Submitted by Marta Toyoda (1144061@mackenzie.br) on 2016-11-26T15:49:39Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Douglas Negrisolli.pdf: 4222075 bytes, checksum: 06cf2b8f733ea064bf05ec28ee7572e1 (MD5) / Approved for entry into archive by Paola Damato (repositorio@mackenzie.br) on 2016-11-28T11:59:33Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Douglas Negrisolli.pdf: 4222075 bytes, checksum: 06cf2b8f733ea064bf05ec28ee7572e1 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-28T11:59:33Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Douglas Negrisolli.pdf: 4222075 bytes, checksum: 06cf2b8f733ea064bf05ec28ee7572e1 (MD5) Previous issue date: 2016-08-30 / This research deals with aspects of the Contemporary Art Halls from three cities as know as ABC (Santo André, São Bernardo do Campo and São Caetano do Sul) in São Paulo, and emergencies in the management of events, their need for permanence, and the discussion of the collections resulting in the Acquisition Awards. Besides the related questions about the Salons, this PhD thesis relates to a proposal for renewal of the event as a regional culture promoter, also appraise the perspective of national importance colaborating with Brazil culture. In discussing the Contemporary Art Salons event from ABC in São Paulo, there is also the curator function as a new figure of importance in the event of relationship with the people and history. About the curator profession, this thesis defends the permanency of this relation between the knowledge production for future generations and the transmission of methods to build a network with this Salons and their collections. Add to this thesis, there is a social media discussion about their function in the contente prodution and propagation to the Salons actions, as well as profusion of culture and visual arts. / Esta pesquisa trata sobre os aspectos do entorno dos Salões de Arte Contemporânea do ABC Paulista, bem como as urgências no gerenciamento dos eventos, a sua necessidade de permanência, e a discussão dos acervos resultantes dos Prêmios Aquisição. Além de pensar questões relacionadas sobre os Salões, esta tese de doutorado se relaciona como uma proposta de renovação do evento enquanto promotor de cultura regional, e por ser de caráter nacionalizante e permitir que os acervos sejam depositários de obras de arte preciosas para a história, também aferem uma perspectiva de importância nacional. Na discussão sobre os Salões de Arte Contemporânea do ABC Paulista, há também a discussão do curador como figura importante na relação do evento com as pessoas e a história. Sobre o ofício de curador, permanece na tese a defesa de sua união com a relação intrínseca do ensino-aprendizado para as novas gerações e a transmissão de métodos para que se construa uma rede de relacionamento entre os Salões de arte e seus acervos. Nesta tese, há a discussão das mídias sociais enquanto produção de conhecimento e amplitude para as ações dos Salões, também como profusoras de cultura e das artes visuais.

Submitted by Jaqueline Duarte (1157279@mackenzie.br) on 2018-04-28T00:39:09Z No. of bitstreams: 2 Maria Filippa Costa Jorge.pdf: 6641654 bytes, checksum: e9663f1a4387966de51ed0a61679fcae (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Paola Damato (repositorio@mackenzie.br) on 2018-04-28T16:01:11Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Maria Filippa Costa Jorge.pdf: 6641654 bytes, checksum: e9663f1a4387966de51ed0a61679fcae (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-28T16:01:11Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Maria Filippa Costa Jorge.pdf: 6641654 bytes, checksum: e9663f1a4387966de51ed0a61679fcae (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-02-22 / The present work intends to reflect as relations between child, contemporary art and exhibition spaces. From the experience as a mediator in several exhibitions for the observation of an action of the body of children and their responses to the proposed mediation having as a guide the experience of the encounter. Being this experience a source of growth and foundation for a construction of meanings, this research arises from the interest of investigating a cognitive-ludic-aesthetic relationship of the child's and his body's action towards art in the exhibition space and to problematize cultural mediation as activation of bodies in these spaces and power of any propositional object. Contemporary art, such as affective exchanges, dialogues, and the creation of propulsive devices, are central questions of analysis: the exhibition spaces that house art, understood as spaces of enchantment, discovery, exploration, and just pure fun? With their expography and curation, can they influence the process of discovery and meanings for the child from their action? Starting from life as a mediator and from