Esta tese parte dos contextos de obras de Regina Silveira (Porto Alegre, RS, 1939) e Carlos Fadon Vicente (São Paulo, SP, 1945), realizadas a partir dos anos de 1970, para reflexão e problematização sobre as relações entre fotografia e ficção, na arte contemporânea. Entre os artistas brasileiros que tiveram importante atuação nos anos 1970 no uso da fotografia como elemento de suas obras, ou como fotógrafos, este estudo enxerga em Regina Silveira e Carlos Fadon Vicente pesquisas seminais e declaradas em torno da representação e do debate sobre a visualidade, que persistem até hoje. Este estudo reconhece também similaridades nas obras dos dois artistas, mesmo que trabalhadas de modo diferente, no que concerne ao uso de elementos que levam à problematização do conceito de representação e à ideia de ficção. A dualidade entre arte e fotografia e vice-versa, permeia toda a tese. Da mesma forma, o debate em torno da ficção dado a partir da ideia de terreno como conjunto de significados capaz de problematizar diversas noções de ficção: fingir, imitar, parecer semelhante, real, verdadeiro, fidedigno, verossímil. Iludir, encenar, construir, falsificar. Tornar ambíguo, virtual, simular. O ponto fulcral da questão reside no jogo em torno da representação, da natureza artificiosa da imagem fotográfica. A fotografia permeia o campo das Artes Visuais e o da própria Fotografia, como suporte mediático que possibilita se pensar a questão da representação, o embate entre as noções de realidade e de ficção e a permeabilidade entre ambas: a ficção pode constituir uma realidade em si mesma. A ideia de ilusão explorada e demonstrada a partir do uso da fot ografia como fonte ficcional. As reflexões giram ao redor do debate sobre a representação na ou por meio da fotografia. As noções de ilusão, ficção e simulacro se manifestam de maneira semelhante e intercambiável tanto quando estamos diante da fotografia (tout court), como de uma obra visual que tem a fotografia como base. Quando o assunto é fotografia, alguns debates entram em pauta. Por exemplo, a questão da fotografia como documento, como memória; o embate entre real e ficcional; a fotografia como arte; a postura do fotógrafo perante a fotografia. No momento em que o assunto é arte contemporânea, outros debates ao redor da fotografia, e da própria arte, são suscitados como o caso em que a fotografia está presente como componente da obra, e, dessa forma, de que maneira ela dialoga com a arte e cria sentidos semelhantes àqueles quando se trata da fotografia tout court. Observam-se as especificidades da fotografia e seu trânsito entre os campos, Arte e Fotografia, permeando-os, de modo a refletir sobre o que acontece quando está no campo da Arte Contemporânea e de que forma contribui para trazer à tona uma discussão sobre ficção e representação. Como faceta metodológica, este estudo emprega, além das imagens das obras visuais, entrevistas com os dois artistas e documentos de época, de modo a contextualizar, esclarecer e enriquecer o debate e a reflexão empreendidos na tese. / This thesis comes from the context of works by Regina Silveira (Porto Alegre, RS, 1939) and Carlos Fadon Vicente (São Paulo, SP, 1945), carried out from the 1970s, for reflection and problem contextualization about relationships between photography and fiction in contemporary art. Among Brazilian artists, who had important performances in the 70s as photographers or with the use of photography as an element of their work, this study is complied with Regina Silveira and Carlos Fadon Vicente seminal researches over representation and declared debate on visuality, that persists todays. This study also recognizes similarities in the works of both artists, even if accomplished in a different manner in what concerns the usage of elements that lead to the questioning of the concept of representation and the idea of fiction. The duality between art and photography and vice-versa, involves all the theses. Similarly, the debate around fiction given from the idea of terrain as a set of meanings capable to bring problems to several notions of fiction: pretending, imitating and looking similar, real, truthful, faithful, credible: illusion, staging, building, faking. Make it ambiguous, virtual, simulated. The crucial point of the question resides around the representation of the artificial nature of the photographic image. The photograph lines up with the field of Visual Arts and of Photography itself as a media support that enables to think of the representation question, the clash between the notions of reality and fiction and the permeability between the two: fiction can constitute a reality in itself. The idea of illusion exploited and demonstrated through the use of photography as a fictional source. Reflections turn around the debate over representation on photography or through its means. Notions of illusion, fiction and simulation show themselves in a similar and interchangeable manner, as well as when we are before a photograph tout court, or before a visual work with a photography basis. When the subject is photography, some debates arise, for instance: the issue of photography as a document, as a source of memory; the draw between whats real and fictional; photography as an art and the photographers attitude before the photograph. When it comes to contemporary art, other debates arise around photography, and art itself, it comes to the case when photography is present as a component of the work, and, this way, exposes the manner it creates a dialog with art and similar meanings to those related to photography tout court. The specifics of photography are observed, as well as its transit among the fields, Art and Photography, lining them up, so as to reflect what happens in the sphere of Contemporary Art and the way it contributes to arouse a discussion about fiction and representation. As a methodological asset, this study applies, on top of visual work images, interviews with the two artists and a set of documents, in such a way to contextualize, clarify and enrich the debate and reflection invested in the thesis.

