La llegada de Adolf Hitler al poder el 30 de enero de 1933 supuso el inicio de una persecución racial y política dirigida contra todo aquel calificado como ¿no ario¿ y contra aquellos cuyos puntos de vista, tanto políticos como artísticos, se oponían a los defendidos por el partido nacional-socialista alemán. La posición del gobierno nazi ante el arte moderno quedó claramente definida en 1937 con la organización en Munich de dos grandes exposiciones: - Grosse Deustche Kunstausstellung (Gran Exposición de Arte Alemán) - Entartete Kunst (Arte degenerado) Este férreo control del gobierno nazi no se limitó al campo de las Bellas Artes, sino que se extendió a todas las facetas culturales. Joseph Goebbels, desde marzo de 1933 Reichminister für Volksaufklärung und Propaganda (Ministro del Reich de Educación y Propaganda), estableció el mismo año de su nombramietno siete Reichskammern (Cámaras del Reich) dedicadas al cine, la música, la radio, la prensa escrita, el teatro, la literatura y las Bellas Artes. Ante este panorama, los artistas alemanes de la época tenían tres posibles opciones, tal y como señala la historiadora del arte Stephanie Barron : - Permanecer en casa y dejar de trabajar en un estilo que ofendía a las autoridades - Comprometerse con los nazis - Huir La mayoría de artistas que optó por la primera opción fueron recluidos primero en guetos y más tarde en campos de concentración, siguiendo las leyes de Nuremberg de 1935. Estos son los protagonistas de esta tesis que, tal y como se recoge en su título, consiste en la investigación y recopilación de todos los artistas que crearon obras de arte durante su internamiento en los guetos y en los campos nazis, el análisis y la catalogación de estas obras y el estudio del estado de conservación de las mismas. / Molins Pavía, JJ. (2014). Investigación y recopilación de los artistas que crearon obras de arte en los guetos y campos de concentración nazis, catalogación de las obras y estudio del estado de conservación de las mismas [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/38708

Esta tesis doctoral ha sido abarcada de una forma panorámica, tratándose de una tesis teórica ; que trata temas contemporáneos abarcados de forma científica. Tiene por objeto examinar cómo el concepto de abyecto en el cuerpo humano es utilizado en el arte y la semiótica. Tenemos por objetivos concretos: establecer cómo aplicamos el juicio del gusto estético y lo subjetivo del término abyecto. Para ello recurriremos a la crítica del juicio kantiana. Puesto que es de vital importancia estudiar cómo enjuiciamos los objetos y que factores intervienen en ello. Establecer el marco ético y moral en el que nos movemos para determinar que entendemos por abyecto. Demostrar la existencia del lenguaje abyecto por asociación de cosas comunes y cotidianas v.g. Das unheimlich, como lo definió Freud. Dándonos cuenta que surgió una teoría después de la lectura de una obra literaria. Quedándonos patente que el principio de realidad, muchas veces surge del arte. Así cómo la necesidad de tener un arte transgresor para poder desarrollar las sociedades. Los textos de Julia Kristeva, Michel Foucault y Umberto Eco; han representado un grado de confrontación importante para acercarnos al estado de la cuestión. Con esta investigación nos hemos propuesto demostrar la siguiente tesis: el concepto de abyecto es real , puesto que lo encontramos en la existencia del ser,( el cuerpo) y por extensión en el arte. (convención social de expresión), con un lenguaje propio y su propia semántica lingüística con sus propios semas -signos- y con su propia semiótica visual. Lo abyecto sirve para cruzar los límites y jugar con las prohibiciones, más concretamente en transgredir. Lo abyecto perturba, el orden, el sistema y la identidad. Por ello es tan interesante, porque nos hace reflexionar, lo preestablecido, la hermenéutica del cuerpo, como sujeto, activo y pasivo. Además de ser absolutamente necesario, porque sin los deshechos, no existe el cuerpo, se deben eliminar los residuos para poder seguir vivo. Encontramos un paralelismo claro con el arte, es necesario eliminar los elementos residuales para crear la obra. Está dividida en tres partes; la primera parte de la investigación ha estudiado y analizado en profundidad el cuerpo abyecto, la abyección en la sociedad, en la cultura. La segunda parte ha analizado y estudiado lo abyecto en los principales movimientos artísticos, citando ejemplos. La tercera parte la componen las conclusiones y la bibliografía. PALABRAS CLAVE: Abyección, cuerpo, arte, semiótica, cultura. / Latorre Romero, A. (2014). De lo abyecto en el cuerpo humano y sus relaciones con el Arte y la Semiótica [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/39309

[EN] Solid is the traditional state of matter in sculpture while sound has been incorporated as plastic matter relatively recently (early Avant Garde). Solid and sound seem opposite, but they kept many interrelationships between them that have been used by numerous artists in their sound-sculptural practice. The purpose of this research is to give voice to the history and present of this question of the creative possibilities of the combination of sound and solid in contemporary sound sculpture. For this we have developed two general objectives, exhaustively analyzing both elements, their interrelationships (Part I) and sculptural works in which the solid-sound connection is fundamental in its poetics (Part II). These studies are interdisciplinary. We based on results from other scientific fields in order to put ourselves in an actual perspective from which we can properly analyze these artistic matters, something relevant according to the current notion of solid, which makes sound like a component of it. We approach theoretically and experimentally. With personal experimentation, educational work and the development of artistic works (Annexes) we could practice the techniques used in many of the analyzed works, deepen in the praxis of many artist and extend our horizons of understanding of these artistic expressions. Such practices have served to the difusion of this study. They have been spread by artistic and educational professional circles. The development of personal practice increases the number of proposals in this sphere. In the first part we have made an analysis of the elements involved in the transmission of sound with solid medium attending to various scientific disciplines, including their separation by the current classification of plastic arts and their union in sound art. We have explored the origins of both elements, myths and legends, their physical bases, ancient and modern theories of The Music of Spheres, philosophical approaches about solid, sound, the body and its senses; the anatomy, physiology and psychology of auditory and tactile perception, the solid-sound interrelations in the body and the influence that they have on physical and mental development. With this we have shown the relationships solid-sound at physical, acoustic, physiological, psychological, therapeutic, historical and cultural levels, refuting their traditional