visits to spaces aimed at children, or not, with their expositions and curatorship, space layout, visualization of works, reception and rules. The research presents itself in small histories reflected by the look of theory and become a learning anthropophagy. Thus, the process of discovery seeks to broaden an understanding of the aesthetic and emancipatory experience of children as a citizen public plunging into culture. / O presente trabalho se propõe refletir sobre as relações entre criança, Arte Contemporânea e espaços expositivos. A partir das minhas experiências como mediadora em diversas exposições observei a ação do corpo das crianças e suas respostas à mediação proposta, tendo como pauta a experiência do encontro. Sendo esta vivência uma fonte de crescimento e alicerce para a construção de significações, esta pesquisa surge com o interesse de investigar a relação cognitiva-lúdico-estética da ação da criança e de seu corpo frente à arte no espaço expositivo, problematizar a mediação cultural como ativação de corpos nestes espaços e a potência de possíveis objetos propositores. A Arte Contemporânea, as trocas afetivas, os diálogos, a criação de dispositivos propulsores são questões que marcam o foco central de análise: os espaços expositivos que abrigam arte são compreendidos como espaços de encantamento, descoberta, exploração ou somente pura diversão? Com sua expografia e curadoria podem influenciam o processo de descoberta e significados para a criança a partir de sua ação? Partindo da vivência como mediadora e de visitas a espaços voltados às crianças, ou não, com suas expografias e curadoria, disposição do espaço, visualização das obras, acolhimento e regras, a pesquisa se apresenta em pequenas histórias refletidas pelo olhar da teoria e se tornam uma antropofagia de aprendizagem. Assim, o processo de descoberta visa ampliar a compreensão da experiência estética e emancipadora das crianças como público cidadão mergulhando na cultura.

Esta pesquisa aborda a produção de grafite da década de 1970 aos anos 2000, e a pixação entre o seu surgimento (anos 1980) e a atualidade. Concernente ao grafite, o trabalho debruça-se sobre o gérmen da expressão na Nova Iorque da década de 1970 para chegar à metrópole de São Paulo. No que tange à pixação, circunscreve-a na metrópole de São Paulo por acreditar que seja endêmica deste espaço. Busca analisar as problemáticas que mobilizaram os agentes do campo da arte durante este período, e a consonância do grafite e da pixação com este âmbito mais vasto que àquele partilhado estritamente pelos interventores urbanos. Numa busca pelo nomos engendrador, esta dissertação apresenta os pressupostos técnicos, processuais e comportamentais formulados pelos integrantes do grafite e da pixação, e exigidos para que estas práticas sejam consideradas enquanto tais. Mas, diferente de um recorte restrito, investiga a comunhão subjacente entre ambas: tidas como distintas, porém praticadas, muitas vezes, pelo mesmo sujeito. Ao final conclui que, ao serem integradas, constituem um conjunto de experiências formativas relevantes para o artista que possui, na cidade, seu tema e suporte. Nossas análises desdobram-se em três grandes gerações de artistas. A Pioneira, que tem em Alex Vallauri o grande expoente; a Old School, mais encontrada com a gênese da expressão do grafite; e a New School, que acrescentou uma estilização abstrata às intervenções urbanas. Em cada uma destas gerações, pontuamos as obras e as biografias de alguns artistas, que permitem explorarmos as trajetórias, os estilos particulares e as regiões limítrofes desta produção artística. Nestas gerações de artistas, examinamos ainda, as lutas travadas no interior do campo, bem como os embates provenientes da participação de instituições não-governamentais, órgãos governamentais e galerias de arte, na assimilação e no rechaço da produção. No que diz respeito a estas relações, será analisada a presença da pixação nas Bienais de Arte de São Paulo (edições de 2002, 2004, 2006 e 2008), detendo-se na ambivalência, entre recusa e absorção, que existe sobre a prática. / Esta investigación aborda la producción de grafiti desde la década de 1970 hasta los primeros años del nuevo milenio y la pixação (pintada) entre su surgimiento (años de 1980) y la actualidad. En lo que concierne al grafiti, el trabajo se enfoca en el germen de esta expresión en la Nueva York de la década de 1970, emprendiendo un recorrido que termina en la metrópolis de São Paulo. A su vez, la pixação (pintada) se circunscribe a la metrópolis de São Paulo, puesto que el autor reconoce su carácter endémico en este espacio. El trabajo busca analizar las problemáticas que han movilizado durante este periodo histórico a los agentes de la esfera de las artes visuales y la consonancia del grafiti y la pixação (pintada) con este ámbito artístico, que