Este trabalho é um estudo sobre a produção de alguns artistas brasileiros procurando situar o fenômeno corporeidade percebido em algumas obras. Aspectos da fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty servirão de base para as análises que serão feitas. Não tratamos de definir um conceito final sobre o assunto, mas propomos a articulação de aspectos estudados na arte atual com temáticas da filosofia pontiana que nos aproximam da compreensão de um entrelaçamento entre o artista e o mundo, com o qual buscaremos desvelar possíveis características da sensibilidade atual. Neste sentido, nos aproximamos da produção de três artistas brasileiros de gerações diferentes: Amélia Toledo, Carmela Gross e Ernesto Neto. E, depois, procuramos observar como algumas questões ainda permanecem operantes nas produções e experiências de criação de jovens artistas, nascidos por volta dos anos de 1980: Júlio Meiron, Amanda Mei, Lia Chaia e Vitor Mizael. Esse tratamento permite um olhar para arte do qual emerge uma nova ideia de corpo não só como presença e fisicalidade, mas como ausência e extensão, senciente-sensível manancial fecundo para a expressão artística. / This research is a study on the production of some Brazilian artists and it seeks to locate the phenomenon corporality. Aspects of the phenomenology of Maurice Merleau-Ponty will be the basis for analysis that will be made. We dont try to set a final concept on the subject, but we propose the articulation of aspects studied in the current art and themes of the Merleau-Ponty\'s philosophy. So, we approach the production of three Brazilian artists of different generations: Amelia Toledo, Carmela Gross and Ernesto Neto. And then we observed how some issues continue still in production and operating in the experience of creating young artists: Julio Meiron, Amanda Mei, Lia Chaia and Victor Mizael. This treatment allows one to look at art from which emerges a new idea of the body not only as a presence and physicality, but as an absence and extension fruitful source for artistic expression.

