La thèse analyse l’évolution de l’écriture féminine en Sicile aux XIXe et XXe siècles, sur la base d’un corpus de 24 romans de femmes écrivains : Cecilia Stazzone, Rosina Muzio Salvo, Elvira Mancuso, Angelina Damiani Lanza, Adelaide Bernardini Capuana, Maria Messina et Goliarda Sapienza. Dans la première partie, selon une approche socio-littéraire et en utilisant des inédits ou des textes rares mis au jour, nous avons illustré cette production dans l’histoire littéraire et dans la réception (à l’époque et contemporaine), étant donné certains oublis puis redécouvertes ultérieures, grâce surtout à l’activité éditoriale de Leonardo Sciascia (Mancuso et Messina), à la connaissance du rosminien Giuseppe Pellegrino (Lanza) et au succès des traductions françaises (Sapienza). Dans la deuxième partie, nous avons indiqué comment ces femmes écrivains ont différemment représenté la condition féminine de leur époque, en utilisant pendant le Romantisme des modèles romanesques masculins, en développant pendant le Décadentisme des structures et styles personnels qui corrodaient la langue et les schémas constitués, et enfin en créant des formes résolument autres à l’époque contemporaine. Ce sont surtout les romancières de l’époque contemporaine qui ont contribué significativement au développement du genre romanesque au féminin, en particulier Sapienza qui a, de façon unique, modelé au féminin l’autobiographie, le roman-épopée et le roman-enquête. / In this doctoral thesis, we examine the evolution of women’s writing in the XIXth and XXth centuries in Sicily. We based on a corpus of 24 novels by seven women writers : Cecilia Stazzone, Rosina Muzio Salvo, Elvira Mancuso, Angelina Damiani Lanza, Adelaide Bernardini Capuana, Maria Messina and Goliarda Sapienza. In the first part, applying sociological Criticism and using unpublished and rare texts, we show how this production can be understood through the development of textual history and history of reception. There have been some omissions and also rediscoveries, especially thanks to Leonardo Sciascia’s editorial activity for Mancuso’s and Messina’s works, to the Rosminian philosopher Giuseppe Pellegrino for Lanza’s works and to the great success of Sapienza’s French translations. In the second part, we analyze the different forms how these women writers represented the female condition in each phase : during the Romantic age, they followed their contemporary writers’ models, while during the Decadent movement they invented a structure and a personal style so as to erode the linguistic and formal canons. In the contemporary period, they created their own patterns. The women writers of the twentieth century contributed to the development of the female novel, especially Sapienza, who elaborated a personal pattern for female expression in several genres : autobiography, epic and psychological inquiry.

Apparu vers le milieu du XIXe siècle comme jargon dans les cercles artistiques munichois désignant une image de piètre qualité, bon marché, le mot kitsch s’utilise aujourd’hui non seulement dans le monde de l’art mais aussi dans la vie quotidienne toujours avec un sens fortement péjoratif. Considéré en général comme « mauvais goût », « art sans valeur », « camelote artistique », ou « art vulgaire », le kitsch n’est pourtant pas un concept qui demeure seulement dans une dimension esthétique ou artistique. Les divers phénomènes historiques du kitsch, émergés dans le contexte de la modernité, comme « la bib[e]lotomanie », « le roman-feuilleton », « l’art pompier » en France au XIXe siècle, ou encore « la peinture de salon de coiffure » en Corée au XXe siècle, trahissent tous que le kitsch est en effet une attitude que l’homme adopte vis-à-vis de son existence et du monde dans la réalité. L’essentiel de ce concept réside donc dans sa négation ou mieux dans sa fuite de la réalité. Voilà pourquoi la photographie se présente comme un médium qui mérite d’être étudié en rapport avec le kitsch. Médium qui a un lien spécifique par excellence avec le réel, elle ne cesse de faire ontologiquement le va-et-vient entre le présent et le passé, l’instantanéité et l’éternel, l’ici et l’ailleurs, le sujet et l’objet, la vie et la mort, etc. C’est en effet à cause de cette ontologie paradoxale que la photo peut devenir, selon « l’acte photographique », non seulement de l’art mais aussi du kitsch. Ainsi, l’attitude envers ce dernier que les artistes laissent apercevoir à travers leur œuvre photographique s’avère extrêmement variée, et ambiguë, voire même contradictoire tout comme chez Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado et Oliviero Toscani. / Appeared in the mid-nineteenth century as a jargon in the artistic circles of Munich designating a cheap image of poor quality, the term “kitsch” is used today not only in the art world, but also in everyday life, always with strongly pejorative sense. Generally considered as “bad taste”, “worthless art”, “artistic junk” or “vulgar art”, kitsch, however, is not a concept that remains only in aesthetic or artistic field ?. Various historical phenomena of kitsch which had been all emerged in the context of modernity, such as “bib[e]lotomanie”, “serialized novel”, “academic art” in France in the nineteenth century, or “barbershop’s painting” in Korea in the twentieth century, show that kitsch is indeed an attitude of human being toward his own existence and the world. The essence of this concept lies therefore in his negation of reality, or better in his escape from reality. That’s why photography deserves to be studied in relation with the kitsch. Having a specific link with the reality, the medium oscillate ontologically between the present and the past, the instant and the eternity, the here and the elsewhere, the subject and the object, the life and the death, etc. It is indeed because of this paradoxical ontology that the photography can become, according to the “acte photographique” not just art but also kitsch. Thus, the attitude to the latter the artists let reveal through their photographic work turn out extremely varied and ambiguous, even contradictory such as it does in the work of Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado and Oliviero Toscani.