se revela más amplio que aquel compartido estrictamente por los interventores urbanos. En una búsqueda por el nomos engendrador, esta disertación presenta los supuestos técnicos, procedimentales y comportamentales formulados por los integrantes del grafiti y de la pixação (pintada) y exigidos para que estas prácticas se consideren como tales. Sin embargo, a diferencia de un recorte más restrictivo, investiga la comunión subyacente entre ambas: consideradas normalmente como distintas, no obstante, practicadas muchas veces por el mismo sujeto. Finalmente, se concluye que, al ser integradas, constituyen un conjunto de experiencias formativas relevantes para el artista cuyo tema y soporte es la ciudad. Nuestros análisis se extienden a tres grandes generaciones de artistas. La pionera, que tiene en Alex Vallauri a su gran exponente; la Old School, que se encuentra más en la génesis de la expresión del grafiti; y la New School, que ha añadido una estilización abstracta a las intervenciones urbanas. En cada una de estas generaciones, señalamos las obras y biografías de algunos artistas que nos permiten explorar las trayectorias, los estilos particulares y las zonas limítrofes de esta producción artística. Examinamos aún en estas generaciones las luchas que ocurren al interior del ámbito, así como los embates provenientes de la participación de instituciones no gubernamentales, órganos gubernamentales y galerías de arte en la asimilación y en el rechazo de la producción. En lo que atañe a estas relaciones, se analizará la presencia de la pixação (pintada) en las Bienales de Arte de São Paulo (ediciones de 2002, 2004, 2006 y 2008), concentrándose en la ambivalencia entre el rechazo y la asimilación que se observa sobre esta práctica.

O problema do espaço, tanto em termos da experiência como no campo da produção de conhecimento, tem sido um dos pontos cruciais da prática contemporânea em artes visuais. Deixando-se afetar pela esfera da vida e pelas várias disciplinas que direta ou indiretamente lidam com a espacialidade - às quais podemos citar a filosofia, a física, a arquitetura, a geografia, dentre outras -, os artistas desenvolvem pesquisas direcionadas a essa questão; obviamente sem nunca esquecer a coordenada do tempo. No contexto brasileiro, o trabalho de Cildo Meireles - um artista de grande importância com uma relevante contribuição no cenário intelectual no país - a investigação desse problema é particularmente reveladora. Ele é um dos artistas que melhor possibilitam uma observância da natureza do espaço, seja por meio de sua subversão, de sua percepção ou mesmo de sua proposição. Inaugurada na segunda metade da década de 1960, a sua trajetória artística contribuiu para o tensionamento das fronteiras da arte pelo seu viés conceitual e experimental. Ao mesmo tempo que o artista se encontra profundamente consciente de sua situação contextual de caráter biográfico, histórico, ambiental e político, sua prática esteve sempre em sintonia com as paulatinas transformações vivenciadas pela arte, o que é revelado na própria história oficial da arte contemporânea recente. Tendo como referente o conjunto da obra do artista, parte-se da hipótese de que por meio de uma trama narrativa bifurcada (trama essa que pode ser espelhada em seu discurso), Cildo Meireles opera uma investigação aguda sobre as razões do espaço com claras implicações políticas. Portanto, procura-se traçar, num jogo de idas e voltas, uma perspectiva sobre sua trajetória, tendo em vista seus trabalhos de meados dos anos 1970 que representam o ponto nodal dessa trama. É das incertezas espaciais de trabalhos como Eureka/ Blindhotland e Malhas da Liberdade que se consegue definir uma prática de deflagração espacial, o que se revelará extremamente sedutora. Dividida em duas partes principais, a tese propõe em seu primeiro momento oferecer uma estrutura conceitual que define a percepção geral de uma situação espacial, onde o trabalho de arte deve operar ou ser ele mesmo aquela situação. Na busca incessante de desarmar o real e o consenso em obras que subvertem as expectativas comuns em relação ao espaço, o artista permite desestabilizar algumas tradições culturais e ideologias modernas. E é para novas formas de compreensão do espaço ou mesmo na proposição de espaços que o artista apontará seu olhar. É sobre esses desdobramentos em sua produção que a segunda parte da tese irá focar, apresentando alguns conjuntos instalativos em que a sedução pela arte se faz valer e que levam o individuo a uma imersão espaço - temporal e a questionar as certezas do espaço. / The problem of space both as experience and in the field of knowledge production has been one of the crucial matters of contemporary visual arts. Allowing themselves to be affected by the sphere of life and therefore by several disciplines that directly or indirectly deal with