Lê présent travail fait um abordage théorique em relation de différente surface de connaissance comme la Géographie, la Cartographie, Psychologie et la Pédagogie. La recherche pour une meilleur compréhension de notion et concept spatial nous a emmené a contacté des professeurs public, active en classe et étudiants de Pédagogie que sout au 7º période, nous avons appliqué questionnaires et un diagnostic initial avec représentation spatial. Depuis cet diagnostic, a été développé un petit cours de 40 heures, atelier que ont donné la possibilité d agrandir la connaissance, au tant pour essayer de résoudre em partie lês difficultés avec habilité, notion et concept spatial, comme pour associer des explication théorique au connaissance appris en pratique. La recherche a été formé des questions que nous a emmené à plusieurs travail de recherche de profissionnel que sont étudiants de question relationnel à I importance d alphabétisation de cartographie, considérer comme notion base pour I apprentissage géographique. Lês donnés de la recherche ont été obtenu à travers de I instrument qualitatif tel quel: conversation informel avec la responsable du cours de Pédagogie et responsable du stage, analyse de document comme curriculum principal, carte des discipline, conversation avec les étudiantes de Pédagogie, application de questionnaire et développement de atelier lier au thème. Avec ça, nous avons obtenu beaucoup des information que ont permis une analyse quantitatifs des résultats à travers de diagramme, tables et tableau. Ces données ont été systématisées avec le souci de connaître la réalité de professionnels d enseignement fondamental et des étudiantes pédagogiques em formation. Puis d analyse nous avons perçu que les résultats n été pas significatifs selon nous avions attendu, em indiquant certain déficience de domaine des professionnel em relation aux étapes d alphabétisation cartographique, représentation d espace et les élements de la carte. C été perçu pour évaluation comparatifs des activités que les difficultés présenté se passe pendant les procès de formation et se donné em fonction de n avoir pas une discipline du point central libre ou une choix au cours de Pédagogie qu offre une apprentissage plus direct a ce thème em discusson. / O presente trabalho faz uma abordagem teórica relacionando diferentes áreas do conhecimento como a Geografia, Cartografia, Psicologia e Pedagogia. A busca pela melhor forma de compreender as noções e conceitos espaciais nos levou ao contato com professores da Rede Municipal, atuantes em sala de aula e estudantes pedagogos que cursam o 7º período, partindo de aplicação de questionários e um diagnóstico inicial com representações espaciais. A partir desse diagnóstico, foram desenvolvidas em um mini-curso de 40 horas, oficinas que possibilitaram ampliar os conhecimentos, tanto para tentar resolver em parte as dificuldades com habilidades, noções e conceitos espaciais, como para associar às explicações teóricas aos conhecimentos apreendidos na prática. A pesquisa consistiu de questionamentos que nos levaram aos vários trabalhos de pesquisas de profissionais que estudam questões relacionadas à importância da alfabetização cartográfica, considerada como noções básicas para o aprendizado geográfico. Os dados da pesquisa foram obtidos através de instrumentos qualitativos tais como: conversas informais realizadas com a coordenadora do Curso de Pedagogia, coordenadora de estágio, análise de documentos como matriz curricular, ementas das disciplinas, conversas com as estudantes pedagogas, aplicação de questionários e desenvolvimento de oficinas relacionadas ao tema. Com isso, obtemos muitas informações que permitiram uma análise quantitativa dos resultados através de gráficos, tabelas e quadros. Esses dados foram sistematizados com a preocupação de conhecer a realidade dos profissionais do ensino fundamental e dos estudantes pedagogos em formação. A partir da análise, percebeu-se que os resultados não foram significativos conforme esperávamos, mostrando certa deficiência de domínio dos profissionais em relação às etapas de alfabetização cartográfica, representação do espaço e aos componentes do mapa. Percebeu-se pela avaliação comparativa das atividades que as dificuldades apresentadas ocorrem durante o processo de formação e se dão em função de não ter uma disciplina de núcleo livre ou optativa no Curso de Pedagogia que proporcione um aprendizado mais direcionado a esse tema em discussão. / Doutor em Geografia

Cette étude aborde la manière dont l’Orient-Express a été décrit, perçu et imaginé, et s’efforce de mesurer l’écart entre les représentations communes et ce qui se dégage d’un corpus de textes très divers à travers trois grands axes de réflexion :les évocations des itinéraires de l’Orient- Express, les discours tenus sur le train et ses voyageurs, les thématisations et récupérations littéraires dont il a fait l’objet.L’idée directrice du propos est de montrer comment l’Orient-Express, rêve programmé par de très efficaces campagnes publicitaires et suscité par un imaginaire géographique, historique et littéraire puissant, n’a pu pleinement convaincre les voyageurs, mais aussi les écrivains et les lecteurs qui, semble-t-il, ne cessent de déplorer la disparition d’un train et d’un voyage qui n’ont peut-être jamais existé ou qui ne sont jamais vraiment ceux qu’ils imaginaient. / Doctorat en Langues, lettres et traductologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

