Entre os anos 2000 e 2010, são intensificadas e renovadas mundialmente as discussões sobre produções artísticas que se relacionam com o conhecimento, a universidade, a pesquisa, a teoria, a reflexão, a educação e os outros campos do conhecimento. Um dos ângulos desse fenômeno multifacetado, e que é motivo de interesse crescente dos artistas e demais profissionais da Arte, pode ser resumido com a expressão pesquisa artística. Uma das contribuições desta tese é relacionar o pioneirismo da criação dos programas de pós-graduação em Artes Visuais no Brasil, com trajetória consistente de estabelecimento e definição desde a década de 1970, a esse fenômeno recente, que aconteceu sobretudo na Europa, disparado pela transformação das academias de arte em universidades por lá, seguida de um debate intenso sobre os significados da pesquisa do artista. Além disso, este estudo percorre as produções artísticas, discursivas, pedagógicas e teóricas dos artistas brasileiros Jorge Menna Barreto e Ricardo Basbaum em busca da linha poética da pesquisa, contextualizando-os tanto como herdeiros da pesquisa em arte no Brasil quanto associados a essa movimentação internacional sobre a pesquisa artística. Parte-se da incerteza sobre a multiplicidade dos significados e das nomenclaturas que a pesquisa do artista provoca, não como uma indagação ontológica, mas com o propósito de entendimento sobre o seu lugar, uma questão institucional da arte inserida no ambiente universitário e, sobretudo, um problema que se encontra na própria obra de arte, agora considerada de pesquisa. / From the years 2000 to 2010, discussions on artistic productions that are related to knowledge, university, research, theory, reflection, education and other fields of knowledge are intensified and renovated. One of the angles of this multifaceted phenomenon, and a reason for the rising interest in it by artists and other art professionals, can be summarized by the expression artistic research. One of the contributions of this thesis is correlating the pioneering creation of postgraduate programs in Visual Arts in Brazil, consistently established and defined since the 1970s, to this recent phenomenon, that took place specially in Europe, initiated by the transformation of art academies into universities, followed by an intense debate on the meanings of artist research. Moreover, this study examines artistic, discursive, pedagogical and theoretical productions by Brazilian artists Jorge Menna Barreto and Ricardo Basbaum in order to find the poetic line of research, contextualizing both as heirs of research in art in Brazil and affiliates of these international shifts on artistic research. The starting point is the uncertainty regarding the multiplicity of meanings and nomenclatures that artist research provokes, not as an ontological enquiry, but with the purpose of understanding their place, an institutional matter of art inserted in the university environment, and, particularly, a problem found in the work of art itself, now considered research.

Este trabalhou tomou como ponto de partida a presença, no meio artístico brasileiro, entre 2000 e 2015, dos assim chamados coletivos de artistas. Ele procurou circunscrever histórica e conceitualmente as \"práticas artísticas colaborativas\" e as \"estratégias de visibilidade\" desenvolvidas por esses agrupamentos de artistas \"emergentes\" - no contexto de seu envolvimento, entre 1999 e 2001, com os movimentos altermundialistas e antiglobalização, e, a partir de 2003, com movimentos sociais de luta por moradia - alinhando-se, ao menos discursivamente, com a perspectiva dos \"de baixo\". De outro lado, o trabalho também identificou o desenvolvimento simultâneo, \"pelo alto\", de um complexo de procedimentos curatoriais pautados por novos modos de apresentação (displays) de objetos artísticos em exposições de \"arte contemporânea\". Por meio dos novos procedimentos curatoriais, tanto a 27ª Bienal de São Paulo (2006) quanto as mostras de \"arte contemporânea\" do Museu de Arte do Rio (2013-2015) foram capazes de absorver e canalizar, em seus discursos, parte das demandas \"subalternas\" associadas à produção dos coletivos. Para refletir criticamente sobre esse complexo de fenômenos do campo artístico, a pesquisa procurou articular uma discussão atualizada em torno dos conceitos gramscianos de \"hegemonia\" e de \"revolução passiva\". Tais conceitos, formulados