spatiality - such as Philosophy, Physics, Architecture, Geography among other - artists develop their researches aiming at this question, obviously never forgetting the time co-ordinate. In Brazilian context the work of Cildo Meireles - an artist of great importance due to his relevant contribution to national intellectual scene - the investigation of this problem is particularly revealing. He is one of the artists whose work best enables the observation of the nature of space either by its subversion, or his critical perception, or even its proposition. Starting in the second half of the sixties, Cildo Meireles artistic trajectory helped questioning the frontiers of art both in conceptual and experimental ways. While the artist is deeply conscious of his situation (featuring biographical, historical, environmental and political aspects, his practice has always been in the line with the gradual changes of art, fact that is revealed in the official history of recent art. Taking his life\'s work as a reference, our hypothesis is that Cildo Meireles operates an acute investigation about the reasons of space by means of a bifurcated narrative plot (a plot that can be mirrored in his discourse). With obvious political implications, we outline a perspective about his trajectory as in a game of moving back and forth. The central point of his trajectory occurs in the middle seventies. It is from the spatial uncertainties of works such as Eureka/ Blindhotland and Malhas da Liberdade that we define a practice of spatial outburst, later anchored on its chiefly seductive nature. Divided in two main parts, this thesis firstly offers a conceptual frame to define a general perception of a spatial situation where the work of art must operate or be itself that situation. In an endless search for disarming reality and consensus in works that subvert ordinary expectations in relation to space, the artist helps destabilizing some cultural traditions and modern ideologies. It is towards new forms of comprehending space or even proposing it that the artist directs his gaze. It\'s about these developments in his art production that the second part of the thesis will focus on, presenting some installations where the seduction through art asserts itself and takes the individual to a space-time immersion, questioning the certainties of space.

A intenção desse trabalho foi pesquisar como os professores, ao dialogar com os modos de fazer arte da contemporaneidade e os conteúdos das poéticas dos artistas, poderiam transformar sua prática em sala de aula, tornando-se propositores, investigadores e criadores de campos de experiências para as crianças de 0 a 3 anos. Para poder balizar e acompanhar o processo de transformação dos professores estabelecemos como modelo de referência uma rede teórica constituída pelas pesquisas e estudos sobre Arte Contemporânea, realizada por Archer (2008), Duve (2012), Favaretto (2008), Rancière (2003), Matos (2009), além dos conhecimentos desenvolvidos por Vygotsky (1989), Piaget (1987) e Winnicott (1975) a respeito do desenvolvimento e aprendizagem das crianças e também as pesquisas sobre formação de professores em Alarcão (1999), Schon (2000), Weisz (1999) e Formosinho (2009). Os materiais analisados foram construídos com o grupo de professores durante o processo formativo, são eles: diagnósticos realizados e compartilhados com os professores, sínteses de reuniões, sequências de atividades com fotografias e documentação fotográfica produzida para a exposição realizada no CEU Parelheiros em novembro de 2013, e uma exposição das propostas realizadas pelos professores junto às crianças. / This thesis involves the research of the teacher\'s dialogues within ways of making contemporary art and the poetic content of the artists, and how they could transform their practice in the classroom, becoming proponents, investigators and creators of fields of experience for children between 0-3 years of age. In order to mark out and monitor the process of transforming teachers established as a reference model a theoretical network consists of the research and studies on Contemporary Art held by Archer (2008), Duve ( 2012) , Favaretto (2008 ), Rancière (2003 ) Matos (2009 ), in addition to knowledge developed by Vygotsky (1989 ), Piaget (1987) and Winnicott (1975 ) regarding the development and learning of children and also research on teacher education in Alarcão (1999 ), Schon (2000 ) Weisz (1999) and Formosinho (2009 ). The materials analyzed were built with the group of teachers during the training process, they are: accomplished diagnoses and shared with teachers, meeting summaries, activities sequences with photographs and photographic documentation produced for the exhibition held at CEU Parelheiros in November 2013 and an exhibition of the proposals made by the teachers with the children.

