[pt] Esta dissertação pretende contribuir para uma maior compreensão da poética da artista CARMELA GROSS através de uma abordagem que identifica relações plásticas, históricas e conceituais em seus territórios poéticos. Na diversidade das suas obras, a artista ativa territórios móveis, em constante definição subjetiva de um lugar poético, onde a multiplicidade simbólica desses territórios atua no espaço urbano e nos museus como jogos estéticos a serem experimentados. A artista constrói por meio de um conjunto de experiências e ações poéticas um vocabulário plástico próprio, em uma trajetória artística que revela a pesquisa constante em busca de novas descobertas no universo plástico. Do ambiente artístico da formação de Gross, em meados dos anos 1960, em São Paulo, surgiram questões que permearam suas pesquisas ao longo de seu percurso, trazendo problemáticas estéticas que instigam o experimentar e o vivenciar de um território artístico singular. Gross articula discursos (potentes e singelos) sobre a arte e a sociedade contemporânea, expandindo e contaminando tanto os ambientes dos museus (e galerias de arte) como os espaços das cidades. Portanto, a presente pesquisa teve como finalidade construir uma cartografia que contribuísse para expor a multiplicidade de olhares e reflexões, como entendimentos (provisórios), das forças que atuam na poética de Gross. / [en] This Dissertation wants to contribute to a greater understanding of the artist CARMELA GROSS poetics through an approach that identifies plastic, historical and conceptual relations in her poetics territories. On the diversity of her works, Gross active mobile territories, in constant subjective definition of a poetic place, where the multiplicity symbolic of these territories operate in urban areas and museums as aesthetic games to be experienced. The artist builds through a set of experiences and poetics actions an own plastic vocabulary, in an artistic trajectory that reveals the constant search for new discoveries in plastic universe. By the artistic environment of the Gross formation, in the middle of 1960, in São Paulo, questions emerged and permeated her research throughout her journey, bringing aesthetic problems that instigate the undergoing and the experience of a singular artistic territory. Gross articulates discourses (potent and simple discourses) on contemporary art and society, expanding and contaminating both the environments of the museums (and art galleries) and the spaces of the cities. Therefore, the present research had as intent build a mapping which would contribute to expose the multiplicity of views and reflections as (provisional) understanding of the forces which acting in the poetics of Gross.

O presente estudo aborda os Domingos da Criação, encontros de inventividade coletiva, situados entre os campos da arte e da educação. Articuladas pelo crítico de arte Frederico Morais, em parceria com artistas experimentais, essas manifestações ocorreram no espaço externo do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1971. Nesta investigação, situaremos esses encontros diante de indagações contemporâneas. Pretendemos, desse modo, construir interpretações que articulem condições históricas à categorias estéticas. Tomaremos como ponto de partida as formulações de Frederico Morais e aspectos da produção artística entre os anos 1960 e 1970. Procurando, por fim, produzir uma leitura dos sentidos experimentais desses seis dias, que contemple relações entre estética e política, arte e educação; expondo a atualidade dessas experiências. / This study concerns the Domingos da Criação, meetings of collective inventiveness situated in the fields of art and education. Organized by the art critic Frederico Morais, together with experimental artists, the meetings took place in the outdoor area of the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro, in 1971. Here we will relate these meetings to contemporary inquiries. We intend to thus interpret these events considering historical conditions and aesthetic categories. We will depart from Frederico Moraiss formulations and the artistic production in Brazil between 1960 and 1970. We aim, at last, to present our view on the experimental meanings of these six days, taking into account the relations between aesthetics and politics, art and education; exposing the contemporary character of these experiences.

