Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CledianeLourenco.pdf: 9901737 bytes, checksum: 43c5c8840bf8582161a894a0d10801e4 (MD5) Previous issue date: 2012-08-03 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research presents a study about the work of some artists from Paraná: Helena Wong, Leonor Botteri, Mazé Mendes, Nego Miranda e Miguel Bakun, seeking to unveil the influence that the city of Curitiba has provoked into these works, as well as the relationship with other artists from distinct time and space, comparing the works of arts and creating links which perhaps are capable of providing a new possibility of interpretation. This study also builds a collection of concepts that not only reveals the pictorial issues implicit in the works, but their ideologies and the essence of the city through the eyes of a reader that seeks a method based on his sensations, feelings, perceptions and uncertainties. Among the main concepts that base the research is the anachronism, in Didi-Huberman; Happening, Diference and Repetition of Gilles Deleuze. It was also turned to the formulations about the Comparative Method exposed by Jorge Coli and the Image Analysis Method from Yve-Alain Bois. The notion of foud appears because each artist creates spaces that involve other spaces, which configure the interstices, fold and unfold continuously. The city of Curitiba, in turn, appears as a mediating element that approaches artists and multiplicities. The artist positions himself as someone who gives meaning to things from the inner them and illuminates what previously remained hidden and invisible. From this it is possible to understand that the relationship of each artist with the city of Curitiba follows this line look "outside", in other words perception of the city exceeds the limit of thought that goes until where the language covers / Esta pesquisa apresenta estudo sobre a obra dos artistas paranaenses: Helena Wong, Leonor Botteri, Mazé Mendes, Nego Miranda e Miguel Bakun, procurando desvelar a influência que a cidade de Curitiba gerou nesses trabalhos, bem como relações com outros artistas de tempo e espaço distintos, comparando as obras e criando elos que talvez sejam capazes de proporcionar novas possibilidades interpretativas. Esse estudo apresenta também um conjunto de conceitos que buscam revelar as questões pictóricas implícitas nas obras, suas ideologias e a essência da cidade na ótica de um leitor que procura um método baseado nas sensações, sentimentos, percepções e indefinições. Entre os principais conceitos que dão corpo à pesquisa está o anacronismo, em Didi-Huberman; Acontecimento, Diferença e Repetição de Gilles Deleuze. Ainda recorre-se às formulações sobre o Método Comparativo exposto por Jorge Coli e o Método de Análise de imagem de Yve-Alain Bois. A noção de dobra aparece porque cada artista gera espaços que envolvem outros espaços, que configuram interstícios, dobram-se e desdobram-se continuamente. A cidade de Curitiba, por sua vez, surge como um elemento mediador que aproxima multiplicidades e artistas. O artista se coloca como alguém que dá sentido as coisas a partir do interior delas e ilumina o que antes permanecia escondido e invisível. A partir disso, é possível entender que a relação de cada artista com a cidade de Curitiba segue essa linha do olhar de fora , ou seja, a percepção da cidade ultrapassa o limite do pensamento que vai até onde a linguagem abarca

Orientador: Marco Antonio Alves do Valle / Made available in DSpace on 2018-08-16T23:47:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andriani, Andre Guilles Troysi de Campos_M.pdf: 2648130 bytes, checksum: fbd0ab5d88a2ec8acd7031d37f2a923e (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Esta pesquisa teve como objetivo primordial levantar e apontar a importância da Fundação Nacional de Artes (FUNARTE) através do Instituto Nacional de Artes Plásticas (INAP), no desenvolvimento de uma política cultural para as artes plásticas, abrangente e democrática, jamais vista na história do Brasil até então. Demonstramos aqui a relevância do INAP no desenvolvimento cultural da arte brasileira contemporânea nas décadas de 70 e 80 e suas interações com a sociedade civil, em especial com a Associação Brasileira de Artistas Plásticos Profissionais (ABAPP), destacando as principais personalidades destas instituições que influenciaram o panorama das artes plásticas no Brasil através de projetos, debates e embates. Para concretizar esta pesquisa foram necessárias diversas viagens à cidade do Rio de Janeiro, onde foram feitos levantamentos de documentos no Centro de Documentação da FUNARTE (CEDOC), arquivos particulares e intensa pesquisa em