A presente pesquisa consiste na análise de um processo de criação que parte da captura de fragmentos do cotidiano para sua remontagem em pílulas sonoras e audiovisuais, propondo diferentes possibilidades de ocorrências e de instauração dos trabalhos. Para tanto, é feita uma contextualização dos aspectos característicos desta produção em articulação com obras de outros artistas e pesquisadores. Neste sentido, são investigadas as práticas de registro e edição audiovisual, seus estudos correlatos, e as questões conceituais e teóricas envolvidas na constituição deste trabalho. / This reasearch consists of the analysis of a body of work that captures fragments of everyday life situations for reassembly into sound and audiovisual pills, offering different possibilities of works occurrences and its establishment. Therefore, we contextualize the characteristic aspects of this production in conjunction with the works of other artists and researchers. In this sense, audiovisual recording and editing practices are investigated, its related studies, and the conceptual and theoretical issues involved in the creation of this work.

Esta dissertação tem como campo empírico uma determinada escola da rede privada de Porto Alegre, RS (Escola Projeto), que contempla a arte contemporânea em seu currículo e que convida artistas a construírem esse trabalho em parceria. Como proposta de investigação, busca olhar para os movimentos que esse modo de pensar a arte provoca em professoras e artistas visuais que se aventuram para, juntos, viverem a escola e a educação, produzindo pensamento e estranhando práticas naturalizadas e acomodadas pelo tempo e pelo uso. Pensar o estranhamento nas práticas docentes, instigadas pelas provocações da arte contemporânea, sugere uma aproximação à noção de discurso, tendo em Michel Foucault o principal referencial teórico. Discurso que emerge a partir de conversas e entrevistas com os sujeitos de pesquisa e que são analisadas dentro do campo discursivo que as envolve, neste caso, arte e educação. Movimentos e discursos interessam a esta pesquisa, pois atuam no sentido de olhar para as práticas tidas como mínimas ou basiquinhas, termo usado por um dos sujeitos de pesquisa, e contribuem para pensar na contramão da acomodação e da generalização, tão presentes no modo como a escola vem se constituindo historicamente. Por tratar da arte e da docência, encontrando pontos de encontro e de conflitos entre os fazeres artísticos e pedagógicos, termos como rigor, criação e participação são analisados desde esses dois pontos de vista. Ao olhar para esses encontros, apostando na possibilidade de exercícios de modificação, criação e compartilhamento, ganha força o conceito de docência artista, apresentado por Luciana Loponte, na relação com uma formação docente artista, termo que nasce nesta pesquisa e que se refere a uma formação contaminada, acompanhada e encharcada pelo contato próximo com a arte contemporânea, capaz de rever as relações mais seguras sobre ensinar e aprender, nas artes e para além delas. Desse modo, mais do que buscar resultados ou apontar soluções, esta dissertação busca realizar apostas: na docência, com suas dúvidas e estranhamentos; na escola, com sua possibilidade de educar sem consolação; na arte contemporânea, com sua abertura para provocar rupturas e para desestabilizar o pensamento. É, portanto, nos encontros entre docência, escola e arte contemporânea que esta escrita desenvolve-se, adquire intensidade e potência. / This thesis has as an empirical study a certain private school in Porto Alegre, RS (School Project), which includes contemporary art into its curriculum as well as invites artists to build this partnership work. The bulk of this thesis is devoted to looking at what the moves that this way of thinking art instigate teachers and visual artists who venture to jointly live school and education, reasoning and wondering practices which are naturalized and accommodated by time and use. Thinking strangeness in teaching practices, instigated by contemporary art provocations, suggests an approach to the notion of discourse, having Michel Foucault as the main theoretical framework. Discourse that emerges from conversations and interviews with research subjects that are analyzed within the discursive field that these conversations involve, namely, art and education. Moves and discourses are subjects of interest to this research as they act in order to look at the practices taken as minimal or rough (basiquinhas), a term used by one of the research subjects, and contribute to think against of the grain of accommodation and generalization, as present in the way school has historically constituted. As this thesis discusses art and teaching, finding junction and conflict points between artistic and pedagogical doings, terms such as strictness, creation and participation are analyzed from these two standpoints. When looking at these junctions, focusing on the possibility of modification, creation and sharing exercises, gains strength the concept of artist teaching profession (docência artista), presented by Luciana Loponte, in relation to an artist teacher training (formação docente artista), a term born in this research which refers to an infected training, soaked and accompanied by close contact with contemporary art, able to review the most secure relationships on teaching and learning in the arts and beyond. Thus, more than seeking results or pointing solutions, this thesis aims at investing: in teaching, with its inquiries and strangeness; in school, with its ability to educate without consolation; in contemporary art, with its opening to cause disruptions and to destabilize the thought. It is, therefore, matches between teaching, school and contemporary art that this thesis develops, acquires intensity and power.

