Submitted by Cristiane de Melo Shirayama (cristiane.shirayama@unifesp.br) on 2018-05-07T21:32:29Z No. of bitstreams: 1 VERSÃO FINAL..pdf: 2915897 bytes, checksum: b3869c42dc91277c07ddd2cc8137752b (MD5) / Approved for entry into archive by Cristiane de Melo Shirayama (cristiane.shirayama@unifesp.br) on 2018-05-07T22:04:06Z (GMT) No. of bitstreams: 1 VERSÃO FINAL..pdf: 2915897 bytes, checksum: b3869c42dc91277c07ddd2cc8137752b (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-07T22:04:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 VERSÃO FINAL..pdf: 2915897 bytes, checksum: b3869c42dc91277c07ddd2cc8137752b (MD5) Previous issue date: 2012-09-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Questo saggio indaga alcuni aspetti costitutivi dell'estetica felliniana, mettendo in primo piano l'elemento umoristico presenti nei suoi film. Questo elemento è collegato con il clown, e attaverso questo elemento siamo arrivati a ciò che noi chiamiamo, in questa dissertazione, di “l’estetica del clownesco”. Nostro punto di partita sono stati le posizioni di Guido Aristarco, un importante difensore del neorealismo italiano, e che ha visto nel cinema de Fellini una sorta di “tradimento” al movimento cinematografico italiano (un movimento molto vicino a una politica realistica, nel dopoguerra ). In questo modo, analizzando il film La Strada (Italia, 1954) e mettendo su fuoco le osservazioni circa dei suoi film e della sua carriera, abbiamo studiato il "Clown" nell'estetica del regista, arrivando a una critica sociale nascosta sotto il riso, che ha nel "clownesco" uno degli suoi aspetti principali. / Este trabalho busca investigar os aspectos constituintes da estética felliniana, colocando em primeiro plano o elemento humorístico nela presente, ligado ao palhaço, de modo a chegar ao que chamamos, no correr da dissertação, de “estética clownesca”. Isso foi possível ao trazer para o debate as posições de Guido Aristarco, importante defensor do neorealismo cinematográfico italiano e que via no trabalho de Frederico Fellini uma “traição” ao movimento italiano do pós-guerra, bastante associado a uma corrente política e realista. Desta forma, por meio da análise do filme La Strada (Itália, 1954) e dos comentários a respeito de outros filmes do cineasta, bem como sobre sua carreira, investigamos o lugar do palhaço na estética de Fellini, chegando a uma crítica social escondida sob o riso, que tem nos elementos clownescos seu principal aspecto (ou o seu ponto alto). / This work investigates some aspects of the Federico Fellini's aesthetics, foregrounding the "humoristic" element, present in his films. This element is quite associated with the “clown” and, through this element, we reach at what we call, in this dissertation, the aesthetic of “clownesco”. We did this after discussing the Guido Aristarco statements, important defender of Neorealism in Italian Cinema, who saw in the Federico Fellini's work a kind of "betrayal" to the cinematographic Italian movement (a movement very close to a realistic policy, in post-war). Thus, by analyzing the film La Strada (Italy, 1954) and focusing on the comments about his movies, as well as his career, we investigated the “Clown” in the filmmaker's aesthetic, reaching a critical social behind the laughter, which has the "clownesco" as its high point.