jornais e revistas do período. Também foram registradas, nove horas e meia de entrevistas, com ex-diretores do INAP, ex-presidentes da ABAPP e artistas plásticos. Com todos os dados obtidos e confrontados, acreditamos ter conseguido demonstrar o pioneirismo da FUNARTE ao implantar uma política cultural que abarcava as novas linguagens de artes plásticas que não usufruíam os espaços públicos naquele momento e no intenso esforço de levar a atuação da instituição aos estados da Federação menos favorecidos em políticas públicas culturais. Foi também destacada a importância da ABAPP no pólo oposto deste processo, não como simples opositora, mas como provedora de propostas políticas e artísticas, com reivindicações próprias e inovadoras, proporcionando autonomia aos artistas plásticos durante o período de regime militar (1964- 1986). Concluiu-se que a FUNARTE e o INAP foram positivamente confrontados pela ABAPP e tiveram em seus quadros, profissionais competentes que trabalharam para descentralizar as ações do INAP do eixo Rio/São Paulo. Atuaram dentro do possível, combatendo as barreiras geográficas, econômicas e ideológicas do mercado de arte brasileiro dos anos 70, que haviam se infiltrado nos museus, galerias e salões públicos. Infelizmente o fechamento da FUNARTE durante o governo Collor de Mello em 1999, desincumbiu o Estado para com a cultura no Brasil de forma direta e provocou uma desestruturação geral nas artes plásticas, principalmente em ações para o jovem artista. O apoio estatal às artes plásticas foi transferido aos descontos via Lei Rouanet o que confluí para as idéias do Estado mínimo neoliberal, delegando aos departamentos de marketing dos patrocinadores, importantes decisões que têm se mostrado injustas socialmente. Atualmente vemos a tentativa do restabelecimento de um lugar legítimo para a FUNARTE e esperamos que esta retorne ativa através do atual CEAV (Centro de Artes Visuais da FUNARTE), deixando de ter um papel apenas burocrático e assumindo uma atuação efetiva e direta na cultura das artes plásticas, seguindo o exemplo pioneiro do antigo INAP, e se possível atingindo patamares superiores de excelência, proporcionais ao panorama atual / Abstract: The main purpose of this study was to investigate the importance of the National Foundation for the Arts (Fundação Nacional de Artes - FUNARTE) through the actions of the National Institute for the Fine Arts (Instituto Nacional de Artes Plásticas - INAP) in designing a cultural policy for the fine arts in Brazil. We demonstrate the relevance of INAP in the cultural development of contemporary Brazilian art in the 1970's and 80's as well as the Institute's interactions with the civil society, especially with the Brazilian Association of Fine Arts Professionals (Associação Brasileira de Artistas Plásticos Profissionais - ABAPP). Those institutions were also studied by focusing on their participants, especially the ones who most influenced the fine arts scenario in Brazil, eitherby means of projects, debates or clashes of ideas. The data for this research was collected from documents at the FUNARTE Documentation Center (CEDOC) in Rio de Janeiro; private archives; newspapers and magazines from the period; and a 9-and-a-half-hour video produced for this research, featuring interviews carried out with former directors of INAP, former presidents of ABAPP and fine artists. The data were collected and confronted by using historic and comparative methods; we believe they indicate the innovative role played by FUNARTE at designing and implementing a cultural policy that disseminated the new languages of fine arts in the foundation's projects and venues. The data also points to the foundations' great effort to promote its policy in the states of the Federation that had been least benefitted by earlier cultural public policies. The importance of ABAPP emerges in the opposite pole of this process, not simply as an opponent, but also as the promoter of political and artistic proposals, with singular and innovative demands that fostered autonomy among fine artists during the military regime (1964-1986). The results allow us to conclude that FUNARTE and INAP were positively challenged by ABAPP and that their members were competent professionals that worked to decentralize the actions of INAP from the Rio/São Paulo axis. Such professionals acted with all available means to overcome the geographical, economic and ideological barriers of the Brazilian art market of the 1970's, which had insidiously dominated museums, art galleries and public salons. Unfortunately, the closing down of FUNARTE during the presidency of Fernando Collor de Mello in 1999 broke the State free from its commitment with Brazilian culture and triggered an overall disarticulation of the fine arts, with a consequent democratic recess. FUNARTE is presently trying to reestablish it own legitimate role. We hope the foundation accomplishes this goal by the actions of the FUNARTE Center for the Visual Arts (Centro de Artes Visuais da Funarte - CEAV), leaving behind its bureaucratic praxis and assuming a more direct and effective role in the culture of fine arts, not only following the pioneer example of INAP but also excelling in terms of the challenges that face the present social scenario / Artes Visuais / Mestre em Artes