originalmente pelo pensador italiano Antonio Gramsci (1891-1937), têm sido reprocessados teoricamente, no debate da sociologia brasileira de extração marxista, para pensar o ciclo dito \"lulista\" do Brasil contemporâneo. Em síntese, uma vez verificada a absorção das práticas \"emergentes\" e \"colaborativas\" pelo circuito artístico local, este trabalho procurou estabelecer e questionar historicamente as contradições e possíveis confluências das \"estratégias de visibilidade\", associadas às demandas dos \"de baixo\", com o desenvolvimento combinado dos novos procedimentos curatoriais, operados \"pelo alto\". / This research was motivated by the raising of the so-called artist collectives in Brazilian art field, particularly between the years 2000 and 2015. The thesis aims to delineate conceptually and historically the \"collaborative artistic practices\" and the \"strategies of visibility\" carried out seemingly \"from below\" by these \"emerging\" groups of artists - engaged mainly with the alter-mundialization and anti-globalization movements between 1999 and 2001, and, since 2003, with social struggles for housing. Furthermore, this survey also realized the simultaneous development of a complex of curatorial proceedings \"from the top\", based on new modes of display artistic objects in \"contemporary art\" exhibitions. Through these new curatorial practices, both the 27th Sao Paulo Bienal (2006) and the \"contemporary art\" exhibitions held by the Art Museum of Rio (2013-2015) managed to absorb and convey, in its discourses, part of the \"subaltern\" demands brought forward in the work produced by the artist collectives. In order to critically reflect about this complex of phenomena in the art field, the research articulates a debate operating the Gramscian concepts of \"hegemony\" and \"passive revolution\". These concepts, originally formulated by the Italian thinker Antonio Gramsci (1891-1937), had been theoretically reenacted in the Brazilian sociological debate derived from a Marxist background, to think the so-called \"lulist\" cycle in contemporary Brazil. Finally, after verifying the absorption of the \"emergent\" and \"collaborative\" practices by the local art circuit, this research aims to delineate and problematize the contradictions, and possible confluences, between the \"visibility strategies\" coming \"from below\" and the combined development of the new curatorial proceedings \"from the top\".

Quais as relações entre as artes visuais e a cidade? Como isto ocorre especialmente na América Latina? Como podemos situar conceitualmente o lugar deste fenômeno artístico no panorama geral da arte contemporânea? Essas questões pontuam as preocupações basilares deste trabalho, que aborda os inúmeros aspectos da nova arte urbana a partir de um estudo comparativo entre São Paulo e Buenos Aires. Utilizando o conceito de \"cidades-suporte\", que remonta à origem do termo \"suporte\" nas artes e sua ligação com a materialidade da obra, a pesquisa está ancorada em um corpus teórico multidisciplinar. A proposta é analisar o caráter simbólico da cidade e a relação da nova arte urbana com os campos da História, da Teoria e da Crítica da Arte, e sua condição frente às problemáticas apresentadas pela arte contemporânea. Sobretudo, procura-se enfatizar que a arte realizada no suporte da cidade reafirma o caráter presencial e transformador da experiência estética. / What are the relationships between visual arts and the city? How is it like in Latin America? How can we identify conceptually the place of such artistic phenomenon in the general panorama of the contemporary art? Such issues underlie the fundamental purposes of this work which approach the countless aspects of the new urban art from a comparative study between Sao Paulo and Buenos Aires. Using the concept of \"cities-support\" which traces back the origin of the term \"support\" in the arts and its link with the materiality of the work, the research is anchored in a multidisciplinary theoretical corpus. The proposal is to analyze the symbolic character of the city and the relationship of the new urban art with the fields of History, Critical Art Theory and its condition before the problematical scenario exhibited by the contemporary art. Above all, it is intended to point out that the achieved art in the city support reaffirms the concrete character and changing of the aesthetic experience.