separation. Secondly we have developed a plastic study that analyze many sculptural works in which sound transmission related to solid medium is essential, ranging from the early Avant Garde to the present (1900-2014). In it we have highlighted solid-sound relationships, specific terminology, operational concepts, potential antecedents and the poetics presented by the combination solid-sound. As main results we emphasized that we have created an open and non-exclusive theoretical framework that shows the creative possibilities of solid-sound juxtaposition in contemporary sound sculpture, multiples lectures of these works and a possible frame of the most remarkable poetic lines without enclosing them in confined categories. This framework has been developed in the chapters with which we explain the initial specific objectives, as making evident the possibilities of modeling sound through solid and the modeling of solid forms based on sound, different types of conversations with the walls from antiquity to the present (Ch.1); the importance of solid as a fundamental element for the appearance of human musicality and in the origins, construction and evolution of artifacts and musical and sonorous instruments, and so in the timbre (Ch.2); the importance of solid medium and solidial transmission in amplification (Ch.3); the crucial importance of solid in the recording and reproduction sound systems (Ch.4); the various modes of sound visualization that use solid (Ch.5); and how sound can modify the behavior of the solids and how sound can be transformed by solid (Ch.6). / [ES] Lo sólido es estado de la materia tradicional en escultura mientras lo sonoro se incorporó como materia plástica desde hace poco (primeras vanguardias). Sólido y sonido parecen contrarios pero guardan numerosas interrelaciones que además han sido aprovechadas por numerosos artistas plásticos en su praxis escultórico sonora. El fin de este estudio es dar voz a la historia y presente de la cuestión de las posibilidades creativas de la conjunción del sonido con medios en estado sólido en la escultura sonora contemporánea. Para ello desarrollamos dos objetivos generales, analizando exhaustivamente ambos elementos, sus interrelaciones (Parte I) y obras escultóricas en las que el nexo sólido-sonido es fundamental en su poética (Parte II). Estos análisis son interdisciplinares ya que apoyándonos en hallazgos de otros ámbitos científicos nos situamos en una perspectiva actual desde la que analizar con propiedad estas materias, algo relevante dada la actual noción de lo sólido, que hace de lo sonoro un elemento componente del mismo. Abordamos el tema desde lo teórico-experimental. Con la experimentación personal, las labores educativas y el desarrollo de obra propia (Anexos) pudimos practicar técnicas que se utilizan en muchas obras tratadas, profundizamos en la praxis de artistas analizados y ampliamos nuestros horizontes de comprensión de este tipo de manifestaciones. Las prácticas también han servido de divulgación a este estudio por circuitos profesionales artísticos y educativos. El desarrollo de la propia praxis aumenta además el número de propuestas en esta esfera. En la primera parte hemos realizado un análisis de los elementos que participan en la transmisión del sonido con medios sólidos desde diversas disciplinas científicas, su separación por la actual clasificación de las artes y su reunión dentro del arte sonoro, los orígenes de ambos elementos, mitos y leyendas, bases físicas, antiguas y modernas teorías de la música de las esferas, aproximaciones filosóficas al cuerpo y los sentidos, bases anatómicas, fisiológicas y psicológicas de la percepción auditiva y táctil, interrelaciones sólido-sonido en el cuerpo y su influencia en el desarrollo físico y mental. Con ello exponemos las relaciones sólido-sonido a nivel físico, acústico, fisiológico, psicológico, terapéutico, histórico y cultural, rebatiendo su tradicional separación. En segundo lugar hemos desarrollado un estudio plástico en el que analizamos numerosas obras escultóricas en las que la transmisión sonora relacionada con lo sólido es fundamental, abarcando desde las primeras vanguardias hasta hoy (1900-2014). En él destacamos relaciones sólido-sonido, terminología específica, conceptos operacionales, posibles antecedentes y las poéticas que presentan gracias a la conjunción sólido-sonido. Como resultados destacan que se ha generado un marco abierto y no-exclusivo que muestra las posibilidades creativas de la yuxtaposición sólido-sonido de la escultura sonora contemporánea desde diversas lecturas a esas obras y se han enmarcado las líneas poéticas más destacables sin encajonarlas en categorías cerradas. Este marco se desarrolla en los capítulos con los que hemos demostrado algunos objetivos específicos iniciales, como el evidenciar las posibilidades de modelación sonora a través de lo sólido y la modelación de las formas sólidas según lo sonoro, diferentes tipologías de conversaciones con los muros desde la antigüedad hasta hoy (Cap.1); la relevancia de lo sólido en la aparición de la musicalidad humana y en los orígenes, construcción y evolución de los artefactos e instrumentos musicales y sonoros, y por tanto en la tímbrica (Cap.2); la importancia de lo sólido en la amplificación (Cap.3); su importancia en los sistemas de registro y reproducción sonora (Cap.4); diversos modos de visualización del sonido que usan lo sólido (Cap.5); y cómo lo sonoro puede modificar el / [CA] Sòlid és l'estat de la matèria tradicional en escultura mentres allò sonor s'ha incorporat com a matèria plàstica des de fa relativament poc (primeres avantguardes). Sòlid i so pareixen contràries però guarden nombroses interrelacions entre sí, que a més han sigut aprofitades per nombrosos artistes en la seua praxis. La finalitat d'esta investigació és donar veu a la història i al present d'esta qüestió de les possibilitats creatives de la conjunció del so amb mitjans en estat sòlid en l'escultura sonora contemporània. Per a això hem desenvolupat dos objectius generals, analitzant exhaustivament ambdós elements, les seues interrelacions (Part I) i obres escultòriques en què el nexe sòlid-so és fonamental en la seua poètica (Part II). Estos anàlisis són interdisciplinari ja que recolzant-nos en les troballes d'altres àmbits científics podem situar-nos en una perspectiva actual des de la qual analitzar amb propietat estes matèries artístiques, un aspecte rellevant donada l'actual noció de el sòlid, que fa del sonor un element component del mateix. Abordem el tema des de l'àmbit teòric i experimental. Amb l'experimentació personal, les tasques educatives i el desenvolupament d'obra pròpia (Annexos) vam poder practicar les tècniques que s'utilitzen en moltes obres tractades, aprofundim en la praxi d'artistes analitzats i ampliem els nostres horitzons de comprensió d'este tipus de manifestacions. Estes pràctiques han servit a la divulgació d'este estudi a l'haver sigut mogudes per circuits professionals artístics i educatius. En el desenvolupament de la pròpia praxi augmenta el nombre de propostes en esta esfera. En la