Neste ensaio trato de minha produção artística dos últimos vinte e cinco anos por meio de dois tópicos:Verticalidade e Espelhamento. Com base nisso, os assuntos abordados foram separados em dois blocos principais: I. Espelho horizontal, em que estão reunidos assuntos como reverberação, equilíbrio e um observador em movimento; e II.Espelho vertical, que está ligado ao tema da ascensão, da queda e sua relação com um único ponto de vista. Assim, é possível se chegar a uma visão de conjunto de toda minha obra, da qual selecionaram-se os trabalhos que demonstram melhor as relações aqui apresentadas. Ao final, apresento uma nova obra, Tímpano, que será realizada e exposta na Capela do Morumbi, um dos espaços pertencentes ao Museu da Cidade em São Paulo. A construção da peça ocorrerá durante o mês de maio e a inauguração no princípio de junho. / In this essay I would like to make a dissertation of my artistic work of the last twenty five years through two topics;Verticality and Mirroring. Based on this, the subjects that are approached were divided into two main topics: 1: Horizontal mirror, where subjects such as reverberation, equilibrium and an observer in movement are reunited. 2.Vertical mirror, that is linked to the theme of acension and fall and its relation with one only point of view. In this manner one can have a vision of the ensemble of my work, out of which were selected the works which better demonstrate the relations presented here. Finally, I present a new discourse:\"Timpano\" which will be set up and exhibited in the Capela do Morumbi in one of the spaces that belong to the Museu da Cidade in São Paulo.\"Timpano\" will be executed during the month of May and the inauguration will take place in the beginning of June.

A investigação deste Trabalho consiste em um estudo sobre o diálogo entre o design e a arte na sociedade de consumo contemporânea, denominada como hiperconsumidora. Neste contexto, o produto industrializado tece um diálogo com a atividade artística por meio de associações, cada vez mais comuns, entre o universo da arte e grandes marcas e corporações. Procuramos introduzir este assunto por meio de um percurso histórico do período moderno até o contemporâneo, destacando os momentos mais relevantes em que o diálogo entre design e arte contribuiu para o desenvolvimento dos produtos industrializados. Com o intuito de contextualizar este diálogo em fases, tomamos quatro valores atribuídos às mercadorias: uso, troca, posse e seleção. Enquanto os valores de uso e troca se apresentaram como característicos dos primeiros momentos da civilização de consumo, o surgimento dos valores de posse e seleção são reflexos do hipercosumo, que se desenvolveu no decorrer das últimas quatro décadas. Em específico, o valor de seleção dos objetos nos serviu como fundamento para nossas considerações sobre as relações entre o universo da arte e as grandes marcas. Nesse contexto, o valor de seleção representou a ênfase da indústria no consumidor que, na contemporaneidade, é capaz de articular as informações que lhe vêm das características dos mais diversos produtos e serviços em acordo com suas necessidades e desejos. Assim, num mercado consumidor cujo acirramento da concorrência é cada vez maior, verificamos o emprego de ações que criem diferenciais que sejam únicos e inovadores e que contribuam na construção de valores junto às marcas e produtos. Para tanto, notamos a utilização de alguns recursos, que vão desde o investimento na qualidade estética dos produtos e ambientes, até o emprego de ações envolvendo festivais, intervenções e exposições de arte. Ao considerarmos que verificar estas novas relações consistia em explorar o sistema que as envolve, analisamos o sistema de arte moderna: o Regime de Consumo, como fundamento e, em seguida, a sua transposição para o Regime de Comunicação, o sistema de arte contemporânea. Desta feita, verificamos como o Regime de Comunicação se sustenta no circuito em rede, que é ampliado pelas novas tecnologias da comunicação e é capaz de assegurar o diálogo com as marcas e produtos industrializados. / This works investigation is based on a study that covers the dialog between design and art on the contemporaneous consumer society, known as hyper-consumer. Within this theory, processed products compose a dialog with artistic activity that goes through associations, more usual by the second, among art universe and big brands and companies. We tried to introduce this issue showing the historical path from modern to contemporary periods, highlighting the most relevant moments in which the dialog between design and art contributed to processed products development. In order to bring these dialogs into words, four attributed values to these commodities were adopted: usage, exchange, ownership and selection. While usage and exchange appeared as typical on primary moments of this consumer period, ownership and selection were born from the hyper-consumer era, which has expanded in the past four decades. More specifically, the object selections value was the foundation of our thoughts about the relationship between art universe and big brands. The selection value in this context represented how much emphasis the company is able to apply on its consumer, who nowadays, is capable of vary its needs and process the information that comes from the most different products and services properties. Therefore, on a consumer market in which competition is more and more fearless, we could observe some actions that can be applied in order to create uniqueness and innovation and contribute to build values along with brands and products. To that end, weve been observing some resources that go from products and environments esthetic quality investments to different actions adopted in order to gather artistic activity like concerts, celebrations and shows. As we realized that verifying those new relationships were based on explore the system that surrounds them, we could analyze the modern art system: the Consuming Regime, as the foundation, and then its conversion to the Communication Regime, a contemporaneous art system. From this moment on, we verified how the Communication Regime remains in the net circuit, which is enlarged by new communication technologies and is able to assure the dialog between brands and processed products.

