Esta disertación trata de la música en el espacio cultural que une Paraguay, Argentina y Brasil, considerado como espacio simbólico y cultural común. Analiza específicamente el género musical llamado Guarania, el cual, aun siendo de origen paraguayo, es también indistintamente cultivado por argentinos y brasileños en las zonas fronterizas que componen aquél espacio cultural ya mencionado. Su objetivo principal es investigar distintos elementos de este contexto cultural que son evidenciados en la musicalidad del citado género y reconocer posibles características simbólicas, culturales, geográficas, históricas y lingüísticas, que influyen en el intercambio cultural entre Paraguay, Argentina y Brasil. Para ello, a partir de la realización de un mapeo de canciones, más específicamente guaranias, emplea un abordaje metodológico inter y transdisciplinario basado primeramente en la autoetnografía por medio de la experiencia de la investigadora, utilizando además las herramientas de lectura cultural y análisis musical de canciones, esto es, letra y música. Complementariamente, fueron realizadas entrevistas con artistas que forman parte del espacio cultural-simbólico investigado. A partir de tal metodología verificamos la existencia de un contexto social, cultural, histórico y geopolítico que viabilizó la afluencia de estas canciones dentro de dicho espacio, donde permanecen elementos culturales que son compartidos por brasileños, argentinos y paraguayos. La pesquisa abrió nuevas posibilidades de investigación del tema en futuros estudios en diferentes campos de conocimiento. / Esta dissertação trata sobre a música no espaço cultural que une o Paraguai, Argentina e Brasil, considerado como espaço simbólico e cultural comum. Analisa especificamente o género musical chamado Guarania, que, mesmo sendo de origem paraguaio, é também indistintamente cultivado por argentinos e brasileiros nas áreas fronteiriças que compõem aquele espeço cultural já mencionado. Seu objetivo principal é pesquisar diferentes elementos deste contexto cultural que são evidenciados na musicalidade do citado género e reconhecer possíveis características simbólicas, culturais, geográficas, históricas e linguísticas, que influem no intercâmbio cultural entre o Paraguai, Argentina e o Brasil. Para isso, a partir de um mapeamento de canções, mais especificamente guaranias, faz uma abordagem metodológica inter e transdisciplinar baseado primeiramente na autoetnografía a través da experiência da pesquisadora, utilizando além disso as ferramentas da leitura cultura e análise musical de canções, isto é, letra e música. Complementarmente, foram realizadas entrevistas com artistas que fazem parte do espaço cultural-simbólico pesquisado. A partir de tal metodologia, verificamos a existência de um contexto social, cultural, histórico e geopolítico que viabilizou a afluência destas canções dentro deste espaço, onde permanecem elementos culturais que são compartilhados por brasileiros, argentinos e paraguaios. O trabalho abriu novas possibilidades de pesquisa sobre o assunto em futuros estudos de diferentes campos de conhecimento.