Esta tese analisa o desenvolvimento do trabalho do artista plástico francês Daniel Buren, nascido no ano de 1938 em Boulogne-Billancourt, nos arredores de Paris. Trata-se de um autor ligado aos desdobramentos das pesquisas neovanguardistas na França, conhecido como um dos fundadores da crítica institucional, no contexto da chamada arte conceitual. Suas instalações se caracterizam por estabelecer uma análise sistemática entre a obra de arte e seu local de exposição através daquilo que chamou de trabalho in situ. Atualmente, esta locução é frequentemente utilizada no campo da arte contemporânea para designar trabalhos realizados no próprio local de exposição. Dentre as múltiplas possibilidades de analisar a vasta obra de Daniel Buren, buscamos explorar exatamente o desenvolvimento deste aspecto central de seu trabalho, a noção de trabalho in situ e sua aplicação dentro e fora dos museus e galerias. Esta escolha visa dois objetivos: em primeiro lugar apresentar o funcionamento destes trabalhos ao longo do período analisado. Estes, apesar de surgirem de uma proposta simples, são capazes de movimentar, a cada vez, diversos elementos materiais e simbólicos que compõem o espaço investido. Em segundo lugar, trata-se de avaliar a força crítica do trabalho in situ nestas duas décadas e sua possível ressonância para a arte contemporânea, uma vez que o trabalho in situ tem por característica principal evidenciar o espaço no qual se insere como local de exposição e de produção cultural a ser problematizado. Para o desenvolvimento deste estudo consideramos que o sistema da arte analisado e criticado por Buren, e no interior do qual ele forçosamente desenvolve o seu trabalho, sofreu modificações profundas no período a que se refere esta pesquisa, acompanhado de mudanças igualmente significativas no modo como a cultura se reproduz no capitalismo tardio. Este efeito se consolida em diversas propostas curatoriais e museográficas que abandonam o território seguro da história da arte em direção a propostas autorais ou temáticas. Observa-se também a reformulação e criação de novos espaços expositivos, trabalhados pelos artistas e curadores, que buscam dar conta das questões ligadas à desmaterialização da obra de arte e de sua circulação no campo cultural expandido. Em adição a isso, o próprio espaço urbano se torna um local a ser investido pelas obras in situ, suscitando questões concernentes à relação entre a arte, o artista e o espaço público da cidade. / This thesis examines the development of the work of French artist Daniel Buren, born in 1938 in Boulogne-Billancourt, near Paris. His work is characterized by establishing a systematic analysis between the work of art and its exhibition venue through what he called the work in situ. Currently, this term is often used in the field of contemporary art to define a work done on site. Among the many ways of analyzing the vast work of Daniel Buren, we explore the development of this central aspect of his work, the notion of work in situ and its application in and out of museums and galleries. This choice aims at two objectives: firstly present the functioning of these works over the period analyzed. Even though they arise from a simple proposal, they mobilize various material and symbolic elements that constitute the invested space. Secondly, evaluate the critical strength of the work in situ during these two decades and their possible resonance to contemporary art, since the work in situ is characterized by evidencing the space in which it is installed as a site of exhibition and cultural production open to questioning. To develop this study, we consider that the \"art system\" analyzed and criticized by Buren, who work within that system, was modified significantly in the period referred to in this research, accompanied by equally significant changes in how culture reproduces itself in late capitalism. This effect is consolidated in many curatorial proposals that leave the safe territory of art history toward questions regarding the dematerialization of the art object and its circulation in the expanded cultural field. We also observe the redesigning and the creation of new experimental exhibition spaces. In addition to this, the urban space itself becomes a place to be invested by the works in situ, raising questions concerning the relationship of the art and the artists in the public space of the city.

Submitted by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-06-11T16:31:32Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_SinvalGarciaLinguagens.pdf: 8899268 bytes, checksum: 0a27c95597bad8ca56e4571772ae6d20 (MD5) / Approved for entry into archive by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-06-11T16:32:34Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_SinvalGarciaLinguagens.pdf: 8899268 bytes, checksum: 0a27c95597bad8ca56e4571772ae6d20 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-06-11T16:32:34Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_SinvalGarciaLinguagens.pdf: 8899268 bytes, checksum: 0a27c95597bad8ca56e4571772ae6d20 (MD5) Previous issue date: 2015-06-15 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A presente pesquisa aborda parte da obra de Sinval Garcia (1966 - 2011), que realiza significante produção no âmbito das Artes Visuais no Brasil. Em sua produção, abordaremos as exposições Samsara (1997), Paisagens In-visíveis (2005) e A Câmara da Transmutação Secreta (2009). Este recorte de sua obra se constitui no interstício entre a fotografia e outras linguagens, nos concentrando, especialmente, na relação estabelecida com a pintura, observada nos vínculos entre os trabalhos dentro do contexto da produção do artista. Para tal foram utilizados os conceitos sobre fenomenologia de M.Merleau-Ponty, o estudo de Laura Gonzalez Flores sobre fotografia e pintura, além do pensamento de Vilém Flusser acerca de uma filosofia para a fotografia. Este trabalho pretende colaborar para as discussões de uma História da Fotografia Contemporânea no Pará e no Brasil, bem como contribuir para o posicionamento reflexivo e crítico da arte contemporânea em âmbito nacional. / The current research discourses part of the Sinval Garcia’s work (1966 - 2011) which performs major production in the Brazilian’s visual arts field. In his production, we will focus on the exhibition “Samsara” (1997) “Paisagens In-visíveis” (In-visible Landscapes) (2005) and “A Câmara da Transmutação Secreta” (The House of Secret Transmutation) (2009). This cut of his work constitutes by the interstices between photography and other languages, and it will be focused particularly on the established relationship with painting, observed over the links between the works within the artist's production context. To do this we used the concepts of phenomenology M.Merleau-Ponty, the study Laura Gonzalez Flores on photography and painting, beyond thought of Flusser about a philosophy for photography. This research contribute to the discussions of a story of contemporary photography in Pará and Brazil, and contribute to the reflective and critical stance of contemporary art nationwide.