O presente trabalho lança luz sobre a trajetória de Lygia Pape (1927-2004), artista experimental que atuou em diversas linguagens e suportes. Pautando a análise de sua produção pela relação com o contexto urbano no qual se inseria, enfocamos três momentos e conjuntos de obras: o primeiro, parte do amplo \"projeto cultural moderno\", inclui as obras concretas e neoconcretas, como as xilogravuras \"Tecelares\" (1955-1959), o roteiro para um filme sobre Brasília (1959), o \"Livro da criação\" (1959) e \"Balés neoconcretos\" (1958-1959); o segundo, de crise do anterior conceito de projeto, contempla as obras participativas como \"Ovo\" (1968), \"Divisor\" (1968) e \"Roda dos prazeres\" (1968) e o terceiro, cronologicamente mais recente, no qual Lygia, menos propositora e mais crítica, evidencia características de uma cidade já permeada por outros discursos e práticas culturais, analisa obras como o projeto \"Eat me: a gula ou a luxúria?\" (1976) e os filmes \"Wampirou\" (1974) e \"Carnival in Rio\" (1974). / This work analyses the trajectory of Lygia Pape (1927-2004), experimental artist who worked in several languages and media. By the analysis of her production in relation with the urban context she was inserted, we focus three moments and piece sets: the first, part of the wide \"modern cultural project\" includes concrete and neoconcrete pieces, like the wood cut \"Tecelares\" (1955-1959), the script for a movie about Brasília (1959), the \"Livro da criação\" (1959) e \"Balés neoconcretos\" (1958-1959); the second, on the crisis of the previous project concept, embraces the participative pieces like \"Ovo\" (1968), \"Divisor\" (1968) and \"Roda dos prazeres\" (1968) and the third, chronologically most recent, in which Lygia, in a more critical way, brings to evidence characteristics of a city relating it to other discourses and cultural practices, analyses pieces like her project \"Eat me: a gula ou a luxúria?\" (1976) and the movies \"Wampirou\" (1974) and \"Carnival in Rio\" (1974).

