Ma thèse étudie la quête initiatique dans des œuvres littéraires franco-canadiennes pour adolescents en se fondant sur les étapes présentées par Simone Vierne, soit la préparation, la mort initiatique et la renaissance. Je me suis intéressée à l’évolution de la quête initiatique dans la littérature jeunesse franco-canadienne entre les années 1970, époque où Vierne publie ses premiers travaux, et 2015 afin de voir si la littérature ne permet pas de suppléer aux rites de passage de moins en moins présents dans nos sociétés actuelles où la transition entre l’enfance et l’adolescence semble de moins en moins perceptible. La thèse présente une analyse de la valeur symbolique des éléments participants à la quête initiatique dans La vengeance de l’orignal de Doric Germain, La quête d’Alexandre d’Hélène Brodeur, Les grands sapins ne meurent pas de Dominique Demers, La première pluie de Camilien Roy, Cœur de lionne de Guy Armel Bayegnak et Le silence de la Restigouche de Jocelyne Mallet-Parent. Le corpus est divisé selon trois périodes, soit de 1970 à 1985, de 1986 à 2000 et de 2001 à 2015. L’analyse permet de vérifier si certains éléments sont récurrents d’une époque à l’autre ou de cerner les modifications qui touchent au déroulement de la quête initiatique à divers moments. C’est à partir de cette étude qu’il sera possible d’établir s’il y a une évolution dans le traitement de la quête initiatique de même que de formuler des hypothèses quant à la modélisation du roman initiatique franco-canadien pour adolescents. Le tout permettra de déterminer si le schéma proposé par Vierne est toujours pertinent dans le contexte actuel.

Ce mémoire étudie la dynamique des clichés et des stéréotypes ayant pour motif la japonité dans l’œuvre de Dany Laferrière, en particulier dans deux romans : Éroshima (1987) et Je suis un écrivain japonais (2009). Cette étude vise à rapprocher ces deux œuvres afin de dévoiler le regard interculturel qui y est présent et dont la construction esthétique est basée sur la représentation (images, clichés et stéréotypes de sexe, de race et d’identité) de la figure nipponne. Le présent travail de recherche analyse différentes perspectives théoriques et épistémologiques concernant les notions de stéréotype et de cliché, en plus de porter attention aux enjeux des discours posés par la représentation de l’identité dans ces deux romans. Cette approche permet de dégager un discours sur l’Altérité qui est déployé, recyclé, manipulé et déformé à la guise de l’écrivain, et qui conduit le lecteur vers un travail de questionnement sur l’identité et la perception de l’Autre. / This thesis focuses on the dynamics of clichés and stereotypes based on japanese motifs in the works of Dany Laferrière, particulary in two of his novels: Éroshima (1987) and Je suis un écrivain japonais (2009). By comparing the two novels, this study examines different intercultural perspectives whose aesthetic construction are based on the representations (images, clichés and stereotypes of sex, race and identity) of the Japanese figure. This research analyzes different theoretical and epistemological perspectives of the notions of stereotypes and clichés, while paying attention to the issues of representation in both novels. This approach allows a discussion of Alterity/Otherness which is unfolded, recycled, manipulated and distorted by the writer, and invites the reader to question the concepts of identity and the perception of the Other.

L’influence du Centre des auteurs dramatiques (CEAD) sur l’émergence et le devenir de la dramaturgie québécoise et franco-canadienne est indéniable. Pourtant, sa trajectoire de même que son action sur la dramaturgie n’ont jusqu’ici fait l’objet d’aucune étude approfondie. Ce mémoire propose donc, à partir d’une analyse détaillée des archives mêmes du CEAD, une première étude historique de ses quinze premières années d’existence, de 1965, année de sa fondation, à 1980. Nous tâchons de cerner, dans un premier temps, la conjoncture particulière à partir de laquelle a été créé l’organisme afin de mettre au jour sa singularité et de comprendre la façon dont les fondateurs, qui sont des auteurs dramatiques, ont réfléchi leur inscription dans le milieu théâtral. Nous proposons, dans un deuxième temps, une analyse de la trajectoire du CEAD durant la période courte, mais mouvementée, de 1968 à 1980, alors que l’organisme, aux visées plus corporatistes que politiques, devra conjuguer avec l’émergence fulgurante du théâtre engagé et du mouvement de la création collective qui rejette notamment la figure de l’auteur dramatique. Ce mémoire se veut une contribution aux recherches historiques sur le théâtre au Québec. / The influence of the Centre des auteurs dramatiques (CEAD) on the emergence and future of Quebec and French-Canadian theatre is undeniable. However, its trajectory, as well as its action, have not yet been the subject of an in-depth study. This thesis therefore proposes, based on a detailed analysis of the CEAD archives themselves, a first historical study of its first fifteen years of existence, from 1965, the year it was founded, to 1980. We first try to identify the particular context from which the organization was created in order to reveal its uniqueness and to understand how the founders, who are all playwrights, reflected on their place in the theatre community. We then propose an analysis of the trajectory of the CEAD during the short but turbulent period from 1968 to 1980, when the organization, with more corporatist than political aims, had to deal with the dazzling emergence of the committed theatre and the movement of collective creation, rejecting in particular the figure of the dramatic author. This thesis is intended as a contribution to historical research on theatre in Quebec.