El presente estudio tiene como objetivo explorar el bienestar subjetivo en el proceso creativo en estudiantes de artes plásticas de Lima Metropolitana. El enfoque fue cualitativo y el diseño fenomenológico. Se realizaron entrevistas a profundidad en nueve participantes que cursaban alguna especialidad de artes plásticas (pintura, grabado, escultura y dibujo). Los hallazgos obtenidos se analizaron en los siguientes ejes temáticos: bienestar subjetivo, búsqueda de sí mismo, liberación emocional y compromiso social. El estudio reveló que los participantes experimentaban bienestar durante su proceso creativo, haciendo énfasis en el efecto liberador y sanador para sí mismos. Se pretende orientar futuras investigaciones en el campo de la psicología positiva respecto a la creatividad como una herramienta de expresión, crecimiento y salud mental. / The present study aims to explore the subjective well-being in the creative process of plastic arts students in Metropolitan Lima. The focus was qualitative and the design phenomenological. In-depth interviews were carried out in nine participants who were studying a specialty of plastic arts (painting, engraving, sculpture and drawing). The findings obtained were analyzed in the following thematic axes: subjective well-being, self-search, emotional liberation and social commitment. The study revealed that participants experienced wellness during their creative process, emphasizing the releasing and healing effect for themselves. It is intended to guide future research in the field of positive psychology regarding creativity as a tool for expression, growth and mental health. / Tesis

Más allá de la enumeración infinita de anécdotas atribuidas a los artistas plásticos (hummus sustancial sobre el que se ha levantado la extensa bibliografía al respecto), la tesis titulada Biopic y representación fílmica del artista plástico, pretende dar cuenta del modo en que dicho material es dispuesto en el film, evidenciar las elecciones y estrategias que operan hacia la institución del artista en cuanto sujeto discursivo, entidad que da forma a uno de los estereotipos identitarios más arraigados en la historia de occidente desde su aparición en la Antigüedad clásica. En ese sentido, la consideración biográfica funciona como el bisturí elegido en la acotación del corpus a tratar, elección operativa que supone la constitución de un subgénero respecto del género biopic (biographical picture) según un criterio temático: el personaje recreado es un artista plástico. Biopic y representación fílmica del artista plástico se encuentra dividido en dos partes. La primera, compuesta por los dos primeros capítulos, se presenta como una somera aproximación al estado de la cuestión genérica, rastreando la compleja conceptualización del fenómeno, sus orígenes literarios y su aparición y desarrollo en el terreno cinematográfico. Poco se avanza en este apartado a propósito de una posible definición del biopic de artista salvo para cuestionar y delimitar operativamente algunas cuestiones teóricas que han dificultado la consideración biográfica desde una perspectiva genérica. La segunda parte, compuesta por el resto de capítulos y constituida en sentido estricto en el núcleo de la investigación, se presenta como un ejercicio evaluativo del subgénero a partir de una doble perspectiva, teórica e histórica. / Moral Martín, FJ. (2009). Representación cinematográfica del artista plástico y biopic [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4264 / Palancia

