Made available in DSpace on 2016-07-27T14:18:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lucia Kratz de Souza.pdf: 21026097 bytes, checksum: 2e8d3279b71f24fa23c01d1cd359006f (MD5) Previous issue date: 2010-06-17 / The following study was developed with the purpose of analyzing the universe of the Fashion Designer professional that acts specifically on the clothing market, about his/her trajectory, identity, senses and experiences that concerns to his work. It s a case study of descriptive qualitative and exploratory character, developed with 11 Fashion Designers that act on the market of Goiânia, that tried to raise experiences of pleasure-pain, supported on the psychodynamic approach of work. It used individual interviews, which were interpreted through a graphic analysis of the speech. Its specific goals were: 1) to raise the identity and the trajectory of the Fashion Designer professional, the senses of his/her profession, the meanings of art and market, and the work as a creative process; 2) To raise the experiences of the Fashion Designers in relation to the process of work management, analyzing their organization and their work relationships, their conditions and work time; 3) To raise the subjective mobilization of the workers, analyzing the comprehension of their experiences of pleasure-pain and defensive strategies. In relation to the experiences related to their professional identity, their life trajectories, and the senses given by them at work on the art and market relationship, it can be said that Fashion Design is a field that works for money and that the art takes the domain of symbolic and communicative aspects more into consideration than the manufacture and hand abilities. It is also relevant that art and creation are intimately related, according to the view of the interviewed Designers, and that even though it is published art and not pure art , the identification between the art and the work of the designer is significant and positive, even with the conscience of its productive process. In relation to their work organization, it showed some elements that are common experiences of all the people interviewed that didn t pertain to their functional relation: division of work; division of tasks; division of men (leaderships, leaders, etc.); the existence of instruments of evaluation and of quality patterns; and the discrepancy between the prescribed and the real. On the other hand, it showed the lack of standards and patterns of formal procedures; the existence of a long and structured productive process; the high necessity of group/team work; and that they are submitted to an elevated degree of personal judgment, from the company s and from the client s point of view. Among the autonomous and the employed ones, we noticed experiences that are differentiated and not represented by the enterpriser or owners of their own business, as: to deal with the companies that focus on the result rather than on the technical process, and the difficulty to make the owner of the company aware of the real work developed by the Fashion Designer. Now, on what concerns the experiences of the workers subjective mobilization, they are used to minimize their pain, the defensive ideology through contradictory speech. About the pleasure experiences, it shows that the activity of creating fashion is the source of pleasure and the task itself provides balance over the psychological burden, because they are recognized in their own work. This activity, in its own experience is recognized as creative, not overly alienating, producing pleasure. The data showed that the sublimation process experienced by the interviewed participants, that through the freedom of creation, they can deal in a healthy way with the difficulties faced in this field of work. The psychodynamic and the theories related to work, to the creativity and to the Fashion Designer universe proved to be appropriate, relating the process of creation and art with the demands of the consumer market and with the professional practice. It is expected that the understanding and analysis of this study might help the fashion organizations to make strategic choices that allow better results for their teams of collaborators, especially for their Designers. It is also expected that this work might contribute to the humanistic field, on what concerns the psychodynamic work, specifically the psychology / O presente estudo foi desenvolvido com o objetivo de analisar os Designers de Moda, que atuam especificamente na moda vestuária, no que diz respeito à sua trajetória, identidade, sentidos atribuídos ao seu trabalho. Trata-se de um estudo de caso de caráter descritivo e exploratório, desenvolvido com 11 Designers de Moda que atuam no mercado goiano, sendo classificados em três categorias: os autônomos, os funcionários e os empreendedores. Buscouse levantar suas vivências relacionadas ao trabalho, apoiado na abordagem psicodinâmica do trabalho. Seus objetivos específicos foram: 1) Levantar a identidade e a trajetória profissional do Designer de Moda, os sentidos que atribuem à sua profissão, à arte e ao mercado, assim como, seu trabalho como processo criativo. 2) Levantar as vivências dos Designers de Moda em relação ao processo de gestão do trabalho, analisando sua organização, relações, condições de trabalho. 