O presente estudo aborda as relações existentes entre a memória e a arte, registradas através de monumentos arquitetônicos na cidade de São Paulo, especialmente, no âmbito da arte contemporânea. Elege como instrumental de pesquisa a história da arte e seus desdobramentos estéticos, tendo como foco de análise a poética de memórias de Maria Bonomi uma das mais importantes artistas do cenário nacional. O painel Epopéia Paulista, construído a partir de ateliêresidência, em abril de 2004, no espaço expositivo do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) e que hoje se encontra no corredor de ligação entre o Metrô e a Companhia Paulista de Trens Metropolitanos (na Estação da Luz) serve como obra-referência na criação e no processo de narrativas de memórias de diversas etnias em São Paulo. A pesquisa toma Epopéia Paulista como motivação para o estudo das questões latentes no fazer artístico atual. Intenta-se um mapeamento das ligações interdisciplinares entre arte e memória a partir do registro de discussões envolvendo artistas, críticos, obras e instituições. Da análise de Epopéia Paulista emergem elementos intrínsecos à arte contemporânea, constituindo uma poética de memórias que evoca a história da cidade de São Paulo e de seus habitantes. / This study deals with the relations between memory and art, especially the contemporary art seen in architectural monuments in the city of São Paulo. With this aim, the art history and its aesthetic developments are used as a tool for the research, focusing on the poetics of memories by Maria Bonomi one of the most important artists of the national artistic circuit. The Epopéia Paulista panel (São Paulos Epic Panel), which was built in a residence-studio in April 2004 in the exhibition room of the Museum of Contemporary Art of the University of Sao Paulo (MAC USP), and currently located in the passageway that joins the subway (Luz Station) to the São Paulos Company of Metropolitan Trains, works as a reference artwork to the creation and process of narratives of memories of the different ethnic groups in São Paulo. The research uses the Epopéia Paulista as motivation for the study of current issues in the artistic field. The intention here is to map the interdisciplinary relations between art and memory using records of debates involving artists, critics, artworks and institutions. Elements that are intrinsic to the contemporary art arise from the analysis of the Epopéia Paulista, constituting a poetics of memories that evokes the history of the city of São Paulo and its inhabitants.

A participação dos artistas plásticos e gráficos na publicidade brasileira, mais especificamente na comercial de produtos e empreendimentos, entre as décadas de 1920-1940 constitui o núcleo de investigação desta tese. Se historicamente as artes plásticas e a publicidade internacionais sempre mantiveram relações estreitas e até mesmo conflituosas, indagou-se como teriam se comportado entre si esses dois campos profissionais no Brasil quando da passagem da nossa publicidade amadora para aquela moderna, impregnada, sobretudo, pelos métodos das agências norte-americanas atuantes no eixo Rio-São Paulo. A partir de um exame atento do mercado de trabalho dos diversos profissionais considerados, procurou-se entender as motivações que os levaram a produzir peças publicitárias, o que por sua vez direcionou o estudo ao questionamento das hierarquias artísticas, pois a relação entre a arte e a publicidade prolonga o consagrado debate em torno das artes mecânicas e liberais, e, por conseguinte as disputas entre arte maior e arte menor, entre arte pura, desinteressada e livre e arte comprometida, dentre outras tipologias usuais. Concomitantemente, averigou-se como a passagem e mesmo a convivência de um sistema acadêmico com um moderno, que se constituiu a partir dos anos 1920, alterou, ou melhor, conformou o campo artístico brasileiro. Frente a esses impasses, recorreu-se a algumas proposições teóricas mais atuais, que ao transferirem o foco problemático do campo artístico para o estético, atenuaram os questionamentos como também permitiram maior flexibilidade de análises. Nos exames formais das peças publicitárias, selecionadas em função de suas representatividades dentro do conjunto, defendeu-se a tese de que houve momentos em que a produção de cartazes e anúncios comerciais, este em maior número, aproximou-se de uma linguagem artística moderna, a exemplo dos projetos comerciais do artista Fulvio Pennacchi, que pertencem à coleção do Instituto Moreira Salles. E, na busca desses momentos estéticos modernos, procurou-se não enxertar e tão somente verificar correspondências com os moldes europeus, ao contrário, isso permitiu o conhecimento da nossa realidade, da modernidade artística que nos foi possível edificar, tendo em conta as variantes que o decorrer dos anos lhe agregou. Este posicionamento, em contrapartida, de forma alguma pôde desprezar o fato da história da propaganda brasileira ter fortes