Esta tese tem como tema a mudança da função dos arquivos como modelo de institucionalização da memória no campo da arte, desde meados do século 20. Partimos da premissa de que os estudos polí- ticos e culturais sobre a experiência da violência e as práticas de memorialização criadas para lidar com o trauma, nos últimos trinta anos, resultaram na expansão do discurso sobre a memória. Diante disso, nossa proposição é discutir como se dá o reconhecimento da experiência histórica traumática, no campo da arte brasileira, no início do século 21. Defendemos a tese de que a arte é capaz de prefigurar a violência contida nos arquivos, ao desafiar sua origem e as formas através das quais estruturam nossa realidade. Como metodologia para perquirimos a dimensão arquitetural do arquivo como produtor de uma imaginação histórica e historicizarmos a criação dessas instituições, recorremos às teorias pós-coloniais (Edward Said, Gayatri Spivak, Homi Bhabha, Frantz Fanon, Walter Mignolo, Anibal Quijano, Achille Mbembe). É sob esse aspecto que escolhemos, como estudos de caso, o Arquivo Público do Estado da Bahia e o Museu Antropológico e Etnográfico Estácio de Lima. Nas histórias dessas duas instituições, encontramos o mote para percorremos o Brasil colonial e a instauração de um modelo de nação fundamentado nas teorias raciais do final do século 19. Na análise das práticas artísticas, investigamos a obra de Eustáquio Neves, Giselle Beiguelman, Ícaro Lira, José Rufino, Maria Magdalena Campos-Pons, Paulo Bruscky e Paulo Nazareth, durante a 3ª Bienal da Bahia (2014), em projetos que se fundem e se retroalimentam nas experiências de reconhecimento da violência contida na coleção abandonada de um museu antropológico e na realidade precária do estado de conservação do nosso patrimônio histórico. Concluímos, com base na análise das diferentes formas de confrontação artística com essas questões, que a arte contemporânea no século 21 opera a partir de procedimentos historiográficos e não mais arquivísticos. / This dissertation addresses the change in the role of archives as a model of institutionalization of memory in the field of art since the mid- 20th century. It is based on the premise that political and cultural studies about the experience of violence and the memory-based practices created to deal with trauma, in the past thirty years, have resulted in the expansion of the discourse on memory. Given this, our proposition is to discuss how the traumatic historical experience is recognized in the field of Brazilian art, in the early 21st century. We understand that art is capable of prefiguring the violence contained in archives by challenging its origin and how it structures our reality. To study the architectural dimension of archives as producers of a historical imagination and to historicize the creation of said institution, we adopt postcolonial theories as a methodology (Edward Said, Gayatri Spivak, Homi Bhabha, Frantz Fanon, Walter Mignolo, Anibal Quijano, Achille Mbembe). Therefore, we chose as case studies the Arquivo Público do Estado da Bahia and the Museu Antropológico e Etnográfico Estácio de Lima. In the histories of these two institutions, we address colonial Brazil and the establishment of a model of nation based on late-19th-century racial theories. In our analysis of art practices, we study the work of Eustáquio Neves, Giselle Beiguelman, Ícaro Lira, José Rufino, Maria Magdalena Campos-Pons, Paulo Bruscky, and Paulo Nazareth, during the 3rd Bahia Biennial (2014), in projects that merge with, inform, and are informed by the experiences that acknowledge violence contained in the abandoned collection of an anthropology museum and in the precarious conservation state of our historical heritage. After analyzing the different forms through which art confronts these issues, we conclude that contemporary art in the 21st century operates based on historiographic procedures rather than archive-based ones.

A presente pesquisa debruça-se sobre o conjunto de treze museus públicos brasileiros, das regiões nordeste, centro-oeste, sul e sudeste do pais, que se denominam museus de arte contemporânea (MAC). A tese apresenta o impasse da tipologia MAC como modelo institucional, não apenas na patrimonialização de acervos artísticos contemporâneos, mas principalmente no papel cultural desempenhado na sociedade brasileira. Uma vez que a cultura é elemento essencial do próprio processo de reprodução material da sociedade e os museus devem participar física e ativamente do mundo exterior, visando a apropriação da instituição pelos cidadãos, o impasse institucional apontado pela pesquisa é discutido a partir da relação museu-cidade. As transformações urbanas e os discursos identitários, continuamente reelaborados nas cidades hoje, são elementos importantes para a qualificação da análise e do debate em torno dos museus de arte contemporânea na atualidade. / This survey looks at thirteen of Brazil\'s public museums in the northeast, mid-west, south and southeast regions of the country, which are known as \"museums of contemporary art\" (local acronym MACs). As a typology or institutional model, the MACs have reached an impasse, not only in relation to contemporary art as heritage and permanent collections, but also and particularly in terms of their cultural role in Brazilian society. Since culture is an essential element in the actual process of material reproduction of society, and since museums must actively and physically participate in the outside world, aiming for appropriation of the institutions by citizens, the institutional impasse identified by the survey is discussed from the standpoint of the city-museum relationship. Urban transformations and identity discourses are continually being reworked in cities today as important elements qualifying the analysis and discussion of current contemporary art museums.