Made available in DSpace on 2015-05-07T14:46:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.PDF: 1351873 bytes, checksum: 9bbcd1267aca0f6db1de0a2cc4bd89ec (MD5) Previous issue date: 2011-06-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / La presente disertación tiene el objetivo de analizar como la obra de Raul Seixas se presenta en la forma fonográfica y simbólica. Para tanto, se hace necesario identificar que después del pasaje del dispositivo mediático (disco vinilo) para el CD, las canciones de Raul Seixas permanecen vinculadas a una nueva tecnología y vivas en el cotidiano urbano. De forma que, para analizar la inserción de esta obra en los parámetros de la industria fonográfica utilizamos como base dos autores: Patrick Charaudeau, como método de procedimiento del discurso de los medios de comunicación y Othon Jambeiro, que nos ofreció el soporte para que posamos entender cual es la función de la indústria fonográfica en la producción, edición y divulgación de una obra. A partir del método de investigación formista, con base en los escritos de Michel Maffesoli, percibimos algunas temáticas en la obra de Raul Seixas que contribuyen para que ella sea una realidad presente en el cotidiano urbano de la población brasileña, mismo después de 21 años de la muerte de su autor. Con lo cual, nuestra pesquisa fue estructurada en tres capítulos: en el primer capitulo hicimos una investigación bibliográfica del surgimiento de los movimientos pop, como también de la sociedad brasileña de la década de los 60, tomando en consideración los aspectos culturales y políticos de dicho período. En el segundo momento de nuestra pesquisa hablamos del pasaje de las canciones del compositor por la industria fonográfica, en la década de los 70, como también de algunos elementos que contribuyeron para Raul Seixas se tornar un ídolo de la canción en Brasil. Finalmente, verificamos como la canción de Raul Seixas está inserta en una nueva cultura de difusión en la actualidad y analizamos cinco canciones del compositor que nos dio la base para identificar temas como: religión, rutina, ruptura, política, razón, siendo éstos actuales, contribuyendo de forma significativa a la permanencia de esta obra. / A presente dissertação tem o objetivo de analisar como a obra de Raul Seixas se apresenta nas formas fonográficas e simbólica. Para tanto, se fez necessário identificarmos que depois da passagem do dispositivo midiático (vinil) para o CD, as canções de Raul Seixas permanecem vinculadas a uma nova tecnologia e vivas no cotidiano urbano. Contudo, para analisarmos a inserção dessa obra nos parâmetros da indústria fonográfica usamos como base dois autores: Patrick Charaudeau, com o método de procedimento do Discurso das Mídias e Othon Jambeiro, que nos deu suporte para entendermos qual o papel da indústria fonográfica na produção, edição e divulgação de uma obra. A partir do método de investigação formista, com base nos escritos de Michel Maffesoli, percebemos alguns temas na obra de Raul Seixas que contribuem para que ela seja prensentificada no cotidiano urbano da população brasileira mesmo depois de 21 anos de morte do seu autor. Desse modo, a nossa pesquisa foi estruturada em três capítulos: no primeiro deles, fizemos um levantamento bibliográfico do surgimento dos movimentos pop, bem como da sociedade brasileira da década de 60, levando em consideração os aspectos culturais e políticos daquele período. No segundo momento da nossa pesquisa, falamos da passagem das canções do compositor pela indústria do disco, na década de 70, como também de alguns elementos que contribuíram para Raul Seixas se tornar um ídolo da canção no Brasil. Por fim, verificamos como as canções de Raul Seixas estão inserida em uma nova cultura de difusão na atualidade e analisamos cinco canções do compositor que nos deu base para identificarmos temas como: religião, rotina, ruptura, política, razão, sendo estes atuais, o que contribui de forma significativa para permanência dessa obra.