e ricas ligações com os modelos estrangeiros, portanto, impôs-se às análises iconográficas a tarefa de também investigar o quanto a nossa produção foi ou não uma reelaboração particular dos exemplos da arte publicitária em circulação. A interdisciplinaridade foi uma constante neste estudo pelo entrelaçamento de informações originárias de vários campos do conhecimento, sem a qual a pesquisa não teria êxito. / The role of the plastic and graphical artists in the Brazilian commercial advertising of products and enterprises, between the decades of 1920 and 1940, is the core of investigation of this thesis. Historically, plastic arts and advertising always kept narrow and even tough relationships in the international panorama. Therefore, in this work we have inquired the behavior of these two professional fields in Brazil as we pass from an amateur to a modern advertising. The latter has been influenced by the North-American advertising agencies from Rio de Janeiro and São Paulo. From a painstaking analysis of the labor market of several professionals in the plastic arts field, we have tried to understand the reasons that had taken them to produce advertisement materials. This has led us to investigate artistic hierarchies, since the relationship between art and advertising only emphasizes the old debate around mechanical and liberal arts, minor and major arts, pure and compromised arts, amongst other usual typologies. At the same time we investigated how the coexistence of an academic system and a modern one, established in the years of 1920, molded the Brazilian artistic field. Due to these impasses it was necessary to use some modern theoretical propositions that shifted the subject from the artistic to the aesthetic field, reducing doubts and allowing for a more flexible analysis. In the critical analysis of the selected advertisement materials, we looked for instances where the posters and commercial advertisements, the latter bigger in number, approached a more modern artistic language, such as the commercial projects of the artist Fulvio Pennacchi, that belong to the collection of the Instituto Moreira Salles. In pursuit of these modern aesthetic instances we have not tried only to find similarities with the European patterns but made an effort to understand our reality and the artistic modernity we were able to produce at that time. We did not deny the strong link between the Brazilian and the international advertising, therefore, in our iconographic analysis, we have investigated to what degree our advertisement productions were just reelaborations of the current advertisement art in circulation. In this thesis the interdisciplinarity played a major role due to the crossing of information from many areas of knowledge and, without it, our research would not be possible.

quatro artistas paulistas: Luiz Paulo Baravelli, Frederico Nasser, Carlos Fajardo e José Resende, antes alunos de Wesley Duke Lee. A Escola existiu entre 1970 e 1974 em São Paulo. Os quatro fundadores eram nos anos 60 estudantes de arquitetura; três deles participaram da Rex Gallery & Sons, criada por Geraldo de Barros, Nelson Leiner e Duke Lee. A galeria os colocou em contato com o meio artístico brasileiro, especialmente o paulista, e seus debates. Os pressupostos conceituais e a experiência social da Escola Brasil: apresentam pontos de intersecção com experiências e projetos artísticos (e culturais) situados entre os anos 50 e 70, dois pontos altos da modernização brasileira; e é esse o eixo temporal, histórico, em que se procura situar criticamente sua existência. Os principais nexos de relação entre a Escola e este recorte temporal são as sintonias que apresenta, tanto do ponto de vista da produção artística como da experiência de ensino, com o projeto construtivo e o Tropicalismo. / This work is about Escola de arte Brasil: (two points), one institution founded by four artistis from São Paulo: Luiz Paulo Baravelli, Frederico Nasser, Carlos Fajardo and José Resende, that before studied with Wesley Duke Lee. The Escola existed between 1970 and 1974 in São Paulo. The four founders were on the 60s architecture students; three of them participated of Rex Gallery & Sons, created by Geraldo de Barros, Nelson Leirner and Duke Lee. The gallery got them in touch whit the Brazilian artistic environment and pleading, specially with the scene from São Paulo. The conceptual assumptions and the social experience of the Escola Brasil: presents points of intersection with artistic (and cultural) experiences and projects situated between the decades of 50s and the 70s, two highlights of the Brazilian modernization process; and this is the temporal axis, historical, that this work try to situate critically its existence. The main links of relation between the Escola and this temporal axis are the tunings that presents, both from the point of view of artistic production as the teaching experience, with the constructive project and with the Tropicalismo.