Submitted by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-06-12T15:23:45Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_FluxoNorteDiarios.pdf: 12347576 bytes, checksum: bf3b64ad87685eb7ba5b43b74c6e0d6e (MD5) / Approved for entry into archive by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-06-12T15:24:15Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_FluxoNorteDiarios.pdf: 12347576 bytes, checksum: bf3b64ad87685eb7ba5b43b74c6e0d6e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-06-12T15:24:15Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_FluxoNorteDiarios.pdf: 12347576 bytes, checksum: bf3b64ad87685eb7ba5b43b74c6e0d6e (MD5) Previous issue date: 2015-06-15 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta pesquisa pretende instaurar uma cartografia poética e analítica de determinados artistas visuais que atuam ou são de origem da Amazônia Legal, a partir de viagens realizadas nesse território entre 2013 e 2014. Aplico o conceito de Contemporâneo desenvolvido em O que é o contemporâneo? de Giorgio Agamben observando de que maneira os artistas se articulam para realizar suas produções e o que eles pensam sobre uma região cheia de especificidades, diferenças e complexidade como é a Amazônia; bem como, apoio-me no conceito de Cartografia utilizado por Virginia Kastrup, no Livro Pistas do Método da Cartografia, para desenhar uma cartografia subjetiva da região. Reflito sobre a poética dos Diários de Bordo e Diário Íntimo encontrados em Mário de Andrade, Maria Gabriela Llansol e Maurice Blanchot, com a intenção de (re) descobrir a região através da escrita, compreendendo esta como parte do percurso de entendimento sobre a Amazônia. / This research aims to establish a poetic and analytical mapping of certain visual artists who work or are the source of the Amazon, from trips made in that territory between 2013 and 2014. I apply the concept of Contemporary developed in What is the contemporary? Giorgio Agamben watching how artists articulate to perform their productions and what they think about a region full of peculiarities, differences and complexity as the Amazon; well, support me in the concept of mapping used by Virginia Kastrup, in Mapping Method Lanes Book, to draw a subjective cartography of the region. Reflect on the poetics of the Board Daily and Daily Intimate found in Mario de Andrade, Maria Gabriela Llansol and Maurice Blanchot, with the intention of (re) discover the region through writing, understanding this as part of the path of understanding on Amazon.