A tese investiga as dinâmicas da imagem fotográfica presentes na poética do artista brasileiro Miguel Rio Branco. Para isso, a sua trajetória é pesquisada tendo como objetos de análise seus livros Dulce Sudor Amargo (1985), Nakta (1996) e Silent Book (1998), e o filme Nada Levarei quando Morrer Aqueles que Mim Deve Cobrarei no Inferno (sic), realizado em 1981. Tais obras são eixos que permitem compreender a lida complexa que o artista mantém com as noções de tempo, percepção e realidade. Nesse processo, a fotografia desempenha um papel instigante na reestruturação do objeto percebido enquanto fenômeno em um mundo compreendido pela imagem. Ao trabalhar a imagem fotográfica com aparente procedimento direto na captação do objeto, Miguel Rio Branco não se detém no objeto ou assunto, mas extrai dele sua possibilidade de expressão, entre as marcas indiciais e as representações simbólicas. Essa intervenção do artista imprime ao objeto outra condição: misto de sua presença física no mundo e uma natureza distinta, revelada na imagem. Suas construções narrativas, observadas a partir da produção de seus livros e da sua relação com as estéticas do cinema, serão analisadas como elementos singulares para contribuição do debate sobre fotografia no campo da arte. Proponho investigar a instabilidade do signo fotográfico no conceito histórico da fotografia documental na arte, tendo como parâmetro o trabalho do artista, suas motivações de ruptura com a tradição do documento e a constituição de sua poética entre as décadas de 1970 e 1990. / The dissertation investigates the dynamics of the photographic image present in the poetics of Brazilian artist Miguel Rio Branco. For such, I examine his trajectory through analytical objects: the books \"Dulce Sudor Amargo\"(1985), \"Nakta\" (1996), and \"Silent Book\" (1998), as well as the movie \"Nada levarei quando morrer aqueles que mim deve cobrarei no inferno\" (sic) or, in English \"I shall take nothing when those die who owe me will charge in hell\" (sic) made in 1981. These works are axes that allow the comprehension of the artist\'s complex handling of the notions of time, perception, and reality. In this process photography plays a thought-provoking role in restructuring the perceived object as a phenomenon in a world understood through the image. When Miguel Rio Branco works the photographic image with an apparently direct procedure for capturing the object, he does not only focus on the object or subject, but draws their entire possibility of expression, between the indexical marks and symbolic representations. This intervention imprints another condition on the object: a mix of its physical presence in the world and a distinct nature, revealed in the image. His narrative constructions, observed in the production of his books and his relationship with the cinema\'s aesthetics, will be analyzed as unique elements that contribute with the photography debate in the field of Arts. I propose the investigation of the instability of the photographic sign within the historical concept of documentary photography in the arts. As a parameter, I adopt the artist\'s work, his motivations for relinquishing the documentary tradition, and the constitution of his poetics between the decades of 1970 and 1990.

Essa dissertação discute a X Bienal de São Paulo, de 1969, buscando investigá-la dentro de uma conjuntura sociopolítica e cultural marcada pelas arbitrariedades de um regime ditatorial, pelas manifestações coletivas contrárias às injustiças, e pela tomada de uma consciência social por artistas e críticos de arte. O estudo procura, dessa forma, ampliar a discussão para além do boicote que atingiu a organização e realização da mostra. Por meio de uma extensa pesquisa dos documentos relativos ao assunto acumulados no Arquivo Histórico Wanda Svevo Fundação Bienal de São Paulo, foi possível juntar um material informativo que auxiliou na reconstrução dos fatos. Ao lado disso, para estabelecer uma análise crítica dos dados encontrados, recorreu-se aos relatos dos acontecimentos publicados na imprensa escrita da época e a uma bibliografia atualizada do campo da política, da sociologia, da história e da arte. A pesquisa apresenta os diversos ângulos de visão e atitude que permearam o boicote e a X Bienal inseridos no contexto efervescente do final da década de 1960. A mostra se concretizou marcada por contestações políticas e culturais e reverberou internamente os mesmo conflitos e contradições ideológicas do cenário macropolítico. Essa agitação teve como origem o impulso utópico por transformações radicais das estruturas conservadoras. / This essay examine the 10th São Paulo Biennial, from 1969, investigating it within a cultural and socio-political situation marked by arbitrariness of a dictatorship, the collective manifestations against injustices, and the social consciousness taking by artists and art critics. The study aims, therefore, broaden the discussion beyond the boycott that has reached the arrangements and the materialization of the show. By an extensive research of documents related to the subject accumulated at the Wanda Svevo Historical Archive - São Paulo Biennial Foundation, it was possible to collect a number of information that helped reconstructing the facts. Besides, to establish a critical analysis of the informational findings, it was restored the published press reports from that time and an updated bibliography of politics, sociology, history and art field. The research presents the different angles of vision and attitude that permeated the boycott and the 10th Biennial seething within the context of the late 1960s. The show was achieved marked by political and cultural challenges and reverberated inside the same conflicts and ideological contradictions of the macro-political scenario. This agitation had its origins in the utopian impulse looking for transformations of the conservative structures.