Submitted by Fabiano Vassallo (fabianovassallo2127@gmail.com) on 2017-04-25T17:57:51Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao - VERSAO GRÁFICA .pdf: 815238 bytes, checksum: 1707b15cefd4d66a2530ec5f641d33d0 (MD5) / Approved for entry into archive by Josimara Dias Brumatti (bcgdigital@ndc.uff.br) on 2017-05-11T15:12:04Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao - VERSAO GRÁFICA .pdf: 815238 bytes, checksum: 1707b15cefd4d66a2530ec5f641d33d0 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-11T15:12:04Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao - VERSAO GRÁFICA .pdf: 815238 bytes, checksum: 1707b15cefd4d66a2530ec5f641d33d0 (MD5) / Sistema FIRJAN - SESI/SENAI, São Gonçalo, RJ / Este trabalho tem o propósito de analisar letras de canções do compositor e cantor Jorge Drexler, a fim de verificar, a partir da “imagem de si” criada discursivamente pelo sujeito enunciador, a construção de uma identidade oscilante entre a “latinidade” e a “universalidade”. Parte-se do pressuposto de que, por meio das letras, constrói-se um imaginário discursivo que não só remete à identidade do cantor, como também colabora para a tentativa de “apagamento” do sujeito individual em função da composição de uma identidade universal. Para isso, analisase, nesta dissertação, um corpus de cinco canções, sob o viés da Teoria Semiolinguística de Análise do Discurso, proposta por Patrick Charaudeau (2005, 2008, 2009, 2013), com destaque aos conceitos de ethos e às estratégias discursivas de captação, credibilidade e legitimação. Também norteiam esta pesquisa conceitos extraídos dos Estudos Culturais (HALL, 2011; SILVA, 2013; BAUMAN, 2005; BHABHA, 2013). Observa-se que a discografia de Jorge Drexler supera posições identitárias fixas, estáticas, reforçando a mobilidade entre o local e o global / Este trabajo tiene el propósito de analizar letras de canciones del cantautor uruguayo Jorge Drexler, para verificar, a partir de la “imagen de sí” creada discursivamente por el sujeto enunciador, la construcción de una identidad que oscila entre “latinidad” y “universalidad”. Se parte del presupuesto de que a través de las letras se construye un imaginario discursivo que no sólo remite a la identidad del cantautor, sino también colabora a un intento de “anulación” del sujeto individual en función de la composición de una identidad universal. Para ello se analiza un corpus de cinco canciones, a partir del marco de la Teoría Semiolinguística de Análisis del Discurso, propuesta por Patrick Charaudeau (2008, 2009, 20013), del cual destacan los conceptos de ethos y las estrategias discursivas de captación, credibilidad y legitimación. Asimismo, conceptos extraídos de los Estudios Culturales (HALL, 2011; SILVA, 2013; BAUMAN, 2005; BHABHA, 2013) nortean esta investigación. Se observa que la discografía de Jorge Drexler sobrepasa posiciones identitarias fijas, estáticas, reforzando la mobilidad entre lo local y lo global

Aderida de modo amplo aos campos da literatura, da música e da história e, a partir daí, em específico à canção popular compreendida como gênero artístico de significativa presença no Brasil, esta dissertação tem por objetivo refletir e compreender a apropriação da forma milonga no interior das obras de dois expressivos cancionistas brasileiros da atualidade, Bebeto Alves e Vitor Ramil. Advindos de uma geração de músicos urbanos com formação na década de 1970 no Rio Grande do Sul, ambos demonstram, em vários momentos de suas trajetórias, um tipo de leitura que se poderia qualificar como renovadora à milonga, tanto em peças isoladas como em álbuns inteiros. Com o objetivo de abrir a questão em perspectiva histórica, partiu-se do pensamento de Ángel Rama sobre o sistema literário da gauchesca e teve-se como horizonte de chegada, entre outros autores, Lauro Ayestarán e Jorge Luis Borges, que escrevem sobre o tango e a milonga a posteriori da, como refere Luiz Tatit, triagem dos meios, na virada do novecentos. Por outro lado, na ponta sul-brasileira, a milonga é percebida em 1912 por Cezimbra Jacques como “adaptada entre a gauchada da fronteira”, e passa a encontrar grande difusão a partir da década de 1960. É a mesma década em que a forma é também apropriada pela chamada nova canção latino-americana, com Atahualpa Yupanqui e Daniel Viglietti, por exemplo. A hipótese desta pesquisa é a de que a milonga, praticada como um elemento central do processo de criação em Vitor e em Bebeto, e não como um elemento a mais do processo de mistura, passa por mais um de seus