Cette thèse se propose d’interroger les enjeux esthétiques et culturels de la réécriture théâtrale contemporaine à partir de trois questions fondamentales : Qu’est-ce que l’on réécrit ? Comment est-ce que l’on réécrit ? A quelles fins/ pourquoi est-ce que l’on réécrit ? Les différentes étapes de notre recherche seront traversées par un souci permanent de re-définir la réécriture en tant que pratique hybride, située à la croisée d’une pratique scripturale et d’une pratique scénique. Après avoir défini la réécriture à la lumière des relations qu’elle entretient avec des pratiques liminaires, nous proposons une typologie des techniques à travers lesquelles l’adaptateur modifie l’univers fictionnel de l’œuvre-source. L’analyse de certains cas de figure marginaux nous permet par la suite de nuancer notre définition de la réécriture. Les deux derniers chapitres tenteront de définir les réécritures comme des œuvres nouvelles qui s’affichent comme des versions des œuvres antérieures, puisqu’elles puisent leurs formes et leurs sens dans les formes et les sens des œuvres de départ. / This thesis aims at analyzing the aesthetic and cultural aspects of contemporary theatrical rewriting, starting from three fundamental questions: What do adaptors rewrite? How do they rewrite? Why do they rewrite? The different stages of our research are characterized by a constant aim at redefining theatrical rewriting as a hybrid practice, situated at the crossroads of a scriptural and of a scenic phenomenon. After having defined rewriting in the light of its relationships with related practices, we propose a typology of the techniques which enable adaptors to modify the fictional universe of the initial work. The analysis of certain marginal case studies enables us to further develop our definition of rewriting. The last two chapters aim at defining rewriting as new works which function as versions of previous works, as they look for their forms and for their meanings in the forms and meanings of previous works.

Cette recherche se propose d'étudier les interactions entre l'espace scénique et la folie dans le théâtre contemporain. À partir de l'étude de scénographies et des lieux dans lesquels elles se déploient, nous souhaitons interroger le recours à la déraison, non pas comme thématique ou comme caractéristique de personnages, mais comme outil de questionnement et de renouvellement de l'espace théâtral. La folie, notion polémique dont l'existence même est régulièrement questionnée, constitue pour certains metteurs en scène et/ou scénographes la possibilité d'une remise en cause radicale du réalisme illusionniste et une passerelle vers la mise en place d'une "réalité théâtrale" au sens où Antonin Artaud l'entendait. Ces interactions peuvent se manifester par les lieux dans lesquels sont joués les spectacles, mais aussi par l'usage de la symptomatologie de la folie (hallucination, délire, rêves) comme élément perturbateur de l'espace scénique. La folie est alors employée pour bouleverser les repères du spectateur, qui n'est plus en prise avec une représentation de sa réalité quotidienne, ni une représentation de l'ambiance du drame ou de l'état mental d'un personnage, mais avec des espaces qui proposent une perception en dehors des normes de la raison. La folie n'apparaît donc plus dans la constitution d'une fable, mais dans la structure même des spectacles. Dans la lignée des recherches de certains groupes futuristes ou surréalistes, certaines mises en scène et scénographies contemporaines cherchent alors à se défaire d'une raison dominante et voit dans la déraison le moyen de remettre en cause l'ordre politique et social autant que l'ordre théâtral. / This research proposes to study existing interactions between scenic space and madness in contemporary theater. By studying scenography and locations where they occur, we wish to question the use of insanity, not as a theme or dimension of a character, but as a tool to question and renew theatrical space. Madness, a subject of debate whose very existence is regularly questioned, appears for certain directors and/or set designers as a way to radically question illusionist realism and as a pathway to a "theatrical reality" as perceived by Antonin Artaud. These interactions may be exploited by the site chosen for staging but also through the use of madness (hallucination, delirium, dreams) as a disruptive element of scenic space. Madness is then used to disorient the spectator : he is no longer exposed to a representation of his daily life, or a representation of the drama’s setting, or the mental state of a character, but with spaces that offer a perception outside the norms of reason. Madness no longer occurs in the creation of a fable, but in the very structure of theater. Along the lines of certain futurist or surrealist groups’ research, some contemporary staging and scenography therefore tries to do away with dominant reasoning, and view insanity as a means to question political and social order as much as theatrical order.