Esta pesquisa é um estudo sobre o ensino de arte no ciclo inicial do Ensino Fundamental e a possibilidade de inserir a arte contemporânea neste momento da escolarização. Aspectos da fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty fundamentais no mundo às análises realizadas, fortalecem a necessidade de dar visualidade ao que está visível no mundo, ao trazer também, uma camada de sua invisibilidade e situar o educando no seu tempo com as sombras do seu presente para que compreenda a si mesmo. Tal afirmativa ganha sustentabilidade com obras de artistas contemporâneos que fazem parte do município de Mogi das Cruzes. O tratamento dado a pesquisa permitiu que se desvelasse a compreensão de educadoras do ciclo inicial sobre a linguagem artística contemporânea e revitalizasse suas metodologias de ensino de arte. / This research is a study about the teaching of Art in the first cycle of basic education and the possibility of inserting contemporary art at this level of education. Aspects of Maurice Merleau-Pontys Phenomenology are fundamental in the world to the analysis made and stress the need to give view to what is visible in the world, and also to bring a layer of its invisibility and place the student at his time with the shadows of his present to self understanding. This statement is supported by works of contemporary artists who are from the city of Mogi das Cruzes. This research made it possible for teachers of the first cycle of basic education to understand the contemporary artistic language and revitalize their art teaching methods.

Made available in DSpace on 2016-08-10T11:07:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 HILDA EUSTAQUIO DA SILVA.pdf: 3075623 bytes, checksum: 444b9bfb7271c3df2f9d1284dc4b6388 (MD5) Previous issue date: 2016-05-09 / This work is a study of the Vermelho (2000), of Aguinaldo Gonçalves on the notion of art as a living body, which provides for other bodies, a process of singularization of the creative act. The research begins by now features modern art and contemporary now, from the reflection on the concept of (dis) simulation and simulation, marked by the recurring presence of another work of art in another body. Thus, there is a link between the aguinaldeanos poems and artistic experimentalism, as well as concrete poetry and other artistic aspects of literature and other arts. Thus, it seeks to also relate the micro-connections established with other artists - works in which the poet converses and interconnects, forming a rhizome art, which included multiple connections. Hence it is: the body in the body, a technique that establishes compositional analog relations, reinforcing the expressive value of the compositional elements of the production art Aguinaldo Gonçalves. Finally, the Vermelho s poems depart from merely concrete to reach the senses, causing the reader s eye captures images-signs - words, shapes and colors - and they interact. The development of the research has as theoretical, the works of Baudelaire, Hugo Friedrich, Gaston Bachelard, Jean Baudrillard, Gilles Deleuze and Felix Guattari, Susanne Langer, Philadelpho Menezes, among others. / O presente trabalho constitui um estudo sobre a obra Vermelho (2000), de Aguinaldo Gonçalves sobre a noção de arte como corpo vivo, no qual se prevê outros corpos, num processo de singularização do ato criativo. A investigação inicia-se por características ora da arte moderna e ora da contemporânea, a partir da reflexão sobre o conceito de (dis)simulação e de simulação, marcados pela presença recorrente de outra obra de arte no corpo de outra. Assim, destaca-se a articulação entre os poemas aguinaldeanos e os experimentalismos artísticos, bem como, a poesia concreta e outras vertentes artísticas da literatura e de outras artes. Desse modo, procura-se, também, relacionar as micro-conexões estabelecidas com outros artistas-obras em que o poeta dialoga e se interliga, formando uma arte rizomática, na qual se prevê conexões várias. Daí ser ela: corpo no corpo, técnica que estabelece relações analógicas composicionais, reforçando o valor expressivo dos elementos compositivos da arte produtiva de Aguinaldo Gonçalves. Por fim, os poemas de Vermelho se afastam do meramente concreto para atingir os sentidos, fazendo com que o olhar do leitor capte as imagens-signos de palavras, de formas e de cores e com elas interaja. O desenvolvimento da pesquisa tem como referencial teórico, as obras de Baudelaire, Hugo Friedrich, Gaston Bachelard, Jean Baudrillard, Gilles Deleuze e Félix Guatarri, Susanne Langer, Philadelpho Menezes, dentre outros.