primera part hem realitzat una anàlisi dels elements que participen en la transmissió del so amb mitjans sòlids des de diverses disciplines científiques, incloent la separació per l'actual classificació de les arts i la reunió dins de l'art sonor, orígens d'ambdós elements, mites i llegendes, bases físiques, antigues i modernes teories de la música de les esferes, aproximacions filosòfiques al cos i als sentits, bases anatòmiques, fisiològiques i psicològiques de la percepció auditiva i tàctil, interrelacions sòlid-so en el cos i la seua influència en el desenvolupament físic i mental. Amb això hem exposat les relacions sòlid-so a nivell físic, acústic, fisiològic, psicològic, terapèutic, històric i cultural, rebatent la seua tradicional separació. En segon lloc hem desenvolupat un estudi plàstic en què analitzem obres escultòriques en què la transmissió sonora relacionada amb el sòlid resulta fonamental, comprenent des de les primeres avantguardes fins a l'actualitat (1900-2014), destacant les relacions sòlid-so, terminologia específica, conceptes operacionals, possibles antecedents i les poètiques que presenten gràcies a la conjunció sòlid-so. Com resultats d'esta tesi doctoral destaquem que s'ha generat un marc obert i no-exclusiu que mostra les possibilitats creatives de la juxtaposició sòlid-so de l'escultura sonora contemporània, des de diverses lectures a eixes obres i s'ha emmarcat les línies poètiques més destacables sense encaixonar-les en categories tancades. Este marc s'ha desenvolupat en els capítols en el quals hem demostrat els objectius específics inicials, com evidenciar les possibilitats de modelació sonora a través del sòlid i la modelació de les formes sòlides en funció d'allò sonor i diferents tipologies de conversacions amb els murs des de l'antiguitat fins als nostres dies (Cap.1); la rellevància del sòlid en l'aparició de la musicalitat humana i els orígens, la construcció i l'evolució dels artefactes i instruments musicals i sonors, i per tant en la tímbrica (Cap. 2); la importància del sòlid en l'amplificació (Cap. 3); la importància del sòlid en els sistemes de registre i reproducció sonora (Cap. 4); diverses formes de visualització del so que es serveixen del sòlid (Cap. 5); / Silleras Aguilar, R. (2015). Sólido y sonido: posibilidades creativas de la conjunción del sonido con medios en estado sólido en la escultura sonora contemporánea [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/52698

[EN] Starting from a historical approach to contemporary Art museums in Spain, this thesis defines the particularities and uniqueness of the model proposed by the Valencian Institute of Modern Art (IVAM); our research has been raised from the IVAM Restoration Department, to pose strategies and schemes based on the many variables that affect the physical realization of Contemporary Art works, as well as its "staging" in three specific projects: 1. The documentation of especially complex artwork (Intallations), including the use of new technologies, degradable materials, obsolescence problems, or intangible content that need installation or maintenance instructions whenever the work is displayed. 2. The application of laser technology to clean art works, as well as the development of an suitable prototype for installations at Contemporary Art museums. 3. The investigation of an early 20th Century piece of art made of plastic, which has evolved towards its irreversible deterioration. We propose the study and implementation of a replica with new plastic materials to ensure its durability, by the use of technology and systems to generate 3D images. These projects define the issues presented by Contemporary Art, as its conservation is nowadays a field in its experimental stages, and thus it requires priority to be linked to research projects ¿related to characteristic materials from the 20th and 21st Centuries¿, as well as new documentation technologies and innovative methods of Art works processing are required. / [ES] A partir de una aproximación histórica a los museos de arte contemporáneo en España, se definen las particularidades y singularidad del modelo iniciado en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), desde cuyo departamento de Restauración esta investigación plantea estrategias y proyectos de estudio en base a las múltiples variables que afectan a la concreción material de las obras de arte contemporáneo, así como su "puesta en escena" en tres proyectos concretos. 1. La documentación de obras de arte especialmente complicadas (Instalaciones), que incluyen el uso de nuevas tecnologías, materiales degradables, problemas de obsolescencia, o contenidos intangibles que necesitan instrucciones de instalación o mantenimiento cada vez que se muestra la obra. 2. La aplicación de tecnología láser para la limpieza de obras de arte, y la creación de un prototipo que se adapte a su uso en las instalaciones de los museos de arte contemporáneo. 3. La investigación de una obra realizada en plástico a principios del siglo XX y que presenta una evolución en su deterioro irreversible. Proponiendo el estudio y realización de una réplica con nuevos materiales plásticos que garanticen su durabilidad, utilizando tecnología y sistemas de generación de imágenes en 3D. Estos proyectos definen la problemática que presenta el arte contemporáneo en tanto su conservación resulta un campo en fase experimental y la prioridad que por ello requiere la vinculación a proyectos de investigación relacionados con materiales característicos de los siglos XX y XXI así como nuevas tecnologías de documentación e innovadores procedimientos de tratamiento de las obras de arte. / [CA] A partir d'una aproximació històrica als museus d'art contemporani a Espanya, es defineixen les particularitats i singularitat del model iniciat en l'Institut Valencià d'Art Modern (IVAM). Des del seu Departament de Restauració, aquesta recerca planteja estratègies i projectes d'estudi sobre la base de les múltiples variables que afecten a la concreció material de les obres d'art contemporani, així com la seua "posada en escena" en tres projectes concrets: 1. La documentació d'obres d'art especialment complicades (Instal·lacions), que inclouen l'ús de noves tecnologies, materials degradables, problemes d'obsolescència, o continguts intangibles que necessiten instruccions d'instal·lació o manteniment cada vegada que es mostra l'obra. 2. L'aplicació de tecnologia làser per a la neteja d'obres d'art, i la creació d'un prototip que s'adapte al seu ús en les instal·lacions dels museus d'art contemporani. 3. La recerca d'una obra realitzada en plàstic a principis del segle XX i que presenta una evolució en la seua deterioració irreversible. Proposant l'estudi i realització d'una rèplica amb nous materials plàstics que garantisquen la seua durabilitat, utilitzant tecnologia i sistemes de generació d'imatges en 3D. Aquests projectes defineixen la problemàtica que presenta l'art contemporani en tant la seua conservació resulta un camp en fase experimental i la prioritat que per açò requereix la vinculació a projectes de recerca relacionats amb materials característics dels segles XX i XXI, així com noves tecnologies de documentació i innovadors procediments de tractament de les obres d'art. / Martínez López, MT. (2015). ESTRATEGIA Y DESARROLLO DE PROYECTOS DE INVESTIGACIÓN EN ARTE CONTEMPORANEO. Tres aportaciones desde el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/59234