L’ambition de ce travail est de définir les conditions de possibilité d’une sociologie des œuvres littéraires. Cette démarche est illustrée par l’analyse des articles politiques, critiques littéraires et œuvres romanesques de l’écrivain Maurice Blanchot, de la période de l’entre-deux-guerres à la fin de la seconde guerre mondiale. La sociologie des œuvres littéraires doit être en mesure de produire une analyse de la forme et du contenu des œuvres. C’est en inscrivant notre travail dans la tradition compréhensive que nous tentons de dépasser les obstacles épistémologiques et méthodologiques d’une telle perspective. La compréhension des œuvres et du sens de la pratique littéraire de Blanchot passe par la reconstruction de ses expériences socialisatrices : son histoire de famille, son rapport au corps, à la maladie et à l’amour. Nous posons aussi que son passage à l’extrême droite et sa conception radicale de la pratique littéraire procèdent du même malaise existentiel. / The aim of this work is to define the conditions of possibility of a sociological approach applied to literary works. That approach is illustrated by the analysis of political and literary articles, and novels of the writer Maurice Blanchot, from the inter-war period to the end of the Second World War. We define sociology of literary works as an approach that must be able to produce knowledge about both content and style. We postulate that the theoretical framework of interpretive sociology is the most likely to answer the epistemological and methodological obstacles of such a perspective. We try to evidence that the understanding of the literary works and the literary practice of Blanchot can be achieved by the reconstruction of his socialization experiences: his family history, his relation to his body, to illness and to love. We also postulate that his political commitment at the far right and his radical view of literary practice are based on the same existential unease.

Notre étude s’attache à cerner les figures du sujet lyrique dans la poésie de Jacques Dupin (1927- 2012), Philippe Jaccottet (1924- ) et Jacques Réda (1928- ), trois écrivains majeurs de l’après-guerre dont le travail poétique a contribué à l’évolution de la poésie lyrique contemporaine. Sans pour autant négliger l’œuvre antérieure et postérieure de ces poètes, notre étude se concentrera principalement sur les ouvrages des années 1960 et 1970. A cette période, en effet, la poésie lyrique s’est trouvée prise dans une situation critique sans précédent du fait l’avènement du structuralisme et du « textualisme » proclamé par l’avant-garde. En réaction au textualisme des années 1960 et 1970, Dupin, Jaccottet et Réda poursuivent une quête opiniâtre du lyrisme. Notre étude n’a pour but ni d’élaborer des critères globaux et universels afin de définir les caractéristiques universelles de la « poésie lyrique » en tant que genre littéraire, ni d’élaborer une réflexion philosophique sur le Sujet ou l’En-soi. A travers l’analyse des figures de sujet lyrique, nous étudierons les caractéristiques de chacun de nos poètes, ainsi que les modes de la poésie lyrique au cours de cette période malaisée. La notion de « sujet lyrique » nous servira de paramètre en vue d’éclairer la singularité et l’historicité des poèmes, voire de la poétique propre à chaque écrivain. Traditionnellement, la poésie lyrique est souvent associée à l’emphase ou au sentimentalisme. La poésie de Dupin, Jaccottet et Réda s’acharnent à se dégager de l’embrasse du lyrisme traditionnel encombré d’égocentrisme. La poésie lyrique n’est plus un genre qui exprime les sentiments et la subjectivité du poète. Nos poètes sont à la recherche d’une nouvelle forme de poésie lyrique, qui convienne à leur époque. L’impersonnalité, que nous trouvons souvent dans leur poétique, s’associe à la production d’une nouvelle modalité de la subjectivité, éloignée de la métaphysique de la subjectivité. Le refus d’une certaine forme de subjectivité coexiste avec la recherche d’une parole singulière, ainsi que d’une nouvelle figure de sujet lyrique. / Our study aims to examine the figures of the lyric subject in the poetry of Jacques Dupin (1927- 2012), Philippe Jaccottet (1924-) and Jacques Réda (1928-), three major poet of the postwar whose poetic work contributed to the evolution of contemporary lyric poetry.Without neglecting the anterior and posterior work of these poets, our study will focus mainly on the works of the 1960s and 1970s. At that time, in fact, the lyric was taken in a critical situation without precedent because of the advent of the structuralism and the “textualism” proclaimed by the avant-garde. In response to textualism of 1960s and 1970s, Dupin, Jaccottet and Réda continue an obstinate search of lyricism.Our study doesn’t aim to develop global and universal criteria to define the