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2017-03-30T19:24:41Z No. of bitstreams: 1 SUNNY GABRIELLA DOS SANTOS.pdf: 628195 bytes, checksum: f18432857c89baf955cadcae6e44a3be (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-30T19:24:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 SUNNY GABRIELLA DOS SANTOS.pdf: 628195 bytes, checksum: f18432857c89baf955cadcae6e44a3be (MD5) Previous issue date: 2017-02-23 / This research aims to understand the artistic language of the writing of Clarice Lispector in the works Near the Wild Heart and Passion according to G.H., by Clarice Lispector. The narrative procedure adopted by Clarice Lispector in these works led us to the concepts related to modern and contemporary art, since we will investigate what are the aesthetic characteristics present in the author's writing that suggest such a connection. Thus, it is proposed to study the process of deconstruction of Being and Art from the perspective of the flow of language and the dereference of the Signature Image. The study will be based on contemporary critical theories, considering the rupture of the notion of art as a representation of reality. The theoretical reference for the analysis of the works will be Heidegger's conceptions of the notion of Being in its relationship with time and language, focusing on aspects related to the fragmentation of being-time; The deterritorialization of the artistic act in language to the infinite, in the perspectives of Michel Foucault, Gilles Deleuze and Félix Guattari and, interconnected with the notions of liquid modernity, of ZygmundBauman and the derealization of the work of art.The analysis of the works will be based on the search for the "essentialization" of the Being of the characters by the language (Near the wild heart) and the depersonalization of Being (Passion according to GH) in the context of a work marked by the principle of derealization and dereferentiation of the image -sign - a simulation process, in the view of Jean Baudrillard (1991). / Esta pesquisa visa compreender a linguagem artística da escritura de Clarice Lispector nas obras Perto do coração selvagem e Paixão segundo GH, de Clarice Lispector. O procedimento narrativo adotado por Clarice Lispector nessas obras levou-nos aos conceitos ligados a arte moderna e contemporânea, uma vez que investigaremos quais são as características estéticas presentes na escritura da autora que sugerem tal ligação. Assim, propõe-se estudar o processo de desconstrução do Ser e da Arte sob a perspectiva do fluxo da linguagem e da desreferencialização da Imagem-Signo. O estudo será fundamentado nas teorias críticas contemporâneas, considerando a ruptura da noção de arte como representação da realidade. O referencial teórico de análise das obras serão as concepções de Heidegger sobre a noção do Ser em sua relação com o tempo e a linguagem, focalizando os aspectos relativos à fragmentação do ser-tempo; a desterritorialização do ato artístico em linguagem ao infinito, nas perspectivas de Michel Foucault, Gilles Deleuze e Félix Guattari e, interconectadas às noções de modernidade líquida, de Zygmund Bauman e à desrealização da obra de arte. A análise das obras terá como norte a busca da “essencialização” do Ser das personagens pela linguagem (Perto do coração selvagem) e a despersonalização do Ser (Paixão segundo GH) no contexto de uma obra marcada pelo princípio de desrealização e de desreferencialização da imagem-signo – um processo de simulação, na visão de Jean Baudrillard (1991).

