A presente dissertação tem como foco estudar a paisagem pictórica na arte contemporânea através do trabalho de Teresa Poester. Outros artistas como Cristina Canale, Gelson Radaelli, Luiz Zerbini e Vânia Mignone serão utilizados para confrontar aspectos de semelhança ou diferença entre as obras. Pretende-se investigar a relação da paisagem com a obra desses artistas em sua prática pictórica, além de esboçar aspectos relativos ao seu conceito, sua representação e sua história. As questões que definem a pesquisa referem-se à paisagem como uma manifestação inerente a um povo, diferente em cada povo e à na forma como ela se faz no olho do espectador. Ou seja, ela é tornada paisagem pelo olhar estético e sua origem na pintura. Além disso, está permeada por relações conceituais, imagéticas, perceptivas, históricas, artísticas, filosóficas, geográficas, pois a paisagem está presente em várias áreas do conhecimento. Ela tem sua ligação com o território, num primeiro momento, e depois adquire seus significados conceituais, estéticos e contemplativos. / This dissertation focuses on the study of pictorial landscape in contemporary art through the work of Teresa Poester. Other artists like Cristina Canale, Gelson Radaelli, Luiz Zerbini and Vânia Mignone will be used to confront aspects of similarity or difference between the works. It investigates the relation between landscape and the work of these artists in their pictorial practice, outlining aspects of its concept, its representation and its history. The issues that define the research refer to the landscape as an inherent manifestation of a people, different in each nation, and to the way it presents itself in the eye of the spectator. In other words, it is made landscape due to the aesthetic eye and its origin in painting. It is also permeated by conceptual, imagistic, perceptual, historical, artistic, philosophical and geographical relations, for the landscape is present in many areas of knowledge. It is connected with the territory, at first, and then acquires its conceptual, aesthetic and contemplative meanings.

Esta pesquisa inscreve-se no cenário da formação inicial de professores, com ênfase no estudo sobre a formação de professores de arte. O estudo partiu da formação das alunas da primeira turma do curso de Licenciatura em Artes Visuais, de uma faculdade na cidade de Dois Vizinhos, na região sudoeste do estado do Paraná. O principal objetivo da pesquisa foi entender o modo como as alunas produziram-se professoras de arte a partir das artes visuais contemporâneas, da escrita para o TCC e para o Estágio e os atravessamentos das relações de poder e gênero presentes neste contexto. Para isso, foi realizada uma pesquisa bibliográfica sobre a região sudoeste do Paraná e a produção de sujeitos a partir dos temas de saber, poder e sujeito de Michel Foucault, relacionando-os com as questões de gênero trazidas por Joan Scott e Guacira Lopes Louro. Este estudo realizado sobre a região sudoeste do Paraná partiu de evidências encontradas em um exercício de escrita de cartas realizadas por estas alunas no segundo semestre de 2010. A partir das evidências encontradas nestas cartas, fizeram-se outros dois momentos de escrita, um em abril de 2011 e o outro em maio do mesmo ano, em que as alunas foram convidadas a escrever sobre si, sobre a escolha pela docência em arte e o entendimento da produção contemporânea visual. Além de utilizar esta escrita que foi provocada durante a formação das alunas, os trabalhos realizados por cinco alunas para a disciplina de Projeto de Pesquisa em Arte e Ensino – TCC e Estágio Supervisionado II são utilizados no corpus empírico do trabalho para apresentar a forma como estas alunas foram desenhando um modo de ser docente para o ensino de artes . A análise dos materiais aconteceu a partir das relações tecidas a partir das potencialidades encontradas pelos movimentos feitos pelo próprio trabalho e alimentam toda a escrita desta pesquisa. Neste trabalho, a escrita ocupa o lugar da produção de si e as artes visuais contemporâneas constituem-se como aberturas nos modos de ver das alunas. Convida-se, a partir deste trabalho, a pensar a formação de professores de maneira menos universalizada dentro de uma única identidade, uma vez que o profissional que se torna é uma alternativa para a emergência que o sujeito constrói para a sua subjetividade, o trabalho de formação de docentes deve ser visto com propostas menos engessadas e que possibilitem a formação desenhar-se de uma forma mais poética e com atitudes mais artistas e que os professores em formação possam, a partir de movimentos de elaboração de si mesmos, refazer-se