Submitted by Jaqueline Silva (jtas29@gmail.com) on 2016-11-10T17:06:12Z No. of bitstreams: 2 Tese - Rubens Pilegi da Silva Sá - 2016.pdf: 5415096 bytes, checksum: 3503bbb506cedfe91509306e9eff3a04 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Silva (jtas29@gmail.com) on 2016-11-10T17:06:27Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Tese - Rubens Pilegi da Silva Sá - 2016.pdf: 5415096 bytes, checksum: 3503bbb506cedfe91509306e9eff3a04 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-10T17:06:27Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Tese - Rubens Pilegi da Silva Sá - 2016.pdf: 5415096 bytes, checksum: 3503bbb506cedfe91509306e9eff3a04 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-10-21 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / From a historical problem that dates back, in Brazilian art, the Concretism and the Neoconcretismo, I develop, since 1998, an artistic trajectory that uses the street like one laboratory of actions, manifestations and artistic interventions. My work is embodied in the relationship between the "expanded field of art" with the body, object and space. It turns out that during of the development of the thesis, I notice an obvious limits of this type of production to of the dissolution of the artistic field, increasingly subsumed by the sociological discourse, making it a sort of commodity to be traded as resistance art. The problem moves then to an investigation of appropriations that can be made that field - place without place - to incorporate them and transform them, at its base, so that art can still be produced once. And if, at first, the statement of a relationship between art and life becomes a militant way, programmatic and pragmatic, in a next moment requires a reflexive deepening method and language. The solution I found, caused by the tension of the current political moment, was to turn my attention to work betting on negativity, in exploring the dimension of emptiness and silence, thinking the lack as a possibility to add an idea, through the viewer's imagination. The practical result is the creation of a glass box, designed to fill the space of a door by means of resonance sound effect and vibration speakers, revealing a small continuous motion. My intention with this is to suggest a situation of instability and the imminence of a possible tragedy, condensing the premises of the field expanded into the critique of institutional debate. / A partir de uma problemática histórica que remonta, na arte brasileira, ao Concretismo e ao Neoconcretismo, desenvolvo, desde 1998, uma trajetória artística que utiliza a rua como laboratório de ações, de manifestações e de intervenções artísticas. Meu trabalho materializa-se na relação entre o “campo ampliado da arte” com o corpo do artista e do espectador, o objeto e o espaço. Acontece que, no desenvolvimento da tese, percebo um limite evidente desse tipo de produção à medida em que se dá a dissolução do campo artístico, cada vez mais subsumido pelo discurso sociológico, tornando-o uma espécie de commodity a ser negociada como arte de resistência. O problema desloca-se, então, para uma investigação das apropriações que podem ser feitas desse campo – lugar sem lugar – no sentido de incorporá-las e transformá-las, em sua base, para que a arte possa ser produzida ainda uma vez. E se, em um primeiro momento, a afirmação de uma relação entre arte e vida se faz de modo militante, programático e pragmático, em um momento seguinte exige-se um aprofundamento reflexivo de método e de linguagem. A solução por mim encontrada, motivada pela tensão do atual momento político, foi a de voltar a atenção para trabalhos que apostam na negatividade, na exploração da dimensão do vazio e do silêncio, pensando a falta como possibilidade de complemento de uma ideia, na imaginação do espectador. O resultado prático foi a criação de uma caixa de vidro, projetada para preencher o espaço de uma porta que, por meio do efeito de ressonância sonora e vibração de alto falantes, deixando transparecer um pequeno e continuado movimento. Minha intenção, com isto, é a de sugerir uma situação de instabilidade e iminência de uma possível tragédia, condensando as premissas do campo ampliado ao debate da crítica institucional.

