Magisterarbeit--Berlin--Freie Universiẗat, 2004.

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Depuis les années 1990, le flou a envahi les écrans, touchant toutes les productions audiovisuelles, qu’ils s’agissent des films d’auteur, des blockbusters, des séries, ou encore des publicités. S’il est le plus souvent devenu un composant narratif, voire purement « cosmétique », des longs-métrages, certains réalisateurs tentent de se dégager de cet usage normé afin de jouer avec son potentiel menaçant, que nous savons qualifié de symptomal. Le terme de « symptôme », qui se réfère à l’usage qu’en fait Georges Didi-Huberman, renvoie à un contre-régime de l’image qui vient soulever le régime figuratif. En privilégiant une approche esthétique, phénoménologique et sémiologique, notre thèse met au jour la puissance symptomale du flou, à savoir son potentiel figural, haptique ou encore informe. Selon la théorie développée par Georges Didi-Huberman à partir des écrits de Sigmund Freud, le terme de « symptôme »fait également écho au mouvement du temps, c’est-à-dire au travail qu’opèrent les hantises, les survivances au sein des images afin d’ébranler, de faire vaciller le régime figuratif. Le flou-symptôme est donc aussi envisagé à partir de l’angle du temps, d’un temps qui malmène la représentation, la narration. Notre attention se porte sur différents types de flou, qu’il enveloppe totalement ou partiellement l’image(faible profondeur de champ), s’immisce progressivement dans l’image (mouvement de mise au point), ou encore résulte d’un travail sur le montage rapide (flicker) et la matière (définition de l’image, flou atmosphérique). Dans ce travail, nous analysons toutes ces différentes formes de flou afin de révéler que si certains réalisateurs s’emploient à défaire la fiction première, c’est pour mieux esquisser de nouvelles lignes de fuite narratives, des vies nouvelles. / Since the 90s, blur has invaded screens through all audiovisual productions. This phenomenon can be found not only in arthouse movies but also in blockbusters, TV series, or commercials. Its recurrent appearance as a narrative component, or even “cosmetic”, led some directors to grow away from this standardized use and to fully develop its threatening potential, that we call here symptomal. Symptom,according to Georges Didi-Huberman's works, refers to a counter-regime in which the image upraises the figurative regime. By favoring an aesthetic, phenomenological, and semiologistic approach, this thesisreveals the symptomal power of the blur, namely its figural, haptic, and formless potential. According to the theory that Georges Didi-Huberman elaborated from Sigmund Freud's work, the term “symptom”resonates with the flow of time, id est the labor operated by hauntings and survivances within images in order to undermine and shake the figurative regime. Thus the blur-symptom is also envisioned through the scope of time, a time which destabilizes representation and narration. Our focus is on the different types of blur : an image completely or partially blurred (shallow depth of field), blurring through a motion in the focus (focus-through), or through flickers and even a processing of the matter (image definition andatmospheric blur). In this study, we analyze these different forms of blur to reveal that some directors strive to dismantle the original fiction. Doing so, they eventually sketch new narrative lines of flight, newlives.

Dans les années vingt, Warburg, Cassirer et Panofsky, qui travaillent à Hambourg, rencontrent un problème épistémologique important: celui de la tension entre l'approche historique et l'approche transcendantale (ou apriorique) des oeuvres d'art. Faut-il comprendre l'oeuvre en fonction de son ancrage historique précis ou en fonction des structures universelles qui l'ont rendue possible ? Pour répondre à ce problème, chacun invente une nouvelle manière de faire de l'histoire, ou de faire de la philosophie. Il s'agira donc d'étudier leurs trois projets principaux : "Mnemosyne" (Warburg), "La philosophie des formes symboliques" (Cassirer), "La perspective comme forme symbolique" (Panofsky). Il s'agira aussi d'entreprendre une confrontation systématique de leurs pensées.

The aim of this paper is to examine a translation of philosophical text from French into Swedish, with main focus on what is presented as inherent problems when translating philosophical terms. The philosophical terminology is often innovative and reflexive: the specific language usage, the frequent creation of new terms and the nuances of discourse when interpreting meaning are all elements susceptibly problematic when confronted by a translator.   The analysis draws upon our own translation of the article “L’image est le mouvant” by philosopher and art historian Georges Didi-Huberman, in which the author analyses central concepts from the philosophy of Henri Bergson in the light of the evolving art of cinema and related visual inventions at the turn of the century. The analysis is structured according to the interpretive model proposed by translator Jean Delisle, which together with theories on the philosophical terminology allow us to distinguish “discursive presuppositions” in the text. These presuppositions are crucial to the initial recognition of terms, and permit us to discern different types of translational problems in our material. By passing through the successive stages of the analysis model, different aspects of the translation and its problems are discussed in relation to the previous parts.   The analysis emphasizes and illustrates mainly the importance of interpreting discourse when translating philosophy: the unique language usage of the philosopher and the presuppositions of the text are both crucial to the understanding of terms. Due to the provisional definitions of terms and their uncertain delimitations, the translation of philosophical language constitutes a singular act of rewriting in which the translator plays a highly significant role.