Le texte littéraire avec sa puissance artistique, historique, linguistique, culturelle et sociologique est un support privilégié pour la classe de Français Langue Étrangère. S’appuyer sur la littérature pour enseigner différents aspects de la langue et de la culture françaises – telle est l’idée principale de notre travail de recherche. Mais quel type de texte littéraire choisir ? Paris – la capitale mondiale de l’art et de la culture, Paris – la patrie des écrivains, des poètes et des artistes, Paris – l’endroit le plus visité sur Terre, Paris – le nid des amoureux et des romantiques, Paris rêvé, Paris adoré, Paris fantasmé : avec cette série d’attributs, la Ville-lumière inspirait hier, et inspire encore aujourd’hui, les écrivains et les poètes des quatre coins du monde. C’est un Paris magique, poétique et festif, mais aussi un Paris infortuné et malheureux qui les inspire, les fascine et les pousse à écrire. Un héritage littéraire exceptionnel s’est donc constitué au fil des siècles. Dans cette optique, un corpus littéraire des XIXe et XXe siècles sur Paris, très varié, composé de romans, de chroniques, de recueils de poèmes et de pièces de théâtre, est au cœur de notre thèse. Trois dimensions sont évoquées : linguistique, littéraire et culturelle. L’étude de plusieurs éléments propres à la langue, puis la découverte des spécificités des genres littéraires français, ainsi que la mise en perspective de nombreuses questions relatives à Paris et à ses habitants – tout cela constitue les enjeux de notre travail. Nous démontrons aussi que la littérature ne s’enferme pas sur elle-même, mais qu’elle s’ouvre, va plus loin et embrasse les autres arts tels que la peinture, la photographie et le cinéma. La littérature perce ainsi de nouvelles voies vers la culture française et rend l’enseignement/apprentissage du FLE encore plus dynamique et plus créatif. Différentes approches et techniques sont mises en œuvre afin que ce bagage linguistique, littéraire et culturel soit acquis de la manière la plus efficace possible par les apprenants de FLE. / The literary text with his artistic, historical, linguistic, cultural and sociological power is privileged medium for the class of the French as a Foreign Language. Relying on the literature to teach various aspects of the French language and culture is the main idea of this research. But what type of literary text to choose? Paris – the world capital of art and culture, the home of writers, poets and artists, the most visited place in Earth, the nest of lovers and romantics, Paris dreamed, Paris loved, Paris fantasized: with this series of attributes, the City of light in the past has been and today still is an inspiration for writers and poets from around the world. It is magical Paris, poetic and festive, but also Paris unfortunate and unhappy that inspires, fascinates and drives them to write. An exceptional literary heritage has therefore built up over the centuries. In this context, a literary corpus of nineteenth and twentieth centuries in Paris - very diverse, consisting of novels, chronicles, collections of poems and plays - is at the heart of this thesis. Three dimensions are mentioned: linguistic, literary and cultural. The study of many facts about the language, then the discovery of the specificities of French literary genres, as well as putting into perspective numerous questions on Paris and his inhabitants – all these are topics of my work. I also demonstrate that the literature does not lock in on itself, but opens, goes further and embraces the other arts such as painting, photography and cinema. The literature pierces a new path to French culture and makes teaching/learning of the French as a Foreign Language more dynamic and more creative. Different approaches and techniques are implemented so that linguistic, literary and cultural skills are acquired in the most efficient way possible by the learners of French as a Foreign Language.