A participação dos artistas plásticos e gráficos na publicidade brasileira, mais especificamente na comercial de produtos e empreendimentos, entre as décadas de 1920-1940 constitui o núcleo de investigação desta tese. Se historicamente as artes plásticas e a publicidade internacionais sempre mantiveram relações estreitas e até mesmo conflituosas, indagou-se como teriam se comportado entre si esses dois campos profissionais no Brasil quando da passagem da nossa publicidade amadora para aquela moderna, impregnada, sobretudo, pelos métodos das agências norte-americanas atuantes no eixo Rio-São Paulo. A partir de um exame atento do mercado de trabalho dos diversos profissionais considerados, procurou-se entender as motivações que os levaram a produzir peças publicitárias, o que por sua vez direcionou o estudo ao questionamento das hierarquias artísticas, pois a relação entre a arte e a publicidade prolonga o consagrado debate em torno das artes mecânicas e liberais, e, por conseguinte as disputas entre arte maior e arte menor, entre arte pura, desinteressada e livre e arte comprometida, dentre outras tipologias usuais. Concomitantemente, averigou-se como a passagem e mesmo a convivência de um sistema acadêmico com um moderno, que se constituiu a partir dos anos 1920, alterou, ou melhor, conformou o campo artístico brasileiro. Frente a esses impasses, recorreu-se a algumas proposições teóricas mais atuais, que ao transferirem o foco problemático do campo artístico para o estético, atenuaram os questionamentos como também permitiram maior flexibilidade de análises. Nos exames formais das peças publicitárias, selecionadas em função de suas representatividades dentro do conjunto, defendeu-se a tese de que houve momentos em que a produção de cartazes e anúncios comerciais, este em maior número, aproximou-se de uma linguagem artística moderna, a exemplo dos projetos comerciais do artista Fulvio Pennacchi, que pertencem à coleção do Instituto Moreira Salles. E, na busca desses momentos estéticos modernos, procurou-se não enxertar e tão somente verificar correspondências com os moldes europeus, ao contrário, isso permitiu o conhecimento da nossa realidade, da modernidade artística que nos foi possível edificar, tendo em conta as variantes que o decorrer dos anos lhe agregou. Este posicionamento, em contrapartida, de forma alguma pôde desprezar o fato da história da propaganda brasileira ter fortes e ricas ligações com os modelos estrangeiros, portanto, impôs-se às análises iconográficas a tarefa de também investigar o quanto a nossa produção foi ou não uma reelaboração particular dos exemplos da arte publicitária em circulação. A interdisciplinaridade foi uma constante neste estudo pelo entrelaçamento de informações originárias de vários campos do conhecimento, sem a qual a pesquisa não teria êxito. / The role of the plastic and graphical artists in the Brazilian commercial advertising of products and enterprises, between the decades of 1920 and 1940, is the core of investigation of this thesis. Historically, plastic arts and advertising always kept narrow and even tough relationships in the international panorama. Therefore, in this work we have inquired the behavior of these two professional fields in Brazil as we pass from an amateur to a modern advertising. The latter has been influenced by the North-American advertising agencies from Rio de Janeiro and São Paulo. From a painstaking analysis of the labor market of several professionals in the plastic arts field, we have tried to understand the reasons that had taken them to produce advertisement materials. This has led us to investigate artistic hierarchies, since the relationship between art and advertising only emphasizes the old debate around mechanical and liberal arts, minor and major arts, pure and compromised arts, amongst other usual typologies. At the same time we investigated how the coexistence of an academic system and a modern one, established in the years of 1920, molded the Brazilian artistic field. Due to these impasses it was necessary to use some modern theoretical propositions that shifted the subject from the artistic to the aesthetic field, reducing doubts and allowing for a more flexible analysis. In the critical analysis of the selected advertisement materials, we looked for instances where the posters and commercial advertisements, the latter bigger in number, approached a more modern artistic language, such as the commercial projects of the artist Fulvio Pennacchi, that belong to the collection of the Instituto Moreira Salles. In pursuit of these modern aesthetic instances we have not tried only to find similarities with the European patterns but made an effort to understand our reality and the artistic modernity we were able to produce at that time. We did not deny the strong link between the Brazilian and the international advertising, therefore, in our iconographic analysis, we have investigated to what degree our advertisement productions were just reelaborations of the current advertisement art in circulation. In this thesis the interdisciplinarity played a major role due to the crossing of information from many areas of knowledge and, without it, our research would not be possible.