[pt] Arquitetura entre Escultura: uma reflexão sobre a dimensão artística da paisagem contemporânea busca uma aproximação entre as obras de escultores e arquitetos após os anos 1960, no âmbito internacional, com o objetivo de traçar possíveis caminhos de diálogo entre ambas as disciplinas diante do desafio de se inserirem na multiplicidade da Paisagem contemporânea. A reflexão parte da noção de campo ampliado, da historiadora Rosalind Krauss, em que as fronteiras entre escultura, arquitetura e paisagem se tornam flexíveis, delineando, através de combinações e exclusões, possibilidades múltiplas para a arte ao lidar com o espaço real. Na mesma vertente, o historiador da arquitetura Anthony Vidler sustenta que, se para criticar os termos tradicionais da escultura os artistas se apropriaram das questões da arquitetura, por sua vez os arquitetos teriam buscado o experimentalismo da escultura a fim de escapar da rigidez funcionalista e dos modelos tipológicos. Na produção dos artistas Richard Serra, Christo, Robert Morris, Robert Smithson, Claes Oldenburg e Vito Acconci e dos arquitetos Robert Venturi, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Daniel Libeskind e Rem Koolhaas foram selecionadas obras que poderiam ser descritas como entre - partícipes do campo formado por arquitetura e escultura e paisagem. A partir deste campo são identificadas questões sobre: externalidade, relação com o sítio, monumentalidade, experiência da obra no espaço-tempo do percurso, forma e anti forma, performance e uso dos espaços, público e privado, imagem, ficção e história. Observa-se a deflagração de um processo, ao mesmo tempo, experimental e autocrítico desses campos de atuação, através de uma abordagem que pontua relações entre Moderno, Pop, Minimal, Land Art, performances, Desconstrutivismo e novas topologias e programas arquitetônicos. / [en] Architecture between Sculpture: an approach to the artistic dimension of contemporary landscape searches for an approach to works of sculptors and architects, since 1960, in the international circuit, in order to analyze to what extent possible affinities can be traced out between both artistic fields, while facing the challenge in the multiple features of contemporary landscape. The discussion is based on the historian Rosalind Krauss notion of expanded field in which the limits among sculpture, architecture and landscape become flexible, delineating by means of combinations and exclusions, the multiple possibilities of art in dealing with real space. On the same ground, Anthony Vidler, historian of architecture, sustains that while criticizing the traditional matters of sculpture, artists have internalized the issues of architecture themselves, and architects, on the other hand, have searched for the artistic experimental processes to escape from the rigidity of functionalism and typological models. Works by the artists Richard Serra, Christo, Robert Morris, Robert Smithson, Claes Oldenburg and Vito Acconci and by the architects Robert Venturi, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Daniel Libeskind and Rem Koolhaas, among others, can be described as between and studied as participants in the scope architecture and sculpture and landscape. On such basis one can identify issues such as: externality, relation with the site, monumentality, space-time experience, form and anti form, performance and use of spaces, notions of public and private, image, fiction and history. There occurs the deflagration of a process, both experimental and selfcritical, on the part of each artistic means, through an analysis that interpunctuates the relationship among Modern, Pop, Minimal, Land Art, performances, Deconstructivism and new topologies and architectural programs.