a todo instante na busca por constituir um modo de ser docente mais aberto às questões de nosso tempo. / The present research is about the scenario of the initial graduation of teachers, emphasizing the studies about the Art teachers’ education process. The study has started from the graduation of the first class of students in Visual Arts at a college in Dois Vizinhos southwestern region in Paraná. The main goal was to understand the way those students became Art teachers from the contemporary visual arts, the writing of their final paper and the internship process and the crossing of relations of power and genre present in that context. For that purpose a bibliographic research was done about the southwestern region of Paraná and the production of characters from the Michel Foucault’s themes of knowing, power and character, relating it with the questions of genre brought by Joan Scott and Guacira Lopes Louro. This study about the southwestern region of Paraná has come from the evidences found during a writing letters exercise which was done by those students during the second semester in 2010. From those evidences found on those letters, other two moments of writing production, one in April 2011 and another in May 2011, in which the students were invited to write about themselves, about their choosing the Art teaching career and their understanding of contemporary visual production. Besides of using that writing activity which was provoked during those students’ education process, the assignments produced by five students for the subjects of Project in Research in Arts and Teaching – Final Paper and Supervised Internship II are used in the empirical corpus of their work to present the way those students were drawing a way of being Art teachers. The analysis of materials has happened from de relationships created from the potentialities found by the movements made by the work itself and fed all the research writing. On this work the writing occupies the place of the production of oneself and the contemporary visual arts constitute the opening on the way students see. This work is an invitation to thinking the teachers education process in a less universalized way inside a unique identity, once the professional is an alternative to an emergency the character builds to his own subjectivity, the teachers’ education process should be seen as less hampered proposals which may enable the teachers’ education to be drawn in a more poetic way and with more artistic attitudes and the undergraduate teachers may elaborate themselves from movements on which they can rebuild themselves all the time in order to constitute a way of being teachers more opened to the questions of our time.

A presente pesquisa tem como ponto de partida minha produção em desenho desenvolvida a partir de 2009. Observando minhas estratégias de ação busco estabelecer relações entre desenho, documentos de trabalho e processo criativo, fundamentando-as sob as diretrizes de referenciais teóricos. Assim sendo, o objeto desta pesquisa está centrado no desenho e seu processo de criação. O estudo investigou desdobramentos como o conceito do gênero paisagem aqui definido como intervenção poética para uma crônica gráfica. / This present research has as starting point my production in drawing developed from 2009. Observing my action strategies I seek to establish relationships between drawing, working documents and creative process supporting them under guidelines of theoretical referential. Therefore, the object of this research is focused on the drawing and on its creation process. The study investigated unfoldings, like concept of the landscape genre, defined here as poetic intervention for a graphical chronic.

O presente trabalho é resultado de uma pesquisa de mestrado em poéticas visuais. Nele exponho depoimentos do processo de construção plástica e reflexiva, que se apoiam na busca por fotografias vernaculares para a elaboração de desenhos. Estabelecendo relações entre as duas linguagens, busquei tramar ambas de forma que constituíssem um pensar sobre a memória e seus caminhos narrativos através do ato de apagar, fazer e desfazer linhas traçadas pelo grafite. / The present work is a result of a master degree in visual arts. In which I bring up my testimonials about my reflective and plastic construction process, that supports itself in the search for vernacular photographs that will generate drawings. Setting relations between the two mediuns, I try to plot them in a way that would constitute a reflexion about memory and its narrative paths through the act of erasing, making and unmaking drawn lines by graphite.

