetics, art, literature, and other fields of knowledge applied to architecture. At the same time, it examines mostly Brazilian architectural works that belong to what has come to be called the modern movement. It does, however, include some significant exceptions. Having avoided their compartmentalization, as well as the disconnection of ideas, it stresses the uniqueness and multiplicity of each work in order to establish a framework in which the chapters are weaved together, allowing the lessons to interact with each other and the analysis to build bridges between works and between architects and other professionals, as well as defining what architecture is and should be. Here are five lessons based on architecture, shaped by readings inspired by poetics - constructions of language based on doing - which are mainly positive, but still concerned with the primary idea of simultaneity, not linearity; reconfirming permanence, as well as suggesting the possibility of new points of view in contemporary debate.

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-05-11T11:26:12Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Simone Simões Gomes - 2017.pdf: 5350257 bytes, checksum: 50e04e5bc44b36972ae82dd6bfc8f71a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-05-11T11:26:27Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Simone Simões Gomes - 2017.pdf: 5350257 bytes, checksum: 50e04e5bc44b36972ae82dd6bfc8f71a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-11T11:26:27Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Simone Simões Gomes - 2017.pdf: 5350257 bytes, checksum: 50e04e5bc44b36972ae82dd6bfc8f71a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-04-13 / This text is a reflection of my research and poetic process that aims at the creation of a visual way of thinking through the investigation of the processes of production of engravings related to “saudade” and affective memories that are accumulated and fade during our lives. Images of family albums, collections of personal belongings, everyday objects and craft tools are important in my research. Imprints and printing plates can be objects loaded with memory, where their engraving process is rich in traces, accumulations, textures, phantasmagoria and blur. In this context I share how my experience during the process of experimenting with the production of engravings was an integral part of the re-signification of contents and artistic production / ste texto é uma reflexão que integraliza meu processo poético e de pesquisa e que tem por objeto a criação de um pensamento visual através da investigação dos processos de produção de gravuras relacionados à lembrança, à saudade e às memórias afetivas que se acumulam e se apagam durante nossas vidas. São fundamentais em minha pesquisa as imagens dos álbuns de família, as coleções de guardados pessoais, os objetos de uso cotidiano e as ferramentas de oficio. Impressões e matrizes podem ser objetos carregados de memória, e seu processo de gravação e impressão resulta rico em vestígios, rastros, restos, acúmulos, texturas, fantasmagorias e apagamentos. Neste contexto compartilho como a minha experiência durante o processo da experimentação da produção de gravuras foi parte integrante na ressignificação de conteúdos e produção artística.

A presente dissertação tem como objetivo examinar alguns poemas que compõem a obra do escritor carioca Paulo Henriques Britto, a fim de que identifiquemos características que constituem sua poética. As análises irão recair sobre temáticas mais saliente de sua obra, como a questão do fazer poético, e as possibilidades de constituição de uma subjetividade. Acreditamos que observar cuidadosamente essa obsessão do autor por determinados temas nos ajudará a compreender características que constituem a lírica sua lírica. / The present dissertation aims at examining some poems that compose the work of the writer Paulo Henriques Britto, in order to identify characteristics that constitute his poetics. The analyzes will fall on the most salient themes of his work, such as the question of making poetic, and the possibilities of constitution of a subjectivity. We believe that carefully observing this author\'s obsession with certain themes will help us to understand the characteristics that constitute his lyric.