O presente trabalho investiga, a partir da sociologia do cinema, uma seleção de filmes documentais do cineasta americano Frederick Wiseman (1930-). Trata-se de um documentarista com grande importância para o que ficou conhecido como cinema direto ou cinema vérité, uma corrente cinematográfica que, através de determinados artifícios formais ausência de narração, entrevistas ou intertítulos , causa uma forte impressão de realismo. Com isso, pretendi não apenas melhor compreender a produção deste cineasta como também refletir sobre algumas das construções narrativas presentes em seus filmes e, a partir disso, sobre algumas das relações entre cinema e realismo. Buscando trazer para a discussão este diretor pouco comentado na literatura brasileira, analisei aqui oito de seus filmes, distribuídos em três blocos temáticos: hospitais, exército e lazer. A análise se deu através de uma sociologia do cinema que compreende que a análise deve partir do próprio filme, compreendendo-o enquanto obra e enquanto a principal fonte de informação. No caso deste trabalho, a maneira pela qual Wiseman construiu imagens e narrativas ao longo de sua filmografia é interpretada enquanto uma resposta a uma das questões que permeia o cinema documental, qual seja, de como retratar e detalhar o real. Tendo isso em mente, podemos dizer que a câmera observadora não apenas observa. Ela narra, ela fala e ela argumenta. / In this thesis I investigate, by means of a sociology of cinema, a selection of films by the American filmmaker Frederick Wiseman (1930-). Being a documentary filmmaker of great importance for what became known as direct cinema or cinema vérité, a cinematographic trend that, by means of certain formal devices the absence of voice-overs, interviews of inter-titles leads to a strong impression of realism. Thereby, I intended to not only better comprehend Wisemans production as well as some considerations on the narrative constructions in his films, but also to consider some of the relations between cinema and realism. While I aim to bring forth a debate regarding this rarely discussed director within the Brazilian literature, I here analyze eight of his films, divided in three different themed topics: hospitals, military and leisure. The analysis was done by means of a sociology of cinema, which understands that the investigation must begin with the film itself, understanding it as a piece of work and as the main source of information. In this thesis, the manner by which Wiseman crafted images and narrative over the course of his filmography is seen as an answer to one of the questions that permeates documentary cinema, namely, on how to depict and detail reality. With this in mind, we can say that the observational camera does not merely observe. It narrates, it speaks and it argues.

Esta pesquisa tem por objetivo entender, por meio da análise fílmica, as formas como a temporalidade está presente no imaginário social na modernidade. Para isso, foi inicialmente elaborada uma abordagem histórica da constituição da temporalidade moderna, refletindo sobre a perda da narrativa, e da tradição e as mudanças no significado da morte. A análise dos filmes Dolls, Paris, Texas, Sob a areia e A eternidade e um dia vêm mostrar formas de temporalidade que se apresentam como contraponto àquela hegemônica na modernidade. Em seus temas, são abordados os elementos de ruptura: a errância, o desenraizamento, o luto e a rememoração / This thesis seeks to understand, through filmic analysis, the ways in which temporality is present in the social imaginary of modernity. To do so, it initially elaborates a historic approach to the construction of modern temporality, reflecting on the loss of narrative, tradition and the changing meaning of death. The analysis of the four films Dolls, Paris, Texas, Under the Sand and Eternity and a Day demonstrates forms of temporality that are presented as a counterpoint to that which is hegemonic in modernity. The key themes approached are elements of rupture: wandering, uprooting, mourning and remembering

Esta pesquisa tem por objetivo entender, por meio da análise fílmica, as formas como a temporalidade está presente no imaginário social na modernidade. Para isso, foi inicialmente elaborada uma abordagem histórica da constituição da temporalidade moderna, refletindo sobre a perda da narrativa, e da tradição e as mudanças no significado da morte. A análise dos filmes Dolls, Paris, Texas, Sob a areia e A eternidade e um dia vêm mostrar formas de temporalidade que se apresentam como contraponto àquela hegemônica na modernidade. Em seus temas, são abordados os elementos de ruptura: a errância, o desenraizamento, o luto e a rememoração / This thesis seeks to understand, through filmic analysis, the ways in which temporality is present in the social imaginary of modernity. To do so, it initially elaborates a historic approach to the construction of modern temporality, reflecting on the loss of narrative, tradition and the changing meaning of death. The analysis of the four films Dolls, Paris, Texas, Under the Sand and Eternity and a Day demonstrates forms of temporality that are presented as a counterpoint to that which is hegemonic in modernity. The key themes approached are elements of rupture: wandering, uprooting, mourning and remembering