A seguinte pesquisa se propõe a analisar algumas poéticas artísticas contemporâneas a partir de diferentes categorias e temáticas espaciais que organizam os capítulos da dissertação: cartografias, lugar e fronteira. A hipótese inicial da pesquisa considera que os oito trabalhos de arte escolhidos, denominados aqui como criações poético-espaciais, podem se apropriar, contribuir, mas também subverter formas de entendimento de abordagens espaciais. Assim, verifica-se a relevância de investigar como práticas artísticas podem instaurar novas e outras poéticas e políticas do e para o espaço, refletindo como podem ocorrer cruzamentos, possíveis contribuições, diálogos e contrastes entre arte e Geografia, já que se entende que as práticas artísticas aqui analisadas desnaturalizam concepções espaciais arraigadas / The following research aims to analyze some contemporary artistic poetics from different thematic and spatial categories that organize the chapters of the dissertation: cartography, place and borders. The initial hypothesis consider that the eight chosen artwork, here named spatial-poetic creations, can appropriate, contribute, but also subvert the forms of understanding spatial approaches. Thus, the importance of investigating how artistic practices may introduce new and other poetics and politics of and for space and reflecting as intersections, possible contributions, dialogues and contrasts between art and geography may occur it appears, since it is understood that the practices artistic analyzed here disnaturalize entrenched spatial conceptions

Mais do que investigar algumas das relações possíveis entre a pintura e a fotografia, esta pesquisa tem como objetivo criar uma reflexão sobre a minha produção pictórica que estende-se desde o período da minha graduação e segue adiante, explorando os aspectos que permeiam o trabalho - as questões relativas à história da arte; os parques de diversões sob diferentes aspectos; a imagem automatizada e suas características, especialmente no contexto da tecnologia digital disponível no início do Século XXI. / Besides investigating the possible relations between painting and photography, this research work intends on creating a reflection about my pictorical production which began on my graduation years and keeps going on, exploring aspects related to the work - questions related to Art History; amusement parks through their different aspects; automated image and its characteristics, specialy on the context of digital technology available at the beginning of the 21st Century

Quais imagens professores de arte selecionam para apresentar aos seus alunos? Esta pergunta desdobra-se em muitas outras perguntas, busca as imagens usadas por professores de arte e toma a própria imagem como substância e objeto de pesquisa. O texto localiza a problemática no panorama histórico e conceitual, nos âmbitos da arte e da educação, tratando os antecedentes da leitura de imagens pelo prisma do ensino de arte modernista e o desvendar da leitura de imagens no ensino de arte. Através de pesquisa bibliográfica, são abordadas as questões sobre o pensamento moderno e pós-moderno, dirigindo o enfoque para a própria arte. As imagens fotográficas produzidas na pesquisa de campo são consideradas textos visuais e, portanto, igualmente fonte de dados. Foram apreciadas segundo os conceitos studium e punctum de Roland Barthes e segundo os critérios de avaliação da proposta Arts-Based Educational Research de Elliot Eisner. As imagens apresentadas propiciam a reflexão sobre a problemática evidenciada na tese. / Which images do art teachers select to present to their students? This question unfolds itself into many other questions, searches for images used by art teachers and takes the image itself as object and substance of research. The text places the issue on the historical and conceptual panorama around art and education, treating the image reading antecedents in the light of modern art and the disclosing of image reading in art education. Through bibliographical research, the questions about modern and post-modern thinking are approached, focusing art itself. The photographical images produced in the field research are considered visual texts and, therefore, data source as well. They have been appreciated according to the studium and punctum concepts by Roland Barthes and evaluation criteria of an Arts-Based Educational Research proposal by Elliot Eisner. The images thereby presented contribute to a reflection about the issues evidenced on the thesis.