Esta dissertação tem como foco central o estudo de edifícios pavilhões e sua relação com a produção tridimensional - entendida como instalação e escultura. Para tanto, articula-se o conceito de \"campo ampliado\", elaborado por Rosalind Krauss em texto de 1979 para abarcar as transformações da escultura a partir dos anos 60, com seu recente deslocamento, para o âmbito da arquitetura por parte de alguns autores, nomeadamente Antony Vidler. A pesquisa não se resume apenas a uma investigação da contribuição do espaço arquitetônico para a escultura ou da escultura para a arquitetura, mas foca especialmente a linha que as separa, visto que a tendência de convergência das duas disciplinas faz com que seu elo de reciprocidade se dissolva numa produção intersticial, realizada por artistas, arquitetos ou mesmo por ambos em colaboração. O pavilhão sempre foi entendido como um campo experimental para os arquitetos, especialmente ao longo do século XX quando ajudou a consolidar as premissas da arquitetura moderna. Hoje, apresenta grande visibilidade através de diversos programas que oferecem condições únicas de encomenda e concepção pressupondo uma arquitetura singular, que configura uma produção desvinculada do binômio forma-função e cujo assunto autorreferente é a própria arquitetura. Do ponto de vista das artes o pavilhão representa uma expansão da instalação para um todo espacial que passa a envolver também o edifício e, quando tomado como meta arquitetura, opera também como plataforma de afrontamento crítico. O embate teórico acerca dos desdobramentos do \"campo ampliado\", bem como a investigação sobre aspectos essenciais do termo \"pavilhão\", de natureza maleável, são confrontados com uma análise crítica de casos selecionados em três instituições com características bem distintas- Bienal de Veneza, Instituto de Arte Contemporânea do Inhotim e Serpentine Gallery -, e possibilitam alinhavar conclusões sobre esta produção contemporânea no limiar dessas duas disciplinas. / This dissertation is focused on the study of pavilions and their relationship with the three-dimensional production - understood as installation and sculpture. Therefore, the concept of \"expanded field\", elaborated by Rosalind Krauss in the 1979 essay to encompass the transformation of sculpture from the 60\'s, is articulated with the recent shift of this same concept into the realm of architecture by some authors, namely Antony Vidler. The research is not just an investigation on the contribution of the architectural space for sculpture or, on the other hand, from sculpture to architecture, but focuses especially the line that separates them, understood as a disposition of convergence by the two disciplines which dissolves the reciprocal bonds in a interstitial production, performed by artists, architects or even both together. The pavilion has always been understood as an experimental field for architects, especially during the twentieth century when it helped consolidate the assumptions of modern architecture. Today it has gained great visibility through several programs that offer specific conditions by commissioning and assuming a unique architecture design that sets up a production untied from the binomial form-function, resulting in a self referent building whose subject is the architecture itself. From the point of view of the arts, it represents an expansion of the installation configuring a spatial whole that also implicate the building and, when taken as meta architecture, also operates as a platform for critical confrontation. The opposition on theory about the ramifications of the expanded field, as well as a research on the essential characteristics to a malleable term, are faced with a critical analysis of selected cases in three institutions gathering rather distinct characteristics - the Venice Biennale, the Institute of Contemporary Art Inhotim and the Serpentine Gallery -, and allow conclusions on this contemporary production in a disciplinary threshold.

No \"campo ampliado\" da cultura contemporânea, arte e arquitetura partilham cada vez mais questões comuns. Assim, seja em relações de colaboração, ou seja em relações de afrontamento, a arquitetura e a arte hoje dissolvem suas antigas fronteiras disciplinares para compor um poderoso complexo social e midiático, cujo sentido é fundamental para a compreensão do mundo contemporâneo. Sem isolar a problemática brasileira em relação ao conjunto da produção mundial, esse trabalho se propõe o desafio de pensar o eclipsamento da tectônica, da materialidade e da noção de trabalho em um mundo globalizado e dominado por produções imateriais de valor, como o capital financeiro. Evitando estabelecer um juízo definitivo sobre essa questão, procura-se entender como as produções de alguns arquitetos e artistas contemporâneos lidam com a realidade de um mundo cada vez mais impalpável e convertido em imagem, isto é, consumido permanentemente. A hipótese assumida aqui é a de que, na impossibilidade de se restaurar a resistência do mundo e da matéria - que pudesse recolocar em causa a \"estética da formatividade\" moderna -, alguns dos melhores artistas e arquitetos contemporâneos traduzem o dilema atual na forma de uma perda de foco da imagem ou do objeto, que se traduz também em uma voluntária busca pela ausência de forma. Desse modo, a poética do informe e a nuvem são, a meu ver, expressões potentes da crise contemporânea. / In the \"expanded field\" of contemporary culture, arts and architecture increasingly share common issues. Hence, whether in relations of collaboration or confrontation, arts and architecture dissolve their old disciplinary boundaries to form a powerful social and media framework, which meaning is essential for the understanding of the contemporary world. Encompassing the Brazilian problematic in relation to the body of international production, this research attempts to undertake the challenge of reflecting about the hiding tectonic, materiality and perception of work in a globalized world dominated by the immaterial production of value, such as the financial capital. Although this research precludes a definitive judgment about this issue, it attempts to understand how the outputs of some contemporary architects and artists deal with the reality of a world that is ever more intangible and converted in images, and in other words, permanently consumed. The hypothesis posed here is that, in the impossibility of restoring the resistance of the world and matter - which would put back in discussion the modern \"formativeness of aesthetics\" -, some of the most prestigious contemporary artists and architects translate the current dilemma in the loss of focus in images or objects, which also translates itself in a voluntary search for the absence of form. Hence, the poetics of formless and clouds are, from my point of view, powerful expressions of the contemporary crises.