O presente trabalho surge das reflexões em relação aos desafios do ensino da arte na contemporaneidade a partir da mudança de paradigma na construção da área de Arte como conhecimento no currículo escolar. A pesquisa caracteriza-se por uma intervenção no contexto de uma Rede Municipal de Ensino e tem por objetivo perceber os sentidos produzidos pelos professores de arte no encontro dialógico com a arte contemporânea em eventos culturais locais. A investigação parte do pressuposto de que as concepções de arte do professor fundamentam sua prática pedagógica. Quanto mais significativas forem as vivências no campo da arte e da estética e, no caso específico, com a arte contemporânea, maiores condições eles terão de problematizar esse conhecimento no currículo escolar. A abordagem metodológica e conceitual está fundamentada nos pressupostos teóricos de Mikhail Bakhtin, com ênfase no conceito de dialogismo, entendido neste trabalho como a relação que se estabelece entre duas consciências, entre o eu e o outro, e entre os discursos. Nessa concepção, os sujeitos da pesquisa têm voz, são sujeitos de interlocução. Os enunciados dos professores representam o conteúdo preciso do objeto do sentido. Na teoria bakhtiniana, o sentido é o que responde uma pergunta e ele sempre existe em relação ao outro sentido. Sendo assim, procurou-se observar os modos de responsividade dos professores na compreensão estética das obras através da exotopia do espectador, caracterizada por um olhar exterior à obra e que dá o acabamento estético ao evento. A semiótica greimasiana apresenta-se como um contraponto para pensar especificamente os sentidos de estesia resultantes da experiência de vida vivida com a arte contemporânea. A pesquisa insere-se na linha de pesquisa Educação: Arte, Linguagem e Tecnologia e integra o Laboratório de Estudos, Linguagem e Interação (LELIC), do Programa de Pós-Graduação em Educação da UFRGS.

Submitted by Daniella Sodre (daniella.sodre@ufpe.br) on 2015-04-13T14:32:06Z No. of bitstreams: 2 DISSERTAÇÃO José Patrício Sobrinho.pdf: 9134602 bytes, checksum: cf52b13dac3e57b47e4b7e6ecaea23a5 (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-04-13T14:32:06Z (GMT). No. of bitstreams: 2 DISSERTAÇÃO José Patrício Sobrinho.pdf: 9134602 bytes, checksum: cf52b13dac3e57b47e4b7e6ecaea23a5 (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Previous issue date: 2014-05-06 / A presente dissertação tem como objeto de estudo o percurso de criação, em artes visuais, de José Patrício. Trata-se de uma reflexão do artista sobre seu próprio trabalho, expressa em uma narrativa do processo criativo que parte dos primeiros experimentos com a gravura e o papel artesanal, passa pelo encontro com o objeto, até chegar aos trabalhos com dominós montados no chão, com ênfase na obra Ars combinatoria. Ao abordar esses trabalhos, ressaltam-se o processo criador e o potencial expressivo do papel feito à mão e das peças do jogo de dominó, explorado em obras resultantes de investigações guiadas pela experimentação, pela lógica matemática e, ao mesmo tempo, pela ordem sujeita às intervenções do acaso. O estudo considera novas possibilidades de relação interdisciplinar, apoiando-se nos referenciais teóricos estabelecidos pelos filósofos Gaston Bachelard e Gilles Deleuze e pelos críticos de arte Pierre Restany e Paulo Herkenhoff. A maturidade das experimentações e intervenções poéticas resulta em obras que se inserem no contexto de uma poética do Número, revelada em aspectos conceituais e estéticos de que o artista faz uso por meio dos dominós, a saber: produção dialógica do sentido; sínteses cromático-numéricas; múltiplas sequencialidades; jogo, regra e acaso; vazio, ordem e caos.