Le présent mémoire analysera la version orale d’Il faut prendre le taureau par les contes ! de Fred Pellerin sous forme auditive et son adaptation en conte littéraire. L’étude des deux actualisations médiatiques se fera en trois temps qui correspondent aux moments significatifs de la performance du conte tels que définis par la théoricienne Jeanne Demers. Le premier moment est la formation du cercle du conte et représente un espace instauré hors du réel qui offre aux spectateurs ou aux lecteurs la possibilité d’adhérer sans retenue aux événements exposés dans le récit grâce à l’ouverture, la fermeture et le maintien du cercle. Le deuxième moment du conte se produit quand le conteur crée et consolide un lien de connivence avec son public, ce qui capte son attention en le liant au contenu. Pour ce faire, Pellerin cherche à répondre aux attentes de son public, à jouer avec la frontière entre vérité et fiction et à provoquer des réactions. Le troisième et dernier moment du conte, c’est le showing, qui rapproche d’abord l’auditoire ou le lecteur de l’action et l’action de ceux-ci, et ensuite qui permet au conte de se matérialiser grâce à leur imagination. À ce moment-là, le but du conte est atteint, car le plaisir de l’auditoire ou du lecteur est indéniable. Cette recherche tente de voir le corpus comme un tout malgré les différents moyens mis en œuvre : la mise à l’écrit fait bénéficier le spectacle originel de nouvelles significations et permet, à ceux qui en profitent, de vivre une expérience différente, mais tout aussi réussie. / This dissertation will analyse the oral tale of Il faut prendre le taureau par les contes ! by Fred Pellerin and the written tale adaptation. The study of both versions will be demonstrated using three instances that correspond to significant moments of the tale’s performance according to theoretician Jeanne Demers. The first moment is the formation of the "circle of the tale" which represents a space established beyond reality that allows the audience or the reader to adhere without restraint to the events exposed in the story due to the opening, the closing and the conservation of the circle. The second moment of the tale occurs when the storyteller creates and consolidates a complicit link with his audience which attracts and holds their attention by linking them to the story. To achieve this effect, Pellerin tries to answer his public’s expectations, manipulates the border between fiction and reality and provokes reactions. The third and final moment of the tale is the "showing", which initially helps to bring the audience or the reader closer to the action and the action closer to them, then to allow the tale to materialize with the aid of their imagination. At which point, the tale reaches its ultimate goal, as the pleasure of the audience or the reader is infallible. This research aims to see Pellerin’s work as a whole despite the different means: putting the oral tale in writing benefits the original show as it brings forth, to those who experience it, new meaning and offers a different perspective, which is every bit as successful.