A doação de obras do espólio de Yolanda Mohalyi apresenta-se como exercício para a compreensão do que representa a aquisição de coleções particulares para a constituição e a organização de um acervo especializado em arte contemporânea. O estudo sobre a incorporação do espólio de Yolanda Mohalyi pode contribuir para uma melhor compreensão sobre o perfil do acervo MAC USP e, principalmente, indicar a importância dos parâmetros adotados nos processos de doação e aquisição de obras de arte em acervos públicos. Através da análise da trajetória de Yolanda Mohalyi e de sua coleção doada ao MAC USP, em 1979 se torna possível identificar questões que envolvem os mecanismos de incorporação de obras, de manutenção das obras e de pesquisa das mesmas, assim como a definição do que se constitui um acervo e uma coleção. / The donation of Yolanda Mohalyi\'s legacy shows itself as an exercise for the comprehension of the meaning of the acquisition of private collections to the constitution and organization of a collection specialized in contemporary art. The study of the incorporation of Yolanda Mohalyi\'s legacy can contribute for a better comprehension of the MAC USP collection\'s profile and, above all, indicates the importance of the criteria adopted on the donation and acquisition of works of art in public collections. By analyzing the history of Yolanda Mohalyi and the history of her collection donated to MAC USP in 1979, it is possible to identify issues that involve the mechanisms of incorporation of works of art, their conservation and the research about them, as well as the way a Collection is constituted.

Este estudo investiga as produções artísticas de Wanda Pimentel e Teresinha Soares em meados da década de 1960 e início da década de 1970, com o objetivo de analisar a questão de gênero e a construção da subjetividade feminina. A pesquisa buscou analisar as relações estéticas das obras de Pimentel e Soares à luz das influências das teorias feministas que migravam dos Estados Unidos para o Brasil ao final dos anos de 1960. A partir disso, destacou as relações teóricas entre as questões de gênero e as práticas artísticas das vanguardas brasileiras. Ademais, esta pesquisa tratou da circulação das obras de Pimentel e Soares, visto que as artistas estiveram inseridas no circuito de arte brasileiro em exposições coletivas, salões e bienais no período estudado. Esse contexto de circulação permitiu uma visão crítica frente à retomada das obras dessas artistas em exposições internacionais nos últimos três anos, em virtude de uma política revisionista dos museus acerca das questões de gênero e da produção artística de países à margem dos centros culturais canônicos. O estudo amplia o conhecimento acadêmico sobre as produções artísticas realizadas por mulheres nas décadas de 1960 e 1970, que adotaram a crítica feminista sem se ater a movimentos sociais, contribuindo para o debate sobre a suposta marginalidade da mulher no circuito de arte brasileiro durante a ditadura militar. / This study investigates the artistic productions of Wanda Pimentel and Teresinha Soares in the mid - 1960s and early 1970s, with the objective of analysing the issue of gender and the construction of female subjectivity. The research seeks to analyse the aesthetic relations of the works of Pimentel and Soares in light of the influences of feminist theories that migrated from the United States to Brazil in the late 1960s. This highlights the theoretical relations between gender issues and the artistic practices of the Brazilian vanguard. In addition, this research looks at the circulation of the works of Pimentel and Soares given that both were part of the Brazilian art circuit in collective exhibitions and biennials in this period. This context of the circulation of art allows a critical view of the return of the work of these artists to international exhibitions in the last three years; a return driven by the revisionist policies of museums on issues of gender and artistic production in countries outside the canonical cultural centres. The study expands the academic knowledge about artistic productions made by women in the 1960s and 1970s, who adopted a feminist critique without reference to social movements, contributing to the debate about the supposed marginalisation of women in the Brazilian art circuit during the dictatorship military.