O interesse desta tese reside na persistência da questão da \"arte brasileira\" na crítica de Frederico Morais (Belo Horizonte, 1936) em três períodos distintos de sua produção, os quais nomeio, de acordo com o comportamento de seu discurso: \"Contestação\" (1966-1973), \"Dúvidas\" (1974-1984) e \"Conciliação\" (1985-2012). Parte-se do fato de que a formulação de um debate em torno da definição do que seria uma \"arte brasileira\" surgiu ainda no século XIX - embora já tivesse se delineado em termos literários no século anterior - e foi se transformando com o passar do tempo, mantendo-se vivo, porque ainda em discussão, durante o século seguinte. Nesse contexto, procurou-se identificar, na produção de Frederico Morais, a sobrevivência da questão do nacional e, ainda, mostrar de que maneira ele se utiliza de uma prática constante de revisão da história - por meio de textos publicados na imprensa, mas também manuais, cronologias e \"enciclopédias\" - para manter essa discussão em pauta. No Capítulo 1 (\"Contestação\") analiso o primeiro período de sua crítica de arte, caracterizado pela adoção de um discurso assertivo e militante, em defesa de uma \"arte brasileira\" como um espaço privilegiado para a experimentação e a resistência. Nessa época, ele apoia incondicionalmente a \"vanguarda brasileira\", movimento que, segundo o autor, estaria sediado no Rio de Janeiro, expandindose a partir da antiga capital para o restante do país. No Capítulo 2 (\"Dúvidas\") trato de sua fase de transição, em que se revela certo desencanto com a situação da vanguarda no Brasil. No Capítulo 3 (\"Conciliação\") abordo o segundo período do crítico, quando se consolida o processo em que Frederico Morais abdica da defesa do \"novo\" enquanto principal saída para a \"arte brasileira\", passando a revisar tanto suas posições como parte significativa da história da arte brasileira. Nesse percurso, seus vai adotando posturas mais conciliatórias, menos intransigentes para o que entende como possibilidades de uma produção artística de caráter brasileiro. Esta tese procurou demonstrar que é possível encontrar ecos do desejo por uma arte nacional em críticas, ensaios e artigos que atravessam as três fases do percurso de Morais. Buscou ainda apontar as contradições e fragilidades que surgiram entre duas posturas distintas do crítico em relação à produção artística do período no país: uma, a escolha pelo que seria \"genuinamente nacional\", aproximando-se de algo que singularizasse a arte produzida no Brasil em relação àquela que se apresentava assertivamente como internacional; outra, colocandose contra o risco do isolamento, do atraso e do descompasso em relação ao mundo, adotava a opção por se deixar levar pelas correntes artísticas que vinham dos Estados Unidos e Europa. / The interest of this thesis lies in the persistence of the question of Brazilian art in the criticism produced by Frederico Morais (Belo Horizonte, 1936) in three distinct periods of his production, which I have named, according to the behavior of his discourse, as \"Contestation\" (1966-1973), \"Doubts\" (1974-1984) and \"Conciliation\" (1985-2012). The starting point resides in the debate formulated around the definition of what Brazilian art is, which emerged in the nineteenth century -- although it had already been delineated in literary terms in the previous century --, a debate that changed over time, kept alive in discussion throughout the following century. In this context, the thesis aims to identify the survival of this question of the national in Morais\' production. It also proposes to show -- through texts published in the press, but also in chronologies, manuals and \"encyclopedias\" -- how he makes constant use of historical revision to keep the discussion relative to Brazilian art on the agenda of public debate. In Chapter 