Ce mémoire de recherche-création composé de deux parties s’intéresse à la remédiation de l’autoportrait photographique (l’égoportrait) dans la dramaturgie québécoise contemporaine, plus particulièrement aux relations que celui-ci entretient avec les notions d’identité et d’image. Le monologue hybride Vingt-trois chambres est divisé en dix-neuf tableaux où le personnage retrace en ordre chronologique les dix-neuf lieux dans lesquels il a habité. Le monologue se construit autour d'un dialogue permanent entre deux temporalités (passé et présent), alors que le quotidien de la déambulation (le personnage qui retourne devant ses anciens domiciles et reconstruit le parcours de ses déménagements) et la mémoire des lieux se répondent. La forme hybride repose sur l'établissement d'un dispositif texte/image, dans la façon dont la photographie et la littérature interagissent ensemble. La deuxième partie est un essai intitulé Aux frontières de l’identité : la remédiation du selfie dans la trilogie « Les colonies de l’image » de Guillaume Corbeil. Les pièces Nous voir nous (2013), Tu iras la chercher (2014), et Unité modèle (2016) s'intéressent à la question du « je », à cette figure qui se performe et se (dé)construit, à ce moi qui éclate. Dans les trois œuvres, les personnages se mettent en scène et performent leur vie pour échapper à l'anonymat. Les réseaux sociaux ont transformé nos vies en une succession de mises en scène de soi, de mises en fiction de soi. Dans un premier temps, j'analyse la façon dont ces textes et photographies créent un dialogue entre deux temporalités et deux médias. L'analyse porte ensuite sur cette identité en construction, confrontée à une pluralité de regards (soi, autre, monde). / This two-part research/creation thesis focuses on the remediation of the selfie in contemporary Quebec dramaturgy, with a particular focus on its relationship to notions of identity and image. The hybrid monologue Vingt-trois chambres is divided into nineteen chapters in which the character traces in chronological order the nineteen places in which he lived. The monologue is built around a permanent dialogue between two temporalities (past and present), while the daily life of the stroll (the character who returns to his former homes and rebuilds the path of his moves) and the memory of the places respond to each other. The hybrid form is based on the establishment of a text/image device, in the way that photography and literature interact together. The second part is an essay entitled Aux frontières de l'identité: la remédiation du selfie dans la trilogie "Les colonies de l'image" de Guillaume Corbeil. The plays Nous voir nous (2013), Tu iras la chercher (2014) and Unité modèle (2016) focus on the question of the "I", on this figure that is performing and (de)constructing itself, on this self that explodes. In all three plays, the characters stage themselves or their life to escape anonymity. Social networks have transformed our lives into a succession of self-images, of self-fiction. First, I analyze how these texts and photographs create a dialogue between two temporalities and two media. The analysis then focuses on this identity under construction, confronted with a plurality of perspectives (self, other, world).

Plusieurs études ont déjà relevé la place singulière qu’occupe le personnage dans la dramaturgie de Larry Tremblay. Les œuvres de cet auteur québécois regorgent effectivement d’individus tourmentés par l’environnement dans lequel ils évoluent. Durant les 20 dernières années, la thématique des médias a particulièrement été l’objet de l’attention de l’auteur. En créant des pièces ayant comme centre l’univers médiatique, Larry Tremblay entreprend de poser un regard critique sur cet aspect important touchant la société actuelle. Dans le cadre de ce mémoire, l’objectif est donc d’étudier plus spécifiquement les différents personnages du dramaturge lorsque ceux-ci sont placés dans des contextes où ils sont envahis par les médias. Il s’agira de montrer comment le dramaturge expose les effets néfastes du pouvoir des médias en abordant la question du regard, de la banalité, du vide, du narcissisme ainsi que de la désillusion marquant l’époque contemporaine. L’analyse des œuvres Ogre (1995), Téléroman (1997) et Grande écoute (2015) permettra de montrer que c’est par l’intermédiaire de personnages dont l’identité se morcelle et se transforme, que Larry Tremblay expose les conséquences les plus importantes qu’entraine la société médiatique sur l’individu. L’objet de ce mémoire est de saisir l’évolution de la pensée de l’auteur à l’égard des médias et de comprendre comment ses personnages ont évolué au fil du temps parallèlement au domaine médiatique. / Many studies have already examined the singular place occupied by the character in Larry Tremblay’s dramaturgy. This Quebec author’s works are filled with many individuals who are deeply affected by the environment they live in. For the past 20 years, the playwright’s particular interest in the theme of media has been observed. By creating plays in which the media are at the forefront, Larry Tremblay takes a critical look at an important aspect of current society. In the context of this thesis, the objective is therefore to study more specifically Tremblay’s characters who are in environments pervaded by the media. In order to show how the author exposes the negative impacts of the power of the media, we will address the question of the gaze, the banality, the void, the narcissism, as well as that of the disillusion that touches our time. The analysis of Ogre (1995), Téléroman (1997) and Grande écoute (2015) will demonstrate that it is through characters whose identity is crumbling and changing that Larry Tremblay denounces the most disastrous consequences stemming from the media for individuals. The purpose of this thesis is to grasp the evolution of the author’s thought regarding media and to understand how his characters have evolved over time alongside the media.