A participação dos artistas plásticos e gráficos na publicidade brasileira, mais especificamente na comercial de produtos e empreendimentos, entre as décadas de 1920-1940 constitui o núcleo de investigação desta tese. Se historicamente as artes plásticas e a publicidade internacionais sempre mantiveram relações estreitas e até mesmo conflituosas, indagou-se como teriam se comportado entre si esses dois campos profissionais no Brasil quando da passagem da nossa publicidade amadora para aquela moderna, impregnada, sobretudo, pelos métodos das agências norte-americanas atuantes no eixo Rio-São Paulo. A partir de um exame atento do mercado de trabalho dos diversos profissionais considerados, procurou-se entender as motivações que os levaram a produzir peças publicitárias, o que por sua vez direcionou o estudo ao questionamento das hierarquias artísticas, pois a relação entre a arte e a publicidade prolonga o consagrado debate em torno das artes mecânicas e liberais, e, por conseguinte as disputas entre arte maior e arte menor, entre arte pura, desinteressada e livre e arte comprometida, dentre outras tipologias usuais. Concomitantemente, averigou-se como a passagem e mesmo a convivência de um sistema acadêmico com um moderno, que se constituiu a partir dos anos 1920, alterou, ou melhor, conformou o campo artístico brasileiro. Frente a esses impasses, recorreu-se a algumas proposições teóricas mais atuais, que ao transferirem o foco problemático do campo artístico para o estético, atenuaram os questionamentos como também permitiram maior flexibilidade de análises. Nos exames formais das peças publicitárias, selecionadas em função de suas representatividades dentro do conjunto, defendeu-se a tese de que houve momentos em que a produção de cartazes e anúncios comerciais, este em maior número, aproximou-se de uma linguagem artística moderna, a exemplo dos projetos comerciais do artista Fulvio Pennacchi, que pertencem à coleção do Instituto Moreira Salles. E, na busca desses momentos estéticos modernos, procurou-se não enxertar e tão somente verificar correspondências com os moldes europeus, ao contrário, isso permitiu o conhecimento da nossa realidade, da modernidade artística que nos foi possível edificar, tendo em conta as variantes que o decorrer dos anos lhe agregou. Este posicionamento, em contrapartida, de forma alguma pôde desprezar o fato da história da propaganda brasileira ter fortes e ricas ligações com os modelos estrangeiros, portanto, impôs-se às análises iconográficas a tarefa de também investigar o quanto a nossa produção foi ou não uma reelaboração particular dos exemplos da arte publicitária em circulação. A interdisciplinaridade foi uma constante neste estudo pelo entrelaçamento de informações originárias de vários campos do conhecimento, sem a qual a pesquisa não teria êxito. / The role of the plastic and graphical artists in the Brazilian commercial advertising of products and enterprises, between the decades of 1920 and 1940, is the core of investigation of this thesis. Historically, plastic arts and advertising always kept narrow and even tough relationships in the international panorama. Therefore, in this work we have inquired the behavior of these two professional fields in Brazil as we pass from an amateur to a modern advertising. The latter has been influenced by the North-American advertising agencies from Rio de Janeiro and São Paulo. From a painstaking analysis of the labor market of several professionals in the plastic arts field, we have tried to understand the reasons that had taken them to produce advertisement materials. This has led us to investigate artistic hierarchies, since the relationship between art and advertising only emphasizes the old debate around mechanical and liberal arts, minor and major arts, pure and compromised arts, amongst other usual typologies. At the same time we investigated how the coexistence of an academic system and a modern one, established in the years of 1920, molded the Brazilian artistic field. Due to these impasses it was necessary to use some modern theoretical