Entre os anos 2000 e 2010, são intensificadas e renovadas mundialmente as discussões sobre produções artísticas que se relacionam com o conhecimento, a universidade, a pesquisa, a teoria, a reflexão, a educação e os outros campos do conhecimento. Um dos ângulos desse fenômeno multifacetado, e que é motivo de interesse crescente dos artistas e demais profissionais da Arte, pode ser resumido com a expressão pesquisa artística. Uma das contribuições desta tese é relacionar o pioneirismo da criação dos programas de pós-graduação em Artes Visuais no Brasil, com trajetória consistente de estabelecimento e definição desde a década de 1970, a esse fenômeno recente, que aconteceu sobretudo na Europa, disparado pela transformação das academias de arte em universidades por lá, seguida de um debate intenso sobre os significados da pesquisa do artista. Além disso, este estudo percorre as produções artísticas, discursivas, pedagógicas e teóricas dos artistas brasileiros Jorge Menna Barreto e Ricardo Basbaum em busca da linha poética da pesquisa, contextualizando-os tanto como herdeiros da pesquisa em arte no Brasil quanto associados a essa movimentação internacional sobre a pesquisa artística. Parte-se da incerteza sobre a multiplicidade dos significados e das nomenclaturas que a pesquisa do artista provoca, não como uma indagação ontológica, mas com o propósito de entendimento sobre o seu lugar, uma questão institucional da arte inserida no ambiente universitário e, sobretudo, um problema que se encontra na própria obra de arte, agora considerada de pesquisa. / From the years 2000 to 2010, discussions on artistic productions that are related to knowledge, university, research, theory, reflection, education and other fields of knowledge are intensified and renovated. One of the angles of this multifaceted phenomenon, and a reason for the rising interest in it by artists and other art professionals, can be summarized by the expression artistic research. One of the contributions of this thesis is correlating the pioneering creation of postgraduate programs in Visual Arts in Brazil, consistently established and defined since the 1970s, to this recent phenomenon, that took place specially in Europe, initiated by the transformation of art academies into universities, followed by an intense debate on the meanings of artist research. Moreover, this study examines artistic, discursive, pedagogical and theoretical productions by Brazilian artists Jorge Menna Barreto and Ricardo Basbaum in order to find the poetic line of research, contextualizing both as heirs of research in art in Brazil and affiliates of these international shifts on artistic research. The starting point is the uncertainty regarding the multiplicity of meanings and nomenclatures that artist research provokes, not as an ontological enquiry, but with the purpose of understanding their place, an institutional matter of art inserted in the university environment, and, particularly, a problem found in the work of art itself, now considered research.

Submitted by William Justo Figueiro (williamjf) on 2015-06-16T20:38:01Z No. of bitstreams: 1 22.pdf: 2344134 bytes, checksum: 3e47dc9141d51f1774189d7a4e590bbc (MD5) / Made available in DSpace on 2015-06-16T20:38:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 22.pdf: 2344134 bytes, checksum: 3e47dc9141d51f1774189d7a4e590bbc (MD5) Previous issue date: 2012-12-19 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Fundación Carolina / A proposta desta investigação consiste em compreender de modo mais pontual os processos de constituição da arte contemporânea a partir do fenômeno da crescente interação entre as culturas, o qual, no âmbito cultural da pósmodernidade, avança fortemente matizado por questões de natureza identitária. Em tempos atuais, parece impensável isolar a arte – à maneira moderna – e tratá-la como um organismo autônomo e impermeável ao mundo à sua volta. Desvinculada de um projeto histórico e de princípios universais de assimilação, a arte contemporânea corresponde a um novo modo de processar práticas estéticas no campo da arte, dentro de um âmbito que vem demandando, por parte dos artistas, a incursão por territórios sócio-políticos cada vez mais conflitivos. As críticas destrutivas, os ataques e as tentativas de desqualificar a arte contemporânea refletem um parcialismo preguiçoso e tendencioso. Tais atitudes quase sempre desconsideram as mudanças conjunturais que, pelos menos desde meados da década de 1970, vêm afetando o campo das artes visuais e dele fazem um território privilegiado para a visibilidade de leituras possíveis sobre diversas esferas sociais, como a da identidade cultural. Para realizar este empreendimento investigativo, optou-se por uma abordagem de cunho hermenêutico que tem como ponto de partida a crítica aos valores afirmativos e integralistas da História, combinada com algumas considerações sobre os campos conceituais da cultura e da identidade. Este núcleo estrutural acomoda uma análise sobre a arte