O presente trabalho investiga, a partir da sociologia do cinema, uma seleção de filmes documentais do cineasta americano Frederick Wiseman (1930-). Trata-se de um documentarista com grande importância para o que ficou conhecido como cinema direto ou cinema vérité, uma corrente cinematográfica que, através de determinados artifícios formais ausência de narração, entrevistas ou intertítulos , causa uma forte impressão de realismo. Com isso, pretendi não apenas melhor compreender a produção deste cineasta como também refletir sobre algumas das construções narrativas presentes em seus filmes e, a partir disso, sobre algumas das relações entre cinema e realismo. Buscando trazer para a discussão este diretor pouco comentado na literatura brasileira, analisei aqui oito de seus filmes, distribuídos em três blocos temáticos: hospitais, exército e lazer. A análise se deu através de uma sociologia do cinema que compreende que a análise deve partir do próprio filme, compreendendo-o enquanto obra e enquanto a principal fonte de informação. No caso deste trabalho, a maneira pela qual Wiseman construiu imagens e narrativas ao longo de sua filmografia é interpretada enquanto uma resposta a uma das questões que permeia o cinema documental, qual seja, de como retratar e detalhar o real. Tendo isso em mente, podemos dizer que a câmera observadora não apenas observa. Ela narra, ela fala e ela argumenta. / In this thesis I investigate, by means of a sociology of cinema, a selection of films by the American filmmaker Frederick Wiseman (1930-). Being a documentary filmmaker of great importance for what became known as direct cinema or cinema vérité, a cinematographic trend that, by means of certain formal devices the absence of voice-overs, interviews of inter-titles leads to a strong impression of realism. Thereby, I intended to not only better comprehend Wisemans production as well as some considerations on the narrative constructions in his films, but also to consider some of the relations between cinema and realism. While I aim to bring forth a debate regarding this rarely discussed director within the Brazilian literature, I here analyze eight of his films, divided in three different themed topics: hospitals, military and leisure. The analysis was done by means of a sociology of cinema, which understands that the investigation must begin with the film itself, understanding it as a piece of work and as the main source of information. In this thesis, the manner by which Wiseman crafted images and narrative over the course of his filmography is seen as an answer to one of the questions that permeates documentary cinema, namely, on how to depict and detail reality. With this in mind, we can say that the observational camera does not merely observe. It narrates, it speaks and it argues.

Submitted by Cristiane de Melo Shirayama (cristiane.shirayama@unifesp.br) on 2018-04-10T18:44:10Z No. of bitstreams: 1 GABRIELAPETERSCREMASCOGONCALVES-DISSERTACAOFINAL.pdf: 1154064 bytes, checksum: 940e0d33f73a872906310f26540ac608 (MD5) / Approved for entry into archive by Diogo Misoguti (diogo.misoguti@gmail.com) on 2018-04-11T12:00:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 GABRIELAPETERSCREMASCOGONCALVES-DISSERTACAOFINAL.pdf: 1154064 bytes, checksum: 940e0d33f73a872906310f26540ac608 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-11T12:00:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 GABRIELAPETERSCREMASCOGONCALVES-DISSERTACAOFINAL.pdf: 1154064 bytes, checksum: 940e0d33f73a872906310f26540ac608 (MD5) Previous issue date: 2013-06-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Fundação Amazônia Paraense de Amparo à Pesquisa (FAPESPA) / Cette dissertation présente les résultats de mon recherche du master BOILESEN, HÉRCULES et VLADO: cinéma et fragments de mémoire ’ x privilégiés de recherche les films Cidadão Boilesen (dirigé par Chaim Litewski, 2009); Hércules 56 (dirigé par Sílvio Da-Rin, 2007); et Vlado: 30 anos depois (dirigé par João Batista de Andrade, 2006), afin d'étudier comment la construction narrative de chaque ’ boration de la mémoire sur la période de la dictature militaire au Brésil. On travaille ici les différents éléments narratifs et esthétiques dans les ouvres – par exemple, les cadres, le rythme de la narration, les mouvements de caméra et la relation entre l'image et les sons (y compris les dialogues) – cherchant ainsi à mettre en évidence les aspects sociologiques qui sont mis en lumière par les trois films. En ce sens, le centre de l'analyse tourne autour des propositions qui visent à penser la mémoire de chaque film parce que, en p p ’ p mémoire qui gagnent force le plus le passé est revisité par le présent. / Esta dissertação apresenta os resultados da pesquisa de mestrado intitulada BOILESEN, HÉRCULES e VLADO: cinema e fragmentos de memória, que utiliza como material privilegiado de pesquisa os filmes Cidadão Boilesen (direção de Chaim Litewski, 2009); Hércules 56 (direção de Sílvio Da-Rin, 2007); e Vlado: 30 anos depois (direção de João Batista de Andrade, 2006), com o objetivo de investigar como a construção narrativa de cada uma das obras enfoca a elaboração da memória do período da ditadura militar no Brasil. Procuramos trabalhar os vários elementos narrativos e estéticos presentes nas produções – como, por exemplo, enquadramentos, ritmo da narrativa, movimentos de câmera e a articulação entre imagem e sons (inclusive diálogos) – buscando assim destacar os aspectos sociológicos trazidos à tona pelos três filmes. Nesse sentido, o centro das análises gira em torno das proposições que buscam pensar a memória em cada filme, pois, em grande medida, os filmes tratam não apenas de um passado vivido, mas de fragmentos de memória que ganham força quanto mais o passado é revisitado pelo presente. / This dissertation shows the results of a master research named BOILESEN, HÉRCULES and VLADO: cinema and memory fragments, that uses as a main research material the movies: Cidadão Boilesen (directed by Chaim Litewski, 2009); Hércules 56 (directed by Sílvio Da-Rin, 2007); and Vlado: 30 anos depois (directed by João Batista de Andrade, 2006), seeking to find how the narrative construction of each movie focuses the memory making about the military dictatorship period. We aim to work the multiple narrative and aesthetic elements present in the productions, such as for example camera framing, narrative rhythms, camera movements, articulation between image and sound (including dialogues) – pursuing to highlight the sociological aspects risen by the three movies. In this sense, the heart of our analysis goes around the prepositions that aim to think the memory of each movie , as, by and large, relate not only to a lived past, but to memory fragments that are strengthened each time the past is revisited by the present.