3) Levantar a mobilização subjetiva dos trabalhadores, analisando suas vivências de prazer, sofrimento e estratégias defensivas. Utilizou-se de entrevistas individuais, que foram analisados pela análise gráfica do discurso. No que diz respeito às vivências relacionadas à sua identidade profissional, sua trajetória de vida, e os sentidos atribuídos por eles ao trabalho e em relação à arte e ao mercado, evidenciou-se que a profissão de Designer de Moda serve ao capital e que a arte privilegia mais o domínio de aspectos simbólicos e comunicativos do que as habilidades manuais e artesanais. A arte e a criação estão intimamente relacionadas, na visão dos Designers entrevistados, e que embora seja arte publicada e não arte pura ocorreu a identificação entre a arte e o trabalho do designer. Em relação à organização do trabalho, evidenciaram-se alguns elementos comuns às vivências de todos os entrevistados independente da sua relação funcional: a divisão do trabalho; a divisão das tarefas; a divisão das pessoas (chefias, lideranças, etc); a existência de instrumentos avaliativos e de padrões de qualidade; e a defasagem entre o trabalho prescrito e o real. Por outro lado, evidenciou-se a ausência de normas e padrões de procedimentos formalizados; a existência de um processo produtivo longo e estruturado; a alta demanda por trabalho em grupo/equipe; e o fato de estarem submetidas a um julgamento pessoal, da empresa e do cliente. Em relação às categorias funcionais dos autônomos e empregados, existem vivências um pouco diferenciadas e não representadas pela categoria dos empreendedores ou donos dos seus próprios negócios, como: lidar com as empresas com foco mais no resultado do que no processo técnico, e a dificuldade de conscientização do proprietário da empresa sobre o real trabalho do Designer de Moda. Quanto às vivências de prazer, evidenciou-se que a atividade de criar moda é fonte de prazer e a tarefa em si proporciona equilíbrio sobre a carga psíquica, pois eles se reconhecem no próprio trabalho. Essa atividade é reconhecida como criativa, não excessivamente alienadora e produtora de prazer. Os dados evidenciaram o processo de sublimação vivenciado pelos entrevistados, que através da liberdade de criação, conseguem lidar de forma saudável com as dificuldades enfrentadas neste campo de trabalho. Já com relação à mobilização subjetiva dos trabalhadores, estes utilizam, para minimizar seu sofrimento, a ideologia defensiva através de discurso ideológico que camufla as contradições. A psicodinâmica e as teorias relacionadas ao trabalho, à criatividade e ao universo do Designer de Moda contribuíram para a análise das interfaces entre o processo de criação e arte com as demandas do mercado consumidor e com a prática profissional. A análise deste estudo pode auxiliar as organizações de moda na escolha de estratégias que possibilitem melhores resultados para suas equipes, em especial para os seus Designers.

La réalité que recouvre la notion d’œuvre d'art est complexe et plurielle. Maintes fois remise en question, on lui préfère fréquemment aujourd'hui les termes de "production", "travail", "pièce", "situation". Néanmoins, et malgré les transformations de l'art à l'heure actuelle, peut-on se passer de l’œuvre sans que cet abandon ne relève d'un "extrême artifice"? Nous proposons de l'analyser sous l'angle d'une précarité à la fois intrinsèque et conjoncturelle. L’œuvre est précaire, d'une part, parce qu'elle est un objet de pensée voué à la critique et à la réflexivité depuis son apparition à la Renaissance et sa réception esthétique au dix-huitième siècle. D'autre part, parce qu'elle s'expose aux risques et aux transformations liés aux évolutions de la modernité et de la postmodernité. Une autre forme de précarité, propre à la société contemporaine dans ses fondements capitalistes et technologiques, est interrogée notamment au travers de la production de trois artistes - Pierre Huyghe, Ryan Trecartin et Camille Henrot - dont les œuvres consistent davantage en des champs de relations aux variations multiples qu'en des objets. Quel type d'expérience accompagne la traversée, contingente et fugitive, latérale et fragmentaire, des expositions et des espaces discursifs de ces "œuvres précaires"? / The definition of the artwork is complex and plural. Repeatedly called into question, the terms of "production", "work", "piece", "situation", are frequently preferred nowadays. Nonetheless, and in spite of the current transformations of art, could we do without this notion? Our thesis analyses the work of art from the angle of an intrinsic and temporary precariousness. It is precarious, on one hand, because the work is an object devoted to criticism and reflexiveness ever since its appearance during the Renaissance and its aesthetic reception in the eighteenth century, and on the other hand, because it is exposed to the risks and disruptions of modernity and postmodernity's developments. Another form of precariousness, specific to the capitalist and technological age, is examined through the production of three contemporary artists - Pierre Huyghe, Ryan Trecartin and Camille Henrot. Their works consist more in a field of relations with multiples variations than in objects. What sort of experience should we expect from those exhibitions and discursive spaces of the "precarious work"?