La recherche intitulée Aproximação de fragmentos capturados: uma poética em desenho e colagem (L’assemblage de fragments capturés: une poétique en dessin et collage) se centre sur une investigation poétique fondée sur le dessin et qui débute par la capture d’éléments qui sont collectionnés pour être ultérieurement mis en rapport. Le dessin est vu comme un langage propice à des contaminations, par son histoire, ses matériaux et par les qualités d’enregistrement, intimité et inachevé qui se lient à lui. Dessiner c’est une manière de connaître et comprendre visuellement le monde, mais aussi de garder ces perceptions – possibilité qui est ici renforcée par l’utilisation du collage. La rencontre qui a lieu entre les fragments qui constituent le travail est vue comme un potentiel de construction poétique des images et la thèse se développe autour de l’hypothèse du sens construit plus dans les relations établies entre les composants d’un travail ou une série que dans ses unités. Cela implique que les efforts de rapprochement entrepris par le collage préservent quelque chose de fragmenté. Moyennant la pratique artistique, l’observation et analyse réflexive du processus de travail lui-même et ses relations avec le champ de l’art, la recherche a déclenché des réflexions au sujet des fondements du dessin et du collage; des documents de travail, la collection et le bricolage; des stratégies d’appropriation et opérations de transports d’images. Pour finir, tout en considérant que la rencontre implique aussi une distance, dans le contexte de cette recherche, on raffermit la quête de la non-dissimulation des renforcements, par l’évidence de la coupe et sa cicatrice. On a la bordure comme métaphore de la discontinuité et de la fragmentation caractéristiques de travaux élaborés moyennant le montage. / A pesquisa intitulada Aproximação de fragmentos capturados: uma poética em desenho e colagem centra-se em uma investigação poética fundada no desenho e que se inicia pela captura de elementos que são colecionados para posteriormente serem colocados em relação. O desenho é visto como uma linguagem propícia a contaminações, pela sua história, seus materiais e pelas qualidades de registro, intimidade e inacabado que se ligam a ele. Desenhar é uma maneira de conhecer e entender visualmente o mundo, mas também de guardar essas percepções – possibilidade que é aqui reforçada pelo uso da colagem. O encontro que acontece entre os fragmentos que constituem o trabalho é visto como um potencial de construção poética das imagens e a tese desenvolve-se em torno da hipótese de que o sentido é construído mais nas relações estabelecidas entre os componentes de um trabalho ou série, do que nas suas unidades. Isso implica que os esforços de aproximação empreendidos pela colagem preservam algo de fragmentado. Por meio da prática artística, da observação e análise reflexiva do próprio processo de trabalho e suas relações com o campo da arte, a pesquisa desencadeou reflexões acerca dos fundamentos do desenho e da colagem; dos documentos de trabalho, a coleção e a bricolagem; das estratégias de apropriação e operações de transportes de imagens. Por fim, considerando que o encontro também implica em uma distância, no contexto desta pesquisa reforça-se a busca pela não dissimulação das emendas, pela evidência do corte e da sua cicatriz. Tem-se a borda como metáfora da descontinuidade e da fragmentação características de trabalhos elaborados por meio da montagem. / The research named Aproximação de fragmentos capturados: uma poética em desenho e colagem (Approximation of captured fragments: a poetic in drawing and collage) is a poetic study based in drawing, which begins by collecting captured elements in order to later correlate them. Drawing is seen as a language vulnerable to contamination, which can be due to its history, its materials and the quality of its records, the intimacy and the unfinished that connect to it. To draw is a way to visually recognize and understand the world, but also to keep these perceptions – a possibility that is reinforced in this study using collage. The encounter of the fragments in this study is seen as a potential image poetic construction, in which this thesis is developed around the hypothesis that meaning