Outros cinemas é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre o deslocamento do dispositivo cinema para os espaços da arte. São tomadas como ponto de partida as práticas pré-cinematográficas, seguidas das práticas com o dispositivo cinema desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito artístico internacional e nacional. Por fim, trabalhos produzidos por mim e em parceria com o grupo Poéticas Digitais apontam para reflexões acerca do contexto contemporâneo. Sem isolar a problemática brasileira em relação ao conjunto da produção mundial, este trabalho se propõe o desafio de pensar os contextos internacional e nacional da presença do dispositivo cinema como estratégia artística para a espacialização e desmaterialização e a abertura para a participação do público na passagem dos anos 1960 para os anos 1970, além de apontar para um modo de entendimento do contexto contemporâneo por meio de projetos pessoais. Esta pesquisa busca, por meio dos artistas Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek e Hélio Oiticica, explorar suas reflexões particulares e confirmar a presença definitiva dos artistas contemporâneos no debate crítico. Por esse viés, o dispositivo cinema é contextualizado em três viradas históricas: na transição para o modernismo, no pós-modernismo e na contemporaneidade. Essas passagens pontuam rupturas e atualizações do dispositivo, ao mesmo tempo que revelam as circunstâncias do deslocamento das salas escuras para o cubo branco. / Other cinemas is a theoretical and practical study addressing the displacement of the of the cinematic apparatus in contemporary art. Precinematic strategies are taken as a starting point, followed by the practices of the cinematic apparatus developed in the 1960s and 1970s, at international and national levels. In conclusion, works developed by me and in partnership with the group Digital Poetics lead to reflections on the contemporary context. Encompassing the Brazilian problematic in relation to the body of international production, this research attempts to undertake the challenge of reflecting about the presence of the cinematic apparatus in both international and national contexts as artistic strategy of spatialization, dematerialization and topening for public participation in the passage of the 1960s to the 1970s, furthermore it indicates to one way of understanding contemporary context through personal projects. This research explores the works of Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek and Hélio Oiticica, and these artists\' personal reflections, as it confirms the definitive presence of contemporary artists in the critical debate. From this angle, the cinematic apparatus is contextualized in three historical turns: the transition to modernism, to postmodernism and to contemporaneity. These passages punctuate ruptures and updates of the cinematic apparatus at the same time it reveals the circumstances of its displacement from dark rooms to the white cube.