Submitted by Haroudo Xavier Filho (haroudo.xavierfo@ufpe.br) on 2016-02-26T18:05:13Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Tese de PAULO MARCONDES FERREIRA SOARES 2003.pdf: 2152621 bytes, checksum: 477bf4ca82ce935800f96c20c1b83097 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-02-26T18:05:13Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Tese de PAULO MARCONDES FERREIRA SOARES 2003.pdf: 2152621 bytes, checksum: 477bf4ca82ce935800f96c20c1b83097 (MD5) Previous issue date: 2003-02-28 / O presente trabalho procura discutir a pertinência do uso, para o estudo da arte contemporânea, de dois conceitos centrais de Walter Benjamin: o de aura artística e o de alegoria. O caminho percorrido aqui é o da aplicação desses conceitos na investigação da experiência estética de Hélio Oiticica, um dos principais inventores do experimento artístico no Brasil dos anos 1960. O tema em questão volta-se para a tentativa de investigação da tensão existente na formulação de um projeto de arte nacional a partir do interior mesmo dos conflitos e contradições presentes no âmbito das manifestações da arte contemporânea entre nós. Com efeito, nossa proposta de trabalho visa identificar em Hélio Oiticica o princípio de uma experiência estética que se apresenta como um projeto artístico dos anos 1960, orientado para a intervenção no ambiente cultural e sócio-político daquele cotidiano da sociedade brasileira. Isto no sentido de organização das “vivências” rumo a uma total destruição do que Benjamin (1980) chamou de “aura” artística. No sentido atribuído por Benjamin, da aura como relacionada à idéia de símbolo enquanto concepção universalizante e restauradora de obra de arte como valor de culto, no sentido consagrado pela história da arte e pelos românticos, em contraposição ao alegórico que, segundo pensa, expressa um nível distinto de “articulação entre a arte e a história, que não se adequa aos interesses das classes dominantes”. É no âmbito dessa configuração do alegórico que se vai procurar abordar, neste estudo, a obra de Hélio Oiticica. Trata-se de um trabalho que não pode ser apreendido exclusivamente em termos plásticos, mas, sobretudo, em termos de um processo que se manifesta a nível estético-político-ético. Ou seja, naquilo a que se considera como existindo sem divisões de teoria/prática. Em outras palavras, sua obra se expressa a partir do aguçamento das contradições fundamentais próprias ao universo cultural em cujo contexto se encontrava imerso. A esse projeto Oiticica denominava de antiarte, que é a compreensão e razão de ser do artista, que não se caracteriza aqui como criador para a contemplação, mas sim como um motivador para a criação – que só se completa no envolvimento ativo do “espectador” como “participador” no processo. A antiarte seria, assim, uma atividade criadora latente, motivada pelo artista, orientada para uma forma de necessidade coletiva. Por outro lado, não se tratava de atribuir ao espectador a função de criador, mas de possibilitar-lhe algum nível de “participação” em que “ache” o que realizar de modo criativo – onde mesmo o “nãoachar” se traduz como um tipo significativo de participação. É esse projeto o que leva Oiticica a uma definição de arte ambiental como reunião do indivisível de “todas as modalidades em posse do artista ao criar”: tanto aquelas familiares, quanto as resultantes da inventividade do artista ou a participação do espectador. / Having in mind the study of contemporary art, the present work tries to discuss the relevance of the use of Walter Benjamin´s two central concepts: the artistic zephyr and allegory. The method used here it is the application of these concepts in the investigation of Hélio Oiticica´s aesthetic experience, being himself one of the principal inventors of the artistic experiment in Brazil in the 1960`s. The subject studied here is an attempt to investigate the tension that exists in the formulation of a national art project from the heart of the conflicts and contradictions present in the context of the demonstrations of contemporary art in our country. Actually, our proposal of work aims to identify in Hélio Oiticica´s work the beginning of an aesthetic experience that presents itself as an artistic project of the 1960s, orientated for the intervention in the cultural and socio-political environment of Brazilian society daily life of that time. All this in the sense of organization of the "vivências" (experiences of life) that would lead to a total destruction of what Benjamin (1980) called artistic "zephyr". In the meaning attributed by Benjamin zephyr is related to the idea of symbol as a universalizing conception and restorer of the work of art as a worship, in the sense consecrated by the history of art and by the romantic ones, in opposition to allegory that, according to him, expresses a distinct level of “articulation between art and history, which is not adapted to the interests of the dominant classes”. It is in this context of allegory that it will be attempted to approach, in this study, Hélio Oiticica´s work. This work cannot be exclusively taken in plastic terms, but rather in terms of a process that shows an aesthetic ethical-political level. It means that of what one thinks as existing without theory / practice divisions. In other words, his work expresses itself from the emphasis of the basic contradictions proper to the cultural universe of the context it was immersed. Oiticica called this project anti-art, which is the meaning and the reason for living to the artist, who is not characterized here as a creator of something for contemplation, but as a motivator for the creation – that is only completed in the active involvement of the "spectator" as “ participant “ in the process. The anti-art would be this way a creative latent activity motivated by the artist, orientated for a form of collective necessity. On the other side, it does not the case of attributing to a spectator the creative function, but of making it possible a certain level of "participation" in which he/she "finds" what to carry out in creative way – where even the “ not finding ” is accepted as a significant type of participation. It is this project that leads Oiticica to a definition of environmental art as the meeting of the indivisible one of “all the kinds of possession of the artist while creating”: both those familiar as the ones resultant from the inventiveness of the artist as well as the participation of the spectator.