[ES] Esta tesis propone un análisis de los desafíos que plantea la compleja relación entre el público y las obras de arte contemporáneo, tanto en el plano conceptual como en el material. En particular, con esta investigación se ha procurado juntar la perspectiva de la conservación, tradicionalmente centrada en las necesidades de las obras, con la de la educación y la mediación cultural, tradicionalmente centrada en las necesidades de los visitantes. A través de un estudio exploratorio en los campos de la conservación, museología, historia del arte, educación y museografía, se han analizado los procesos que influyen en la pérdida de valor de la especificidad de la obra de arte, y en la consiguiente dificultad de indagación de sus significados por parte del público. Al respecto se ha estudiado y valorado el potencial de la conservación como campo de conocimientos capaz de responder a esta dificultad, y de proporcionar al público las herramientas teóricas necesarias para el análisis y la comprensión de las obras. Con respecto a la perspectiva centrada en las exigencias del público, el estudio destaca la necesidad, para todos los profesionales museísticos, de reconocer las características de los diversos tipos de público y los medios de investigación existentes en el ámbito de los estudios sobre los visitantes. En cuanto a la perspectiva de las obras, la tesis analiza las posibles consecuencias físicas y conceptuales causadas por la falta de comprensión del significado de las obras por parte de los visitantes, así como los medios y estrategias adoptados por los museos, que puedan, según los casos, desafiar o facilitar la relación entre el público y las obras. Por último, el estudio alienta el desarrollo de aquellas experiencias en las que se pueda concretar una colaboración conjunta entre las profesiones de la conservación y los profesionales de educación, tanto a nivel teórico como práctico, con el fin de favorecer la comprensión de las obras de arte contemporáneo. El estudio ha sido conducido mediante la exploración de numerosos métodos de investigación, viajando a través de la consulta de una amplia gama de fuentes, desde publicaciones científicas, hasta artículos de prensa, entrevistas con profesionales de conocidos museos europeos, encuestas en línea y producción de vídeos / [CA] Aquesta tesi proposa un anàlisi dels reptes que planteja la complexa relació entre el públic i les obres d'art contemporani, tant en el pla conceptual com en el material. En particular, amb aquesta investigació s'ha procurat ajuntar la perspectiva de la conservació, tradicionalment centrada en les necessitats de les obres, amb la de l'educació i la mediació cultural, tradicionalment centrada en les necessitats dels visitants. A través d'un estudi exploratori en els camps de la conservació, museologia, història de l'art, educació i museografia, s'han analitzat els processos que influïxen en la pèrdua de valor de l'especificitat de l'obra d'art, i en la consegüent dificultat d'indagació dels seus significats per part del públic. Respecte d’això s'ha estudiat i valorat el potencial de la conservació com a camp de coneixements capaç de respondre a aquesta dificultat, i de proporcionar al públic les ferramentes teòriques necessàries per a l'anàlisi i la comprensió de les obres. Respecte a la perspectiva centrada en les exigències del públic, l’estudi destaca la necessitat, per a tots els professionals museístics, de reconèixer les característiques dels diversos tipus de públic i els mitjans d'investigació existents en l'àmbit dels estudis sobre els visitants. Pel que fa a la perspectiva de les obres, la tesi analitza les possibles conseqüències físiques i conceptuals causades per la mancança de comprensió del significat de les obres per part dels visitants, així com els mitjans i estratègies adoptades pels museus, que puguen, segons els casos, desafiar o facilitar la relació entre el públic i les obres. Finalment, l'estudi encoratja el desenrotllament d'aquelles experiències en què es puga concretar una col·laboració conjunta entre les professions de la conservació i els professionals d'educació, tant a nivell teòric com pràctic, per tal d'afavorir la comprensió de les obres d’art contemporani. L'estudi ha sigut conduït mitjançant l'exploració de nombrosos mètodes d'investigació, viatjant a través de la consulta d'un àmplia gamma de fonts, des de publicacions científiques, fins a articles de premsa, entrevistes amb professionals de coneguts museus europeus, enquestes en línia i producció de vídeos. / [EN] This thesis proposes an analysis of the challenges posed by the complex relationship between the public and contemporary artworks, both on a conceptual and material level. In particular, this research has sought to bring together the perspective of conservation, traditionally focused on the needs of the artworks, with the perspective of education and cultural mediation, traditionally focused on the needs of the visitors. Through an exploratory study in the fields of conservation, museology, history of art, education and museography, we have analysed the processes that influence the loss of value of the specificity of the artwork, and the consequent difficulty for the public to inquire into its meanings. In relation to this issue, the investigation studied and valorised the potential of conservation as a field of knowledge able to respond to this difficulty and provide the public with the theoretical framework and tools necessary for the analysis and understanding of the artworks. As far as the perspective focused on the needs of the public, the study also highlighted the need for museum professionals to recognize the variety of visitor characteristics and valorised the existing and the existing research tools in the field of visitor studies. With respect to the artworks-centered perspective, the thesis analyses the possible physical and conceptual consequences caused by visitors' lack of understanding of the meaning of the works, and the means and strategies adopted by museums, which may, depending on the cases, challenge or facilitate the relationship between the public and the artworks. Finally, the study encourages the development of those experiences in which a joint collaboration between conservation professionals and museum education professionals can be achieved, both on a theoretical and practical level, with the aim of fostering the understanding of contemporary artworks. The study was conducted through the exploration of numerous research tools, including interviews with professionals from well-known European museums, online surveys and the production of two short videos, and the consultation of a wide range of sources, from scientific publications to press articles. / [IT] Questa tesi propone un'analisi delle sfide