Esta dissertação tem como foco central o estudo de edifícios pavilhões e sua relação com a produção tridimensional - entendida como instalação e escultura. Para tanto, articula-se o conceito de \"campo ampliado\", elaborado por Rosalind Krauss em texto de 1979 para abarcar as transformações da escultura a partir dos anos 60, com seu recente deslocamento, para o âmbito da arquitetura por parte de alguns autores, nomeadamente Antony Vidler. A pesquisa não se resume apenas a uma investigação da contribuição do espaço arquitetônico para a escultura ou da escultura para a arquitetura, mas foca especialmente a linha que as separa, visto que a tendência de convergência das duas disciplinas faz com que seu elo de reciprocidade se dissolva numa produção intersticial, realizada por artistas, arquitetos ou mesmo por ambos em colaboração. O pavilhão sempre foi entendido como um campo experimental para os arquitetos, especialmente ao longo do século XX quando ajudou a consolidar as premissas da arquitetura moderna. Hoje, apresenta grande visibilidade através de diversos programas que oferecem condições únicas de encomenda e concepção pressupondo uma arquitetura singular, que configura uma produção desvinculada do binômio forma-função e cujo assunto autorreferente é a própria arquitetura. Do ponto de vista das artes o pavilhão representa uma expansão da instalação para um todo espacial que passa a envolver também o edifício e, quando tomado como meta arquitetura, opera também como plataforma de afrontamento crítico. O embate teórico acerca dos desdobramentos do \"campo ampliado\", bem como a investigação sobre aspectos essenciais do termo \"pavilhão\", de natureza maleável, são confrontados com uma análise crítica de casos selecionados em três instituições com características bem distintas- Bienal de Veneza, Instituto de Arte Contemporânea do Inhotim e Serpentine Gallery -, e possibilitam alinhavar conclusões sobre esta produção contemporânea no limiar dessas duas disciplinas. / This dissertation is focused on the study of pavilions and their relationship with the three-dimensional production - understood as installation and sculpture. Therefore, the concept of \"expanded field\", elaborated by Rosalind Krauss in the 1979 essay to encompass the transformation of sculpture from the 60\'s, is articulated with the recent shift of this same concept into the realm of architecture by some authors, namely Antony Vidler. The research is not just an investigation on the contribution of the architectural space for sculpture or, on the other hand, from sculpture to architecture, but focuses especially the line that separates them, understood as a disposition of convergence by the two disciplines which dissolves the reciprocal bonds in a interstitial production, performed by artists, architects or even both together. The pavilion has always been understood as an experimental field for architects, especially during the twentieth century when it helped consolidate the assumptions of modern architecture. Today it has gained great visibility through several programs that offer specific conditions by commissioning and assuming a unique architecture design that sets up a production untied from the binomial form-function, resulting in a self referent building whose subject is the architecture itself. From the point of view of the arts, it represents an expansion of the installation configuring a spatial whole that also implicate the building and, when taken as meta architecture, also operates as a platform for critical confrontation. The opposition on theory about the ramifications of the expanded field, as well as a research on the essential characteristics to a malleable term, are faced with a critical analysis of selected cases in three institutions gathering rather distinct characteristics - the Venice Biennale, the Institute of Contemporary Art Inhotim and the Serpentine Gallery -, and allow conclusions on this contemporary production in a disciplinary threshold.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Mario Mendes Cavalcante.pdf: 7330965 bytes, checksum: 80b52a94c3060ca4d545aa882a897f61 (MD5) Previous issue date: 2011-09-13 / The aim of this research is to investigate the possible relationships between visual arts and literature from the study of works produced by the Brazilian artists José Roberto Aguilar (1941-) and Lenir de Miranda (1945-). Both have appropriated the character Ulysses from Homer's Odyssey and produced works using painting. Based on a literature review focused on the history of art, contemporary art theory and intersemiotic translation studies, we focus our study around the concepts of appropriation and expanded field. We conclude that the literary signs are appropriated for the artists in the field expanded of contemporary art as a poetic possibility. / O objetivo dessa pesquisa é investigar as possíveis relações entre artes visuais e literatura a partir do estudo de obras produzidas pelos artistas brasileiros José Roberto Aguilar (1941-) e Lenir de Miranda (1945-). Ambos se apropriaram do personagem Ulisses, da Odisseia de Homero, e produziram séries de pinturas. Com base em uma revisão bibliográfica centrada na história da arte, na teoria da arte contemporânea e nos estudos de tradução intersemiótica, centramos nosso estudo em torno dos conceitos de apropriação e de campo ampliado. Concluímos que os signos literários são apropriados pelas artes visuais dentro do campo ampliado como uma possibilidade poética.