Cette thèse interroge la dimension identitaire des politiques publiques liées aux musiques populaires en France à partir d’une approche spatio-temporelle. En considérant une politique de représentations sonores dans une perspective communicationnelle post-critique, les cultures musicales populaires apparaissent comme le terrain privilégié pour envisager à la fois des moyens de représentation de mouvements culturels et des réalisations concrètes d’actions publiques. La notion de réglementation, en tant que discipline du corps et mode d’accessibilité, donne à voir les rapports de pouvoir et les conflits de définition au sein des médias et des espaces urbains liés aux esthétiques populaires. Cette étude montre d’abord, à partir de l’exploitation d’un fonds d’archives inédit, comment les éditeurs phonographiques français ont mené une politique du disque jusqu’à devenir les seuls représentants de l’industrie musicale auprès des pouvoirs publics. Les industries culturelles ne sont pas seulement l’un des enjeux mais également l’un des acteurs des politiques publiques. De là, nous avons associé une « spatio-analyse » des musiques populaires (au sein de scènes musicales comme des lieux de ressources, de luttes et d’actions) à une étude des médias (comme lieux de défense ou d’abandon d’identités). La mise en perspective de la scène parisienne avec celles de Sydney et de Québec permet de singulariser des ressources locales inscrites dans les problématiques contemporaines de transnationalisation et d’hybridation culturelle, et de situer plus largement les enjeux politiques de la culture. Dans le contexte de pluralisme et de droits culturels des sociétés modernes, nous proposons finalement de revoir les représentations nationales qui guident les modes de gouvernance culturelle. / This thesis studies the identity dimension of French popular music policies from a spatio-temporal approach. By considering politics of sound representations within a post-critical communication perspective, we have defined popular music cultures as the privileged site of study of both means of representation for cultural movements and cultural public policies. The notion of regulation as a discipline of the body and an accessibility mode, focuses on power relations and conflicts of definition in media and urban spaces associated with popular aesthetics. Using analyses based on unpublished archives, we first show in this study how the French phonographic publishers have conducted a policy towards music recordings to become the sole representatives of the music industry from the government’s point of view. Cultural industries are therefore not only the object of cultural policy, but also one of its actors. We then combine a « spatial analysis » of popular music (where scenes are places of resources, struggles and actions) with a media study (media as places of defense or abandonment of identities). Looking at the Parisian scene alongside those of Sydney and Quebec allows the singling out of local resources within the contemporary problematics of transnationalisation and cultural hybridisation and the locating of broader political issues of culture. We finally argue that, within the context of modern pluralist societies and cultural rights, national representations that guide the patterns of cultural governance need to be put into question.

Arbetets syfte är att undersöka berättelseformer i datorspel baserade på tillämpningen av sceneri, avgränsat till spelarens uppfattning av tid och plats. Utifrån de svårigheter som förknippas med framställningen av naturligt förfall och framställningen av teknologiska möjligheter har två hypoteser formulerats; då att spelaren främst skapar sig en uppfattning om spelets tidsperiod utifrån upplevt artificiella objekt, samt att spelaren främst skapar sig en uppfattning om spelets verklighetsförankring utifrån spelets miljö. För undersökningens syfte har en virtuell miljö framställts i tre olika versioner, de två första avsedda att testa arbetets hypoteser avskilt, den senare avsedd att testa båda i samma miljö. Undersökningen har skett genom testspelning av dessa av totalt 30 testdeltagare. Undersökningens resultat styrker arbetets hypoteser, då den första i högre grad än den andra, men påvisar även svårigheter förknippade med sammanförandet av de metoder som tillämpats.

Le but de ce travail de recherche est de construire théoriquement le design comme dispositif communicationnel, d’abord entre deux entités abstraites ou deux “sociétés anonymes” que sont l’art et l’industrie. Ainsi, la première partie a pour objet la définition et l’évolution du sens des mots “art”, “industrie”, “design”. Une deuxième partie vise à définir un concept de design qui se distingue de l’actualisation constituée par le phénomène “design industriel” au cours du dix-neuvième et duvingtième siècle. La troisième partie cherche à mettre en lien ce phénomène avec l’émergence de la scène médiatique et de l’exposition universelle afin de produire la modernité comme religion de l’ère industrielle. Cet ouvrage théorique se propose aussi de mesurer en quoi l’art est altéré par le système industriel, et inversement comment les artistes parviennent à faire progresser une exigence esthétique dans ce système socio-économique / The aim of this research was to build in theory a concept of design as a communication device, first between two groups or moral persons : art and industry. The first part seeks for a definition of “art”, “industry”, “design” ; the emergence and evolution of these notions. A second part is aimed at building a concept of design that would distinguish itself from the usual definition of design understood only in its industrial extent, which is a phenomenon limited to the nineteenth and twentieth centuries. The third part is an attempt to link this phenomenon with that of the emergence of a mediatic worldwide scene and universal exibition in order to produce modernism as a religion for the industrial era. This theoretical work also offers to measure how art is being modified by and through this industrial system, and on the other hand how some artists make the dream of a greater aesthetical attention progress in this system