poste dal complesso rapporto tra pubblico e opere d'arte contemporanea, sia a livello concettuale che materiale. In particolare, questa ricerca ha cercato di coniugare la prospettiva della conservazione, tradizionalmente incentrata sulle esigenze delle opere, con quella dell'educazione e della mediazione culturale, tradizionalmente incentrata sulle esigenze dei visitatori. Attraverso uno studio esplorativo nei campi della conservazione, della museologia, della storia dell'arte, dell'educazione e della museografia, sono stati analizzati i processi che influenzano la perdita di valore della specificità dell'opera d'arte e la conseguente difficoltà per il pubblico di indagarne i significati. Sono state inoltre studiate e valorizzate le potenzialità della conservazione come campo di conoscenza in grado di rispondere a questa difficoltà e di fornire al pubblico gli strumenti teorici necessari per l’analisi e la comprensione delle opere. Per quanto riguarda la prospettiva incentrata sulle esigenze del pubblico lo studio evidenzia la necessità per tutti i professionisti del museo di riconoscere le caratteristiche dei vari tipi di pubblico e i mezzi di ricerca esistenti nel campo degli studi sui visitatori. Rispetto alla prospettiva incentrata sulle opere, la tesi analizza le possibili conseguenze fisiche e concettuali causate dalla mancata comprensione da parte dei visitatori del significato delle opere, e i mezzi e le strategie adottate dai musei, che possono, a seconda dei casi, mettere in discussione o facilitare il rapporto tra il pubblico e le opere. Lo studio, infine, incoraggia lo sviluppo di quelle esperienze in cui si possa concretizzare una collaborazione congiunta tra professionisti della conservazione e professionisti dell’educazione museale, sia a livello teorico che pratico, con l'obiettivo di favorire la comprensione delle opere d'arte contemporanea. Lo studio è stato condotto attraverso l'esplorazione di numerosi strumenti di ricerca, dalle interviste a professionisti di noti musei europei, ai sondaggi online e alla realizzazione di due brevi video, sino alla consultazione di fonti molto diverse, dalle pubblicazioni scientifiche agli articoli di stampa. / Parisi, F. (2020). El público y las obras de arte contemporáneo: un análisis de la relación entre la función educadora y conservadora del museo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/148196

[ES] Esta investigación aborda la contemplación como un proceso experiencial de transformación y busca estudiar su presencia en algunas prácticas artísticas contemporáneas como forma de vínculo entre cuerpo y naturaleza. Para ello trata de establecer un marco interpretativo posible para algunas formas de contemplación naturalista potencialmente útiles para un contexto europeo postsecular marcado por la globalización y la hibridación cultural. De este modo se centra en tres aspectos fundamentales de la contemplación: la conciencia del cuerpo en el presente, el distanciamiento de la egocentricidad y la conciencia de vínculo. El objetivo último es reivindicar la importancia de la contemplación deconstruyendo muchos de los estereotipos asociados a la espiritualidad. Se pone así en valor la potencialidad de ciertas prácticas artísticas vinculadas a la naturaleza para visibilizar y construir nuevos planteamientos identitarios frente a la crisis ecológica global. / [EN] This research approaches contemplation as an experiential transformation process and aims to study its role in some contemporary artistic practices as a form of connection between the human body and nature. To do so, it attempts to establish a possible interpretative framework for some potentially useful forms of naturalistic contemplation within a post-secular European context marked by globalization and cultural hybridization. In this way, the study focuses on three fundamental aspects of contemplation: body awareness in the present moment, detachment from egocentricity and sense of bonding. The ultimate goal is to reclaim the importance of contemplation by deconstructing many of the stereotypes associated with spirituality. Thus, the potential of certain artistic practices linked to nature is highlighted in order to build and make visible new identity approaches to the global ecological crisis. / [CA] Aquesta investigació aborda la contemplació com un procés experiencial de transformació i cerca estudiar la seua presència en algunes pràctiques artístiques contemporànies com a forma de vincle entre cos i naturalesa. Per a això tracta d'establir un marc interpretatiu possible per a algunes formes de contemplació naturalista potencialment útils per a un context europeu postsecular marcat per la globalització i la hibridació cultural. D'aquesta manera se centra en tres aspectes fonamentals de la contemplació: la consciència del cos en el present, el distanciament de la egocentricitat i la consciència de vincle. L'objectiu últim és reivindicar la importància de la contemplació desconstruint molts dels estereotips associats a l'espiritualitat. Es posa així en valor la potencialitat de certes pràctiques artístiques vinculades a la naturalesa per a visibilitzar i construir nous plantejaments identitaris enfront de la crisi ecològica global. / López De Frutos, E. (2020). La experiencia contemplativa en las prácticas artísticas contemporáneas. Estrategias de vínculo entre cuerpo y naturaleza desde un enfoque ecológico [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/151459

This thesis focuses on analysing the discourses and resources of the works of art related to the Hispanic-American migration since the fall of the Berlin Wall in 1989. This fall is the prelude to the polarization of the world, particularly in the economic sphere. Based on common criteria in the works of prestigious artists, in our research we propose groupings, classifications and pairings of the artistic contemporary products. The mentioned classifications objective or poetically document descriptions, opinions or criticisms about the various aspects of the exodus of the numerous Hispanic-American fractions, such as its origins, antecedents and consequences. The final document translates, interprets and articulates logically the reflections of the intellectuals of the image in a constant relationship with the political and economic joint in a study that is very consistent with our time. / La presente tesis se concentra en analizar los discursos y recursos de las obras de arte sobre la migración hispanoamericana desde la caída del Muro de Berlín en 1989, prolegómeno de la polarización del mundo, particularmente en el ámbito de lo económico. Basándonos en criterios comunes en las obras de prestigiosos artistas, en nuestra investigación proponemos agrupaciones, clasificaciones y geminaciones de los productos artísticos contemporáneo. Estos objetiva o poéticamente documentan descripciones, opiniones o críticas sobre los distintos aspectos del éxodo de las numerosas fracciones hispanoamericanas, tales como sus causas, antecedentes y consecuencias. El documento final traduce, interpreta y articula lógicamente las reflexiones de los