A presente pesquisa explora o YouTube como campo de criação da performance art contemporânea. Em primeiro lugar o site é abordado com foco em suas implicações culturais, empregando tanto uma bibliografia específica sobre o YouTube como autores que refletem sobre a subjetividade contemporânea, destacando-se neles aspectos que se relacionam com as práticas dos usuários do site. Em seguida é analisada uma seleção de obras de performance no YouTube realizadas por artistas de diversas nacionalidades. Elas estão reunidas em cinco vetores: #camgirlsattwhores, que trata da mulher e do feminismo na internet, apoiando-se principalmente no trabalho de Erica Scourti; #persona-ironia, que se baseia nas teorizações de Renato Cohen sobre a persona performática; #anti-confissão, que aborda a prática da confissão segundo conceitos desenvolvidos por Michel Foucault, Óscar Cornago e Christopher Lasch; #corpo-efeitos, no qual a principal referência é o trabalho de N. Katherine Hayles sobre o pós-humanismo; e #prank, que conta com as teorizações de V. Vale e Fábio Salvatti. Na etapa final, são realizados experimentos práticos no YouTube, inspirados nos ideais de Joseph Beuys e Allan Kaprow, e nas práticas artísticas de Petra Cortright. A pesquisa articula, portanto, diversas perspectivas culturais e artísticas, tanto teóricas quanto práticas, para apreender o objeto de estudo, defendendo um novo tipo de arte que transborde o mercado e as categorias tradicionais e propondo um uso desartístico e lúdico das tecnologias atuais. / This work explores YouTube as a field for contemporary performance art creation. Firstly, the research approaches the website focusing in its cultural implications, investigating specific literature about YouTube as well as authors that reflect upon contemporary subjectivities, highlighting in them aspects that relate to the website users\' practices. Then, it analyses a selection of works by performers of various nationalities, gathering them in five vectors: #camgirls-attwhores, which deals with women and feminismo on the internet, relying mainly on Erica Scourti\'s work; #persona-irony, which is based on Renato Cohen theories on the performative persona; #anti-confession, which addresses the practice of confession making use of concepts by Michel Foucault, Óscar Cornago and Christopher Lasch; #body-effects, in which the main reference is the work of N. Katherine Hayles on post-humanism and #prank, which relies on writings by V. Vale and Fábio Salvatti. Finally, practical artistic experiments on YouTube are carried out, inspired by the ideas of Joseph Beuys and the artistic practices of Petra Cortright. Therefore, the research has articulated multiple cultural and artistic perspectives, both theoretical and practical, to seize the object of study, advocating a new kind of art, one that overflows traditional categories and the art market and proposing an unartistic and playful use of current technologies.

O presente estudo volta-se ao romance Água Viva, publicado em 1973 por Clarice Lispector, compreendido como exercício de radicalização da linguagem sob influência do pensamento pictórico, no qual o rastro material do processo e a possibilidade de uma expressão não-verbal entram em questão. Será desenvolvida uma discussão sobre o romance enquanto gênero literário, que se desdobrará em uma comparação entre as linguagens literária e pictórica, suscitada pelas constantes sugestões ao universo da pintura presentes em Água Viva. Ao se estabelecer um embate entre crítica literária e crítica de arte visual, serão analisadas as tensões entre arte e realidade nos projetos estéticos da contemporaneidade, por meio de uma comparação entre o romance de nosso recorte e expressões artísticas consolidadas na década de 70, como o minimalismo, a arte-processo e a arte conceitual, que, ao colocar a pintura em xeque, desencadearam um amplo ataque ao ilusionismo. A análise do objeto deverá nos mostrar de que maneira os debates em torno da chamada morte da pintura auxiliam a compreender os movimentos dialéticos de Clarice Lispector, alternando afirmação e negação da arte em uma de suas obras de maior experimentação. É nesse contexto que será lido Água Viva, romance que se dispõe a refletir com complexidade sobre a crise das representações. / The present study is an approach to the novel Água Viva, published in 1973 by Clarice Lispector; it is understood as a radicalization of language under the influence of pictorial thought, in which the material trace of the process and the possibility of nonverbal expression are at stake. A discussion about novel as a literary genre will be developed; this will unfold into a comparison between literary and pictorial languages, implied by the constant suggestions regarding the universe of painting present in Água Viva. The confrontation of literary critic and visual arts critic settles an analysis of the tension between art and reality in the contemporary aesthetics projects, by means of a comparison between the novel in view and the consolidated art expressions from the 70s, like minimalism, process-art and conceptual art, which, challenging painting, triggered a comprehensive attack upon illusionism. The analysis of the object may show us how the debates about the so called death of the painting can aid in the understanding of Clarice Lispectors dialectic movements, in which art acceptance and denial take turns in one of her major works of experimentation. It is within this context that Agua Viva will be read, a novel that is willing to plunge with high complexity upon the crisis of representation.