universal characteristics of "lyric poetry" as a literary genre, nor to develop a philosophical reflection on the subject or the En-soi. Through the analysis of the figures of lyric subject, we will study the characteristics of each of our poets, as well as patterns of lyric poetry during the difficult period. The notion of "lyric subject" will serve as a parameter in order to clarify the singularity and the historical nature of the poems, and those of the poetic peculiar to each writer.Traditionally, lyric poetry is often associated with the emphasis or sentimentality. The poetry of Dupin, Jaccottet and Reda struggle to free themselves from the traditional lyricism based on the egocentricity. Lyric poetry is no more a genre that expresses the feelings and subjectivity of the poet. Our poets are looking for a new form of lyrical poetry, which is suitable for the times. The impersonality, we often find in their poetic, is associated with the production of a new form of subjectivity, far from the metaphysics of subjectivity. The refusal of some form of subjectivity coexists with the search for a singular word and the new figure of lyric subject.

A travers une étude générale des infrastructures de production, l’ambition de cette recherche est double. Il s’agit d’une part de mettre en évidence la centralité du studio dans l’organisation de la production cinématographique française des années 1930, mais également de montrer quel a pu être l’impact des évolutions de fonctionnement des studios au cours de la décennie sur les conditions de travail et les modes de sociabilité des ouvriers et techniciens du film. Cette thèse ne se contente pas de rassembler des données factuelles et de dresser un inventaire des structures de production dans la France de l’entre-deux-guerres, elle étudie également les dynamiques d’une branche de l’industrie cinématographique en pleine évolution - les studios – tout en faisant de l’humain – ouvriers et techniciens du film - le pivot de la réflexion. L’analyse des dimensions techniques, économiques et humaines des studios français dans les années 1930, se déploie en trois parties correspondant à trois périodes marquées par des dynamiques différentes.La première partie (1929-1930), aborde la question du passage au parlant en privilégiant une approche descriptive des installations ; elle dresse un tableau de la situation en 1929 et analyse les nouvelles dynamiques économiques et techniques qui modifient en profondeur le paysage des studios français à l’aube de la décennie. La deuxième partie (1931-1933), s’attache à mettre en lumière le fonctionnement quotidien des studios, leur rôle dans la formation et la carrière des professionnels mais également leur impact sur la vie économique et sociale des territoires dans lesquels ils sont implantés. Enfin la troisième partie, (1934-1939), soulève la question du modèle de développement des studios français. Premières victimes de la crise de la production des années 1934-1935, les ouvriers et techniciens du film sont les premiers à réagir, répondant à la dégradation de leurs conditions de travail et de rémunération par un mouvement de revendications et de luttes sociales qui agitent les studios durant toute la seconde moitié de la décennie. / Throughout this general study of the production facilities, the goal of the research is two fold. It aims first at establishing the centrality of the studios in organizing the French movie production in the 1930’s. It equally looks at showing what have been the impacts of the changes which had affected the functioning of the studios during this decade on the working conditions and sociability modes of the working class and technicians of the film industry. Not only this PhD gathers evidences and draws an inventory of the production facilities in the France between the two world wars, but it also studies the dynamics of a fast evolving branch of the film industry, the studios, while making of the human - workers and technicians of the film industry - the centre of the reflection. The analysis of the technical, economic and human dimensions of French movie studios in 1930’s, unfolds in three parts corresponding to three periods marked by different dynamics. The first part (1929-1930), discusses the transition to talking cinema favoring a descriptive approach of the facilities; it paints a picture of the situation in 1929 and analyzes the new economic and technical dynamics that profoundly altered the landscape of French studios at the beginning of the decade. The second part (1931-1933) , aims to highlight the daily operation of the studios, their role in the training and career of professionals but also their impact on economic and social life of the territories in which they are located. Finally, the third part, (1934-1939), raised the question of the development model of French studios. First victims of the crisis of 1934-1935 production year, workers and technicians of the film are the first to react, responding to the deterioration of their working conditions and compensation by a movement of demands and social struggles that stir the studios throughout the second half of the decade.