Made available in DSpace on 2015-04-14T13:47:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 447924.pdf: 4596406 bytes, checksum: 0fa06bcf623fb7b9ecbd94d32c4e2b81 (MD5) Previous issue date: 2013-03-22 / This work aims to analyzes the LP Clara Crocodilo, Arrigo Barnab? (1980). The LP, which marked the called Vanguard Paulista, brings tales to music with serial techniques, chronicling the daily lives of lonely and insecure urban characters. The work is evaluated on his creative process, considering the trajectory of Arrigo Barnab? and the historical context of development of the eight compositions that make up this album. This study is a dialogue between history and music. The analysis includes poetic and musical texts in search of connections to the contingent of social change in Brazil between 1970 and 1980 decades. / O trabalho busca analisar o LP Clara Crocodilo, de Arrigo Barnab? (1980). O LP, que marcou a chamada Vanguarda Paulista, traz contos musicados com t?cnicas seriais, narrando o cotidiano de personagens urbanos solit?rios e inseguros. A obra ? avaliada em seu processo de cria??o, considerando a trajet?ria de Arrigo Barnab? e o contexto hist?rico de elabora??o das oito composi??es que fazem parte deste ?lbum. O estudo ? um di?logo entre hist?ria e m?sica. A an?lise contempla textos po?tico e musical em busca de conex?es com o contingente de mudan?as sociais no Brasil entre 1970 e 1980.

O Antarctica artes com a Folha foi uma exposição de arte contemporânea realizada no Pavilhão Manoel da Nóbrega, em São Paulo, em 1996. Ao reunir 62 artistas naturais de onze estados brasileiros e com até 32 anos de idade, a coletiva construiu um enunciado forte e bastante disseminado do que seria, dentro da perspectiva de sua equipe, a \"geração 90\" do país. O objetivo desta tese é realizar um estudo de caso da mostra, atentando para o seu vínculo com práticas sociais de valoração do \"capital juventude\" (DEBORD, 1997, p.108) e, por conseguinte, para o seu papel na definição de critérios e discursos, sempre relativos, de uma arte \"jovem\" e \"brasileira\" em 1996. Isso envolve, em primeira instância, organizar uma narrativa histórica que articule as perspectivas dos diferentes agentes que fizeram o projeto, a partir de documentos de época, uma vasta cobertura jornalística e entrevistas concedidas por artistas, curadores, organizadores, jornalistas, críticos, arquitetos e galeristas. Em segunda instância, mas de forma intercalada ao exercício narrativo, coube examinar as categorias dos discursos do Antarctica para entender por que e como priorizaram a temporalidade do evento, com edição única, e nele produziram ideias de geração e região. / Antarctica artes com a Folha (Antarctica arts with Folha [de São Paulo newspaper]) was a contemporary art exhibition held at the Pavilhão Manoel da Nóbrega (Manoel da Nóbrega Pavillion) in São Paulo in 1996. By bringing together 62 artists up to 32 years of age from 11 Brazilian states, the exhibition team formulated a powerful and widely disseminated exhibition statement of what, from their specific standpoint, would become the country\'s \'90s Generation. The aim of this thesis is to carry out a case study of the group show, emphasizing its link to social practices of valorisation of the \"capital of youth\" (Debord, 1997: 108), thus noting its role in establishing the always relative criteria and discourses of a \"young\" and \"Brazilian\" art in 1996. This involves firstly organizing a historical narrative that articulates the perspectives of the different agents who organized and produced the project, based on documents from that time, on wide media coverage and interviews granted by artists, curators, organizers, journalists, art critics, architects, and gallerists. And secondly, proceeding to examine the categories of discourses of the Antarctica, though in a way that is interspersed with the narrative exercise, in order to understand why and how the event\'s temporality was prioritized, namely as a one-time event, wherein ideas about generation and region were produced.