Esta dissertação apresenta uma reflexão sobre a palavra nos pôsteres e ações do Coletivo Fierce Pussy, como questionamento ao normativo, parodiando-o perante o observador, em uma fuga das noções cristalizadas de sexualidade e processos de identificação. Os trabalhos analisados foram produzidos na cidade de Nova Iorque (EUA) entre 1991-1995 e 2009-2012. Com base na análise realizada, propõe-se uma classificação dos cartazes e ações em quatro eixos temáticos: palavra-agitação, palavraapropriação, palavra-jogo e palavra-conflito. O projeto apropria-se das teorias de Michel Foucault, em relação à palavra e à sexualidade como recortes arbitrários de uma construção histórico-social, abordando também as teorias de sexualidade de Judith Butler e a relação sexualidade/arte contemporânea, como visto em Juan Vicente Aliaga. Em uma segunda vertente, analisa-se o papel dos coletivos e de artistas que têm o espaço urbano como palco de atuação, conforme discutido em Hal Foster e Douglas Crimp. / This dissertation presents a reflection on the word on posters and actions of the Collective Fierce Pussy, questioning the normative, parodying it before the observer, in an escape from crystallized notions of sexuality and identification processes. All of the works were produced in New York City (USA) between 1991-1995 and 2009-2012. Based on the analysis, it is proposed a classification of posters and actions under four themes: word-agit, word-appropriation, word -game and word-conflict. The project appropriates the theories of Michel Foucault, in relation to the word and sexuality as arbitrary cuts a historical and social construction, also addressing the theories of sexuality and the relationship of Judith Butler, and the relation between sexuality and Contemporary Art, as seen in Juan Vicente Aliaga. In a second aspect, we analyze the role of collectives and artists who have the urban space as a stage for acting, as discussed in Hal Foster and Douglas Crimp.

A ampliação gradativa de instituições culturais privadas criou uma demanda de mão de obra qualificada para seus mais variados programas. Surgiram nos últimos 20 anos em todo o país cursos profissionalizantes e diversas graduações e pós-graduações em artes visuais reconfigurando assim um novo panorama daquilo que vem sendo, nos últimos anos, a formação do artista plástico (ou visual) no circuito artístico. A dissertação teve por objetivo discutir a posição do artista brasileiro contemporâneo através da análise do seminário Longitudes, realizado na cidade de São Paulo em março de 2014. Três temas centrais nortearam a configuração do seminário e posterior análise: o primeiro abordou a identidade do artista; o segundo tratou da expansão dos espaços alternativos e do escopo de trabalho do artista; o terceiro dedicou-se aos locais de formação e à proliferação de faculdades e cursos livres que têm suprido a demanda do mercado de trabalho recém desenvolvido. A partir dos depoimentos coletados no seminário, discutiremos as relações de trabalho no meio e a profissionalização do artista contemporâneo no Brasil / The gradual expansion of private cultural institutions created a hand demand for skilled labor for its various sectors. Emerged in the last 20 years throughout the country training courses and several graduate and post-graduate courses in visual arts as well reconfiguring a new panorama of what has been, in recent years, the formation of the artist (or visual) on the art circuit. The dissertation aims to discuss the position of the Brazilian contemporary artist by an analysis of the Longitudes seminar, held in São Paulo in March 2014. Three central themes guided the seminar configuration and its further analysis: the first dealt with the artist\'s identity; the second dealt with the expansion of the alternative space and the artist\'s scope of work; the third topic turned to the training sites and the proliferation of colleges and other courses to come meet the demand of the newly developed labor market. From the testimonies collected in the workshop, we will discuss the labor relations in the milieu and the professionalization of the contemporary artist in Brazil