L’écrivain Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) est l’auteur d’une œuvre qui introduit, en Espagne, une écriture dont la critique souligne très tôt la singularité. En 1912, il crée les Greguerías, forme littéraire brève et ludique, immédiatement commentée pour sa nouveauté mâtinée de subversion. Celle-ci se diffuse en quelques années dans la presse espagnole et reçoit un écho favorable hors des frontières de la Péninsule. Jusqu’en 1962, Ramón Gómez de la Serna publie, dans les journaux ou sous forme de volumes anthologiques, ces courts paragraphes qu’il définit comme l’union de l’humour et de la métaphore, et où il allie la recherche de la dissonance à un travail poétique sur notre perception du monde. C’est pourtant la forme tardive de la greguería qui est la mieux connue et rares sont les études qui ont posé la question de la formation littéraire de Ramón Gómez de la Serna, tant dans les lectures qui ont pu influencer l’auteur que par les choix éditoriaux qui ont présidé à la naissance des greguerías. La présente étude prétend réévaluer la situation littéraire de Ramón Gómez de la Serna dans son contexte de formation, celui des années 1910, où les modèles d’écriture et de professionnalisation, au travers d’une collaboration quotidienne aux journaux et revues de l’époque, sont les fondements esthétiques essentiels de l’œuvre future de l’écrivain. Dans ce cadre, la prose ramonienne offre alors un nouvel éclairage sur la nature plurielle et syncrétique de ce que j’ai appelé le creuset esthétique des années 1910 en Espagne. / Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) was the author of a work that introduced in Spain a kind of writing whose singularity was very early underlined by the critics. In 1912, he created the Greguerías, a brief and playful literary form which was immediately commented on for its novelty tinged with subversion. Within a few years, that form spread throughout the Spanish press and was welcomed in a positive way outside the frontiers of the peninsula. Until 1962, Ramón Gómez de la Serna published numbers of these short paragraphs in newspapers or anthologies. He defined them as the alliance of humour and metaphor, and combined there his research into dissonance with a poetical work on our perception of the world. Yet, it is the later form of the greguería that is best known today; very few studies have focused on the literary education of Ramón Gómez de la Serna and raised the issue of the readings which may have influenced the author or o! f the editorial choices which gave birth to the greguerías. The purpose of this study is to reassess the literary position of Ramón Gómez de la Serna within the context of his training, that of the years 1910. The models of writing prevailing then and the vocational dimension the craft took on at the time — shaped by a daily collaboration with newspapers and magazines — were the essential aesthetic foundations of the writer’s future work. In this context, the Ramonian prose sheds a new light on the plural and syncretic nature of what I have called the aesthetic ferment of the years 1910 in Spain.