periódicos nós de reprocessamento, em patamar artístico de integração mais ampla para além-fronteiras pampeanas. Procedeu-se, como demonstração desta hipótese, ao comentário de dois álbuns: Bebeto Alves y la milonga nova e Ramilonga. / Adherida de modo amplio en las areas de la literatura, música y historia, y a partir de ahí específicamente a la canción popular ubicada como género artístico de presencia significativa en Brasil, esta investigación tiene como propósito reflexionar y comprender la apropriación de la forma milonga en el interior de las obras de Bebeto Alves y Vitor Ramil, dos expresivos cantautores brasileños de la actualidad. Salidos de una generación de músicos urbanos con formación en la década de 1970 en Rio Grande del Sur, ambos demuestran, en varios momentos de sus trayectorias, un tipo de lectura que se podría calificar como renovadora de la milonga, tanto en canciones aisladas como en discos completos. Con el objectivo de abrir la cuestión en perspectiva histórica, se puso en marcha inicialmente el pensamiento de Ángel Rama sobre el sistema literario de la gauchesca, y como punto de llegada, entre otros autores, Lauro Ayestarán y Jorge Luis Borges, que escriben sobre el tango y la milonga a posteriori de la – como refiere Luiz Tatit – selección de los medios, en inícios del novecientos. Por otra parte, en el extremo sur brasileño, la milonga es reconocida por Cezimbra Jacques en 1912 como “adaptada entre la gauchada de la frontera”, y pasa a encontrar gran difusión a partir de la década de 1960. En esta misma década, la forma también es apropiada por la nombrada nueva canción latinoamericana, con Atahualpa Yupanqui y Daniel Viglietti, por ejemplo. La hipótesis de esta investigación es que la milonga, practicada como un elemento central del proceso de creación en Vitor Ramil y en Bebeto Alves, y no como un elemento más en el proceso de mezclas, enfrenta otro de sus frecuentes momentos de renovación, en nivel artístico de integración más amplia, más allá de las fronteras de la pampa. Se procedió, para demostrar esta hipótesis, al comentario de dos discos: Bebeto Alves y la milon

Aderida de modo amplo aos campos da literatura, da música e da história e, a partir daí, em específico à canção popular compreendida como gênero artístico de significativa presença no Brasil, esta dissertação tem por objetivo refletir e compreender a apropriação da forma milonga no interior das obras de dois expressivos cancionistas brasileiros da atualidade, Bebeto Alves e Vitor Ramil. Advindos de uma geração de músicos urbanos com formação na década de 1970 no Rio Grande do Sul, ambos demonstram, em vários momentos de suas trajetórias, um tipo de leitura que se poderia qualificar como renovadora à milonga, tanto em peças isoladas como em álbuns inteiros. Com o objetivo de abrir a questão em perspectiva histórica, partiu-se do pensamento de Ángel Rama sobre o sistema literário da gauchesca e teve-se como horizonte de chegada, entre outros autores, Lauro Ayestarán e Jorge Luis Borges, que escrevem sobre o tango e a milonga a posteriori da, como refere Luiz Tatit, triagem dos meios, na virada do novecentos. Por outro lado, na ponta sul-brasileira, a milonga é percebida em 1912 por Cezimbra Jacques como “adaptada entre a gauchada da fronteira”, e passa a encontrar grande difusão a partir da década de 1960. É a mesma década em que a forma é também apropriada pela chamada nova canção latino-americana, com Atahualpa Yupanqui e Daniel Viglietti, por exemplo. A hipótese desta pesquisa é a de que a milonga, praticada como um elemento central do processo de criação em Vitor e em Bebeto, e não como um elemento a mais do processo de mistura, passa por mais um de seus periódicos nós de reprocessamento, em patamar artístico de integração mais ampla para além-fronteiras pampeanas. Procedeu-se, como demonstração desta hipótese, ao comentário de dois álbuns: Bebeto Alves y la milonga nova e Ramilonga. / Adherida de modo amplio en las areas de la literatura, música y historia, y a partir de ahí específicamente a la canción popular ubicada como género artístico de presencia significativa en Brasil, esta investigación tiene como propósito reflexionar y comprender la apropriación de la forma milonga en el interior de las