La notion de contradiction en linguistique a souvent été rejetée en marge des recherches en langues. On considère généralement que la parole contradictoire ou les structures oppositives ne peuvent servir logiquement l’efficacité requise par la théorie traditionnelle de la communication. Pour cette raison, la linguistique traditionnelle tend à considérer ces structures comme artificielles, servant des fins stylistiques ou rhétoriques. Or, nous pouvons observer à l’oral nombre d’énoncés présentant des marques de la contradiction nous amenant à examiner non pas des structures préparées mais bien spontanées, servant des fins communicatives et ayant un effet pragmatique réel dans la communication. Nous montrons que la contradiction s’actualise bel et bien en discours et que l’aporie logique qu’elle manifeste à première vuemet en scène une singularité énonciative. Le locuteur, en effet, met en scène la contradiction moyennant des conditions d’énonciation particulières (polyphonie, négation, connecteurs). Des énoncés présentant des marqueurs de la contradiction sont autant d’indices qui permettent de prendre en compte cette notion et de l’analyser sous une lumière nouvelle. C’est à partir d’un corpus établi sur des enregistrements de français oral spontané que nous mettons au jour les formes morphologiques et syntaxiques qui traduisent la mise en scène de la contradiction à l’oral ainsi que les effets pragmatiques qu’elles engendrent, afin de parvenir à dresser un système possible du fonctionnement de cette structure / The notion of contradiction in linguistics has often been rejected to the margins of language research. We generally consider that contradictory speech or structures of opposition cannot logically serve the effectiveness required by the traditional theories of communication. For this reason, traditional linguistics tends to consider these structures as artificial, serving stylistic or rhetorical goals. Yet, we can observe, in oral speech, numerous utterances presenting marks of contradiction. This brings us to examine not the prepared structures but the spontaneous ones, serving communicative goals and having a real pragmatic effect within communication. This study will demonstrate that such utterances do exist in speech, and that the logical aporia they express at first sight reveals in fact a distinctive enunciative posture. We will showhow the utterer stages this posture through particular conditions of enunciation (polyphony, negation, markers). We will finally analyse the pragmatic effect of the structure of contradiction in and on discourse.The utterances presenting pragmatic connectors are of as many indications which allow us to take into account these notions and to analyse them under a new light. It is from a corpus established on the recordings of spontaneous oral conversations that we attempt to bring up the morphological forms and the syntax which conveys oral contradiction along with the pragmatic effects which it creates, in order to draw up a possible system of the functioning of these structures

L’objet de la thèse est l’illustration des traits distinctifs du travail d’André Antoine au Théâtre Libre. Sa modalité de mettre à la scène est présentée dans son cadre historique à la confluence de nombreux facteurs et elle est lue comme un nœud où plusieurs éléments arrivent à converger. L’analyse des constantes du devenir scénique et des modalités opératives sont mises en rapport avec sa sollicitation continuelle de tous les aspects de l’expérience théâtrale, dictée par l’aversion pour un type de théâtre dépourvu de souffle artistique et ensuite, en dernière analyse, de vérité. On expose la construction de l’espace scénique, inspirée par son attention à l’aspect visuel de la scène, et ses liaisons avec la dramaturgie. Du côté de la dramaturgie on considère le rapport entre Antoine et les auteurs, sa conception dramatique, la constitution du répertoire, l’éclectisme, le caractère de laboratoire et sa contribution à la recherche de la nouvelle formule dramatique. Du côté de la construction de l’espace scénique on considère les décors, les accessoires, l’action des figurants et les effets d’éclairage. On analyse aussi le rôle du Théâtre Libre en rapport avec l’univers théâtral environnant, au moyen d’une réflexion à propos du sens attribuable à son amateurisme, d’une confrontation avec les cercles d’amateurs contemporains et d’un examen de son public. Enfin, on envisage la manière de jouer d’Antoine, sa méthode de construction du personnage et le travail de la troupe / This thesis focuses on the distinctive features of André Antoine’s work at the Théâtre Libre. His staging practice is examined in its historical framework, located at the confluence of various factors, and read as a knot in which several elements come to converge. The constants of his scenic research and of its operative modes are analysed in relation to his ceaseless questioning of the theatrical experience in all its aspects: this approach springs from Antoine’s hostility to a theatre completely devoid of artistic inspiration and, ultimately, of truth. The thesis describes his use of the scenic space, suggested by his attention to the visual aspect of the stage, and its relationships with dramaturgy. As for the dramaturgy, the relations between Antoine and the authors are studied together with his dramatic theory, the making of his repertory, his eclecticism, his experimental attitude and the participation of Théâtre Libre in the search for a new dramatic form. As for the shaping of the scenic space, the thesis examines sceneries, props, the role of walk-ons and light effects. The analysis also takes into account the role of the Théâtre Libre in relation to the contemporary theatrical world, focusing on the meaning of Antoine’s amateurism, on a comparison with the contemporary amateur groups and on the composition of his public. The final part of the thesis is devoted to Antoine’s acting features, to the method through which he built characters and to his company’s work