Made available in DSpace on 2014-06-12T16:31:12Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo4721_1.pdf: 705684 bytes, checksum: 8d3d10748fb84e049df1cb61ddfb9504 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2005 / O intuito deste trabalho é contextualizar as condições de formação, circulação e avaliação da arte contemporânea de Pernambuco a partir do final da década de 80. Tendo como aporte teórico os Estudos Culturais, a Comunicação (principalmente a sub- área Estética e Cultura de Massa), a História da Arte (particularmente a bibliografia sobre estudos de curadoria) e as teorias pós-modernas e pós-coloniais, buscaremos atualizar o conceito de indústria cultural tomando como exemplo a atuação de museus e instituições culturais como veículos de comunicação de massa. Diante das grandes mudanças que a Pós-modernidade traz para a cultura e a identidade cultural, assim como a ampliação do alcance de circuitos hegemônicos, analisaremos como comporta-se o ambiente artístico de um lugar periférico como Pernambuco no sistema globalizado de consumo cultural, com seu imperativo de mercado e as novas configurações dos papéis dos agentes culturais da cadeia produtiva das artes plásticas. Entrarão em nossa discussão o papel do curador, o artista como celebridade midiática, a banalização da experiência cosmopolita, a discussão multicultural no sistema da arte internacional e a implementação de um espaço institucional em Pernambuco além do regionalismo. A pesquisa tem como metodologia um amplo levantamento bibliográfico

Submitted by Fabio Sobreira Campos da Costa (fabio.sobreira@ufpe.br) on 2016-08-26T13:26:11Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Dissert_PedroNeves-BC.pdf: 3756247 bytes, checksum: 84de28e55cf673d131d6e73a61e075bd (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-26T13:26:11Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Dissert_PedroNeves-BC.pdf: 3756247 bytes, checksum: 84de28e55cf673d131d6e73a61e075bd (MD5) Previous issue date: 2016-02-24 / Esta dissertação analisa a obra do artista norte-americano Jeff Koons (1955-) em busca de uma melhor compreensão do lugar ocupado pelo campo das artes visuais na cultura contemporânea. Simultaneamente respaldado pelas principais instituições legitimadoras da arte, disputado por colecionadores e reconhecido e admirado por um público muito mais amplo que o limitado circuito de habitués de exposições, Koons se situa num ponto privilegiado a partir do qual é possível estudar os múltiplos atravessamentos entre a arte e a mercadoria em um sistema de produção e circulação capitalista. Através de uma investigação dos elementos de uma estética popular e pequeno-burguesa comumente identificada pelo termo kitsch, o artista vem pondo em revista, ao longo de três décadas e meia de carreira, alguns pressupostos que ancoram os valores do campo das artes visuais, pondo em dúvida as demarcações que garantem ao campo das artes uma pretensa autonomia em relação ao universo degradado da mercadoria. Analisando as características formais e temáticas e os esquemas de produção da sua obra, buscamos compreender a experiência estética dentro de um sistema no qual bens simbólicos são mercadorias como tantas outras. / This dissertation analyzes the work of American artist Jeff Koons (1955-) in search of a better understanding of the place occupied by the field of visual arts in contemporary culture. Simultaneously legitimized by the most important legitimizing art institutions, fought over by collectors and recognized and admired by an audience far wider than the limited circuit of regular exhibition goers, Koons is situated in a privileged vantage point from which to study the multiple crossings between art and the commodity in a capitalist system of production and circulation. Through an investigation into the elements that make up a popular and petit bourgeois aesthetic commonly identified by the term “kitsch”, the artist has been putting under review, for over three decades, some of the biases that anchor the values of the field of visual arts, questioning the demarcations that guarantee the art field an alleged autonomy in relation to the degraded universe of the commodity. By analyzing the formal and thematic characteristics and the modes of production of his work, we seek to understand aesthetic experience in a system in which symbolic goods are commodities like so many others.