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O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

Esta tese trata sobre a criatividade do amor criante de Deus, como fundamento para a criatividade do ser humano e seu processo de cura na vivência da criação artística. Dentro de uma metodologia interdisciplinar, apoiada numa hermenêutica fenomenológica, se construiu um arcabouço teórico para a compreensão de uma vivência prática na criação da obra de arte, intitulada Caso R., que ocorreu no Atelier de Arte Maria Glória Dittrich, na cidade de Brusque, Estado de Santa Catarina, Brasil. A primeira parte, chamada Vivência, apresenta nos seus três quadros uma abordagem sobre a história de vida da pesquisadora e sua descoberta do tema de pesquisa. Descreve o Caso R. como uma vivência de criação na arte, marcada pelo amor e pelo desejo de ajudar o ser humano e nela ocorre um processo de cura. Por último, apresenta a metodologia da pesquisa do tipo teórico-prático, dentro de uma hermenêutica fenomenológica. A segunda parte, chamada A Compreensão, se organiza em três quadros. O primeiro, mostra os fundamentos da criatividade do corpo-criante. Explica que a criatividade nasce na auto-organização do corpo-criante e sua base é o amor vital. No segundo, apresenta a concepção de corpo-criante como um todo multidimensional sustentado, na sua criatividade, por um fundamento último Deus - amor criante, espiritual, que dá coragem para o ser humano enfrentar a finitude e a infinitude da vida. O segundo, discute sobre a obra de arte como revelação da criatividade do amor criante de Deus e sua relação com a criatividade humana sob o movimento da vida. Aponta a razão profunda como instância capaz de desenvolver a obra de arte e dar sentido a ela. Mostra a obra de arte desde o conceito de revelação como mistério, como êxtase e milagre. Por último, a obra de arte é apresentada como revelação da criatividade do amor criante de Deus para a descoberta de sentido para o viver. O terceiro, mostra uma concepção de cura espiritual como vivência da criatividade do amor criante de Deus no ser humano diante das ambigüidades da vida. Conceitualiza a fé como um sentir-se possuído por uma força espiritual, criadora. Essa força causa impactos na estrutura e organização do corpo-criante, implicando um processo criativo para a cura. A cura espiritual é a manifestação do amor criante do Espírito de Deus, no espírito humano. Essa manifestação é processo de fé no movimento das três dimensões da vida. A terceira parte, intitulada O Testemunho, é a hermenêutica sobre o Caso R. Esta parte está organizada em três quadros. O primeiro, apresenta a descoberta da Maria Glória sobre o fundamento último da criatividade humana nas relações de criação na criação artística. Confirma que essa descoberta levou à tomada de consciência sobre a força do poder da criatividade do amor criante de Deus, para o ser humano descobrir um novo sentido de vida através da criação na arte. No segundo, a revelação da criatividade do amor criante de Deus acontece para Maria Glória e R., dentro de uma experiência inusitada de fé que se tornou palavra encarnada, sinalizando um processo de cura. Por último, apresenta a confirmação da cura espiritual do R., como uma vivência criativa em processo, sustentada pela criatividade do amor criante de Deus no corpo-criante humano e sua auto-afirmação no mundo pela sua criatividade. / This thesis is about the creativity of Gods creating love as basis for the creativity of human being and its cure process at the living experience of artistic creation. In an interdisciplinary methodology, supported by a phenomenological hermeneutic, it has been built a theoretical skeleton for the comprehension of a practical living experience in the creation of the work of art entitled Caso R., which occurred in the art atelier Maria Glória Dittrich, in the city of Brusque, state of Santa Catarina, Brazil. The first part, called Living Experience, shows in its three boards an approach on the researchers life story and her discovery on the subject of research. It describes Caso R. as a creation living experience in art, marked by the love and by the desire of helping human being and in it there occurs a cure process. At last, it shows the methodology of research of the theoretical-practical type, in a phenomenological hermeneutic. The second part, named The Comprehension, is organized in three boards. The first shows the basis of creativity of the creating body. It explains that the creativity grows from self-organization of the creating body and its basis is vital love. On the second, it shows the conception of creating body as a multidimensional whole, maintained, in its creativity, by an ultimate basis God creating, spiritual love, which gives courage to human being to face finiteness and infiniteness of life. The second discusses about the work of art as a revelation of the creativity of Gods creating love and its relation to human creativity under lifes motion. It points out the profound reason as an instance capable of developing the work of art and give it a meaning. It shows the work of art from the concept of revelation