1, I analyze his first period, characterized by the assertive and militant discourse adopted in defense of Brazilian art as a privileged space for experimentation, resistance and, above all, for the avant-garde. In his view, this movement was based in Rio de Janeiro, expanding from the former capital to the rest of the country. In Chapter 2, I deal with his transitional period, which reveals a certain disenchantment with the situation of the avant-garde in Brazilian art. In Chapter 3, I address the critic\'s second period, which consolidates the process in which Morais abdicates the defense of the \"new\" as the principal \"way ahead\" for Brazilian art, and comes to revise not only his positions, but a significant part of the history of the Brazilian art as well. Over the course of time, Morais gradually adopts positions that are less intransigent and more conciliatory regarding what he understands as possibilities for an artistic production with Brazilian character. This thesis has attempted to demonstrate the possibility of finding echoes of this desire for a national art in criticism, essays and articles that intersect the three phases in the trajectory of Frederico Morais. It has also sought to indicate the contradictions and fragilities that emerged between two distinct stances adopted by the critic in relation to the period\'s artistic production: the option for what could be considered \"genuinely national\", making advances in the direction of something that would singularize it in relation to an art that presents itself assertively as international; or the option to counter the danger of isolation, backwardness and being out-of-step with the world, by choosing to be carried along by the artistic currents imported from the United States and Europe.

Este estudo trata da crítica de arte de Geraldo Ferraz durante o período das primeiras Bienais de São Paulo. Foi dada especial atenção aos artigos sobre as IV, V e VI Bienais, publicados no jornal O Estado de São Paulo. Através da pesquisa nos arquivos da Fundação Bienal (Arquivo Histórico Wanda Svevo), do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP), do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), do Arquivo Edgard Leuenroth da Universidade Estadual de Campinas (AEL UNICAMP), do Centro de Documentação e Memória da Universidade Estadual de São Paulo (CEDEM UNESP) e do Arquivo do Estado de São Paulo, foram selecionados e analisados documentos em critica de arte. O crítico Geraldo Ferraz, proveniente do jornalismo e da literatura, contribuiu para difusão da crítica de arte e para o desenvolvimento do jornalismo na área da cultura. Na análise de sua trajetória como crítico, destacou-se a sua reflexão sobre a organização das Bienais e seus posicionamentos estéticos. / This paper regards the art criticism articles written by Geraldo Ferraz about the early Art Biennials in São Paulo. We focused our analysis in the articles written about the 4th, 5th and 6th Biennials, published by the newspaper O Estado de S. Paulo. We used articles, documents and other materials from the following institutions: Fundação Bienal (Historic Archive \'Wanda Svevo\'), Museum of Modern Art of São Paulo (MAM SP), Museum of Contemporary Art of São Paulo University (MAC USP), State University of Campinas\' Arquivo Edgard Leuenroth (AEL UNICAMP), Documentation and Archive Center of the State Universty of São Paulo (CEDEM UNESP) and Archives of the State of São Paulo. The art critic Geraldo Ferraz was an author and journalist, and his work contributed to the establishment of art criticism sections in Brazil\'s media, as well as the development of cultural journalism in the country. In this analysis of his career as a critic, the study highlights his reflections about the organization of the Art Biennials and its aesthetic postures.