intelectuales de la imagen en constante relación con la coyuntura político económica en un estudio muy coherente con nuestro tiempo. / La present tesi es concentra en analitzar els discursos i recursos de les obres d'art sobre la migració hispanoamericana des de la caiguda del Mur de Berlín en 1989, prolegomen de la polarització del món, particularment en l'àmbit econòmic. Basant-nos en criteris comuns en les obres de prestigiosos artistes, en la nostra recerca proposem agrupacions, classificacions i geminacions dels productes artístics contemporani. Aquests objectiva o poèticament documenten descripcions, opinions o crítiques sobre els diferents aspectes de l'èxode de les nombroses fraccions hispanoamericanes, tals com les seves causes, antecedents i conseqüències. El document final tradueix, interpreta i articula lògicament les reflexions dels Intel·lectuals de la imatge en constant relació amb la conjuntura polític econòmica en un estudi molt coherent amb el nostre temps. / Tovar Larenas, O. (2016). Arte y migraciones hispanoamericanas en la globalización [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/77147

El siglo XVIII fue especialmente relevante para Orihuela, puesto que, y a pesar de los efectos negativos que la Guerra de Sucesión generó en la zona, supuso un renovado despertar político-económico y socio-cultural; ya que se afianzó la estabilidad estamental, se regeneró la actividad agrícola y se desarrollaron las ideas ilustradas gracias a la ingente labor del estamento eclesiástico, a través de importantes prelados e instituciones como la Universidad y el Seminario. Por lo tanto, con la independencia que se obtuvo del Obispado de Cartagena en 1564, la Gobernación de Orihuela consiguió una potente reafirmación institucional, civil y eclesiástica. De tal modo, será a lo largo del siglo XVIII cuando la madurez cultural se haga patente en la zona y la prosperidad económico-política se deje ver en la renovación física del paisaje urbano. La Gobernación de Orihuela ha sido siempre una zona desmarcada, claramente desde el siglo XVI, del carácter renacentista del Reino de Valencia, acusando con ello una clara diferenciación de constantes estéticas barrocas con el resto del territorio valenciano a lo largo del XVII y XVIII. Mientras que el Barroco en la zona se inicia hacia 1650 de la mano del genovés Francesc Verde y el conjunto de oficiales franceses afincados en la zona (gracias al importante flujo comercial del puerto de Alicante), en el resto del Reino las corrientes centroeuropeas son puestas de manifiesto por los propios artistas locales que han de trasladarse al extranjero para educarse en las nuevas tendencias artísticas. De hecho, es ahí donde reside el objetivo de este trabajo, encontrar el punto de unión entre las diferentes tendencias artísticas, tanto nacionales como internacionales, en materia constructiva y potenciar el valor que reside en los ejemplos arquitectónicos conservados en la antigua Diócesis de Orihuela. Por ello, los fundamentos y métodos para la realización de este estudio de investigación, basado en una tipología arquitectónica muy concreta y bien localizada geográficamente -llevada a cabo por el arquitecto Miguel Francia García-, han contribuido a desarrollar un método inductivo. Mediante el análisis pormenorizado de las fuentes directas, la ingente documentación que conserva el Archivo Parroquial de Catral sobre la fábrica de su iglesia, y a partir de las sucintas notas que las fuentes indirectas, tales como la historiografía regional y contemporánea, han dedicado a la arquitectura barroca oriolana, se ha podido estudiar con amplitud de miras aquellos ejemplos arquitectónicos conservados y dispersos por toda la huerta de Orihuela. Este estudio abarca, en toda su amplitud, la figura de Miguel Francia García, un arquitecto erróneamente estudiado, confundido con la figura de su desconocido hijo (Miguel Francia Guillén) y convertido en mito por aquellos que apenas han analizado profundamente la poca documentación que a sus manos ha llegado sobre su obra arquitectónica. Este maestro de obras sirve, a la vez, como núcleo ejemplar del estudio arquitectónico barroco de la antigua Gobernación de Orihuela, parcela de la arquitectura levantina que precisaba un análisis profundo, ya que el maestro Francia centra todo la actividad de la época. Por lo tanto, se verifica así la calidad técnica, teórica, práctica y humana de Miguel Francia García, arquitecto que supo aunar estilos, acercar regiones y popularizar un tipo arquitectónico concreto. Peculiar visión del barroco basado no en la improvisación sino en la constante renovación e innovación sobre los modelos heredados. Es decir, la arquitectura generada en la Orihuela del XVIII, de la mano de este alarife, es fruto del estudio de la tradición arquitectónica levantina y mediterránea del gótico y renacimiento más práctico y funcional, puestos de manifiesto en los innumerables tratados de arquitectura que artistas y mecenas trabajaron concienzudamente. Pero no sólo gracias a ello, también gracias a la labor de ilustrados, novatores, académicos y prelados que, a través de sus personalísimos estudios científico-matemáticos, supieron difundir un acertado interés por la arquitectura; recayendo en Miguel Francia la labor de materializar tales postulados y equipararlos a los ejemplos arquitectónicos más destacados del panorama nacional e internacional. / The Eighteenth Century was especially relevant to Orihuela, since despite the negative effects of the War of Succession generated in the area, was a renewed awakening political-economic and socio-cultural development; since stability is consolidated estamental Agricultural activity (strongly affected in the past century) was regenerated and enlightened ideas were developed thanks to the tremendous work of the ecclesiastical establishment, through major prelates and institutions as the University and Seminary. Therefore, with the independence that was obtained from the Diocese of Cartagena in 1564, the Government of Orihuela got a powerful institutional, civil and ecclesiastical reaffirmation. Thus, it will be along the eighteenth century when the cultural maturity becomes apparent in the area and the economic and political prosperity can be seen in physical renovation of the urban landscape. The Governing of Orihuela has always been an unmarked area, clearly since the sixteenth century, the Renaissance character of the Kingdom of Valencia, accusing thus a clear differentiation of esthetic constant baroque with the rest of the Valencian territory along the XVII and XVIII. While the Baroque in the area began around 1650 in the hands of Genovese Francesc Verde and all French officers based in the area (thanks to important commercial flow of port of Alicante), in the rest of Kingdom Central European tendencies are set revealed by local artists themselves who have to go abroad for education in the new artistic trends. In fact, here is where objective of this work resides, find the juction point between the different national and international artistic trends, in a constructive matter and enhance the value that