Mémoire en recherche-création / Des lucioles est un roman versifié où monde intérieur et monde extérieur paraissent irréconciliables. À travers une narratrice habitée par le deuil inachevé de son père, ce projet s’interroge sur ce qui demeure après la perte lorsque les circonstances ne permettent pas que l’on s’arrête pour contempler le vide laissé par l’être perdu. Entourée de personnages habités par une douleur qu’elle croit semblable à la sienne, la narratrice fait l’expérience de l’importance de la communauté, mais également, des limites de cette même solidarité. La lumière, image parcourant le texte, expose autant la beauté que l’obscurité du milieu où la narratrice évolue. L’absence d’issue apparente pour le personnage nous révèle le sentiment d’impuissance qui l’habite face à sa situation précaire. L’essai qui le suit, Utilité et limites de la commune dans L’ange de la solitude de Marie-Claire Blais, s’articule également autour des questions d’individualité et de solidarité. À partir du concept d’hétérotopie développé par Michel Foucault, l’essai tente d’abord de comprendre la nécessité de la création d’un safe space pour les personnages marginalisés de L’ange de la solitude, puis se questionne sur la persistance des rapports de force à l’intérieur de ce lieu établi hors des instances sociales dominantes. Au cœur de cette contradiction se pose une question fondamentale sur la relation qu’entretient l’individu ostracisé avec le monde qui le rejette, et propose ainsi une réflexion sur le rapport à l’espace des communautés marginalisées. / Des lucioles is a versified novel in which intimate and outside world are shown as irreconcilable. Through a female narrator who is still grieving the death of her father, this project shows what remains after a person disappears, especially when circumstances do not allow the griever to properly process that loss. Surrounded by like-minded people who seem to be struggling as much as her in their own lives, the narrator realizes the importance of belonging to a community, but also, the limits of that solidarity. The recurring image of light shows both the beauty and the despair of the environment in which the characters evolve. The apparent lack of resolution for the protagonist tells us a lot about the helplessness of the subject facing the world they live in. The essay that follows, Utilité et limites de la commune dans L'ange de la solitude de Marie-Claire Blais, is also exploring the ideas of solidarity and community. Through the concept of hétérotopie developed by Michel Foucault, we try to understand the necessity for Blais’ characters to create a safe space for themselves. We then observe the presence of power relationships inside the friend group, despite their attempt at creating a space out of the social structure that marginalized them in the first place. With this essay, we expose the relationship between the marginalized subject and the world that rejects them, which allows us to reflect on the way these social groups interact with space in general.

La Ceinture des Parques engage un dialogue à mort avec la montée des eaux. Centrée sur les épreuves discrètes et pragmatiques du phénomène, cette fiction post-apocalyptique plonge dans la souffrance psychologique ressassée jour après jour par ceux qui vivent derrière les digues dans l’attente et l’impuissance. Deux rescapés de l’engloutissement planétaire incarnent ici l’idée que, face aux invasions de l’océan, le pire n’est pas dans les tempêtes mais dans ce qui les sépare. Le récit vise dès lors à faire du lecteur un guetteur. Ainsi prend-il la page comme une paroi et le texte comme une faille : chaque lettre est une nouvelle entaille dans le barrage, fissure par laquelle une goutte menace de s’infiltrer. A travers ces brèches, la mer remodèle le langage, balaye toute fixité en imposant le rythme de ses vagues, absorbant les frontières de l’écriture pour les calquer sur l’instabilité permanente qui caractérise le trait de côte et les marées. Plus l’énonciation progresse, plus elle se condamne en ouvrant elle-même ses vannes à une liquéfaction totale où les fins du narrateur, de sa langue et de l’environnement s’unissent dans une dilution commune. L’essai des Neuf gouttes explore le réseau textuel souterrain déployé par le ressassement et la répétition d’une instance narratrice. Roman énigmatique, La petite fille qui aimait trop les allumettes aligne de nombreuses formules récurrentes, variées et réparties sur l’ensemble de ses 200 pages. A travers ces termes fréquents à priori insignifiants, le texte de Gaétan Soucy propose une dynamique textuelle alternative qui diffère selon le degré de coopération pragmatique du lecteur. Le ressassement s’impose dès lors comme moteur du récit, fonctionnant comme un régulateur de vitesse utilisé par la narratrice pour équilibrer deux fins convergentes, l’une matérielle et l’autre psychologique. Entre ces deux menaces qui se resserrent à chaque ligne, Alice Soissons doit résoudre le mystère familial avant que l’écriture soit rendue impossible, tout en évitant de précipiter sa plume dans une surchauffe émotionnelle. Voir comment l’intrigue gère paradoxalement le retour en arrière comme meilleur moyen d’avancer dans sa