MACHADO, Gilberto Andrade. Calidoscópio: experiências de artistas-professores como eixo para uma história do ensino de artes plásticas em Fortaleza. 2008. 169 f. Tese (Doutorado em Educação) – Universidade Federal do Ceará. Faculdade de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação Brasileira, Fortaleza-CE, 2008. / Submitted by Raul Oliveira (raulcmo@hotmail.com) on 2012-07-04T16:37:50Z No. of bitstreams: 1 2008_Tese_GAMachado.pdf: 4814155 bytes, checksum: ef7fdc799ac09ae9d4ea99ebddf7560a (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Josineide Góis(josineide@ufc.br) on 2012-07-18T13:28:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2008_Tese_GAMachado.pdf: 4814155 bytes, checksum: ef7fdc799ac09ae9d4ea99ebddf7560a (MD5) / Made available in DSpace on 2012-07-18T13:28:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2008_Tese_GAMachado.pdf: 4814155 bytes, checksum: ef7fdc799ac09ae9d4ea99ebddf7560a (MD5) Previous issue date: 2008 / The objective of this paper is to trace the history of the teaching of plastic arts in Fortaleza, taking into account the experience of some plastic artists who became teachers. We have opted for a time span which starts with the creation of the Plastic Arts Society of Ceará (SCAP), and ends in 2005 with the graduation of the first plastic artists from a public institution in Fortaleza. Our main goal was to investigate the meaning the plastic artists conferred to their teaching experience. It was our interest to identify some of the venues for the vocational training of plastic artists in Fortaleza; to learn how these artists perceived the act of teaching/learning arts; how they dealt with family and personal expectations on the artistic career, especially, how other knowledge of his social and political practice have incorporated to the teaching activity. In order to reach such objectives, we made use of oral history as a methodological resource by interviewing ten artists whose narratives are the main axis that support our historiographic organization. These narratives allow us to know how the cities were in the period of study, the social-cultural opportunities to which they had access and the school context when the artists started as students. The eager wish for a career training school for plastic artists in Fortaleza has been suppressed for several generations since the 1950´s, but it has been carried out in the early 2000´s. In the meantime, several attempts for a school have been allocated in public and private institutions, with the participation of the most experienced artists who discussed a model for teaching arts. We got to the conclusion that the present challenge for the plastic arts schools is to set goals for the training of an artist, where the career through education is not compulsory. For this, it is essential that the plastic artist who wishes to become a teacher be guided to produce more consistent reflection on his aesthetic experience. Knowing how to articulate with managers, coordinators and other teachers at the formal school, perhaps is the greatest challenge for the artist who proposes to be a teacher. / Esta pesquisa tem como objetivo organizar uma história do ensino das artes plásticas em Fortaleza a partir da experiência de alguns artistas plásticos que se tornaram professores. Optamos por um recorte temporal que se inicia em 1944 com a criação da Sociedade Cearense de Artes Plásticas (SCAP), e termina em 2005 com a formatura dos primeiros artistas plásticos graduados numa instituição pública de Fortaleza. Nosso objetivo principal foi investigar o significado que os artistas plásticos conferiam às suas experiências docentes. Interessava-nos identificar alguns espaços de formação de artistas plásticos em Fortaleza; saber como esses artistas percebiam o ato de ensinar/aprender artes; como lidavam com as expectativas pessoais e familiares sobre a profissão artística, sobretudo, como outros saberes de sua práxis social e política se incorporavam à prática docente. Para alcançar tais objetivos, trabalhamos a história oral como recurso metodológico, entrevistando dez artistas cujas narrativas são o eixo principal que sustentam nossa organização historiográfica. Estas narrativas nos permitem conhecer como era a cidade no período estudado, as oportunidades socioculturais que lhes eram acessíveis e os contextos escolares nos quais os artistas se iniciaram como alunos. O desejo por uma escola de formação profissionalizante para artistas plásticos em Fortaleza foi acalentado por várias gerações desde a década de 1950, e se consolidou no início dos anos 2000. Nesse ínterim, várias tentativas de escola foram alocadas em instituições públicas e privadas com a participação de artistas mais experientes que discutiam um modelo de ensino de arte. Constatamos que o desafio atual para as escolas de artes plásticas é definir rumos para a formação do artista, nos quais a profissionalização via educação não seja compulsória. Para isso é fundamental que o artista plástico que deseja ser professor seja orientado para produzir reflexões mais consistentes sobre suas experiências estéticas. Saber articular tais experiências com os gerentes, coordenadores e demais professores da escola formal, talvez seja o maior desafio para o artista que se propõe a ser professor.