is built in established relationship among the components of a work or series rather than in its units. This implies that the approximation efforts of the collage preserve a fragment trace. Through the practice of art, the observation and the reflexive analysis of the work process and its relationship to the art field, this research initiated reflections on the drawing and collage fundamentals; work documents; the collection and bricolage; appropriation strategies and operations of image transportation. Finally, considering that the encounter also implies distance, this research reinforces the search for a non-dissimulation of the seam, evidencing the cut and its scar. The border is a metaphor of discontinuity and fragmentation, which are characteristics of works elaborated through montage.

A presente pesquisa busca desenvolver um pensamento reflexivo entrecruzando teoria e prática artística. Para tanto, o texto tece considerações acerca de trabalhos constituídos através de deslocamentos, tendo como disparador inicial a sequência de visitas a lugares cujos topônimos incluem a palavra “meio” ou “meia”, conforme acontece no projeto (Des)localização do Meio. Outros lugares também são visitados, não integrando o conjunto supracitado, porém compreendendo o que se chama aqui de “outras rotas”. Independentemente da definição de cada um, o fato de trabalhar sempre com os mesmos lugares e isolá-los de seus contextos agrega-lhes um caráter (des)locado. Nesse processo, são importantes os seguintes aspectos: o termo “meio”, que surge como articulador poético na criação dos trabalhos e na escrita; a “cartografia”, por evidenciar questões de transitoriedade, provisoriedade e (des)localização; os “títulos” dos trabalhos, que agem como elo entre o sensível e o conceitual e como disparador de contextos outros para além dos visitados; a “paisagem”, pensada como uma relação (aquilo que se encontra entre nós e o lugar); a “rota”, que configura o caminho traçado, a experiência do trilhado, o ponto de partida e o de chegada aos lugares visitados, bem como o modo de elaboração de imagens; a “fotografia”, que dá corpo à prática artística ora investigada, mas que frequentemente desliza para outros meios, uma vez que, de mesmo modo, são realizados trabalhos em vídeos, publicações, desenhos, instalações, objetos, etc. Frente às considerações acima, os diferentes conceitos que atravessam a pesquisa e os distintos modos de apresentação dos trabalhos assinalam o “trânsito entre meios” anunciado no título desta abordagem. / This study conducts reflexive thinking combining theory and artistic practice. It presents considerations about works constituted through movements, with the initial stimulus being a series of visits to places whose toponyms include the word “meio” or “meia” [which in Portuguese can mean middle, medium or milieu] as found in the project (Des)localização do Meio [Shifts in the Milieu]. Other places are also visited, which are not part of this group, although they include what we call “other paths.” Regardless of the definition of each one, the fact that we always work with the same places and isolate them from the contexts gives them a (dis)located character. The following aspects are important in this process: the term “meio” which appeared as a poetic articulator in the creation of the works and in the writing; “cartography,” because it reveals the transitory, provisory and (dis)location; the “titles” of the works, which serve as a link between the sensitive and the conceptual and as a trigger of the other contexts beyond those visited; “landscape”, thought of as a relationship (that between us and a place); and the “path”, which shapes the route taken, the experience of the trail-traveled, the starting and arrival points of the places visited, as well as the form of elaboration of images; “photography”, which gives shape to the artistic practice being investigated, and which frequently slips into other mediums, given that works are also conducted in video, publications, designs, installations, objects, etc. Given these considerations, the different concepts found in the study and the various modes of presentation of the work indicate the “transit between milieus” indicated in the title of this approach.