À la charnière entre les XIXe et XXe siècles, alors que la question de l’identité nationale se pose avec acuité en Espagne, la guitare y est à maintes reprises évoquée comme « l’instrument national ». Ce lieu commun se révèle finalement être un symbole paradoxal d’une identité encore en débat. Tandis que le cliché caricature la réalité en la simplifiant, les pratiques de la guitare se diversifient au contraire pendant la Restauration, en raison des transformations techniques de l’instrument et de l’évolution de la musique populaire, classique et flamenca. La composition en 1920 par Manuel de Falla de la première pièce pour guitare soliste (Hommage à Debussy) et l’organisation du Premier Concours de Cante Jondo à Grenade en 1922 attestent la progressive reconnaissance de l’instrument. Pourtant, la multiplication des imprimés, favorisée par la loi de liberté de la presse (1883), donne lieu à de nombreuses représentations littéraires et plastiques de la guitare qui ne reflètent pas fidèlement ces mutations. Elles mettent surtout en lumière son caractère populaire, andalou, voire flamenco, et sa capacité à imprégner l’imaginaire. Publiées dans des périodiques andalous ou madrilènes, ces œuvres influencent la réception de l’instrument : celui-ci est à la fois apprécié par un public de plus en plus large, méconnu car il est absent des musées et des institutions, et rejeté selon des critères sociaux et moraux en raison de sa présence dans des lieux décriés. Pourtant, même lorsque le stéréotype est contesté, la guitare revêt une dimension symbolique originale, ancrée dans le quotidien, qui se manifeste à travers l’émotion qu’elle suscite. / During the transition from the nineteenth to the twentieth centuries, when the question of national identity is continuing to develop in Spain, the guitar is repeatedly mentioned as the “national instrument”. This platitude ultimately proves to be a paradoxical symbol of an identity that is still under debate during this period. While stereotypical descriptions caricature the reality by oversimplifying it, on the contrary, guitar practices diversify during the Restoration, because of technical changes in the instrument and the evolution of folk, classical and flamenco music. The composition in 1920 by Manuel de Falla of the first piece for solo guitar (Homenaje a Debussy) and the organization of the First Contest of the Cante Jondo in Granada in 1922 testify to the gradual recognition of the instrument. Yet the proliferation of printed matter, favored by the freedom of the press law (1883), gives rise to numerous literary and visual representations of the guitar that do not accurately reflect these changes. They mostly bring out its popular, Andalusian and even flamenco character, and its ability to impregnate the imagination. Published in periodicals in Madrid or Andalusia, these works influence the reception of the instrument: it is both appreciated by an increasingly wide audience, disregarded for being absent from museums and institutions, and rejected by social and moral standards because of its presence in decried places. Yet, even when this stereotype is disputed, the guitar takes on an original symbolic dimension, rooted in everyday life, which manifests itself through the emotions it provokes. / En la bisagra entre los siglos XIX y XX, cuando la cuestión de la identidad nacional se planteaba con intensidad en España, se aludió muchas veces a la guitarra como el “instrumento nacional”. Este lugar común aparece como un símbolo paradójico de una identidad todavía en debate. Mientras que el cliché caricaturiza la realidad simplificándola, las prácticas de la guitarra, por el contrario, se diversificaron durante la Restauración, debido a las transformaciones técnicas del instrumento y a la evolución de la música popular, clásica y flamenca. La composición en 1920 por Manuel de Falla de la primera obra para una guitarra solista (Homenaje a Debussy) y la organización del Primer Concurso de Cante Jondo en Granada en 1922 dan fe del progresivo reconocimiento del instrumento. Sin embargo, la multiplicación de los impresos, favorecida por la Ley de Policía de Imprenta (1883), dio lugar a numerosas representaciones literarias y plásticas de la guitarra que no reflejaban fielmente esas mutaciones, sino que destacaban, sobre todo, su carácter popular, andaluz e incluso flamenco, y su capacidad de impregnar todo el imaginario colectivo español. Publicadas en periódicos andaluces o madrileños, estas obras influyeron en la recepción del instrumento que, apreciado por un público cada vez más amplio, resultaba también desconocido, por su ausencia en museos e instituciones, al mismo tiempo que era rechazado según criterios sociales y morales por su presencia en lugares considerados deshonrosos. No obstante, incluso cuando se critica el estereotipo, la guitarra posee una dimensión simbólica, enraizada en lo cotidiano, que se manifiesta a través de la emoción que suscita.

Dans l’Amérique et les Caraïbes des XIXe et XXe siècles, l’œuvre du poète national est au cœur d’un trafic d’images qui nourrit un lien social fragile dans un temps où les collectivités reposent moins sur un lien direct entre leurs membres que sur un lien imaginé. Prenant ses distances vis-à-vis des représentations en circulation à son époque, comme les représentations exotiques de la nature, le poète offre une vision démocratique ambitieuse pour l’avenir de la communauté à travers des images nouvelles du territoire, du peuple, de l’esclavage et de l’histoire. L’ethos auctorial encourage l’appropriation de ce discours par le lecteur en désignant le poète comme figure de référence. Mais c’est surtout à travers son procédé d’écriture qui met à mal les normes littéraires de son temps que celui-ci est à même d’influer sur la société. Plutôt qu’ils ne parviennent à saisir l’esprit de leur peuple, Whitman, Martí et Césaire participent par leur travail sur le fragment, les formes populaires ou le tremblement du sens à la création d’un devenir collectif. / In 19th and 20th centuries America and West Indies, the national poet’s works lay at the centre of a traffic of images. This traffic feeds the fragile social ties of young collectivities, at a time when communities are bound by imagination rather than by direct contact between their members. Distancing themselves from the representations of the community circulating at that time, like the exotic images of the New World’s nature, the poet offers an ambitious democratic vision for the future which is channeled through images of the territory, the people, slavery and history. The poet’s ethos encourages the reader to appropriate this discourse by presenting the author as a role model. However, it is mainly thanks to his style, at odds with the literary norms of his time, that the poet is able to act upon society. Whitman, Martí and Césaire do not so much contrive to capture their people’s spirit, as they participate through their work on the fragment, on popular poetical forms or on the destabilizing of meaning, in the creation of a common devenir.