O interesse desta tese reside na persistência da questão da \"arte brasileira\" na crítica de Frederico Morais (Belo Horizonte, 1936) em três períodos distintos de sua produção, os quais nomeio, de acordo com o comportamento de seu discurso: \"Contestação\" (1966-1973), \"Dúvidas\" (1974-1984) e \"Conciliação\" (1985-2012). Parte-se do fato de que a formulação de um debate em torno da definição do que seria uma \"arte brasileira\" surgiu ainda no século XIX - embora já tivesse se delineado em termos literários no século anterior - e foi se transformando com o passar do tempo, mantendo-se vivo, porque ainda em discussão, durante o século seguinte. Nesse contexto, procurou-se identificar, na produção de Frederico Morais, a sobrevivência da questão do nacional e, ainda, mostrar de que maneira ele se utiliza de uma prática constante de revisão da história - por meio de textos publicados na imprensa, mas também manuais, cronologias e \"enciclopédias\" - para manter essa discussão em pauta. No Capítulo 1 (\"Contestação\") analiso o primeiro período de sua crítica de arte, caracterizado pela adoção de um discurso assertivo e militante, em defesa de uma \"arte brasileira\" como um espaço privilegiado para a experimentação e a resistência. Nessa época, ele apoia incondicionalmente a \"vanguarda brasileira\", movimento que, segundo o autor, estaria sediado no Rio de Janeiro, expandindose a partir da antiga capital para o restante do país. No Capítulo 2 (\"Dúvidas\") trato de sua fase de transição, em que se revela certo desencanto com a situação da vanguarda no Brasil. No Capítulo 3 (\"Conciliação\") abordo o segundo período do crítico, quando se consolida o processo em que Frederico Morais abdica da defesa do \"novo\" enquanto principal saída para a \"arte brasileira\", passando a revisar tanto suas posições como parte significativa da história da arte brasileira. Nesse percurso, seus vai adotando posturas mais conciliatórias, menos intransigentes para o que entende como possibilidades de uma produção artística de caráter brasileiro. Esta tese procurou demonstrar que é possível encontrar ecos do desejo por uma arte nacional em críticas, ensaios e artigos que atravessam as três fases do percurso de Morais. Buscou ainda apontar as contradições e fragilidades que surgiram entre duas posturas distintas do crítico em relação à produção artística do período no país: uma, a escolha pelo que seria \"genuinamente nacional\", aproximando-se de algo que singularizasse a arte produzida no Brasil em relação àquela que se apresentava assertivamente como internacional; outra, colocandose contra o risco do isolamento, do atraso e do descompasso em relação ao mundo, adotava a opção por se deixar levar pelas correntes artísticas que vinham dos Estados Unidos e Europa. / The interest of this thesis lies in the persistence of the question of Brazilian art in the criticism produced by Frederico Morais (Belo Horizonte, 1936) in three distinct periods of his production, which I have named, according to the behavior of his discourse, as \"Contestation\" (1966-1973), \"Doubts\" (1974-1984) and \"Conciliation\" (1985-2012). The starting point resides in the debate formulated around the definition of what Brazilian art is, which emerged in the nineteenth century -- although it had already been delineated in literary terms in the previous century --, a debate that changed over time, kept alive in discussion throughout the following century. In this context, the thesis aims to identify the survival of this question of the national in Morais\' production. It also proposes to show -- through texts published in the press, but also in chronologies, manuals and \"encyclopedias\" -- how he makes constant use of historical revision to keep the discussion relative to Brazilian art on the agenda of public debate. In Chapter 1, I analyze his first period, characterized by the assertive and militant discourse adopted in defense of Brazilian art as a privileged space for experimentation, resistance and, above all, for the avant-garde. In his view, this movement was based in Rio de Janeiro, expanding from the former capital to the rest of the country. In Chapter 2, I deal with his transitional period, which reveals a certain disenchantment with the situation of the avant-garde in Brazilian art. In Chapter 3, I address the critic\'s second period, which consolidates the process in which Morais