La présente thèse se donne non pas un mais deux objets d’étude : le théâtre tchèque des années 1960 d’une part, d’autre part la représentation imaginaire qui en est faite a posteriori. En suivant la « méthode » d’Edgar Morin et la « mythanalyse » de Gilbert Durand en tant que deux principales inspirations théoriques, ce cheminement commence par « un prologue » (1re partie) qui revient sur les héritages du passé, du XIXe siècle aux années 1950. Un « épilogue » (3e partie) prolonge la réflexion sur l’immédiat après-1968 mais aussi sur notre époque, qui est celle d’une célébration de cette décennie. La décennie des années soixante est étudiée de manière métadisciplinaire pour rendre compte d’un phénomène aussi riche que complexe (2e partie). Le re-nouveau théâtral des années 1960 arriva de deux fronts analysés dans deux parties consécutives de la thèse : d’une part par les grandes scènes institutionnelles grâce aux oeuvres d’Otomar Krejča au Théâtre National de Prague, du « triumvirat » Miloš Hynšt, Evžen Sokolovský et Bořivoj Srba au Théâtre d’État de Brno, et l’œuvre singulière d’Alfréd Radok (Laterna Magika, mélangeant théâtre et cinéma) ; d’autre part grâce aux petites scènes indépendantes. Ces dernières, très nombreuses, se divisaient en deux groupes : « les théâtres de petites formes » et les « petits théâtres », les premiers (comme Semafor, Cimrman, le « Non-théâtre » d’Ivan Vyskočil, ou le Théâtre Noir de Jiří Srnec) s’attachaient aux genres mineurs et pratiquaient différentes formes d’humour ; les seconds (comme le Théâtre Sur la Balustrade et Théâtre Za Branou) restaient attachés au texte dramatique.fronts analysés dans deux parties consécutives de la thèse : d'une part par les grandes scènes institutionnelles grâce aux œuvres d'otomar krejča au théâtre national de prague, du « triumvirat » miloš hynšt, evžen sokolovský et bořivoj srba au théâtre d'état de brno, et l'œuvre singulière d'alfréd radok (laterna magika, mélangeant théâtre et cinéma) ; d'autre part grâce aux petites scènes indépendantes. ces dernières, très nombreuses, se divisaient en deux groupes : « les théâtres de petites formes » et les « petits théâtres », les premiers (comme semafor, cimrman, le « non-théâtre » d'ivan vyskočil, ou le théâtre noir de jiří srnec) s'attachaient aux genres mineurs et pratiquaient différentes formes d'humour ; les seconds (comme le théâtre sur la balustrade et théâtre za branou) restaient attachés au texte dramatique. / The purpose of this dissertation thesis is double: in one hand to analyse the Czechs theatre of Sixties, in the second to examinate the imaginative representation of this artistic period in our days. Edgar Morin’s “Method” and Gilbert Durand analysis of myths are the principal elements of the theorical approach used. The first part called Prologue is dedicated to the historical legacy of Czech theatre (from XIX c. to the socialist realism of 1950’s.) The third part called Epilogue opens a reflexion on the heritage of the theatre of the 1960’s after 1968. The main part is study of renewal in Czech theatre in two parts. First of all, on main national theatre scenes (such as National Theatre in Prague, State Theatre in Brno) in work of such creators as Otomar Krejča, Miloš Hynšt, Evžen Sokolovský et Bořivoj Srba; secondary also in the universe of little theatre groups (Laterna Magika, Semafor, Cimrman, No-Theatre of Ivan Vyskočil, Black Theatre of Jiří Srnec).

Adulé ou détesté, l’op art a marqué les esprits par son incroyable réception populaire. Damiers à renflements, moirage, jeux de trompe-l’œil, clignotements épileptiques… Avec son insatiable appétit scopique, cette avant-garde a fait l’objet de nombreux réemplois dans la publicité, le design, la mode, à la télévision, et plus que jamais au cinéma. Art de l’œil et du mouvement, sa géométrie illusionniste avait matière à s’y épanouir – la moindre caméra décuple ses vertus de métamorphose. A l’inverse, ses gadgets sophistiqués ont sublimé à moindre coût les décors de science-fiction, son économie pulsatile a piloté des mises en scène d’horreur et de suspense, et le cinéma réaliste en a fait un puissant miroir de la société. Pourtant, l’histoire de l’art a longtemps ignoré voir blâmé ces reprises. Comme à l’époque, on les ravalait au rang de la récupération. C’étaient sinon le symptôme d’un art décérébré, décadent, vulgairement rétinien. Il importe aujourd’hui de les reconsidérer. Comment ces « œuvres de prolongement » travaillent les imaginaires de l’op art ? Au cours de ses réemplois, que perd et gagne une œuvre d’art ? A travers trois capitales, Paris, Londres et Rome, cet essai décrypte les enjeux d’une fascination visuelle dans un après-guerre hanté, bouleversé par l’imagerie médiatique (guerre froide, fabrication du consentement) et les technologies engageant l’œil et le cerveau (contre-espionnage, cryptanalyse). Cette thèse se réclame des « factual studies », une approche nouvelle, non moins iconographique que les visual studies, mais davantage sensible à une pensée de l’événement. Soit la rencontre des faits historiques avec les refoulés de l’histoire. / Worshiped or hated, op art is famous for its amazing popularity. Raised checkboards, moiré patterns, trompe l’oeil games, epileptic flashes… Because of its insatiable scopic appetite, this artistic movement was abundantly used in advertising, fashion, television and, above all, in movies. Art of the eye