résolution constitue toute la teneur de cet essai. / La Ceinture des Parques engages in a deadly dialogue with sea level rise. Focusing on the invisible and pragmatic hardships of that natural phenomenon, this post-apocalyptic fiction dives into the daily psychological suffering haunting those who live behind the dikes and wait in helplessness. Two survivors of the global submergence embody the idea that, when facing the oceanic invader, the worst is not in the storms but in what lies between them. The story then aims to turn the reader into a watcher. It thus takes the page as a wall and the text as its flaw: every letter is a gash in the dam, a crack into which a threatening drop might seep. Through these rifts, the sea reshapes the language, erasing any rigidity in the words, imposing the rhythm of its waves that absorb the usual limits of writing to model them on the constant instability that defines coastline and tides. The more the text is developed, the more it condemns itself to be dissolved, letting the water come into the text to achieve a complete blend when the endings of the narrator, of its language and of the environment mix in a common dilution. Neuf Gouttes is an essay exploring the hidden textual network spread by a narrator’s repetition and rumination. An enigmatic novel, La petite fille qui aimait trop les allumettes accumulates many frequent phrases throughout 200 pages. These similar words are trivial at first glance, but through them Gaétan Soucy’s text offers an alternate textual dynamic that differs according to the reader’s pragmatic cooperation level. The textual rumination stands out as the main force of the story, used by the narrator to adjust her writing speed in order to reach a safe balance between two converging endings: a material one and a psychological one. Between these two threats that get closer at each sentence, Alice Soissons must solve her family’s mystery before the writing becomes impossible, but also avoid rushing and crashing her testimony in an emotional explosion. The main goal of this essay is to analyse this paradox in which the plot uses reverses as the best way to make progress until its solving.

Consacré à l’étude de deux romans contemporains, soit La liberté des détours (2015) de Mathieu Blais et Dixie (2013) de William S. Messier, ce mémoire étudie la présence d’une régionalité transformée, voire déconstruite dans l’imaginaire littéraire québécois. Pour ce faire, il examine ces lieux fictifs à la lumière de la reprise de la figure du Survenant, imaginée par Germaine Guèvremont en 1945. Le premier chapitre présente la figure du nomade, des récits historiques au roman de la terre, pour réfléchir sur son évolution. Il explore ensuite la conception novatrice que lui accorde Guèvremont dans Le Survenant au moyen d’une analyse textuelle. Le deuxième chapitre s’attache à la définition de la régionalité, telle qu’elle est définie par Francis Langevin, en fonction des besoins relatifs au corpus primaire de cette étude. Cette approche nous permet d’analyser les filiations en relation avec le topos de l’étranger en milieu rural, et plus précisément la dichotomie entre « habitant » et « étranger » imposée par la littérature terroiriste. La méthode employée pour l’analyse des textes est inspirée des théories de l’intertextualité, de l’hypertextualité et de la narratologie. Finalement, le troisième chapitre examine les thématiques intertextuelles de la liberté et de l’héritage dans les romans contemporains, lesquelles adoptent une esthétique « rurale trash » caractérisée par un refus de l’idéalisation, comme la définit Mathieu Arsenault. De ce fait, le Survenant, idéalisé dans le roman de Guèvremont, se transforme en figure de fuyards hors-la-loi dans La liberté des détours et dans Dixie. / Dedicated to the study of two contemporary novels, La liberté des détours (2015) by Mathieu Blais and Dixie (2013) by William S. Messier, this thesis examines the presence of a transformed, even deconstructed, regionality in Quebec's literary imagination. To do so, it examines these fictitious places in light of the revival of the figure of the Survenant, imagined by Germaine Guèvremont in 1945. The first chapter presents the figure of the nomad, from the tales of history to the rural novel, to reflect on its evolution. It then explores Guèvremont's innovative conception of Le Survenant through textual analysis. The second chapter focuses on Francis Langevin's definition of regionality, based on the needs of the primary corpus of this study. It is a novel way of reflecting on their filiations to the topos of the foreigner in rural areas, and more specifically to the dichotomy between “inhabitant” and “foreigner” imposed by terroirist literature. The method used for the analysis of the texts is inspired by the theories of intextextuality, hypertextuality and narratology. Finally, the third chapter examines the intertextual themes of freedom and heritage in contemporary novels, which adopt a “rural trash” aesthetic characterized by a refusal of idealization, as Mathieu Arsenault defines it. As a result, the Survenant, idealized in Guèvremont's novel, is transformed into the figure of outlaw fugitives in La liberté des détours and Dixie.