Por meio da combinação entre abordagem teórica e prática artística, a pesquisa coloca em questão o modo como os públicos são compreendidos e geridos no âmbito institucional da arte, particularmente no contexto brasileiro. Para isso, adotamos a mediação cultural como locus de investigação e atuação propício à confrontação de enunciados oriundos dos diferentes agentes envolvidos nesse circuito, desde os gestores, curadores, artistas e educadores até os públicos, cujas discursividades e performatividades correspondem ao foco do nosso interesse. Problematizando as formas abstratas de classificação utilizadas para designar e endereçar os destinatários das ofertas institucionais e das práticas artísticas por elas difundidas, o trabalho se imbui da postulação de um estatuto alternativo para os públicos, entendidos aqui como formações emergentes de sujeitos políticos. Isso implica a articulação de referências e precedentes capazes de contribuir para o processo de constituição de outro regime de interação entre os agentes institucionais e aqueles que seriam os beneficiários de suas proposições de viés educativo. A saber, um regime favorável ao surgimento, ao debate e à repercussão das demandas sociais, políticas e culturais manifestas por esses indivíduos e coletividades. Materializada na dissertação, a face teórica da pesquisa reúne e analisa conceitos, problemáticas e exemplos caros ao exercício crítico em torno da condição de público e das iniciativas institucionais, mediativas e artísticas que se ocupam de diferentes modalidades de interação com suas audiências. Já a sua face artística lança mão de um procedimento documentário, elegendo como recorte um formato de atração, organização e condução de visitantes amplamente usado pelas instituições artísticas para intermediar o seu acesso aos bens artístico-culturais. Trata-se das visitas mediadas com grupos. O Diário do busão: visitas escolares a instituições artísticas funciona como um dispositivo de sondagem e tradução das formas de atuação dos estudantes da rede pública de ensino nos equipamentos de arte concentrados no centro expandido da cidade de São Paulo. Com isso, busca conferir linguagem, visibilidade e circulação às suas respostas a uma ação institucional representativa das políticas de democratização cultural. / Through the combination of theoretical approach and artistic practice, this research questions the way publics are understood and managed within the institutional framework of art, particularly in Brazil\'s context. To this end, we adopt cultural mediation as a locus of research and action that is conducive to the confrontation of statements from the different agents involved in this circuit, from managers, curators, artists and educators to the publics, whose discursiveness and performativity are the focus of our interest. By problematizing the abstract forms of classification used to designate and address the recipients of the institutional offers and the artistic practices they disseminate, this work is imbued with the postulation of an alternative statute for the publics, here understood as emergent formations of political subjects. This implies the articulation of references and precedents capable of contributing to the process of constitution of another regime of interaction between the institutional agents and those who would be the beneficiaries of their educationally-directed propositions. Namely, a regime favorable to the emergence, the debate and the repercussion of social, political and cultural demands that are manifested by these individuals and collectivities. Materialized in this dissertation, the theoretical face of the research brings together and analyzes concepts, problems and examples dear to the critical exercise around the condition of public and of the institutional, mediatic and artistic initiatives that deal with different modalities of interaction with their audiences. As for its artistic face, it uses a documentary procedure, choosing as approach a format of attraction, organization and conduct of visitors widely used by artistic institutions to mediate their access to artistic and cultural assets - in this case, mediated visits with groups. The Diário do busão: visitas escolares a instituições artísticas [The big bus diary: school visits to art institutions] works as a device for probing and translating the forms of acting of public school students in the art equipments in the expanded center of the city of São Paulo. With this, it seeks to confer language, visibility and circulation to their responses to an institutional action that is representative of the policies of cultural democratization.