5 Abstract This thesis deals with topic concerning photography and its relation to reality in work of French philosopher and art historian Georges Didi-Huberman. The thesis is divided into two main chapters. The first main part includes introduction to Didi- Huberman's approach and familiarization with his terms as well as theoretical analysis of photography through his work. This part also includes comparison with approach of the other authors, for example with Roland Barthes. The goal of this thesis is to identify possible ways thinking about photography, from the perspective of photography as a construct and photography as a testimony. The goal of the second main part is to use Didi-Huberman's approach and apply it on several selected photographies within contemporary context. Key Words Didi-Huberman, photograph, construction, testimony, surviving images

[O]uvrir fermer / les portes, la première partie de ce mémoire, est un projet de poésie, divisé en cinq sections, qui allie le vers libre et la prose. Le sujet poétique essaie d'animer et de ranimer son "récit", son "histoire", entre autres par le rappel fragmentaire d'événements ou de lieux, la redite de paroles déjà échangées et, par l'adresse et l'apostrophe rétroactives. Derrière une énonciation piétinante, une tendance à la répétition, derrière une rythmique à la fois fuyante et brisée se trouve un questionnement: que dire et comment le dire? Que nommer et comment le nommer? Si le ton du projet est lyrique et intimiste, il veut aussi chercher à se positionner face aux variations existantes du lyrisme. La seconde partie, Les pouvoirs mémoriels de l'objet dans Le saut de l'ange de Denise Desautels, est un essai qui s'intéresse aux rapports auratiques et mémoriels (G. Didi-Huberman) entre l'écriture et les objets d'art (six sculptures de la série Island de Martha Townsend) qui accompagnent le recueil Le saut de l'ange de la poète québécoise Denise Desautels. / [O]uvrir fermer / les portes, the first part of this M.A. Thesis is a poetic project, divided in five sections, that combine free verse and poetic prose. The poetic subject tries to animate and reanimate fragments of her "story" by recalling memories of events or places, by repeating past conversations or by retroactively addressing thoughts. Behind a repetitive voice and behind a rythm that is at once fast or broken, we can find a reflexion: what and how can we say? What and how can we name? While the project's tone is lyrical and intimist, ouvrir fermer / les portes tries to take position facing the multiple variations of lyrism. The second part, the essay Les pouvoirs mémoriels de l'objet dans Le saut de l'ange de Denise Desautels, studies "auratic" and memorial (G. Didi-Huberman) connections between writing and the works of art (six sculptures of Island from artist Martha Townsend) that accompany the collection Le saut de l'ange by Quebec poet Denise Desautels.

L’art symboliste pictural ou théâtral qui s’est développé à la fin du dix-neuvième siècle est habité par le sacré, que celui-ci se manifeste sous la forme du spirituel, du religieux ou sous toute autre forme (spiritisme, occultisme, mysticisme). Quelle que soit sa forme, le sacré est pour tous les symbolistes lié à l’art. Leurs recherches formelles, multiples et variées, tendent toutes à faire surgir l’invisible du visible. Or toutes voient l’émergence, dans les œuvres, de la représentation de la femme, qui dès lors devient intimement liée au «symbolisme». En véhiculant le sacré, la femme devient le symbole des idées des artistes sur leur art, voire le symbole du rapport de l’artiste à son art. Ainsi la thèse étudie la femme dans son rapport aux idées et à l’esthétique propres à chaque artiste, dans son interrelation avec l’art et le sacré et les études détaillées des œuvres dramatiques et picturales visent à montrer la variété et la complexité de ses représentations. En même temps, cette recherche est une étude d’ensemble concernant les relations entre le théâtre et la peinture dans la période fin-de-siècle, abordées non pas de l’extérieur, mais de l’intérieur (c’est-à-dire par les caractéristiques propres des œuvres), dans le cadre de la théorie de l’image ouverte, telle qu’elle a été développée par Georges Didi-Huberman. Finalement, que la forme d’expression artistique soit celle de l’art dramatique ou celle de l’art pictural, la femme n’est dans les œuvres que la manifestation d’une réflexion esthétique qui est aussi une réflexion philosophique, elle est le lieu de rencontre entre le Moi et l’Autre à partir duquel s’origine l’œuvre. / Symbolist art, be it pictorial or theatrical, which developed in the late nineteenth century was filled with sacredness, whatever its form: spiritual, religious or any other (spiritualism, occultism, mysticism). However in all its forms, sacredness is for all symbolists linked to Art. Formal research by symbolists, which is numerous and diverse, all tends to make the invisible visible. However all symbolists formal research saw in the works the emergence of the representation of women, which therefore becomes intimately linked to the "symbolism". By conveying sacredness, woman becomes the symbol of the ideas of the artists on their Art; even the symbol of the relationship of the artist to his Art. Thus this thesis studies woman in its relationship to the ideas and aesthetics of each artist, in its interrelationship with Art and the sacredness. The detailed studies of drama and paintings aim to show the variety and complexity of its representations. At the same time, this research is a global study on the relationship between theatre and painting in the end-of-century period, approached not from outside but from within (i.e. by the characteristics of works), as part of the theory of the open image developed by Georges Didi-Huberman. Finally, whatever the form of artistic expression – drama or painting – woman is only in the works, the manifestation of aesthetic reflection that is also a philosophical reflection, situated at the crossroads between the Ego and the Other, from which the work originates.