Submitted by Oliveira Santos Dilzaná (dilznana@yahoo.com.br) on 2016-03-31T18:17:18Z No. of bitstreams: 1 A tese cd Humberto.pdf: 2570701 bytes, checksum: 4ade8eb8aae42cbe4a9d683ae16c3c76 (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Portela (anapoli@ufba.br) on 2016-04-06T14:17:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 A tese cd Humberto.pdf: 2570701 bytes, checksum: 4ade8eb8aae42cbe4a9d683ae16c3c76 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-04-06T14:17:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 A tese cd Humberto.pdf: 2570701 bytes, checksum: 4ade8eb8aae42cbe4a9d683ae16c3c76 (MD5) / CAPES / Esta tese tem por objeto a estética sociológica na produção artística de Glauber Rocha, partindo do pressuposto que este cineasta no conjunto da sua obra cinematográfica, literária e jornalística propõe efetivamente um modo de compreender a realidade do Brasil, da América Latina e da África em consonância com o seu tempo. O estudo privilegia a obra escrita e cinematográfica do cineasta Glauber Rocha entre as décadas de 1950 e 1980. O cinema político de Glauber foi marcado pelo debate sobre a formação da sociedade brasileira e sobre a situação de pobreza dos países da América Latina e da África. Através de seus filmes Glauber, dentre outras motivações, pretendia compreender e analisar a realidade econômica e social brasileira e latino-americana a partir de uma abordagem que se fundamentava na teoria social, em autores como Karl Marx e Georg Hegel, assim como os teóricos contemporâneos Jean-Paul Sartre e Frantz Fanon e também cientistas sociais brasileiros como Paulo Prado, Euclides da Cunha, Sérgio Buarque de Holanda, Gilberto Freyre e Celso Furtado. Glauber propõe uma estética original que se alicerçava na própria realidade social e cultural dos países latino-americanos. A nova estética, do ponto de vista do cineasta, deveria não somente possuir os elementos da própria situação social precária do Terceiro Mundo, mas também deveria através desta ganhar a forma fílmica. Cette thèse vise à l'esthétique sociologiques dans la production artistique de Glauber Rocha, en supposant que ce cinéaste dans l'ensemble de sa oeuvre cinématographique, littéraire et journalistique propose effectivement une façon de comprendre la réalité du Brésil, de l’Amérique latine et de l’Afrique selon son temps. L'étude se concentre sur le travail écrit et filmique du cinéaste Glauber Rocha entre les années 1950 et 1980. Le cinéma politique de Glauber a été marquée par le débat sur la formation de la société brésilienne et sur la pauvreté de l'Amérique latine et de l'Afrique. À travers de ses films Glauber, entre autres raisons, a voulu comprendre et d'analyser la réalité économique et sociale du Brésil et de l'Amérique latine à partir d'une approche fondée sur la théorie sociale, chez des auteurs comme Karl Marx et Georg Hegel, ainsi comme les théoriciens contemporains Jean-Paul Sartre et Frantz Fanon et aussi dans les sciences sociales brésiliennes comme Paul Prado, Euclides da Cunha, Sérgio Buarque de Holanda, Gilberto Freyre et Celso Furtado. Glauber offre une esthétique originale qui a été basé sur la propre réalité sociale et culturelle des pays d'Amérique latine. La nouvelle esthétique, dans le point de vue du cinéaste, devrait non seulement posséder les éléments de la propre situation sociale précaire du Tiers-Monde, mais aussi à travers de cette situation élaborer la forme filmique.