and the motion, its illusionist geometry could find a large expression in cinema – a shaking camera could increase its metamorphic power. Its sophisticated gadgets magnified science-fiction sets at minimal cost, its stroboscopic aesthetic fuelled the staging of horror films and thrillers, and realistic cinema has used it as a faithful mirror of society. However, history of art has always condemned this kind of reuse and was reluctant to study it. As in the sixties, one considered it as an enterprise of looting, or even as the sign of a decadent, enervated and strictly retinal art. Visiting three capitals, Paris, London and Rome, this thesis aims at decrypting issues related to visual fascination in a post-war time challenged by the media imagery (Cold War, manufacturing consent) and the new technologies such as counter-espionage and cryptanalysis. What does an artwork win or lose through its transformations? To what extent do these “objects of extension” reflect the fantasy of op art and even of society? While taking into account the historical dimension, this study experiments a new research method : the “factual studies” – that is however equally iconographic as the “visual studies”. In other words, the encounter of historical events and repulsed history.

Cette thèse examine l’image de mode éditoriale en contexte(s), au sein de la presse magazine américaine entre les années 1960 et les années 1980, à travers une étude de cas sur les publications mainstream Vogue, Harper’s Bazaar et un nouveau magazine, Interview. On postule que la production photographique de ces trois titres représente à la fois le cœur de leur activité et de ces objets matériels, en raison de leur positionnement, de leurs codes et de leurs objectifs. On étudiera comment, dans ce cœur et à travers ses « grandes » séries éditoriales, se dégage un certain rapport à l’image comme plateforme entre une production collaborative et des réceptions, ainsi qu’une fonction de négociation par rapport au contexte historique. A travers l’étude des conditions de production des images, puis à travers leur analyse, et enfin par l’examen de leurs circulations, on démontrera l’existence d’une norme mainstream manifestant un certain conservatisme. Puis nous nous interrogerons sur les négociations éventuelles avec cette norme, sans cesse contestée, changeante en surface mais tenace.Un examen attentif de l’ensemble des tensions et des compromis au fil des moments de flottement que sont les décennies 1960 à 1980 nous permettra d’aboutir, sur la période étudiée, au constat qu’il existe bien un système articulé autour d’un discours hégémonique très difficile à questionner tant il est puissant et, en fin de compte, fermé. Ainsi, de manière transversale à tout notre travail, il émergera que l’ensemble des images de mode éditoriales est varié, mais lissé par un discours des magazines construit sur le long terme. Pourtant, il offre aussi bien des modèles que des contre-modèles, des contre-discours et des contre-points qui tous se déploient dans un cadre strict et souple, fermement orienté et adaptable, même s’il comporte quelques possibilités de subversion, toujours exercées à la marge. On conclura, en définitive, à la puissance de ce système, normé quoique toujours à l’équilibre entre des tensions contradictoires, structuré autour d’un format très fort, se nourrissant et s’exprimant par l’image de mode qui reste son fleuron. / This doctoral thesis examines fashion editorials through a case study of three American magazines in context, from the 1960s to the 1980s: Vogue and Harper’s Bazaar, two mainstream publications, and a new magazine then, Interview. It is postulated that the photographic editorial production of those magazines is central to them – as material objects, and as the core of their activity as well, both aspects enabling and unfolding their positions, their codes and their purposes. By looking at major editorial series, I explore how these images stand out as "contact zones" between a highly collaborative production process and their receptions, and how their function is also one of negotiation with regards to its context.A close analysis of the conditions of production, the content and the circulations of these images demonstrates that magazines express undeniable conservatism through the perpetuation of a mainstream norm. However, as this norm constantly changes on the surface, I argue that conditions regularly emerge for it to be negotiated. An attentive study of the tensions and compromises unfolding in the « uncertain moments » that characterize the period running from the 1960s through the 1980s demonstrates the existence of a powerful system. Structured around a coherent and hermetic narrative, it proves indeed hard to challenge. Yet, as this thesis argues, the ensemble of editorial fashion images homogenized by these long-term processes is in fact varied and diverse. If these images construct models, they also offer counter-models, counter-narratives and counter-points. All these possibilities converge into a strict but agile framework, firmly oriented by its producers but adaptable, even though its subversive potential is only realized at the margins.This system—structured around a powerful format—is highly restrictive yet it still performs a constant balancing act between conflicting tensions and goals, fueled by and unfolded in the fashion images at its core.