contemporânea conduzida por novos agenciamentos presentes na crítica cultural pós-moderna, fortemente baseada na contextualidade da experiência, na narratividade do conhecimento e na inconsistência das explicações sinópticas e teleológicas sobre a realidade. Mediante a aproximação de exploração bibliográfica, elementos etnográficos e vivências no campo da arte, procurou-se construir este trabalho sob o domínio de uma sensibilidade dialógica que repudia a fixação de “fundamentos” e posições axiomáticas acerca da ciência, de modo que o próprio movimento de reconstrução do texto através de sua leitura possa criar possibilidades de enunciar o que não foi dito. O itinerário traçado a partir destes parâmetros produz tensionamentos que não são facilmente resolvidos, tendo em vista o fato de que os produtos gerados pela ciência são também constituídos a partir de um jogo de linguagem próprio que cadencia temporalidades, ritmos e processos de assimilação que não se revelam em sua totalidade. A projeção da cultura como um campo de experimentações políticas trouxe ao cenário atual a necessidade de compreensão dos seus impactos frente a diversas esferas da vida social. Como uma destas esferas, a arte absorveu as possibilidades criativas, desconstrutivas e ressignificantes que estão na base de um projeto que almeja reposicionar o valor da cultura após o desgaste da modernidade e o esvaziamento de suas significações. Sob esta ótica, os rompantes escatológicos e suicidas da arte perdem sua força, pois ela assume a posição de um texto que se enriquece na medida em que se deixa impregnar por outros textos. Posicionando-se desta forma, a arte evita a fixação de limites disciplinares precisos e aventura-se na busca por um sentido capaz de situá-la em espaços sociais que se renovam constantemente. / It is the aim of this investigation work to comprehend in a more thorough way, the making processes of contemporary art in the light of the phenomenon of increased interaction among cultures, which in the sphere of postmodern culture advances strongly tinged with issues of identity nature. Isolating art – in the modern form – and treating it as an autonomous and impervious to the world organism is unthinkable in the present time. Dissociated from a historical project and from universal assimilation principles, contemporary art corresponds to a new form of processing the aesthetic practices in the field of art, within a sphere which is demanding, from the part of the artists, moving about increasingly conflicting territories. Criticism against, confrontation and attempts to discredit contemporary art generally reflect a biased and idle partiality. These attitudes do not consider the set of changes that have been taking place since at least the mid 70’s and which are affecting the field of visual arts although at the same time causing it to be a privileged territory for the possibilities of reading about the different social spheres such as the cultural identity one. In order to realize this research project, a hermeneutic approach was used and the starting point has been the critique of History affirmative values, combined with some considerations about the concept fields of culture and identity. This structural unit brings along an analysis over the contemporary art conducted by new perspectives present in the postmodern culture critique, strongly based on the contextuality of experience, on the narrative of knowledge and on the inconsistency of the synoptical and teleological explanations on reality. This research work has been constructed through the approximation of bibliographic data, ethnographic elements and experiences in the field of art, always under the domain of a dialogic sensitivity which does not advocate the establishment of axiomatic positions and “principles” about science, thus allowing for the movement of text reconstruction itself through its reading to make statement possibilities of the unsaid. The itinerary outlined from these standards creates strains that are not easily managed bearing in mind the fact that the products generated by science are also constructed from a unique language system which regulates temporality, rhythm and assimilation processes not wholly revealed. The projection of culture as a field for political experiment brought into our time the need to understand its impact over the different spheres of social life. As one of such spheres, art absorbed the creative, deconstructive and resignificant possibilities which form part of a project that aims at resetting the value of culture upon the deterioration of modern age. From this view the eschatological and suicidal irruptions of art lose strength as it takes the position of a text which enriches itself as it allows for other texts to impregnate it. It is through this perspective that art avoids the establishment of precise disciplinary limits and ventures into the pursuit of a meaning which will enable it to situate in social scenarios which renew themselves constantly.