resides in architectural examples preserved in the ancient Diocese of Orihuela. Thus, the fundamentals and methods for conducting this research study, based on a very specific architectural style and well located geographically-carried out by the architect Miguel Francia García-, have helped to develop an inductive method, through the detailed analysis of the direct sources, the vast documentation that retains the Parish Archive of Catral about factory church and from the brief notes that indirect sources, regional and contemporary historiography, have dedicated to Baroque architecture of Orihuela , can be studied with an open mind those conserved and dispersed throughout the orchard Orihuela architectural examples, parcel of the Levantine required a deep analysis, as the master Francia focuses all the activity at the time. This study covers the full extent, the figure of Miguel Francia García, an architect erroneously studied, confused with the figure of his estranged son (Miguel Francia Guillén) and become a myth for those who have just deeply analyzed the little documentation that has come to his hands on his architectural work. This character serves both as an exemplary core of Baroque architectural study of the ancient Governor of Orihuela, that parcel of architecture was left untreated, since our master builder activity focuses all the time. Therefore thus is verifies the technical, theoretical, practical and human qualities of Miguel Francia García, an architect who was able to combine styles, bringing regions and popularice a specific architectural type. Peculiar vision of baroque is projected, it is based not on improvisation but on the constant renewal and innovation of legacy models. That is, the architecture generated in the eighteenth century in Orihuela, of the hand of this master builder, is the result of the study of the Levantine and Mediterranean architectural tradition of Gothic and practical and functional Renaissance, manifested in the innumerable architectural treatises that artists and patrons worked conscientiously. But not only because of it, thanks to the work of enlightened, novatores, scholars and prelates, who, through their very personal scientific and mathematical studies, they knew how to disseminate a successful interest in architecture; falling in Miguel Francia the work to materialice these postulates and equate to the most outstanding architectural examples of the national and international scene.

El objeto de este trabajo es la vida y la obra de la artista americana Mary Cassatt, adscrita al movimiento impresionista y poco conocida en nuestro país, centrándonos en dos aspectos principalmente: su condición de mujer moderna y su larga época como pintora de retratos de mujeres con niños. Así, repasaremos algunos de los mitos de la era moderna, pasearemos por el París de finales del siglo XIX y debatiremos sobre la condición femenina en las postrimerías de dicho siglo, lo que nos llevará a cuestionarnos las ideas de libertad defendidas y difundidas por la revolución francesa, cuyas asimetrías y falacias continúan afectando aún hoy a nuestra sociedad occidental. Mary Cassatt fue una mujer luchadora que combatió con singular inteligencia y habilidad las convenciones de su siglo. Sus retratos muestran acertadamente la psicología de la dama burguesa, pero también van un paso más allá; en este trabajo hablaremos de cómo Cassatt pasó de plasmar las escenas cotidianas de los rituales burgueses que tanto atraían a los impresionistas a convertirse en pintora por excelencia de la maternidad, y cómo este cambio fue y sigue siendo malinterpretado, no solo por la crítica masculina, sino, muy especialmente, por la feminista. Trataremos de explicar cómo una mujer fuerte y trabajadora, y, tal vez paradójicamente, soltera y sin descendencia, pudo defender los derechos y la dignidad de su género retratando un tema tan manido y edulcorado, y sin embargo tan hermoso y preñado de posibilidades como las relaciones materno-filiales. Este trabajo tratará pues de unir los aspectos humanos y artísticos de una gran pintora, y, a la vez, relacionarlos con la época que le tocó vivir, como un todo inextricable. Creemos que solo así podemos entender lo comprometido de su postura, lo valiente de sus decisiones y el objeto de su obra; Mary Cassatt trató de cambiar su mundo mediante la elegancia de su arte: sus armas fueron su inteligencia y su talento, y con ellas logró hacerse respetar en un mundo de hombres, y, quizás, contribuir a un tímido cambio hacia una sociedad más justa, cambio que aún no ha terminado de hacerse efectivo en nuestros días. Intentaremos explicar cómo lo logró, en qué triunfó y en qué fracasó y el porqué de que su obra no goce hoy en día de la popularidad que merece. / This thesis is about the life and work of the American artist Mary Cassatt, who was a member of the Impressionist movement, but whose paintings are poorly known in our country; we focus in two main aspects: her condition as a modern woman and her long period as a portrait painter of women with children. With these themes in mind, we will examine some of the modern-age myths, walking through the streets of Paris as they were at the end of the XIXth century, and we will debate about the turn-of-the-century concept of femininity, which will lead us to question the idea of freedom defended and disseminated by the French Revolution: its asymmetries and fallacies are still affecting nowadays our western civilization. Mary Cassatt was a combative woman who fought against her century’s conventions with unusual ingenuity and skill. Her portraits reflect cleverly the bourgueois woman’s psychology, but they also go beyond that; in this thesis we will talk about how Cassatt made the transition from capturing the everyday scenes that fascinated her Impressionist colleagues so much, to become the quintessential painter of motherhood, and how this change was, and still is, much maligned and misunderstood, not only by regular critics, but also, and specially, by feminist ones. We will try to explain how this strong, hard-working woman, and one who was, perhaps paradoxically, single and without children, could become the staunch defender of her genre’s rights and dignity devoting herself to such a trite and watered-down – but also so beautiful and full of possibilities in the proper hands – topic. So in this thesis we will try to combine the humane and artistic aspects of a great painter, and, at the same time, relate them to her day and age, as an inextricable blend. We believe that this is the only way to understand her commitment and braveness, her decisions and the purpose of her work; Mary Cassatt tried to change her world using the elegance of her art: her weapons were intellect and talent, and with them she achieved respect in a world ruled by men, and, perhaps, she contributed to a timid advance towards a more unbiased society, a change which is still in progress during our days. We will try, in essence, to explain how she managed to do that, her triumphs and defeats, and the reasons why her work doesn’t have today the popularity it deserves.