Cette thèse examine et réévalue l’oeuvre théâtrale d’Osanai Kaoru qui a joué un rôle fondamental pour instaurer le théâtre moderne dit shingeki au Japon et qui a incarné à lui seul le héraut de la modernité en cumulant une multitude de fonctions. Notre étude repose en premier lieu sur les écrits théoriques d’Osanai sur le théâtre et s’articule en trois parties. Tout d’abord nous procédons à l’examen de son parcours multiple et foisonnant en le divisant en trois périodes dans l’histoire du shingeki. La deuxième partie explore son rapport avec la modernité, en traitant d’abord de la réforme visée par lui dans un paysage théâtral dominé par la tradition, ensuite de sa quête du public populaire qui soustend sa seconde phase et qui se complexifie conjointement à sa quête du théâtre national. Par la suite nous examinons l’émergence de la mise en scène, point nodal du théâtre occidental, et son évolution en nous en tenant à trois pièces emblématiques. Enfin nous procédons à l’examen des apports du théâtre occidental au travers de quatre visionnaires : E.G.Craig dans la théorie duquel Osanai puise, puis trois metteurs en scène Stanislavski, Reinhardt et Meyerhold, lui donnant l’occasion d’aborder des scènes occidentales majeures et ayant une grande incidence sur son propre travail. Dans la troisième partie, nous nous consacrons à étudier le rapport complexe d’Osanai avec le théâtre traditionnel, aspect très mal évalué au Japon, principalement le kabuki sans pour autant négliger le théâtre de marionnette [bunraku] et le nô. Nous prolongeons notre réflexion sur le paradigme de la tradition à deux metteurs en scène japonais, Suzuki Tadashi et Miyagi Satoshi (Ku Na’uka). / This thesis consists in examination and re-evaluation of the theatrical works of Osanai Kaoru who played a fundamental rule to launch modern theatre called shingeki in Japan and embodied the herald of modernity accumulating different functions. Our study relies first of all on theoretic writings of Osanai on theatre and is structured in three parts. The first one examines his multiple and rich courses and is divided in three periods along the history of shingeki. The second part explores his relations with modernity regarding first the reform intended by him in a theatrical landscape dominated by tradition, then his search for a popular audience underlining his second phase and becoming more complex in conjunction with his quest for a national theatre. Thereafter we examine the emergence of mise en scène, a concept specific to western theatre and its evolution through the examination of three emblematic plays. Lastly we analyse the contribution of western theatre through four visionaries: first E.G.Craig of whom he has drawn much and then getting in touch with three directors, Stanislavski, Reinhardt and Meyerhold that impacted his own work. All along the third part we study the complexity of Osanai’s relations with traditional theatre, aspect which is not properly considered in Japan, focusing mainly on kabuki without neglecting puppets theatre [bunraku] and nô. We broaden our research on the tradition’s paradigm to two Japanese stage directors, Suzuki Tadashi and Miyagi Satoshi [Ku Na’uka].

Ce projet de recherche, qui comporte un volet créatif, a pour objectif l’exploration des possibilités de mise en scène du mystère français, forme théâtrale qui n’est presque plus jouée, à partir d’éléments empruntés au code de représentation du ta'zieh, une forme théâtrale iranienne encore très vivante. Ce projet de création s’inscrit dans une démarche interculturelle qui vise à mettre en contact deux formes théâtrales religieuses relevant de traditions anciennes. À partir d’un modèle théorique proposé par Patrice Pavis et en nous inspirant de la démarche créatrice de quelques artistes, nous avons monté, dans le cadre d’un laboratoire, un extrait de la pièce de théâtre médiévale Le Mystère de la Passion d'Arnoul Gréban, afin non pas de reconstituer à l’identique les représentations médiévales du mystère français, mais de créer, par l’amalgame de deux formes théâtrales religieuses issues des cultures chrétienne et iranienne, une forme nouvelle.

Syften med den här uppsatsen är att fördjupa kunskapen om hur Alfonso Cuarón använder sigav staging/blocking, kamerarörelse och bildkomposition för att förebåda olycka i filmenRoma från 2018. Studien kommer att använda sig av bildsemiotisk metod för att analyserautvalda scener som kretsar kring huvudkaraktären Cleo och hennes förhållande med Fermínsamt den graviditet som följer.Uppsatsen uppmärksammar Cuaróns användning av långa tagningar och långtskärpedjup, för att kunna nyttja detaljer i bakgrunden av sin mise-en-scène som en kommentarpå förgrunden. Cuarón använder sig av linjer och tredjedelsregeln för att vägleda tittarensögon mot det som är väsentligt. Detaljerna i bakgrunden tillsammans med filmens stagingskapar i sin tur symboler/tecken som förebådar eller varnar för saker som kommer händasenare i filmen.