Esta dissertação é consequência de uma pesquisa em poéticas visuais que aborda e articula modos de intensificação das potencialidades do corpo humano como abertura, meio de inscrição e disseminação da vida como obra em processo. O corpo é pensado como lugar e limite de onde o sentido parte, partilha, colide e compõe com outros corpos. O trabalho se constitui em cinco volumes, ao mesmo tempo autônomos e vinculados entre si. Em cada um deles, dimensões da experiência vital, conjugadas a procedimentos artísticos, são exploradas e apresentadas de diversas maneiras. Assim, a soma de segmentos que resultam no conjunto da dissertação abre um espaço de relações contíguo ao deslindar do seu próprio contorno, canteiro que se mede e se faz simultaneamente. / This dissertation stems from research conducted on visual poetics, which starts with an overview and analysis of ways of intensifying the human body’s potential, and proceeds to explore ways of inscribing and disseminating life as a work in progress. The body is reflected as a place and a limit from which meaning originates, splits, collides, and creates with other bodies. This paper consists of five volumes, all of which are independent, yet connected at the same time. In different ways, each volume presents and explores life combined with artistic procedures. Thus, the sum of all the presented elements that come together in this dissertation, opens a space of relations, contiguous to the unraveling of its own contour like a workspace that is simultaneously being measured and created.

Arte em partilha trata das práticas colaborativas em arte contemporânea em seu processo de consolidação. Ao se utilizar do termo “partilha do sensível”, de Jaques Rancière, a pesquisa reflete sobre estas práticas a partir de três pontos: desmaterialização do objeto da arte, espaço de ocorrência e o outro. No capítulo OUTRA COISA, estas práticas são tratadas como elementos de novas formas de fazer na arte contemporânea e de como o objeto-coisa transforma-se em objeto processo. No capítulo OUTRO LUGAR a questão da espacialidade e endereçamento destas ações é discutidas. Em O OUTRO, é refletido de como a inserção do outro no processo artístico perpassa a questão do espectador. Ao longo do texto, são utilizados projetos dos artistas: Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de La Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra e Luis Alárcon (Galeria Metropolitana), Antoni Abad, Leticia Bertagna e Janice Martins Sitya Appel. / Art in distribution deals with collaborative and participative practices in contemporary art in its consolidation process. Using the term "distribution of the sensible" by Jaques Rancière, the research reflects on these practices from three perspectives: dematerialization of the art object, spatiality and the other. In chapter OTHER THING, these practices are analyzed as elements of new ways of art making in contemporary art and how the object-thing transforms into an object-process. In chapter OTHER PLACE, the issue of spatiality and addressment of these actions is discussed. THE OTHER reflects how the inclusion of the other in artistic process permeates the question of the spectator. Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de la Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra and Luis Alarcon (Metropolitan Gallery), Antoni Abad, Leticia Bertagna and Janice Martins Sitya Appel are the artists used as cases for this research.