obras de Bebeto Alves y Vitor Ramil, dos expresivos cantautores brasileños de la actualidad. Salidos de una generación de músicos urbanos con formación en la década de 1970 en Rio Grande del Sur, ambos demuestran, en varios momentos de sus trayectorias, un tipo de lectura que se podría calificar como renovadora de la milonga, tanto en canciones aisladas como en discos completos. Con el objectivo de abrir la cuestión en perspectiva histórica, se puso en marcha inicialmente el pensamiento de Ángel Rama sobre el sistema literario de la gauchesca, y como punto de llegada, entre otros autores, Lauro Ayestarán y Jorge Luis Borges, que escriben sobre el tango y la milonga a posteriori de la – como refiere Luiz Tatit – selección de los medios, en inícios del novecientos. Por otra parte, en el extremo sur brasileño, la milonga es reconocida por Cezimbra Jacques en 1912 como “adaptada entre la gauchada de la frontera”, y pasa a encontrar gran difusión a partir de la década de 1960. En esta misma década, la forma también es apropiada por la nombrada nueva canción latinoamericana, con Atahualpa Yupanqui y Daniel Viglietti, por ejemplo. La hipótesis de esta investigación es que la milonga, practicada como un elemento central del proceso de creación en Vitor Ramil y en Bebeto Alves, y no como un elemento más en el proceso de mezclas, enfrenta otro de sus frecuentes momentos de renovación, en nivel artístico de integración más amplia, más allá de las fronteras de la pampa. Se procedió, para demostrar esta hipótesis, al comentario de dos discos: Bebeto Alves y la milon

Aderida de modo amplo aos campos da literatura, da música e da história e, a partir daí, em específico à canção popular compreendida como gênero artístico de significativa presença no Brasil, esta dissertação tem por objetivo refletir e compreender a apropriação da forma milonga no interior das obras de dois expressivos cancionistas brasileiros da atualidade, Bebeto Alves e Vitor Ramil. Advindos de uma geração de músicos urbanos com formação na década de 1970 no Rio Grande do Sul, ambos demonstram, em vários momentos de suas trajetórias, um tipo de leitura que se poderia qualificar como renovadora à milonga, tanto em peças isoladas como em álbuns inteiros. Com o objetivo de abrir a questão em perspectiva histórica, partiu-se do pensamento de Ángel Rama sobre o sistema literário da gauchesca e teve-se como horizonte de chegada, entre outros autores, Lauro Ayestarán e Jorge Luis Borges, que escrevem sobre o tango e a milonga a posteriori da, como refere Luiz Tatit, triagem dos meios, na virada do novecentos. Por outro lado, na ponta sul-brasileira, a milonga é percebida em 1912 por Cezimbra Jacques como “adaptada entre a gauchada da fronteira”, e passa a encontrar grande difusão a partir da década de 1960. É a mesma década em que a forma é também apropriada pela chamada nova canção latino-americana, com Atahualpa Yupanqui e Daniel Viglietti, por exemplo. A hipótese desta pesquisa é a de que a milonga, praticada como um elemento central do processo de criação em Vitor e em Bebeto, e não como um elemento a mais do processo de mistura, passa por mais um de seus periódicos nós de reprocessamento, em patamar artístico de integração mais ampla para além-fronteiras pampeanas. Procedeu-se, como demonstração desta hipótese, ao comentário de dois álbuns: Bebeto Alves y la milonga nova e Ramilonga. / Adherida de modo amplio en las areas de la literatura, música y historia, y a partir de ahí específicamente a la canción popular ubicada como género artístico de presencia significativa en Brasil, esta investigación tiene como propósito reflexionar y comprender la apropriación de la forma milonga en el interior de las obras de Bebeto Alves y Vitor Ramil, dos expresivos cantautores brasileños de la actualidad. Salidos de una generación de músicos urbanos con formación en la década de 1970 en Rio Grande del Sur, ambos demuestran, en varios momentos de sus trayectorias, un tipo de lectura que se podría calificar como renovadora de la milonga, tanto en canciones aisladas como en discos completos. Con el objectivo de abrir la cuestión en perspectiva histórica, se puso en marcha inicialmente el pensamiento de Ángel Rama sobre el sistema literario de la gauchesca, y como punto