Submitted by Bruno Bispo (bruno.vbb@gmail.com) on 2018-09-14T14:06:57Z No. of bitstreams: 1 bruno_vilas_boas_0.pdf: 2292583 bytes, checksum: a65f5fe001bc3a9a053a885f0150f5d5 (MD5) / Approved for entry into archive by Biblioteca Isaías Alves (reposiufbat@hotmail.com) on 2018-09-25T18:24:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 bruno_vilas_boas_0.pdf: 2292583 bytes, checksum: a65f5fe001bc3a9a053a885f0150f5d5 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-25T18:24:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 bruno_vilas_boas_0.pdf: 2292583 bytes, checksum: a65f5fe001bc3a9a053a885f0150f5d5 (MD5) / Capes / Esta dissertação versa sobre as representações fílmicas da utopia na trilogia “A Batalha do Chile”, do cineasta chileno Patrício Guzmán. Buscando articular uma abordagem materialista da sociologia estética com o desenvolvimento categórico de Ernst Bloch acerca do fenômeno da utopia. O texto analisa os filmes cujas imagens e sons foram tomados em película de 16mm de forma direta no decorrer das movimentações e mobilizações políticas que aconteceram com ao acirramento da luta de classes durante o governo de Salvador Allende, no Chile entre 1970 e 1973. A película fora montada e lançada durante o exílio do cineasta nos anos seguintes ao golpe militar desferido em 11 de setembro de 1973. Ao entender que a arte, através do entrecruzamento entre forma e conteúdo, carrega elementos de representação do mundo social, através de uma análise estético sociológica, buscou-se fazer uma leitura de tais representações construídas no dado momento histórico. Portanto, o objetivo fora constituir um conhecimento acerca da forma como o tema da Utopia fora abordado artisticamente pelo cineasta. No caso do cinema, as soluções técnicas e estéticas constituem a expressividade autoral do cineasta, que formula em sua produção uma dada forma de apresentação da realidade social que constitui ao mesmo tempo sua autenticidade artística e sua visão esteticamente mediatizada do mundo, sendo essa visão legitimada socialmente (dentro dos mecanismos de validação próprios do campo artístico). Nesse sentido, sua obra acaba por ser um objeto privilegiado para o entendimento da arte como fenômeno social, nos seus aspectos estéticos, históricos e sociológicos. Mais especificamente, o filme documentário aqui estudado é influenciado por uma perspectiva cinematográfica vinculada aos elementos de renovação estética dos novos cinemas, sob influência direta ou indireta do cinema soviético (Dziga Vertov, Eisenstein), do neorrealismo italiano, da novelle vague francesa, e do novo cinema latinoamericano. Sofreu impacto direto da proliferação das tecnologias de tomada da imagem e som sincrônico, ambas possibilitadas pela câmera Eclair e o gravador de som Nagra-4, o que deu mobilidade aos cineastas da época, constituindo uma nova estética de um cinema documentário muito mais participativo. Desta forma, seguindo uma tendência à postura politizada dos cineastas da época, o talento de Guzmán na utilização das possibilidades técnicas e estéticas ao retratar a efervescência política de caráter prérevolucionário vivida no Chile retratado, propiciou uma obra autêntica, tida como uma das mais importantes na história do cinema documentário mundial, e que traz uma série de imagens utópicas desse momento histórico. / The present dissertation discusses the filmographic representations of utopia in the trilogy "A Batalha do Chile" ("The Battle of Chile"), by the Chilean filmmaker Patrício Guzmán. It tries to articulate a materialist approach to aesthetic sociology with the categorical development by Ernst Bloch about the utopia phenomenon. The text analyzes the movies whose images and sounds have been taken in 16mm film in a direct way during the political movements and mobilizations that took place with the aggravation of the class fight during Salvador Allende government, between 1970 and 1973 in Chile. The film was edited and released during the filmmaker's exile in the years following the military coup set forth in September 11th 1973. By understanding that art, through the intertwining between form and content, bears representation elements to the social world, and by means of an aesthetic sociological analysis, the present dissertation seeks to read such representations under the light of their historical moment. Therefore, the objective has been to constitute a knowledge about the way the Utopia subject has been artistically approached by the filmmaker. In his case, the technical and aesthetic solutions constitute the filmmaker's authorial expressiveness , which formulates in his production a certain way of presenting the social reality which constitutes at the same time his artistic authenticity and his aesthetically mediatized vision of the world, being this vision socially legitimized (within the validation mechanisms pertaining to the artistic field). In this sense, his work ends up being a privileged object for the understanding of art as a social phenomenon, in its aesthetical, historical and sociological aspects. More specifically, the documentary film presently studied is influenced by a cinematographic perspective linked to the aesthetic renovation elements of the new cinemas, under direct or indirect influence of the soviet cinema (Dziga Vertov, Eisenstein), the italian neo-realism, the french nouvelle vague and the new latin american cinema. It has been under direct impact of the synchronous image and sound capturing technologies, both made possible by the Eclair camera and the Nagra-4 sound recorder, which gave mobility to the filmmakers back then, constituting a much more participative new aesthetics of a documentary cinema. In this way, following a trend to the politized position of the filmmakers of that time, the talent of Guzmán in using the technical and aesthetic possibilities when portraying the political effervescence of prerevolutionary characteristic lived in the portrayed Chile, has enabled an authentic work, considered to be one of the most important in the history of world documentary cinema, and which brings a series of utopical images of that historical moment.