Made available in DSpace on 2016-04-27T14:31:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciana Pasqualucci.pdf: 94236306 bytes, checksum: 94c98c14bb8e8c73df179e27eb986ef1 (MD5) Previous issue date: 2014-10-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The objective of this study was to increase the understanding on how museums may aid the interdisciplinary construction of knowledge. The study was based on the description of some activities carried out in a cultural institution in the city of São Paulo SP, and its objective is to evidence how interdisciplinarity may be exercised, and how it is possible to currently justify the construction of an interdisciplinary attitude towards knowledge. The notions of Phenomenology and Contemporary Art are the bases of the study. Interdisciplinarity emphasizes the importance of intersubjectivity and of partnerships. Considering its five categories (humbleness, respect, coherence, expectation, and detachment), it is an attitude that may make the educational and institutional intentionality of the museum viable, in its attempt to share its cultural and artistic patrimony with the public. Interdisciplinarity, as a category of action, may make institutional demands and educative projects possible in museums, based on a phenomenological vision of men - understanding men as a creative, collective, and questioning beings. This man that asks about the sense in everything, when facing contemporary art production in museums, may construct knowledge by articulating his experiences with the different areas of knowledge that involve plastic arts, adding aspects of reality to conceptual discourses. Museums have an important social role, when reality is considered: they generate motivation and reflections that are not limited to the museum space. Phenomenology is used as a conceptual drive and a research method in order to build, together with the reader, references for the development of an interdisciplinary work in museums, an interdisciplinary knowledge that also aids the formation of interdisciplinary individuals, once the description of the some of the activities is the driver of reflection and collaborate on the understanding of its sense and on the exercise of an interdisciplinary attitude in museum spaces / Esta pesquisa busca ampliar a compreensão de como o espaço museológico pode colaborar para uma construção interdisciplinar do conhecimento. Partindo da descrição de alguns dos trabalhos realizados em uma instituição cultural da cidade de São Paulo SP, o trabalho objetiva evidenciar de que modo a interdisciplinaridade pode ser exercitada, bem como se pode justificar atualmente a construção de uma atitude interdisciplinar frente ao conhecimento. As noções da Fenomenologia e da Arte Contemporânea fundamentam a pesquisa. A interdisciplinaridade, ao enfatizar a importância da intersubjetividade e das parcerias, além de evidenciar seus cinco conceitos norteadores (humildade, respeito, coerência, espera e desapego), torna-se uma atitude que pode viabilizar as intencionalidades educativas e institucionais do museu, na tentativa de compartilhar seu patrimônio cultural e artístico junto ao público. A interdisciplinaridade, na condição de categoria de ação, pode concretizar, no espaço museológico, demandas institucionais e projetos educativos calcados numa visão fenomenológica de homem, o que significa compreendê-lo como ser criador, coletivo e questionador. Esse homem, que pergunta pelos sentidos das coisas, ao deparar-se com a produção contemporânea de arte no museu, pode construir conhecimentos articulando suas experiências às diferentes áreas do saber que permeiam as artes plásticas, agregando aos discursos conceituais aspectos da realidade. Ao considerar a realidade, o museu desempenha um importante papel social: gerar motivações e reflexões que continuem para além do espaço museológico. Com o intuito de construir referências para o desenvolvimento de um trabalho interdisciplinar em museus, mirando um conhecimento interdisciplinar que auxilie também a formação de sujeitos interdisciplinares, a fenomenologia ocupa, aqui, tanto o âmbito conceitual, quanto o de método de pesquisa, já que a descrição de algumas ações desenvolvidas norteiam as reflexões e colaboram para compreensão do sentido e do exercício de uma atitude interdisciplinar no espaço museológico

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2016-08-17T16:21:52Z No. of bitstreams: 1 Fabiana Della Coletta Monteiro.pdf: 1885530 bytes, checksum: 327dcfb9437c371e3cd441f48bb59f59 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-17T16:21:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabiana Della Coletta Monteiro.pdf: 1885530 bytes, checksum: 327dcfb9437c371e3cd441f48bb59f59 (MD5) Previous issue date: 2016-03-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The research aims to shed a light on the Brazilian artistic production since the 1980’s, influenced by the country’s political opening after the military dictatorship and by the cultural movements resulted this period, focused on the dynamic of arts in the city of Sao Paulo. The arrival of a new generation on the