de llegada, entre otros autores, Lauro Ayestarán y Jorge Luis Borges, que escriben sobre el tango y la milonga a posteriori de la – como refiere Luiz Tatit – selección de los medios, en inícios del novecientos. Por otra parte, en el extremo sur brasileño, la milonga es reconocida por Cezimbra Jacques en 1912 como “adaptada entre la gauchada de la frontera”, y pasa a encontrar gran difusión a partir de la década de 1960. En esta misma década, la forma también es apropiada por la nombrada nueva canción latinoamericana, con Atahualpa Yupanqui y Daniel Viglietti, por ejemplo. La hipótesis de esta investigación es que la milonga, practicada como un elemento central del proceso de creación en Vitor Ramil y en Bebeto Alves, y no como un elemento más en el proceso de mezclas, enfrenta otro de sus frecuentes momentos de renovación, en nivel artístico de integración más amplia, más allá de las fronteras de la pampa. Se procedió, para demostrar esta hipótesis, al comentario de dos discos: Bebeto Alves y la milon

En esta tesina nos proponemos investigar las diferencias en la enseñanzaaprendizaje de aspectos gramaticales con dos recursos diferentes: letras de canciones en español y el libro de texto. También investigaremos la relación entre los conocimientos previos de los alumnos y las producciones lingüísticas de los mismos alumnos. Para ello hemos llevado a cabo una investigación donde una clase estudia las estructuras pronominales con la letra de una canción y el pretérito indefinido con un libro de texto mientras que otra clase estudia las estructuras pronominales con el libro de texto y el pretérito indefinido con la letra de una canción. Ambas clases realizan finalmente una prueba relativa a cada combinación de aspecto gramatical y recurso didáctico. Debido a la gran variación en los resultados no se han podido establecer diferencias notables en los resultados en cuanto a los recursos didácticos. Tampoco se han podido corroborar diferencias en los resultados respecto a los conocimientos previos de los alumnos. / The purpose of this essay is to investigate the differences in the teaching and learning of grammatical aspects using two different resources: songs in Spanish and a textbook. The essay also investigates the relationship between the students’ previous knowledge and their results. In order to achieve those purposes, an investigation took place where one group of students study pronominal structures through song lyrics and the preterite tense through a textbook while another group of students study pronominal structures through a textbook and the preterite tense through song lyrics. Further on, both classes take an exam in relation to each combination of grammatical aspect and didactic resource. Due to the great variation in the results no differences could be defined regarding the didactic resources nor regarding the relation between the students’ previous knowledge and the results in the exams.

The underrepresentation of Mexican art song has left classical singers with few Spanish-language repertoire options. Currently, the music of Spain dominates this scene and Mexican art song has yet to earn a place in academic curricula and concert halls. Manuel María Ponce (1882-1948) retains an important position in Mexican music. However, Ponce's vocal repertoire—consisting of over 150 songs—remained dormant for many decades after his death due to its misclassification by music aristocrats in Mexico that greatly affected their diffusion. Consequently, few copies were published during Ponce's life, making them difficult to find. The need in the singing community for repertoire of this kind has raised many questions not only about its existence and availability, but also about its origins and relationship to the established Art Song canon. To promote the diffusion of this underrepresented repertoire, a style analysis of Ponce's Romantic Mexican Art Song is offered through the lens of his writings about Mexican Song. The analysis includes vital information about the origins, form, style, and subjects of these songs. Tangible examples of these traits are provided from Ponce's Doce Canciones Mexicanas along with historically-informed suggestions for singers and translations of the text with IPA transcriptions.