as mystery, as ecstasy and miracle.At last, the work of art is shown as revelation of creativity of Gods creating love for the discovery of meaning for living. The third shows a conception if spiritual cure as living experience of creativity of Gods creating love in human being in the presence of life ambiguities. It reputes faith as feeling possessed by a spiritual, creative force. This force causes impacts on the structure and organization of the creating body, implying a creative process for the cure. Spiritual cure is creating love manifestation of God Spirit in human spirit. This manifestation is a faith process in the motion of the three dimensions in life. The third part, entitled The Testimony, is the hermeneutic about Caso R. This part is organized in three boards. The first shows the discovery of Maria Glória about the ultimate basis of human creativity in relations of artistic creation. It confirms that this discovery led to the conscience take about the force of creativity power of Gods creating love, for the human being to discover a new meaning of life through creation in art. In the second, revelation of creativity of Gods creating love happens to Maria Glória and R., in an unsusual faith experience that has become embodied word, signalizing a cure process. At last, it shows confirmation of spiritual cure of R., as a creative living experience in process, maintained by creativity of Gods creating love in the human creating body and its self-affirmation in the world by its creativity.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 117119.pdf: 876523 bytes, checksum: 2d928883296ff247ee2657fcf27780b6 (MD5) Previous issue date: 2014-04-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present dissertation have as objective investigate the theatrical phenomenon from the ideas of Martin Heidegger. For this, understands the theater as a work of art, because there is only poetic happening in this condition. The essence of art is, according perspective of Heidegger, poetry and she unveils the truth of being. For better understanding of what is the poetic happen in theater this question was separated into three responses. The first one refers to the ontic condition of the scene through an outline of your story, where it shows, in this way, what is and isn´t art. The second response intends to overcome the ontic characteristics presented before but not deny them, because the being is not without the entity and, thus, show what is the art. And from this, deepen the layers of "poetic happen", once admit several layers: the opening , glade, technique, originating , time, presence , truth, World and Earth, home , entity and being. The third chapter cares to think about how do to arrive the work of art in the viewer , in another words, how it happens the "poetic happen" in the staging in instance of experience. Here is investigate the availability of the actor while the work of art server, because he is the immediate link in relation of work of art, artist and viewer. Questions such as listening, serenity and donation - three items that Heidegger considers fundamental to the artist let strengthen the work of art and not himself here are focused. As a final reflection the current theater is analyzed and the possibilities and the necessities (or not) of a theater as work of art too, a theater that has as path the sense of being, since art has to unveil and contribute to understanding the current historical time. / A presente dissertação tem como objetivo investigar o fenômeno teatral a partir das ideias de Martin Heidegger. Para tanto, toma o teatro enquanto obra de arte, pois só há acontecimento poético nessa condição. A arte por essência é, segundo a perspectiva heideggeriana, poesia e ela pode desvelar a verdade do ser. Para melhor compreensão do que é o acontecer poético no teatro, tal questão foi desmembrada em três partes. A primeira refere-se à condição ôntica da cena, através de um esboço de sua história, onde se evidencia o que, nesse percurso, é e não é arte. A segunda resposta pretende problematizar as características ônticas antes apresentadas e não negá-las, pois o ser não se dá sem o ente e, assim, revelar indícios do que pode vir a ser arte. E, a partir disso, descamar o acontecer poético, uma vez que admite várias camadas: abertura, clareira, técnica, originário, tempo, presença, verdade, Mundo e Terra, repouso, ente e ser. O terceiro capítulo se ocupa em pensar o modo, o como fazer para a obra chegar ao espectador, ou seja, como se dá o acontecer poético na encenação enquanto experiência. Aqui é investigada a disponibilidade do ator enquanto servidor da obra, pois é o elo imediato na relação entre obra, artista e espectador. Questões tais como escuta, serenidade e doação três quesitos que Heidegger considera fundamentais para que o artista deixe vigorar a obra de arte e não ele próprio são aqui enfocadas. Como reflexões finais são analisados o teatro atual e as possibilidades e necessidades (ou não) de um teatro enquanto obra arte, um teatro que tem como vereda o sentido do ser, uma vez que a arte desvela e contribui para a compreensão do tempo histórico atual.