Essa tese é uma etnografia das ideias, práticas, histórias, memórias, teorias nativas, conflitos, desigualdades, imaginações e experiências de artistas, críticos, curadores, galeristas e colecionadores brasileiros ao longo dos anos 80 e 90. Embora o escopo temporal e espacial oscile, ancoramo-nos nas cidades do Rio de Janeiro e de São Paulo, e na interseção entre o circuito e o mercado primário de arte contemporânea brasileira nestas décadas. O trabalho aborda diversos temas e problemas acessados através do meu campo em galerias, museus, bienais, bibliotecas, arquivos públicos e privados, cursos de história da arte e depoimentos. Dentre os objetos tangenciados, se destacou: o retorno internacional à pintura, a invenção da geração 80 e sua relação com o mercado; as exposições Primitivism in the Twentieth Century no MoMA, em Nova York, em 1984, e Magiciens de la Terre, no Centre Pompidou, na França, em 1989; a redescoberta do corpo, do eu e da narrativa nos anos 90; a arte abjeta e suas principais exposições internacionais; a Bienal de São Paulo Antropofágica de 1998; a internacionalização da arte brasileira na Europa, Estados Unidos e América Latina; a trajetória e as contendas entre diferentes gerações de galeristas no Brasil; a entrada do empresariado e dos bancos na política cultural; e, sobretudo o estatuto da arte brasileira e latino-americana diante da globalização. Desde a Escola Fluminense de Pintura, passando pelo Modernismo, pelo Neoconcretismo, pela Tropicália até o período em destaque neste trabalho, o sistema artístico brasileiro e seus personagens se questionaram sobre uma arte genuinamente brasileira. A antropofagia foi novamente mobilizada como alternativa às hierarquias de poder e imposições euro-americanas, sobretudo na Bienal Antropofágica de 1998. Mas quando todos são canibais, quem canibaliza quem? Oswald de Andrade ou Montaigne? Minha hipótese é a deformação da questão em direção à superação do problema da representação para o da presença, a partir da filosofia deleuziana sobre a experiência barroca. Superar a antropofagia em favor do barroco de modo a imaginar outro conceito de criação que conceba a invenção da diferença através de uma exterioridade em contínua descontinuidade, devires, dobra que se desdobra, antropofagia e regurgitofagia, dentro e fora, figura e fundo, interpretação e contrainterpretação, arte enquadrada e gambiarra. / This thesis is an ethnography of the ideias, practices, histories, memories, native theories, conflicts, inequalities, imaginations and experiences of Brazilian artists, critics, curators, art dealers and art collectors throughout the 1980s and 90s. The temporal and spacial breadth covered oscillates; we have, however, decided to focus the cities of Rio de Janeiro and São Paulo, and the intersection between the contemporary art circuit and its market through fieldwork done in galleries, museums, bienals, libraries, public and private archives, courses on art history, and testimonials. Between the many objects described, an emphasis is made on the international return to painting; the invention of the 80s generation and its relations to the market; the exhibitions Primitivism in the Twentieth Century (MoMA, New York, 1984) and Magiciens de la Terre (Centre Pompidou, Paris, 1989); the rediscovery of body, self and narrative during the 1990s; abject art and its main international exhibitions; the Anthropophagic Bienal of São Paulo (1998); the internationalization of Brazilian art in Europe, United States and Latin America; the trajectories and quarrels between different generations of art dealers in Brazil; the introduction of the entreprenurial and financial classes into cultural policies; and, above all, the status of Brazilian and Latin American art in a globalized context. From the Fluminense school of painting, through Brazilian Modernism, Neoconcretism, Tropicália, to the period emphasized in this work, the Brazilian artistic system and its characters have put a genuinely Brazilian art into question. Anthropophagy has been newly engaged as an alternative to euro-american power hierarchies and impositions, especially in the Anthropophagic Bienal of 1998. Nevertheless, when everyone is a cannibal, who cannibalizes whom? Oswald de Andrade or Montaigne? My hypothesis is the deformation of that matter, overcoming the problem of representation towards that of the presence, drawing on the deleuzian philosophy of the baroque experiments. Overcoming anthropophagy in benefit of the baroque is a way of inventing a different concept of creation, one that conceives the invention of difference through an exteriority in continued discontinuity, becomings, foldings that unfold, anthropophagy and regurgitophagy, inside and outside, figure and ground, interpretation and counter interpretation, framed art, and improvisation.