Ce mémoire postule que l’affirmation de soi, dans le théâtre de Fabien Cloutier, se fait au détriment de l’autre, voire contre l’autre. Je vérifierai cette hypothèse à travers l’analyse des pièces Scotstown, Billy (Les jours de hurlement) et Bonne retraite, Jocelyne. Ce mémoire part de l’idée selon laquelle l’affirmation identitaire, aujourd’hui, va de pair avec les principes d’« écart » et de « différence », élaborés par François Jullien dans son essai Il n’y a pas d’identité culturelle. Dans les diverses théories, identité et altérité sont intrinsèquement liées. On va même jusqu’à opposer identité et altérité. Dans l’imaginaire collectif et dans l’univers dramaturgique de Fabien Cloutier, la notion d’altérité comporte une connotation fortement négative. Toutefois, ce qui fait la force des pièces de Cloutier, c’est qu’elles dépassent le constat que le soi est confronté à l’autre. Il s’opère plutôt en elles le passage du régime de la « différence » à celui de l’« écart ». Le régime de la « différence » implique un rapport de verticalité, ou autrement dit, de supériorité. Celui d’« écart » implique un rapport d’horizontalité, où les deux entités qui la composent sont prises pour ce qu’elles sont, pour ce qui les rassemble et les dissocie, sans que l’une serve de modèle ou de point de comparaison à l’autre. Pour repérer et analyser les manifestations de l’affirmation de soi et ses effets sur l’autre, telles qu’elles sont perceptibles dans les trois œuvres du corpus, je me pencherai plus particulièrement sur les modalités de l’énonciation et la nature du dialogisme comme les définit Hervé Guay. Je tenterai finalement de montrer comment Scotstown, Billy (les jours de hurlement) et Bonne retraite, Jocelyne dénoncent la tendance à banaliser l’autre afin de mieux se valoriser et comment ces pièces tentent de changer la conception de l’altérité. / This memoir argues that self-affirmation in Fabien Cloutier’s theatre is made at the expense of or even against others. I will verify this theory through the analysis of the plays Scotstown, Billy (The Days of Howling) and Bonne retraite, Jocelyne. I will begin from the idea that nowadays, the affirmation of identity goes hand in hand with the principles of “gap” and “difference”, which were developed by François Jullien in his essay Il n’y a pas d’identité culturelle. In many theories, identity and alterity are intrinsically linked. They even go as far as to oppose identity and alterity. Within the collective imaginary and in Fabien Cloutier’s dramatic universe, the notion of alterity implies a strongly negative connotation. However, the strength of Cloutier’s plays lies in them going beyond the simple fact that the self is confronted to others. Instead, they undergo the transition from François Jullien’s “difference” system to the one of “gap”. The “difference” system implies a vertical relationship, or in other words one of superiority. The “gap” system implies a horizontal relationship, where the two entities that make it up are taken for what they are, for what links them together and what separates them, without one serving as a model or as a point of comparison to the other. To identify and analyse expressions of self-affirmation and their effects on others, as they are notable in the three works of the corpus, I will focus on the enunciation modalities and the nature of dialogism as Hervé Guay defines them. Finally, I will attempt to demonstrate how Scotstown, Billy (The Days of Howling) and Bonne retraite, Jocelyne denounce the tendency to depreciate others in order to better empower oneself, as well as how these plays attempt to change the notion of alterity.