art scene, called by the circuit as “Geração 80”, seems to have provoked a sense of rupture with the previous generation’s artistic production, mostly because of the use of traditional art medias, like painting, draws and sculpture. This work combines three fronts of theoretical and methodological analysis that aim to enlighten the senses and the acting of these artists in the city of Sao Paulo, mostly emerging from art schools and take positions as continuity in the art process. It presents the study of generations, which assumes by the historical context the heritage left by the previous generation in what was absorbed as a directional principle to the artistic production of the period and also to the principles that have been denied, that is, the character of rupture of this new generation and the internal conflicts of this group, especially with regard to construction of generational identity. Also the development of collective and social profile biography, and the trajectories of active Sao Paulo artists from the 1980s who now constitute a part of what we call contemporary art. And finally the fortune critical reception of this generation in the field of art, such as the inclusion signs and categories mobilized by critics as the legitimacy strategies of this production We investigate the social dispositions of the agents that act in the field of art for the production of context and sense in the Brazilian cultural scenario / A pesquisa visa jogar luz sobre a produção artística brasileira a partir da década de 1980, influenciada pela abertura política do país pós-ditadura e pelos movimentos culturais resultantes do período, com foco na dinâmica das artes na cidade de São Paulo. A chegada de uma nova geração no ambiente artístico, denominada pelo circuito como “Geração 80”, parece ter provocado um sentido de ruptura com a produção artística da geração anterior, principalmente no que diz respeito ao uso dos suportes tradicionais da arte, como a pintura, o desenho e a escultura. O trabalho articula três frentes de análise teórico-metodológicas que procuram esclarecer os sentidos e a atuação desses artistas na cidade de São Paulo que, em sua maioria saídos de escolas de arte, se colocam como continuidade no processo artístico. Apresentam-se o estudo de geração que pressupõe, junto ao contexto histórico, a herança deixada pela geração anterior, naquilo que foi absorvido como princípio direcional para a produção artística daquele período e também no que diz respeito aos princípios que foram negados, isto é, o caráter de ruptura da nova geração e os conflitos internos deste grupo, sobretudo no que concerne a construção de uma identidade geracional; a elaboração de biografia coletiva e perfil social, bem como as trajetórias dos artistas paulistas atuantes desde a década de 1980 que constituem atualmente uma fatia do que chamamos de arte contemporânea; e finalmente a fortuna crítica da recepção desta geração no campo da arte, como os signos de inclusão e as categorias mobilizadas pela crítica como estratégias de legitimação desta produção. Investigamos as disposições sociais dos agentes que atuam no campo da arte para a produção de contexto e de sentidos dentro do cenário cultural brasileiro

A pesquisa refletiu sobre a ação poética de Enterro, capaz de romper com a continuidade em curso da imagem, instrumentalizando, ainda, o repetir e o registrar de outros Enterros por distintas autorias. A partir do Enterro de uma obra cerâmica na Avenida Paulista, em 2007, a imagem- documento dessa ação desencadeou outros Enterros realizados sob distintas interpretações, por participantes em diferentes lugares (2007-2010). Os pensamentos de Walter Benjamin e Gilles Deleuze apoiaram o entendimento do Enterro como ação que causa estranhamento e ruptura com o que está posto, deflagrando visualizações de outras realidades possíveis. Assim, o diferencial do trabalho apontou para o potencial dos Enterros produzirem momentos específicos de transformações de sentidos à ação, produção de imagens e autoria, possibilitando ao artista retomar seu trabalho a partir do sentido construído pelo outro, agir ora como participante, ora como autor, na mesma obra, em momentos diferentes. / Research centered on the poetic action of a Burial, which presents a rupture within an image and its course, while providing instruments for the repetition and documentation of other Burials by distinct contributors. The piece initiates with the Burial of ceramics work of art on Avenida Paulista, in 2007, the image-document of this act led to other Burials carried out in various guises by participants in different locations (2007-2010). Walter Benjamin and Gilles Deleuze support the understanding that a Burial is an act that causes distancing and rupture, prompting visualizations of alternative realities. The work explores the potencial of these Burials to produce specific-moments that transform an act and its meaning, image production and authorship, allowing the artist to reclaim a work based on meanings assigned to it by others, while acting both as a participant and as author on the same piece at different times throughout its process.