Outros cinemas é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre o deslocamento do dispositivo cinema para os espaços da arte. São tomadas como ponto de partida as práticas pré-cinematográficas, seguidas das práticas com o dispositivo cinema desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito artístico internacional e nacional. Por fim, trabalhos produzidos por mim e em parceria com o grupo Poéticas Digitais apontam para reflexões acerca do contexto contemporâneo. Sem isolar a problemática brasileira em relação ao conjunto da produção mundial, este trabalho se propõe o desafio de pensar os contextos internacional e nacional da presença do dispositivo cinema como estratégia artística para a espacialização e desmaterialização e a abertura para a participação do público na passagem dos anos 1960 para os anos 1970, além de apontar para um modo de entendimento do contexto contemporâneo por meio de projetos pessoais. Esta pesquisa busca, por meio dos artistas Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek e Hélio Oiticica, explorar suas reflexões particulares e confirmar a presença definitiva dos artistas contemporâneos no debate crítico. Por esse viés, o dispositivo cinema é contextualizado em três viradas históricas: na transição para o modernismo, no pós-modernismo e na contemporaneidade. Essas passagens pontuam rupturas e atualizações do dispositivo, ao mesmo tempo que revelam as circunstâncias do deslocamento das salas escuras para o cubo branco. / Other cinemas is a theoretical and practical study addressing the displacement of the of the cinematic apparatus in contemporary art. Precinematic strategies are taken as a starting point, followed by the practices of the cinematic apparatus developed in the 1960s and 1970s, at international and national levels. In conclusion, works developed by me and in partnership with the group Digital Poetics lead to reflections on the contemporary context. Encompassing the Brazilian problematic in relation to the body of international production, this research attempts to undertake the challenge of reflecting about the presence of the cinematic apparatus in both international and national contexts as artistic strategy of spatialization, dematerialization and topening for public participation in the passage of the 1960s to the 1970s, furthermore it indicates to one way of understanding contemporary context through personal projects. This research explores the works of Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek and Hélio Oiticica, and these artists\' personal reflections, as it confirms the definitive presence of contemporary artists in the critical debate. From this angle, the cinematic apparatus is contextualized in three historical turns: the transition to modernism, to postmodernism and to contemporaneity. These passages punctuate ruptures and updates of the cinematic apparatus at the same time it reveals the circumstances of its displacement from dark rooms to the white cube.

No \"campo ampliado\" da cultura contemporânea, arte e arquitetura partilham cada vez mais questões comuns. Assim, seja em relações de colaboração, ou seja em relações de afrontamento, a arquitetura e a arte hoje dissolvem suas antigas fronteiras disciplinares para compor um poderoso complexo social e midiático, cujo sentido é fundamental para a compreensão do mundo contemporâneo. Sem isolar a problemática brasileira em relação ao conjunto da produção mundial, esse trabalho se propõe o desafio de pensar o eclipsamento da tectônica, da materialidade e da noção de trabalho em um mundo globalizado e dominado por produções imateriais de valor, como o capital financeiro. Evitando estabelecer um juízo definitivo sobre essa questão, procura-se entender como as produções de alguns arquitetos e artistas contemporâneos lidam com a realidade de um mundo cada vez mais impalpável e convertido em imagem, isto é, consumido permanentemente. A hipótese assumida aqui é a de que, na impossibilidade de se restaurar a resistência do mundo e da matéria - que pudesse recolocar em causa a \"estética da formatividade\" moderna -, alguns dos melhores artistas e arquitetos contemporâneos traduzem o dilema atual na forma de uma perda de foco da imagem ou do objeto, que se traduz também em uma voluntária busca pela ausência de forma. Desse modo, a poética do informe e a nuvem são, a meu ver, expressões potentes da crise contemporânea. / In the \"expanded field\" of contemporary culture, arts and architecture increasingly share common issues. Hence, whether in relations of collaboration or confrontation, arts and architecture dissolve their old disciplinary boundaries to form a powerful social and media framework, which meaning is essential for the understanding of the contemporary world. Encompassing the Brazilian problematic in relation to the body of international production, this research attempts to undertake the challenge of reflecting about the hiding tectonic, materiality and perception of work in a globalized world dominated by the immaterial production of value, such as the financial capital. Although this research precludes a definitive judgment about this issue, it attempts to understand how the outputs of some contemporary architects and artists deal with the reality of a world that is ever more intangible and converted in images, and in other words, permanently consumed. The hypothesis posed here is that, in the impossibility of restoring the resistance of the world and matter - which would put back in discussion the modern \"formativeness of aesthetics\" -, some of the most prestigious contemporary artists and architects translate the current dilemma in the loss of focus in images or objects, which also translates itself in a voluntary search for the absence of form. Hence, the poetics of formless and clouds are, from my point of view, powerful expressions of the contemporary crises.