abdicates the defense of the \"new\" as the principal \"way ahead\" for Brazilian art, and comes to revise not only his positions, but a significant part of the history of the Brazilian art as well. Over the course of time, Morais gradually adopts positions that are less intransigent and more conciliatory regarding what he understands as possibilities for an artistic production with Brazilian character. This thesis has attempted to demonstrate the possibility of finding echoes of this desire for a national art in criticism, essays and articles that intersect the three phases in the trajectory of Frederico Morais. It has also sought to indicate the contradictions and fragilities that emerged between two distinct stances adopted by the critic in relation to the period\'s artistic production: the option for what could be considered \"genuinely national\", making advances in the direction of something that would singularize it in relation to an art that presents itself assertively as international; or the option to counter the danger of isolation, backwardness and being out-of-step with the world, by choosing to be carried along by the artistic currents imported from the United States and Europe.

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:30Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Douglas Negrisolli1.pdf: 15467342 bytes, checksum: e28188407ce3fb631e2271e8e341487e (MD5) Douglas Negrisolli2.pdf: 28375136 bytes, checksum: ddd16f90c5afd2603cac442f06126b54 (MD5) Douglas Negrisolli3.pdf: 9875290 bytes, checksum: 6a441ed577956d92bbf1658ddb7d2aae (MD5) Previous issue date: 2011-11-10 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research deals with the beginning of the Halls of Contemporary Art in Santo André, in the Greater ABC region in São Paulo when he was conceived at the time and that the event is inserted in the calendar of Arts nationally. The Halls of Contemporary Art in Santo André collaborate with the construction of the art scene noting the national production and becoming an important disseminator of the art forward processes of democratization in the period of military rule. The work consists the construction of a historiography of art fairs including artists winners of the "Purchase Awards" from its inception in 1968 when it occurred, until 1985 when the Halls are still in the midst of discussions on political and social epicenter of the construction of a new democracy. Social movements in the region ABC Paulista and collaborate to culminate the process of democratization and reach its peak when the National Congress approves and guarantees universal suffrage direct elections for mayor and president / Esta pesquisa trata sobre o início dos Salões de Arte Contemporânea de Santo André, na região do Grande ABC em São Paulo quando foi concebido e no momento que o evento é inserido no calendário das Artes nacionalmente. Os Salões de Arte de Santo André colaboram com a construção da cena artística relevando a produção nacional e tornando-se um importante difusor da arte frente os processos de redemocratização no período do regime militar. O trabalho consiste na construção de uma historiografia dos Salões de Arte incluindo os artistas ganhadores dos Prêmios Aquisição a partir de 1968 quando ocorreu sua criação, até 1985 quando os Salões continuam em meio as discussões político-sociais no epicentro da construção de uma nova democracia. Os movimentos sociais na região do ABC paulista culminam e colaboram para os processos de redemocratização e atingem seu ápice quando o Congresso Nacional aprova o voto universal e garante as eleições diretas para prefeito e presidente

Submitted by Marta Toyoda (1144061@mackenzie.br) on 2016-12-09T23:16:33Z No. of bitstreams: 2 Liliane Alfonso Pereira de Carvalho.pdf: 10430688 bytes, checksum: 524409d1b4e053a7495e320db7949418 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Eliezer Santos (eliezer.santos@mackenzie.br) on 2016-12-10T15:32:51Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Liliane Alfonso Pereira de Carvalho.pdf: 10430688 bytes, checksum: 524409d1b4e053a7495e320db7949418 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-10T15:32:51Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Liliane Alfonso Pereira de Carvalho.pdf: 10430688 bytes, checksum: 524409d1b4e053a7495e320db7949418 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-02-22 / The Brazilian