Resumo não disponível

Este trabalho possui como tema o mercado da arte em Porto Alegre entre as décadas de 1990 e 2000, com foco no que denominamos de mercado da arte contemporânea. Volta-se a uma abordagem a partir do produtor primário, em outras palavras, o artista. Ou seja, na tríade “produtor, intermediários e consumidor”, a perspectiva adotada está centrada no produtor. Possui como objetivo averiguar e compreender as mais variadas mercadorias produzidas e comercializadas pelos artistas, assim como sua inserção em um mercado de trabalho. Deste modo, esta pesquisa não se limita a considerar somente o processo de compra e venda de obras, mas se propõe a entender e refletir sobre como os artistas participam de um processo produtivo e mercadológico entre 1990 e 2012 em Porto Alegre. Para tal entendimento, constitui-se uma pesquisa interdisciplinar entre arte, sociologia e economia, tendo como aporte teórico Pierre Bourdieu, Domenico de Masi, Michael Hardt, André Gorz e Maurizio Lazzarato. A pesquisa foi constituída a partir de três vertentes. A primeira, via entrevistas com atores locais do campo artístico (artistas, colecionadores, galerista, curadores, professores universitários). A segunda, através de enquete disponibilizada e divulgada via internet, que pretendeu atingir o maior número possível de agentes locais. A terceira, por meio de revisões bibliográficas a respeito da estrutura e história de um sistema artístico e seu mercado em Porto Alegre. Assim, esta proposição discute a condição do artista inserido em um sistema artístico, produtivo, mercadológico e seus meios de aquisição de capital financeiro, simbólico e de permanência no campo. / The theme of this work is the art market in Porto Alegre between the decades of 1990 and 2000, focusing on what we call contemporary art market. Its approach is on the primary producer, in other words, the artist. I.e., in the triad "producer, middlemen and consumers", the adopted perspective is centered on the producer. It is aimed at finding out and understanding the various goods produced and marketed by the artists, as well as their insertion in a labor market. Thus, this research is not limited to considering only the process of buying and selling works, but it aims to understand how artists participate in a production and a marketing process between 1990 and 2012 in Porto Alegre. For such understanding, it constitutes an interdisciplinary research between art, sociology and economics, having as theoretical basis Pierre Bourdieu, Domenico de Masi, Michael Hardt, André Gorz and Maurizio Lazzarato. The research has three strands. The first one, via interviews with agents from the local field (artists, collectors, gallery owners, curators, university professors). The second one, through a survey available and disseminated via the Internet, which sought to reach the largest possible number of local agents. The third one, through literature reviews on the structure and history of an art system and its market in Porto Alegre. Thus, this proposition discusses the status of the artist inserted into an artistic, productive and marketing system and their means of acquisition of financial, symbolic and permanence capital in the field.

A presente pesquisa busca compreender a elaboração de um discurso institucional sobre arte em Goiás no período de 1990 a 2012, a partir dos agentes envolvidos nos museus e galerias de arte do Estado, e os artistas em destaque e circulação neste circuito artístico. Para tanto, retomo alguns processos históricos e políticos vinculados à construção de Goiânia apresentando o projeto de modernidade com o qual Goiás envolveu-se na criação de suas primeiras instituições culturais e artísticas. Esse discurso foi contraposto, durante os anos 90, por uma nova produção que promoveu um intenso trânsito pelo país através de salões, prêmios e exposições. Diante deste panorama, a partir da década de 2000, observa-se a entrada de alguns agentes nas instituições artísticas pesquisadas e o processo de incorporação da produção contemporânea que desencadeiam. Ao operarem a legitimação de artistas e obras, eles, concomitantemente, realizam sua própria legitimação dentro do circuito e, por conseguinte, a institucionalização da arte contemporânea no Estado. Para proceder o exame das questões modernas e contemporâneas proponho como chave interpretativa a ideia de continuidade, mais que de ruptura. Como suporte metodológico foi usado o paradigma indiciário para análise dos dados coletados como exposições e/ou salões, agentes envolvidos e em trânsito por estas instituições e os artistas e obras que são incorporadas aos acervos museológicos da região, demonstrando um movimento direcionado mais no sentido do deslocamento. / This research attempted to understand how the people - from the agents involved in the museums and art galleries in the state to the artists who were prominent in this artistic circuit - elaborated an institutional discourse about art in Goiás in the period between 1990 and 2012. In order to do that, I retook historical and political processes related to the construction of Goiânia by introducing what was the project of modernity with which Goiás became involved on the creation of its first cultural and artistic institutions. These discourse was rejected by a new production that promoted an intense displacement through the country in awards and exhibitions during the nineties. Some agents entered the researched artistic institutions and unleashed the contemporary production incorporation process from the year 2000 because of this scenario. At the same time that they operated the legitimacy of artists and works, they held their own legitimization within the circuit; as a result, they legitimated the institutionalization of contemporary art in Goiás. I propose the idea of continuity rather than a rupture as a interpretation key to conduct the examination of these phenomenon related to modern and contemporary issues. The methodological support was based on the evidence paradigm for data collected analysis such as the exhibitions, the agents involved and in transit through the institutions, and the artists and works that are incorporated into museum collections in the region, affirming a movement that is more directed towards displacement.