O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

Esta tese investiga a Ideia e o modo como ela se realiza na obra de arte segundo a Estética de Hegel. No primeiro capítulo, o conceito de Ideia é apresentado nas três formas em que o mesmo se realiza segundo a Lógica enquanto Ciência do Conceito em Hegel. No segundo capítulo, procura-se estabelecer alguns pressupostos históricos da analogia entre belo e organismo e como esta mesma analogia pode ser reencontrada na Estética de Hegel. No terceiro capítulo, mostra-se como a ação também pode ser outra forma de interpretação e elemento estruturador da Ideia realizada na obra de arte. No quarto capítulo, apresenta-se o silogismo (e o juízo) como possível forma de explicação das diversas formas de arte. No quinto capítulo, as duas formas de realização da Ideia, enquanto vida e ação, são apresentadas como duas formas diferentes de expressão da Ideia realizadas respectivamente nas obras de arte das formas particulares de arte clássica e romântica. / This thesis investigates the idea and the way it is realized in the work of art according to Hegel\'s Aesthetics. In the first chapter the concept of idea is presented in three forms as it realizes itself according to the Logic as the Science of Concept in Hegel. In the second chapter, we try to establish some historical presuppositions of the analogy between beauty and organism and how this same analogy can be rediscovered in Hegel\'s Aesthetics. In the third chapter, it is shown how the action could also be another form of interpretation and structuring element of the idea realized in the artwork. The fourth chapter presents the syllogism (and judgment) as a possible form of explanation of the different particular forms of art. In the fifth and concluding chapter, the two forms of realization of the idea, as life or action, are presented as two different forms of expression of the idea realized respectively in the particular forms of art of classical and romantic arts.

O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

Estudo da possibilidade de restauro urbano da cidade patrimônio cultural. Reforça o caráter artístico da cidade, reconhece a sua materialidade através da percepção espacial, e identifica condições físicas de espaços urbanos. Discute suas transformações para a preservação. Adota, como estudo de caso, Serro (MG) reconhecendo sua natureza artística. Interpreta a teoria do restauro de Cesare Brandi focando o espaço urbano percebido, a partir da leitura da cidade antiga brasileira, através dos princípios artísticos de Camillo Sitte. Conclui que a cidade passa por transformações que podem comprometer sua condição artística, necessitando, desta forma, de ações de preservação apropriadas. / Study of possibility of the restore urban of the patrimony city. It reinforces the artistic character of the city, it recognizes your materiality through the space perception and it identifies physical conditions of urban spaces. It discusses your transformations for the preservation. The city of Serro (MG) was used as case study due its artistic nature. This study interprets the Cesare Brandi´s theory of restoration applied the urban space, and this urban space is interpreted through analysis of the brasilian old city (colonial city), according to artistic principles of Camillo Sitte. Like this we ended that the city changes and this change can to alter its artistic nature, imposing apropriate preservation action.