[ES] El planteamiento inicial de esta investigación surgió buscando una justificación lógica que ayudara en la interpretación de la música que los compositores tratan de plasmar por escrito en la partitura, a través de indicaciones en ocasiones poco concretas, con la finalidad de explicar al oyente la trama argumental y la expresividad inherente de la pieza. Con este estudio se pretende descubrir los patrones de trabajo utilizados por Franz Liszt en el diseño de estructuras pequeñas o microformas musicales, para así poder establecer el nexo entre éstas y lo que quiere evocar o describir con ellas. Para ello surge la propuesta de catalogar los recursos descriptivos y procedimientos compositivos y pianísticos usados por el pianista y compositor húngaro. El buscar e interrelacionar la idea programática de sus obras con el pensamiento descriptivo musical que las inspiró, analizar los recursos compositivos que utilizó para profundizar en la razón expresiva que motivó la importante transformación y renovación de las formas clásicas que efectuó y por último, estudiar el proceso de elaboración individual de la estructura formal de cada obra, así como buscar los paralelismos o semejanzas con las ideas descriptivas y las figuraciones o recursos musicales empleados por Franz Liszt. / [CA] El plantejament inicial d'aquesta investigació va sorgir buscant una justificació lògica que ajudara en la interpretació de la música que els compositors intenten plasmar per escrit a la partitura, a través d'indicacions de vegades poc concretes, amb la finalitat d'explicar a l'oient la trama argumental i la expressivitat inherent de la peça. Amb aquest estudi es pretén descobrir els patrons de treball utilitzats per Franz Liszt en el disseny d'estructures menudes o microformes musicals, per poder establir el nexe entre aquestes i el que vol evocar o descriure amb elles. Per això sorgeix la proposta de catalogar els recursos descriptius i procediments compositius i pianístics usats pel pianista i compositor hongarès. Buscar i interrelacionar la idea programàtica de les seves obres amb el pensament descriptiu musical que les va inspirar, analitzar els recursos compositius que va utilitzar per aprofundir en la raó expressiva que va motivar la important transformació i renovació de les VI formes clàssiques que va efectuar, finalment, estudiar el procés d'elaboració individual de l'estructura formal de cada obra, així com cercar els paral·lelismes o semblances amb les idees descriptives i les figuracions o recursos musicals emprats per Franz Liszt. / [EN] The initial approach of this research arose looking for a logical justification that would help in the interpretation of the music that the composers try to capture in writing in the score, through indications sometimes not awfully specific, to explain to the listener the plot and the inherent expressiveness of the piece. The aim of this study is to discover the work patterns used by Franz Liszt in the design of small structures or musical microforms, to establish the link between them and what he wants to evoke or describe with them. For this, the proposal arises to catalog the descriptive resources and compositional and pianistic procedures used by the Hungarian pianist and composer. The search for and interrelate the programmatic idea of his works with the musical descriptive thought that inspired them, analyze the compositional resources that he used to delve into the expressive reason that motivated the important transformation and renewal of the classical forms that he carried out and finally, study the process of individual elaboration of the formal structure of each work, as well as looking for the parallels or similarities with the descriptive ideas and the figurations or musical resources used by Franz Liszt. / Esplugues Esplugues, FJ. (2023). Procedimientos y recursos descriptivos del lenguaje pianístico de Franz Liszt. Los tres années de pèlerinage S.160, S.161 Y S.163 [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/202193