Olhares brasileiros judaicos: A presença do judaísmo na arte brasileira contemporânea pretende mostrar vestígios da cultura judaica na arte brasileira contemporânea. Os imigrantes judeus que chegaram ao Brasil no século XX trouxeram consigo, em sua maioria, um pensamento liberal do judaísmo que influenciou a relação com as artes plásticas dentro do judaísmo europeu. O presente trabalho parte da hipótese de que a aproximação do judaísmo e artes plásticas também teve continuidade no Brasil, uma vez que os judeus imigrantes vindos de Europa e as gerações seguintes conseguiram integrar-se com sucesso na sociedade brasileira. A questão central, portanto, é saber em que formas e conteúdos essa influência cultural se articula. É apresentada a primeira geração de artistas judeus no Brasil, que forneceu impulsos importantes para o desenvolvimento da arte moderna, tendo como pano de fundo a evolução cultural e artística do judaísmo e sua compreensão emancipada da proibição bíblica de representação de imagens. Porém, exceto por Lasar Segall, encontram-se marcas judaicas na arte brasileira apenas na segunda metade do século XX. Através da obra de quatro artistas judeus brasileiros escolhidos, cuja análise não pretende ser absolutamente completa e representativa, na parte central desta tese são constatados elementos de cultura judaica na criação artística que se fazem notar tanto sob o aspecto formal e de conteúdo quanto em posições éticas, religiosas dos artistas. Dali resulta uma forma híbrida de cultura ou identidade brasileira e judaica: olhares brasileiros judaicos. Do ponto de vista da metodologia são significativos, além das entrevistas realizadas com os artistas, os tratados científicos sob arte judaica e artistas judeus, que possibilitam uma contextualização global. / Brazilian-Judeo Gazes: The presence of Judaism in contemporary Brazilian art attempts to identify vestiges of Hebrew culture in Brazilian contemporary art. Jewish immigrants to Brazil during the 20th century brought with them, largely, a liberal Jewish thinking which influenced the relationship of the plastic arts in European Judaism. This present work stems from the hypothesis that the approximation of Judaism and the plastic arts had continuity in Brazil, once the Jewish immigrants coming from Europe and subsequent generations were able to successfully integrate themselves into Brazilian society. The central question, therefore, is to know the forms and types of content this cultural influence articulated with. Within, we present the first generation of Jewish artists in Brazil who provided important impulses for the development of modern art, and which served as the underlying fabric for the Jewish cultural and artistry evolution with its emancipated understanding from the biblical prohibition on the representation of images. However, except for Lasar Segall, distinct Jewish hallmarks in Brazilian art make their appearance only at the second half of the 20-century. Through the work of four selected Brazilian-Judeo artists, whose analysis does not intend to be absolutely complete and representative, there is in the central part of this thesis, verifiable Jewish elements in the artistic creation which standout as much for their formal aspects and content as their ethical and religious positions of the artists. From there a hybrid form of the culture resulted or, Brazilian-Judeo identity: olhares brasileiros judaicos (Brazilian-Judeo Gazes). The methodological aspects of this study are significant, in addition to interviews conducted with the artists, there are scientific treatises about Jewish art and Jewish artists that allow for a global contextualization of the subject.

A dissertação aqui presente procura cartografar a produção artística da brasileira Regina Vater, desde seu período de formação durante os anos 60 no Rio de Janeiro, até meados da década de 90, quando já fixara residência nos EUA. Vater é contemporânea de um período fértil da produção plástica nacional, tendo participado tanto dos pressupostos figurativos dos anos 60, até os conceitualismos dos 70, culminando assim nas décadas seguintes em um ecologismo artístico votivo que se perpetua até os dias atuais. Nesse percurso, deu-se ênfase nas relações entre sua produção artística e o movimento feminista brasileiro, procurando com isso estabelecer vínculos teóricos e críticos com as principais questões feministas em voga e as práticas artísticas conceitualistas e de vanguarda. / The dissertation presented here seeks to chart the artistic production of the Brazilian artist Regina Vater, since her formation during the period of 60`s in Rio de Janeiro until the mid-90´s, when she already set residence in the U.S.. Vater is contemporary of a fertile plastic production in the country, taking part in both figurative assumptions of 60´s, until the conceptualism of 70´s, thus leading to the following decades in an artistic votive environmentalism that is perpetuated to this day. In this course, was placed emphasis on the relationship between artistic production and Brazilian feminist movement, seeking to establish theorists and critics links with the principal feminist issues and practices in vogue and the artistic avant-garde and conceptual.