O trabalho tem, como tema, o estudo do sagrado na sociedade contemporânea, observando um importante fenômeno social: a retomada do sagrado. A produção artística do beneditino Carlos Eduardo Uchôa, inserida neste contexto, é considerada um exemplar, ao tangenciar este fenômeno. Para o procedimento desta pesquisa será empreendido um estudo do sagrado na sociedade atual, a partir de uma análise que estabelece as relações entre o sagrado e o profano. Desta forma, estes estudos apontam o surgimento de novos elementos simbólicos ritualísticos e míticos, provocando o desencadeamento de uma crise no sagrado. Por outro lado, as investigações comprovam, em diversos setores, a instauração de uma nova situação emblemática percebida através de um comportamento e de uma mentalidade vigentes no mundo contemporâneo. Uma pesquisa sobre a questão do espaço-tempo no aspecto da historicidade e no âmbito do Sagrado, igualmente serão perscrutados. Todos esses fatores serão observados à luz da produção artística do artista, respaldado em seu histórico de vida. Os aspectos socioculturais serão privilegiados, através de sua formação artística, acadêmica e literária até 1996 e após este período, quando ingressa para a vida monástica. Portanto, esta pesquisa será desenvolvida a partir da análise e reflexão sobre o ideário conceitual e imaginário do artista e monge beneditino Carlos Eduardo Uchôa, com a sua produção artística adensada por este contato com o mundo do sagrado refletido em sua poética. Este é o foco central da dissertação: estudar o sagrado na obra do artista que converge para a sua arte na sociedade atual. Contudo, através dos tempos, o sagrado se mantém vivo e atuante, resistindo e permanecendo até os dias atuais. / The work has, as in the subject, the study of the sacred in contemporary society, observing an important social phenomenon: the resumption of the sacred. Artistic production of Carlos Eduardo Benedictine Uchôa, inserted in this context, it is considered a copy, to lightly brush this phenomenon. For the procedure of this research will be undertaken a study of the sacred in current society, from an analysis that establishes the relationship between the sacred and the profane. In this way, these studies point to the emergence of new symbolic ritual and mythical elements, causing the triggering a crisis in the sacred. On the other hand, the investigations prove, in several sectors, the establishment of a new flagship situation perceived through a behavior and mindset prevailing in the contemporary world. A research on the issue of space and time in the aspect of historicity and under the Holy, will also be searched. All of these factors will be seen in the light of production artist, supported in its life history. Socio-cultural aspects will be privileged, through his artistic training, academic and literary until 1996 and after this period, when he enters to the monastic life. Therefore, this research will be developed from the analysis and reflection on the conceptual ideas and imagination of the artist and Benedictine monk Carlos Eduardo Uchôa, with their artistic production thickened for this contact with the sacred world reflected in his Poetics. This is the central focus of the dissertation: study the sacred work of the artist that converges to its art in current society. However, through the ages, the sacred remains alive and active, enduring and remaining until the present day.

Este trabalho aborda processos de produção de obras de arte, partindo de uma investigação sobre a paisagem e suas manifestações no cotidiano. Sob forma de manual, reúne procedimentos e conceitos que auxiliam na produção de trabalhos de arte contemporânea, tais como instruções ilustradas e um glossário de termos e fundamentos importantes para a discussão sobre o tema. Apresenta reflexões sobre a paisagem que abrangem desde sua constituição como fenômeno moderno até os processos de reificação e dissolução no cotidiano, pelos quais passa na contemporaneidade. / This work approaches processes of artworks production, starting from an investigation on the landscape and its manifestations in everyday life. In the form of manual it brings together concepts and procedures that assist in the production of contemporary art works, such as illustrated instructions and a glossary of terms and important theoretical foundations for the discussion on the topic. It presents reflections on the landscape which ranges from its establishment as a modern phenomenon to the reification processes and dissolution in everyday life, through which passes in contemporaneousness.

Este projeto refere-se ao desenvolvimento de pesquisa acerca da obra do pintor, desenhista e gravador brasileiro Savério Castellano (1934-1996) em cujo processo criativo entrelaçam-se temas diversos, como ciências, matemática, arquitetura, poesia, elementos ficcionais e místicos, linguagens com as quais o artista lidou ao longo de toda sua produção e o conduziriam ao objeto de sua última fase, centro de estudos nesta tese: a integração entre pensamento sonoro e artes visuais em seu processo criativo. / This project concerns the development of research about the work of the Brazilian painter, drawer and printmaker Savério Castellano (1934-1996), in which the creative process interweave various subjects such as science, mathematics, architecture, poetry, fictional and mystical elements. These languages were handled by the artist throughout his production and lead to the object of his last phase: the integration between visual arts and sound thought in his creative process, which is the central study of this thesis.