Mémoire en recherche-création. Une proposition de traduction chantable de huit chansons populaires de l'auteure et compositrice Chabuca Granda de l'espagnol au français. Ce mémoire contient des audios mp3 enregistrés par l'étudiant, dans la section Annexes, qui sont indispensables pour ce travail de recherche. / Ce mémoire porte sur la traduction chantable de huit chansons populaires de l’auteure et compositrice Chabuca Granda, de l’espagnol au français. Le terme « traduction chantable » désigne toute chanson traduite destinée à être chantée en langue cible. Ces chansons ont été traduites, chantées et enregistrées, accompagnées de percussions, sur les rythmes propres à chacune, selon une approche fonctionnaliste. Le cadre théorique comprend deux approches. Celle de Peter Low (2005), développée à partir de la théorie skopos de Vermeer (1978 ; 2000), appelée « principe du pentathlon » énumère cinq critères permettant de guider le travail du traducteur de chansons, à savoir : la chantabilité, le sens, l’idiomaticité, le rythme et la rime. Ensuite, celle d’Andrew Kelly, conçue à l’origine comme une approche pédagogique pour l’apprentissage du français et qui a fini par devenir une référence pour la traduction de chansons, avec les critères suivants : les rythmes, le sens, le style, les rimes, le son, le récepteur et les paroles de la chanson originale. Outre ces critères, les traductions présentées comportent certaines adaptations et recréations. Le cœur du mémoire consiste en l’analyse détaillée des traductions. Pour chacune d’elles, les critères énoncés ci-dessus sont pris en compte ainsi que le rythme, le contexte et les défis posés par le texte original. Les chansons ont été chantées et enregistrées à la fois en espagnol et en français, et se retrouvent annexées à la fin du document. Enfin, bien que les approches de Low et Kelly se soient avérées applicables aux côtés de l’adaptation et la recréation, le choix des critères de traduction peut toutefois varier en fonction de l’objectif du traducteur. / This master’s thesis examines the singable translation from Spanish to French of eight songs by Peruvian author and composer Chabuca Granda. The term “singable translation” refers to any translated song intended to be sung in the target language. These songs were translated, sung, and recorded with percussion, in the rhythm of each song, using a functionalist approach. The theoretical framework is composed by two approaches. Peter Low’s approach (2005) from Vermeer’s (1978; 2000) theory of Skopos, known as the “pentathlon principle.” In which Low lists five criteria that could guide the work of the song translators, for singable translation of songs, that is singability, sense, naturalness, rhythm, and rhyme. Then, Andrew Kelly’s song translation strategy was originally conceived as a pedagogical approach to learning French and is now a reference for song translation with the following criteria: rhythms, meaning, style, rhyme, sound, intended listeners, and original lyrics. Beside these criteria, these translations include some adaptations and recreations. The heart of this thesis is about the detailed analysis of the translated songs. Translation criteria mentioned above, as well as rhythm, context, and the challenge of the original text are applied to each song. Once translated, each song was recorded and sung in both Spanish and French and is attached at the end of the document. Finally, even though that Kelly’s and Low’s approaches, along with adaptation and recreation strategies can apply, the choice of translation criteria will depend on the translator’s objectives. / Esta memoria trata sobre la traducción cantable de ocho canciones de la autora y compositora Chabuca Granda, del español al francés. Compréndase Traducción cantable, como a toda canción traducida para ser cantada en lengua meta. Estas canciones han sido traducidas, cantadas y grabadas, acompañadas por la percusión, en los ritmos propios de cada canción desde un enfoque funcionalista. El marco teórico está constituido por dos enfoques. El de Peter Low (2005) elaborado a partir de la teoría del Skopos de Vermeer (1978; 2000), llamado el “Principio del pentatlón”, el cual enumera cinco criterios que permiten guiar el trabajo del traductor de canciones, a saber: la cantabilidad, el sentido, la idiomaticidad, el ritmo y la rima. Seguido por el de Andrew Kelly, concebido en un principio como un enfoque pedagógico para el aprendizaje del francés y el cual terminó convirtiéndose en un referente para la traducción de canciones según los siguientes criterios: los ritmos, el sentido, el estilo, las rimas, el sonido, el receptor y la letra original. A parte de estos criterios, las traducciones propuestas contienen adaptaciones y recreaciones. El núcleo de la memoria consiste en el análisis detallado de cada canción traducida. Para cada una de ellas, son tomados en cuenta los criterios de traducción mencionados anteriormente junto con el ritmo, el contexto y el desafío que presenta el texto original. Las canciones han sido cantadas y grabadas tanto en español como en francés, y se encuentran anexadas al final del documento. Finalmente, a pesar de que tanto el enfoque de Kelly como el de Low, junto con la adaptación y la recreación puedan aplicarse, la selección de los criterios de traducción puede variar según el objetivo del traductor.