Popular Art, just as any other art form, has changed through its history. This happened due to various influences: environmental, social, cultural, political and even the availability of new materials for artistic creation. This research presents how the popular art has changed over time and found adapted itself, demonstrating the importance of the Brazilian Popular Art in the contemporary world through the works of the artist known as Zé Pretinho. Artist who creates from what society discards, transcending directly with your personal history and questioning specific events of our time expressing political and social criticism in his work. The works developed by Zé Pretinho are between popular and contemporary, and the main features in its production are the use of writing and industrialized dolls. His works and process of creation interfere in the urban everyday life, and are classified by the artist himself as urban philosophy. Zé Pretinho, invites us to see the world created by him, and through his work we recognize our own reality. / A Arte Popular Brasileira, do mesmo modo que qualquer outra manifestação artística, passou por modificações. Este fato deu-se por diversas influências: ambientais, sociais, culturais, políticas e até mesmo pela disponibilidade de novos materiais para a criação artística. Esta pesquisa consiste em apresentar, como a arte popular modificou-se ao longo do tempo e encontrou caminhos para sua adaptação, demonstrando a importância da Arte Popular Brasileira na contemporaneidade através das obras do artista conhecido como Zé Pretinho. Artista que cria a partir do que a sociedade descarta, transcendendo diretamente com sua história pessoal e questionando acontecimentos característicos de nossa época, expressando em sua poética, críticas políticas e sociais. As obras desenvolvidas por Zé Pretinho circulam entre o popular e a contemporâneo, tendo como principais características em sua produção o uso da escrita e bonecas industrializadas. Suas obras e processo de criação interferem no cotidiano urbano, sendo classificadas pelo próprio artista como: filosofia urbana. Zé Pretinho, nos convida a conhecer o mundo criado por ele, e através de seu trabalho reconhecemos nossa própria realidade.

quatro artistas paulistas: Luiz Paulo Baravelli, Frederico Nasser, Carlos Fajardo e José Resende, antes alunos de Wesley Duke Lee. A Escola existiu entre 1970 e 1974 em São Paulo. Os quatro fundadores eram nos anos 60 estudantes de arquitetura; três deles participaram da Rex Gallery & Sons, criada por Geraldo de Barros, Nelson Leiner e Duke Lee. A galeria os colocou em contato com o meio artístico brasileiro, especialmente o paulista, e seus debates. Os pressupostos conceituais e a experiência social da Escola Brasil: apresentam pontos de intersecção com experiências e projetos artísticos (e culturais) situados entre os anos 50 e 70, dois pontos altos da modernização brasileira; e é esse o eixo temporal, histórico, em que se procura situar criticamente sua existência. Os principais nexos de relação entre a Escola e este recorte temporal são as sintonias que apresenta, tanto do ponto de vista da produção artística como da experiência de ensino, com o projeto construtivo e o Tropicalismo. / This work is about Escola de arte Brasil: (two points), one institution founded by four artistis from São Paulo: Luiz Paulo Baravelli, Frederico Nasser, Carlos Fajardo and José Resende, that before studied with Wesley Duke Lee. The Escola existed between 1970 and 1974 in São Paulo. The four founders were on the 60s architecture students; three of them participated of Rex Gallery & Sons, created by Geraldo de Barros, Nelson Leirner and Duke Lee. The gallery got them in touch whit the Brazilian artistic environment and pleading, specially with the scene from São Paulo. The conceptual assumptions and the social experience of the Escola Brasil: presents points of intersection with artistic (and cultural) experiences and projects situated between the decades of 50s and the 70s, two highlights of the Brazilian modernization process; and this is the temporal axis, historical, that this work try to situate critically its existence. The main links of relation between the Escola and this temporal axis are the tunings that presents, both from the point of view of artistic production as the teaching experience, with the constructive project and with the Tropicalismo.