Submitted by isabela.moljf@hotmail.com (isabela.moljf@hotmail.com) on 2017-02-21T12:06:30Z No. of bitstreams: 1 vilsonholzapfel.pdf: 1386333 bytes, checksum: 5b1f86eee664ca33f4e3b34c45e53210 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-02-21T13:56:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 vilsonholzapfel.pdf: 1386333 bytes, checksum: 5b1f86eee664ca33f4e3b34c45e53210 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-21T13:56:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 vilsonholzapfel.pdf: 1386333 bytes, checksum: 5b1f86eee664ca33f4e3b34c45e53210 (MD5) Previous issue date: 2009-12-09 / Propondo-se a analisar a produção artística de Stelarc a partir de um olhar semiótico, a presente pesquisa busca elementos que legitimem a interpretação simbólica, portanto fantasiosa, imaginária e utópica, das performances, observando-as como signos do processo evolutivo humano em luta contra a obsolescência. A essa leitura opõe-se Brian Massumi, que sugere a observação literal e restrita ao espaço performático. A análise, baseada na Semiótica de Peirce, segue três etapas: a primeira, descritiva, demora-se nos fundamentos do signo; a segunda intenta delinear o objeto, que se prolonga do espaço performático à realidade contígua e imbrica sobre a futuridade pós-humana. Na terceira, observam-se os efeitos interpretativos nas categorias de primeiridade, secundidade e terceiridade, com ênfase no legissigno instituidor das corporeidades conectadas, base de uma sugestão de modelo classificatório que, ao considerar o caráter relacional do ciberespaço, destaca o modo como se dão os contatos sociais em Stelarc e como influenciam a subjetividade. A proposta complementa o modelo de Massumi, fundado no automatismo força atuante corpo ação transduzida. As relações em Stelarc são eminentemente táteis, viscerais, em que o corpo torna-se arena de manifestação do comportamento híbrido, coletivo, fractal. À luz da Pragmática, observar-se-á o interpretante stelarciano em seu poder de alterar a visão de mundo do intérprete e seus hábitos de sentimento, ações e pensamentos. Será analisada, portanto, a capacidade do signo artístico de incentivar o crescimento da razoabilidade concreta, ao estimular a busca do Summum Bonum, ideal estabelecido pela Estética e executado pela Lógica, sob a direção da Ética. Por fim, a pesquisa identifica elementos que validem a leitura simbólica a partir de critérios objetivos respaldados nos fundamentos e na referencialidade do signo, somados à experiência colateral do intérprete. Na presente pesquisa, foram consideradas as teorias de Peirce sobre semiótica, a partir das observações de Gambarato, Fernandes, Serra, Tienne e Santaella; de Hall, Freud, Lemos, Marcondes Filho, Rüdiger, Maffesoli sobre subjetividade e socialização; de Kerckhove, Lévy, Santaella e Domingues, como teóricos da cibercultura; e de Leão, Fernandes, Dery, Goodall, Jones, Kroker, Smith, Massumi sobre o universo stelarciano. / Trying to analyze in a semiotic view the Stelarc’s artistic production, the current research seeks elements that can legitimate the symbolic interpretation, hence fanciful, imaginary and utopian, of performances, observing them as signs of the human evolutionary process in the fight against obsolescence. Brian Massumi, in opposition to this reading, suggests the literal and restricted observation of the performative space. The analysis, based on Peirce’s Semiotic, follows three stages: the first one, descriptive, stays on the sign features. The second, intends to outline the object, which prolongs from the performative space until the contiguous reality and overlaps the posthuman futurity. On the third one, the interpretative effects on the firstness, secondness and thirdness are observed, laying emphasis on the legisign as founder of the connected corporities, which are the base of a suggestion to a classifier framework when, considering the cyberspace relational aspect, emphasizes the way how the social contacts in Stelarc are settled and how they influence the subjectivity. The proposal completes Massumi’s pattern based on the automatism acting force body transduced action. In Stelarc, the relationships are priorly tactile, visceral, where the body becomes arena of expression of the hybrid, collective and fractal behavior. Under the pragmatic aegis, the Stelarcian interpretants will be analyzed in its power of changing the interpreter’s world perception, and his/her habits of feeling, action and thought. The artistic sign capacity to motivate the growth of the concrete reasonableness will be scrutinized, by stimulating the Summum Bonum search, which is established by the aesthetic and executed by the logic, under the ethic leading. Finally, the research identifies elements that confirm the symbolic reading that follows objective criteria supported by both, the features and the referentiality of the sign, added to the interpreter’s collateral experience. This current research has considered the theories of Peirce, about Semiotic, according to Gambarato, Fernandes, Serra, Tienne and Santaella; of Hall, Freud, Lemos, Marcondes Filho, Rüdiger, Maffesoli about subjectivity and socialization; of Kerckhove, Lévy, Santaella and Domingues, as theoreticians of the cyberculture; and of Leão, Fernandes, Dery, Goodall, Jones, Kroker, Smith, Massumi about the Stelarcian universe.