Made available in DSpace on 2014-08-20T13:20:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fernanda Amaral Taddei_Dissertacao.pdf: 6318571 bytes, checksum: 3e95c25e10f4a3b19b37ea9f05df409a (MD5) Previous issue date: 2012-12-20 / The Contemporary Art holds a wide variety of elements and configurations that make it difficult to assimilate by the majority part of the society and even more difficult to conserve and preserve its works. The complexity is huge when space, light and ideas are considered constitutive elements of an art work. All these innovations fetched big difficulties to the art museums and to the work of the conservator, who is responsible for guaranteeing the objects perennial. Aiming to investigate, analyze and register the criteria used by the contemporary art museum to preserve, conserve and keep its collection, having the Contemporary Art Museum of Rio Grande do Sul and the Contemporary Art Museum of São Paulo University cases of study as a basis, the present study has a central question: what are the criteria used by a contemporary art museum in the preservation, conservation and keeping processes of its collection? This research, that has a qualitative character, was developed from a study of bibliographical references and field research. With the aim of understanding how preservation, conservation and keeping of contemporary art collections occurs in Brazilian public museums, interviews with professionals responsible for these activities were performed in two researched institutions. Besides, the spaces where works of art are stored were analyzed, observing the conditions of storing, pieces sanitation and, besides other questions, such as HVAC and illumination of these environments. Since there is little in the bibliography about conservation of the contemporary art and the recent establishment of the criteria that give a basis for this activity, is expected that the results of this study can contribute to further researches related to this topic, to the museums here mentioned and other institutions that keep contemporary art collections. / A Arte Contemporânea possui, como especificidade, abarcar uma grande variedade de elementos e configurações que, muitas vezes, a torna difícil de ser assimilada por grande parte da sociedade, e suas obras, ainda difíceis de serem conservadas e preservadas. A complexidade é enorme quando espaço, luz e ideias são considerados elementos constitutivos de uma obra de arte. Todas estas inovações trouxeram grandes dificuldades para os museus de arte e para o trabalho do conservador, que tem a função de assegurar a perenidade dos objetos. Com o objetivo de investigar, analisar e registrar os critérios utilizados pela instituição museológica de arte contemporânea, para preservar, conservar e armazenar o seu acervo, tendo como estudo de caso o Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul e o Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, o presente estudo tem como questão central: quais os critérios utilizados pelo museu de arte contemporânea nos processos de preservação, conservação e guarda do seu acervo? Essa pesquisa, que possui caráter qualitativo, foi desenvolvida a partir de estudo de referenciais bibliográficos e de pesquisa de campo. Com a finalidade de conhecer como ocorre na prática a preservação, a conservação e a guarda de acervos de Arte Contemporânea pertencentes a museus públicos brasileiros, foram realizadas entrevistas com os profissionais responsáveis por estas atividades nas duas instituições pesquisadas. Além disso, foram analisados os espaços onde as obras de arte são acondicionadas, observando as condições de armazenamento, de higienização das peças e, além de outras questões, como a climatização e a iluminação destes ambientes. Tendo em vista a escassez de bibliografia tratando especificamente sobre conservação de arte contemporânea, e o ainda recente estabelecimento dos critérios que embasam essa atividade, espera-se que os resultados deste estudo possam contribuir com pesquisas futuras relacionadas a este assunto, aos museus aqui referidos e a outras instituições que abrigam acervos de arte contemporânea.