propositions that shifted the subject from the artistic to the aesthetic field, reducing doubts and allowing for a more flexible analysis. In the critical analysis of the selected advertisement materials, we looked for instances where the posters and commercial advertisements, the latter bigger in number, approached a more modern artistic language, such as the commercial projects of the artist Fulvio Pennacchi, that belong to the collection of the Instituto Moreira Salles. In pursuit of these modern aesthetic instances we have not tried only to find similarities with the European patterns but made an effort to understand our reality and the artistic modernity we were able to produce at that time. We did not deny the strong link between the Brazilian and the international advertising, therefore, in our iconographic analysis, we have investigated to what degree our advertisement productions were just reelaborations of the current advertisement art in circulation. In this thesis the interdisciplinarity played a major role due to the crossing of information from many areas of knowledge and, without it, our research would not be possible.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Armando Coelho.pdf: 2388570 bytes, checksum: d7b58d3c0e7f7ee3abd1512149c20c6d (MD5) Previous issue date: 2009-08-07 / This research CARLOS SENA: THE ARTIST STEPS INTO THE GOIÂNIA ART SCENE (1980-1989) focuses on Carlos Sena s professional status and productions of plastic arts in the goianiense visual arts community from the 80s. He is known for his many group expositions and private art shows, festival awards, and being an active member of the art jury at festivals. He is also well known for his intense production in painting, which was divided into two phases. The first phase being the first half of the 80s and the second being the other half of the decade. This period revealed an artist who dedicated the same posture to technician in drawing and painting as in experimental arts. During this time, it is possible to observe into the Carlos Sena´s iconography, several symbolisms which dialogue with several discussions from the period, as sexuality, mass media, and symbolic power. The analysis of Sena´s paintings of this time follows the analysis system adopted from the authors Ferreira Gullar e Gaston Bachelard. It happened to be during his painting production in the 80s, that arts career became a professional job in Goiânia, conducting the research to verify the connection between the art work and market structure. This research presents the Goiânia artistic scenario from the 80s that focuses on Carlos Sena´s presence and artist market from the period. / O trabalho CARLOS SENA: A TRAJETÓRIA DE UM ARTISTA NA ARTE GOIANA (1980-1989) focaliza a presença profissional e a produção plástica do artista Carlos Sena dentro do cenário das artes visuais goianienses dos anos 80. Presença esta marcada por exposições individuais e coletivas, prêmios em salões de arte e membro de júris de seleção de trabalhos artísticos; e uma produção intensa em pintura que, dividida em duas fases esteticamente distintas, na primeira e na segunda metade da década de 80, revelaram um artista dedicado com o mesmo afinco à busca pela supremacia técnica assim como à entrega ao experimentalismo visual. Durante todo o período é observado na iconografia de Carlos Sena elementos simbólicos que dialogavam com diversos temas proeminentes do período; como sexualidade, comunicação de massas e mercado de bens simbólicos. A leitura dessas pinturas é realizada seguindo os parâmetros de análise de obras de arte adotados por autores como Ferreira Gullar e Gaston Bachelard. O período de produção das pinturas analisadas coincide com o momento de profissionalização do fazer artístico em Goiânia, conduzindo então a uma verificação das obras em conexão com a estrutura mercantil presente na arte local da época. Este trabalho apresenta o cenário artístico goiano da década de 80 privilegiando a participação do artista Carlos Sena e ressaltando a importância do mercado artístico goianiense durante o período.