[EN] This doctoral thesis, that seeks to recover the figure and work of the Spanish composer José María Ruiz de Azagra Sanz (1900-1971), connects with the current lines of research about composers that developed their creative works mainly during the Spanish postwar period. Despite being one of the most prolific and popular composers of his time, in the lyric theatre (paso dobles, couplets, revue¿) genre as well as in the Spanish cinema from the 40s and 50s, Ruiz de Azagra has been ostracised and the references to his work or to his person are rarely existing, although some academic studies and specialized publications stand out, as those by Casares Rodicio, Llisterri or Roldán Garrote, that speak about some aspects of his life and work in the lyrical theatre and film music. The main aims of this work are the presentation and the setting-up of a thorough and updated biography of the composer, as well as his work cataloguing. After a broaden field work that involved the consultation of a wide range of sources, foundations and documentation centres, a biography and a catalogue of the author are presented along with a general analysis of the musical soundtrack for the film La torre de los siete jorobados as well as scores of some compositions for lyric theatre from the 50s, in order to stablish the author's own compositional features in both genres. Finally, it is also included the recovered piano and voice score of the song Manola lá through the playback of the audiovisual recording from the aforementioned film. / [ES] La presente tesis doctoral, que pretende recuperar la figura y obra del compositor español José María Ruiz de Azagra Sanz (1900-1971), entronca con la línea de investigación actual sobre compositores que desarrollaron su trabajo creativo principalmente durante la postguerra española. A pesar de tratarse de uno de los compositores más prolíficos y populares en su época tanto en el género del teatro lírico (pasodobles, cuplés, revista¿) como en el cine español de los 40 y 50, Ruiz de Azagra ha sido relegado al ostracismo y apenas existen referencias a su obra y su persona, si bien destacan algunos estudios académicos y publicaciones especializadas realizados por Casares Rodicio, Llisterri, o Roldán Garrote que hablan de algún aspecto de su vida y obra dentro del teatro lírico y la música cinematográfica. Los principales objetivos de este trabajo son la presentación y establecimiento de una biografía exhaustiva y actualizada del compositor así como la catalogación su obra. Tras un minucioso trabajo de campo que supuso la consulta en un amplio espectro de fuentes, fundaciones y centros documentales, se presenta junto con la biografía y el catálogo del autor, un análisis general de la banda sonora musical para la película La torre de los siete jorobados así como de algunas composiciones para teatro lírico de los años 50 con el fin de establecer unas características propias de composición del autor en ambos géneros. Por último, también se aporta la partitura recuperada para piano y voz de la canción Manola lá mediante la escucha del registro audiovisual perteneciente a la película anteriormente citada. / [CA] La present tesi doctoral, que pretén recuperar la figura i l'obra del compositor espanyol José María Ruiz de Azagra Sanz (1900-1971), entronca amb la línia d'investigació actual sobre compositors que desenvoluparen el seu treball creatiu principalment durant la postguerra espanyola. Malgrat tractar-se d'un dels compositors més prolífics i populars en la seua època, tant en el gènere del teatre líric (pasdobles, cuplets, revista¿) com en el cinema espanyol dels anys 40 i 50, Ruiz de Azagra ha sigut relegat a l'ostracisme i quasi no existeixen referències a la seua obra i persona, si bé destaquen alguns estudis acadèmics i publicacions especialitzades realitzades per Casares Rodicio, Llisteri o Roldán Garrote que assenyalen algun aspecte de la seua vida i obra dins del teatre líric i de la música cinematogràfica. Els principals objectius d'aquest treball són la presentació i establiment d'una biografia exhaustiva i actualitzada del compositor així com la catalogació de la seua obra. Rere un minuciós treball de camp que va suposar la consulta en un ampli espectre de fonts, fundacions i centres documentals, es presenta junt amb la biografia i el catàleg de l'autor, una anàlisi general de la banda sonora musical per a la pel·lícula La torre de los siete jorobados, així com de algunes composicions per a teatre líric dels anys 50 amb la fi d'establir unes característiques pròpies de composició de l'autor en ambdós gèneres. Per últim, també s'aporta la partitura recuperada per a piano i veu de la cançó Manola lá mitjançant l'audició del registre audiovisual pertanyent a la pel·lícula anteriorment citada. / Traver Navarro, P. (2015). EL COMPOSITOR ESPAÑOL JOSÉ MARÍA RUIZ DE AZAGRA SANZ (1900-1971): BIOGRAFÍA Y OBRA [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/57709