Fundação de Amparo a Pesquisa no Estado do Rio Grande do Sul / This research aims to understand the processes of convergence between art and advertising its insert and contribute in different ways to the artistic field. In this contemporary time, one sees an active process of confluences and cultural and communicational hybrids due to increasingly latent exposure of the mass media and new technologies. There has been a notable advance in the art use of insertion strategies and dissemination of its content in the media, showing up, sometimes as promotion strategy, sometimes as critical to such means. For analysis and development of this study, we turn to artists whose works comprise characteristics that lead to border washout, allowing us to see there where the convergence between art and advertising are these days, much of the exploration point of view of language and space ownership advertising. This study is based on the works of the following artists, Antoni Muntadas, Felix Gonzalez-Torres, Jeff Koons, Vik Muniz, Barbara Kruger, Cindy Sherman, Paul Bruscky and Gisele Beiguelman. In this investigative journey also approach the relationship between contemporary art and the art market, looking at art as a field of knowledge can provide us with different reflections on the world, which has an ambiguous position because it is an activity with purpose endless and it has, however, able to transform the interests of the consumer market. Subjected to economic and cultural imperatives, art also relates to the big brands in the consumer market, and a major corporate investment in certain cases. Evaluate how resources obtained in these artistic practices influence the mode of production of artists and their careers, limiting their opportunities and constraints in this field and, therefore, we try to understand the status of the artist in contemporary society. Finally, we believe that the artwork that allow convergence with other fields, such as advertising, especially those that occur in non-institutional spaces, contribute to the debate on the nature of art. Thus, we can see an ease access to those works, which indicates a greater democratization of art. We also understand that although there is a fusion between art and advertising, borders appear less distinct and hierarchical, more permeable. This phenomenon changes the aesthetic experience we have with the world and the art changes the world, experience it changes us too. / Esta pesquisa tem por objetivo compreender os processos de convergência entre a arte e a publicidade que se inserem e contribuem de diferentes formas para o campo artístico. Nesse tempo contemporâneo, percebe-se um processo ativo de confluências e hibridismos culturais e comunicacionais devido à exposição cada vez mais latente dos meios de comunicação de massa e das novas tecnologias. Observa-se um notável avanço da arte na utilização de estratégias de inserção e de divulgação dos seus conteúdos nas mídias, mostrando-se, ora como estratégia de promoção, ora como crítica a esses meios. Para análise e desenvolvimento desse estudo, nos voltamos para artistas cujas obras comportam características que levam ao esmaecimento de fronteiras, permitindo visualizar aí a convergência entre arte e publicidade nos dias de hoje, tanto do ponto de vista da exploração como da apropriação de linguagens e espaços publicitários. Este estudo se apoia nas obras dos seguintes artistas, Antoni Muntadas, Felix Gonzalez-Torres, Jeff Koons, Vik Muniz, Barbara Kruger, Cindy Sherman, Paulo Bruscky, e Gisele Beiguelman. Nesse percurso investigativo, abordamos também as relações entre a arte contemporânea e o mercado da arte, observando a arte como um campo de saber capaz de nos proporcionar diferentes reflexões sobre o mundo, que apresenta uma posição ambígua por ser uma atividade com finalidade sem fim e que tem, no entanto, o poder de se transformar aos interesses do mercado de consumo. Submetida a imperativos econômicos e culturais, a arte relaciona-se também com as grandes marcas do mercado de consumo, sendo um importante investimento corporativo em determinados casos. Avaliamos como os recursos obtidos nessas práticas artísticas influenciam o modo de produção dos artistas e suas carreiras, delimitando as suas oportunidades e restrições nesse campo e, em consequência, tentamos compreender o status do artista na contemporaneidade. Enfim, acreditamos que os trabalhos artísticos que permitem a convergência com outros campos, como o da publicidade, principalmente aqueles que ocorrem em espaços não institucionais, contribuem para o debate sobre a própria natureza da arte. Com isso, percebe-se uma facilidade de acesso a essas obras, o que indica uma maior democratização da arte. Compreendemos também que, embora não exista uma fusão entre a arte e a publicidade, as fronteiras se apresentam menos distintas e hierarquizadas, ou seja, são mais permeáveis. Esse fenômeno modifica a experiência estética que temos com o mundo e, se a arte modifica o mundo, experienciá-la nos modifica também.