Les objectifs de cette thèse sont de mettre à jour, d\'analyser et de critiquer la conception du cinéma révolutionnaire qui a été portée par le Cinema Novo et s\'est fondée sur le concept de « conscientisation » tel qu\'il a été formulé par les sciences sociales brésiliennes dans les années cinquante. Le Cinema Novo, que nous définirons comme un groupe de cinéastes, soutient une production suivie dans le Brésil des années soixante et se présente comme un cinéma humaniste, ayant pour but la prise de conscience par la population brésilienne des mécanismes sociaux, culturels, économiques et politiques qui expliquent le sous-développement, afin qu\'elle se révolte et fasse la révolution. Glauber Rocha fut la figure de proue de ce cinéma qui ne se résume pas à lui et qui a beaucoup évolué au cours de ses dix ans d\'existence. Nous le verrons en étudiant, entre autres : Sécheresse (Vidas secas) de Nelson Pereira dos Santos, Les Fusils (Os Fuzis) de Ruy Guerra, Le Dieu noir et le diable blond (Deus e o diabo na terra do sol), Terre en transe (Terra em transe) et Antonio-das-Mortes (O Dragão da maldade contra o santo guerreiro) de Glauber Rocha. Notre approche s\'insère dans le champ cinéma-histoire et applique à un nouvel objet d\'étude les méthodes développées sur d\'autres sujets par Michel Marie, Jean-Pierre Esquenazi ou encore Jean-Pierre Bertin-Maghit. Nous verrons ici comment, assimilant cinéma d\'auteur et cinéma révolutionnaire, le Cinema Novo a évité les schémas classiques et manipulateurs d\'un cinéma de propagande sans pour autant établir avec le grand public une relation suivie et devenir ce cinéma populaire de conscientisation idéalisé à ses débuts. / A tese apresentada pretende revelar, analisar e criticar a concepção do cinema revolucionário defendida pelo Cinema Novo fundada no conceito de conscientização formulada pelas ciências sociais brasileiras nos anos cinqüenta. O Cinema Novo, definido aqui como um grupo de cineastas, produz um volume conseqüente de filmes durante os anos sessenta. Ele se apresenta como um cinema humanista que tem por objetivo provocar a compreensão, pela população brasileira, dos mecanismos sociais, culturais, políticos e econômicos que explicam o subdesenvolvimento, para que esta se revolte e faça a revolução. Glauber Rocha foi o líder incontestável deste cinema que no entanto não se restringe a ele e que muito evoluiu durante seus dez anos de existência como veremos estudando entre outros : Vidas secas de Nelson Pereira dos Santos, Os Fuzis de Ruy Guerra, Deus e o diabo na terra do sol, Terra em transe e O Dragão da maldade contra o santo guerreiro de Glauber Rocha. Nossa perspectiva se insere no campo de estudo das relações entre cinema e história e aplica a um novo objeto métodos anteriormente desenvolvidos por Michel Marie, Jean-Pierre Esquenazi e Jean-Pierre Bertin-Maghit. Nós veremos como, a partir da assimilação entre cinema de autor e cinema revolucionário, o Cinema Novo conseguiu evitar os esquemas clássicos do cinema de propaganda sem no entanto estabelecer com o público uma relação estável, nem se tornar esse cinema popular de conscientização idealizado no início dos anos sessenta.