A tese tem por finalidade problematizar a produção de sentido na arte contemporânea. O foco de investigação está voltado para as experiências estéticas dos alunos em saídas pedagógicas à 8ª Bienal do Mercosul. A pesquisa caracteriza-se por uma abordagem qualitativa que busca compreender os significados atribuídos pelos sujeitos às suas experiências. Fundamenta-se no conceito de experiência de John Dewey, encontrando, na semiótica discursiva de A. J. Greimas, o referencial teórico-metodológico para a análise da significação. O estudo discute os desafios da educação atual, a partir do olhar e da experiência com a arte contemporânea no contexto escolar. Para isso, enfatizam-se as abordagens de Thierry de Duve e Ana Mae Barbosa, ao problematizar o ensino da arte, e fundamentam-se, as reflexões sobre a arte contemporânea, nas teorias de Arthur Danto, Anne Cauquelin e Nicolas Bourriaud. A pesquisa envolve as experiências estéticas de alunos das séries finais do Ensino Fundamental de três escolas da Rede Municipal de Canoas/RS, que são analisadas tendo como referência os regimes de sentido e interação propostos por Eric Landowski. Ao considerar a interação com a arte contemporânea como uma experiência sensível e inteligível, observou-se a recorrência de sentidos específicos apoiados em princípios fundamentais da experiência estética com a arte contemporânea. A compreensão construída em torno da percepção dos sentidos, produzidos pelos alunos na interação com a arte contemporânea, foi representada por meio do “quadrado semiótico”. Nesse esquema, salientam-se os regimes de contemplação, interrogação, significação e percepção, como resultantes da apreensão estética da arte contemporânea. / This thesis aims to problematize the meaning production in contemporary art. It is based on an investigation that used the esthetic experiences of students in their pedagogical visits to the 8th Mercosul Biennial. The research is characterized by a qualitative approach that intends to comprehend the meanings that are assigned to the experiences by each subject. The theoretical support is the John Dewey concept of experience, finding in the discursive semiotics of A. J. Greimas the theoretical and methodological source to the meaning analysis. The study discusses the challenges of present day education, considering the ability to see and the experience with contemporary art at the school context. In order to do this, since it is problematized the teaching of art, there is an emphasis on the approaches developed by Thierry de Duve and Ana Mae Barbosa, and to comprehend contemporary art, it is taken the support of Arthur Danto, Anne Cauquelin e Nicolas Bourriaud theoretical ideas. The research takes the experiences from students in final grades of Elementary Education from three public schools assisted by the city of Canoas/RS/Brazil. These experiences were analyzed using the modes of meaning and interaction that were presented by Eric Landowski. As the interaction with contemporary art was considered as a sensible and intelligible experience, it was observed the recurrence of specific meanings grounded in basic principles from the esthetic experience with contemporary art. The comprehension built around the perception of meanings, which were produced by the students in the interaction with contemporary art, was represented using the semiotic square. In this scheme, modes of contemplation, questioning, meaning and perception were pointed out as a result of contemporary art apprehension.