[pt] Esta pesquisa se propõe a investigar as possibilidades de renovação dos processos de significação e produção de sentido na arquitetura, no contexto da complexa condição contemporânea. Da dinâmica capitalista de consumo que rege a construção das cidades contemporâneas emerge uma produção arquitetônica espetacular, criada para simbolizar prosperidade políticoeconômica em que, com frequência, arte e arquitetura são associadas num processo de mercantilização da cultura. Esse processo, somado à crise do paradigma moderno, dificulta a compreensão do papel do arquiteto e das possibilidades para a arquitetura numa abordagem crítica e determina um empobrecimento da disciplina, ainda condicionada aos tradicionais códigos e regras formais do funcionalismo. Nesse contexto, é enfatizada a importância do deslocamento do objeto arquitetônico e seus aspectos estético-formais para os aspectos conceituais da arquitetura, abordados no âmbito do campo ampliado da cultura contemporânea. Desde a incorporação de paradigmas teóricos da linguística e da filosofia pelas práticas artística e arquitetônica, nos anos 60, tornou-se imprescindível a abordagem interdisciplinar no entendimento dos processos de produção de matéria e sentido que compõem o ambiente cultural construído. Ao longo do trabalho, essas questões foram problematizadas a partir da obra do arquiteto norte americano Peter Eisenman e seus interlocutores, através de um intenso diálogo entre arquitetura, arte e filosofia, que enfatiza a importância da resistência e da crítica aos padrões que limitam nossa presença, experiência e relação com espaço, matéria e tempo, através da arquitetura. / [en] This research aims to investigate the possibilities of the renewal of signification processes and sense production in architecture, in the context of the complex contemporary condition. From the capitalistic dynamics of consumerism that govern the construction of contemporary cities emerges a spectacular architectonic production created to symbolize political-economical prosperity in which, frequently, art and architecture are associated in a process of cultural commodification. This process added to the crises of the modern paradigm, complicates the comprehension of the architect’s role and the possibilities for architecture today through a critical approach determining an impoverishment of the theoretical and architectural design activity, still conditioned to the traditional codes and rules of functionalism. In this context, an emphasis is placed on the importance of the displacement from the architectonic object and it s aestheticalformal aspects to the conceptual aspects of architecture, to be approached in the scope of the contemporary expanded field of culture. Since the incorporation of theoretical paradigms from linguistics and philosophy by artistic and architectural practices, in the 60 s, to approach the processes of matter and sense production that composes the cultural built environment, interdisciplinarity has become indispensable. These issues were approached in this study by analyzing the work of the North American architect Peter Eisenman and his interlocutors, in an intense dialog involving architecture, art and philosophy, with emphasis on the importance of resistance and criticism of the standards that limit our presence, experience and relationship with space, matter and time, through architecture.