La presente tesis doctoral tiene como objetivo fundamental ser un profundo estudio sobre la figura del escritor Eliodoro Puche Felices. Para ello he estructurado tal documento en seis bloques, los cuales corresponden a objetivos específicos. El primero está centrado en su biografía, desde su nacimiento hasta su defunción, tratando con especial énfasis determinados episodios como: su etapa bohemia en Madrid; su papel como segundo procurador síndico (concejal) en su tierra natal, Lorca (Murcia); así como su dura experiencia carcelaria en los presidios de Lorca, Murcia y Totana. El segundo, por el contrario, se compone de un listado acerca de sus obras completas en verso (poemarios, poesía en prensa y revistas, manuscritos e inserciones en obras de otros autores), prosa (microcuentos, artículos de crítica literaria, estampas y sueltos periodísticos) y también sus traducciones de autores franceses (Paul Verlaine, Charles Baudelaire, Alfred de Musset, Jeanne de Coulomb, Vicente Huidobro, Max Jacob, André Salmon y Françoise Villon) además de rusos (Antón Chejov, Leonid Andréyev) y de la danesa Sigrid Undset. En cuanto al tercero, constituye un estado de la cuestión, donde figuran todos los estudios que se han hecho sobre su persona. El cuarto es un aparato crítico, en el cual se ofrece una visión global sobre su poética, su narrativa y, en general, su estética como escritor. El quinto es un conjunto de testimonios de personas que lo conocieron al final de su vida. Y la última sección recoge los materiales que he utilizado para la elaboración de este estudio. La metodología empleada ha requerido de cuatro fases. El preanálisis (primera fase) constituye una aproximación y preparación del proyecto de investigación, además de un desarrollo de conocimientos previos. El análisis (segunda fase) incluye trabajo de campo, intervención didáctica, aplicación de modelos y metacognición del proceso de investigación. La interpretación (tercera fase) corresponde a la elaboración de resultados y conclusiones, mientras que la comunicación (cuarta fase) está centrada en la elaboración del informe y su prospectiva investigadora. En total he requerido 52 meses para la conclusión de este trabajo. A modo de conclusión, Eliodoro Puche fue un sujeto destacado en las letras españolas del primer tercio del siglo XX. Por su obra, ha quedado vinculado con un modernismo epigónico, de corte simbolista, habiendo participado fugazmente en las vanguardias, principalmente en el creacionismo y el ultraísmo. Participó en las tertulias madrileñas, destacando las de El Colonial, con Rafael Cansinos Asséns, y las de Pombo, presididas por Ramón Gómez de la Serna. Todo ello, unido a su trabajo como traductor de autores extranjeros en varios géneros literarios, su destacado desarrollo poético durante la represión del primer franquismo (1939-1945) y su cargo político local durante la República, lo convierten en un autor destacado e interesante en las letras, no solamente regionales, sino también nacionales, cuya figura pretende ser recordada y reivindicada en esta presente tesis doctoral. / The main objective of this thesis is to create a thorough study of the figure and writer, Eliodoro Puche Felices. For this reason, I structured this document in six blocks, which correspond to specific goals. So, the first block is a recount of his biography, from his birth to his death, giving special emphasis to certain episodes of his bohemian live in Madrid; his role as a counselor in his homeland, Lorca (Murcia); and his hard prison experience in jails from Lorca to Murcia and Totana. The second block, by contrast, consists of a list of his complete works in verse (poems, poetry in newspapers and magazines, inserts manuscripts into works of other authors), prose (microstories, literary criticism, literal prints and news in newspapers), and his translations of French authors (Paul Verlaine, Charles Baudelaire, Alfred de Musset, Jeanne de Coulomb, Vicente Huidobro, Max Jacob, André Salmon and Françoise Villon) in addition to Russians (Anton Chekhov, Leonid Andreyev) and Danes like Sigrid Undset. As for the third, it is a state of affairs where you can see all of the studies that have been made about his person. The fourth is a critical study in which an overview of his poetry, narrative, and in general, aesthetics as a writer is offered. The fifth is a collection of testimonies from people who knew the end of his life. And the final section gathers the materials used for the preparation of this study. The methodology required four phases. The lookahead (first phase) is an approach and preparation of the research project, and a development of prior knowledge. The analysis (second phase) includes fieldwork, educational intervention, application of models and metacognition of the research process. The interpretation (third phase) corresponds to the production of results and conclusions, while communication (fourth phase) is centered on the preparation of the report and its prospective researcher. In total, it required 52 months for completion of this work. In conclusion, Eliodoro Puche was prominent in the Spanish letters of the first third of the twentieth century subject. For his work, he was linked to an epiphanic modernism, symbolist court, having participated briefly in the vanguard (especially in creationism and ultraism). He participated in the gatherings in Madrid, highlighting the El Colonial, with Rafael Cansino Asséns, and Pombo, chaired by Ramón Gómez de la Serna. All these things, combined with his work as a translator of foreign authors within various genres, his outstanding poetic development during the suppression of the first "Franquism" (1939-1945), and his local political office in the Republic, make him a prominent author and interesting correspondent, in not only regional but also national affairs, whose figure is remembered and petitioned by this thesis.