[O]uvrir fermer / les portes, la première partie de ce mémoire, est un projet de poésie, divisé en cinq sections, qui allie le vers libre et la prose. Le sujet poétique essaie d'animer et de ranimer son "récit", son "histoire", entre autres par le rappel fragmentaire d'événements ou de lieux, la redite de paroles déjà échangées et, par l'adresse et l'apostrophe rétroactives. Derrière une énonciation piétinante, une tendance à la répétition, derrière une rythmique à la fois fuyante et brisée se trouve un questionnement: que dire et comment le dire? Que nommer et comment le nommer? Si le ton du projet est lyrique et intimiste, il veut aussi chercher à se positionner face aux variations existantes du lyrisme. La seconde partie, Les pouvoirs mémoriels de l'objet dans Le saut de l'ange de Denise Desautels, est un essai qui s'intéresse aux rapports auratiques et mémoriels (G. Didi-Huberman) entre l'écriture et les objets d'art (six sculptures de la série Island de Martha Townsend) qui accompagnent le recueil Le saut de l'ange de la poète québécoise Denise Desautels. / [O]uvrir fermer / les portes, the first part of this M.A. Thesis is a poetic project, divided in five sections, that combine free verse and poetic prose. The poetic subject tries to animate and reanimate fragments of her "story" by recalling memories of events or places, by repeating past conversations or by retroactively addressing thoughts. Behind a repetitive voice and behind a rythm that is at once fast or broken, we can find a reflexion: what and how can we say? What and how can we name? While the project's tone is lyrical and intimist, ouvrir fermer / les portes tries to take position facing the multiple variations of lyrism. The second part, the essay Les pouvoirs mémoriels de l'objet dans Le saut de l'ange de Denise Desautels, studies "auratic" and memorial (G. Didi-Huberman) connections between writing and the works of art (six sculptures of Island from artist Martha Townsend) that accompany the collection Le saut de l'ange by Quebec poet Denise Desautels.

L’art symboliste pictural ou théâtral qui s’est développé à la fin du dix-neuvième siècle est habité par le sacré, que celui-ci se manifeste sous la forme du spirituel, du religieux ou sous toute autre forme (spiritisme, occultisme, mysticisme). Quelle que soit sa forme, le sacré est pour tous les symbolistes lié à l’art. Leurs recherches formelles, multiples et variées, tendent toutes à faire surgir l’invisible du visible. Or toutes voient l’émergence, dans les œuvres, de la représentation de la femme, qui dès lors devient intimement liée au «symbolisme». En véhiculant le sacré, la femme devient le symbole des idées des artistes sur leur art, voire le symbole du rapport de l’artiste à son art. Ainsi la thèse étudie la femme dans son rapport aux idées et à l’esthétique propres à chaque artiste, dans son interrelation avec l’art et le sacré et les études détaillées des œuvres dramatiques et picturales visent à montrer la variété et la complexité de ses représentations. En même temps, cette recherche est une étude d’ensemble concernant les relations entre le théâtre et la peinture dans la période fin-de-siècle, abordées non pas de l’extérieur, mais de l’intérieur (c’est-à-dire par les caractéristiques propres des œuvres), dans le cadre de la théorie de l’image ouverte, telle qu’elle a été développée par Georges Didi-Huberman. Finalement, que la forme d’expression artistique soit celle de l’art dramatique ou celle de l’art pictural, la femme n’est dans les œuvres que la manifestation d’une réflexion esthétique qui est aussi une réflexion philosophique, elle est le lieu de rencontre entre le Moi et l’Autre à partir duquel s’origine l’œuvre. / Symbolist art, be it pictorial or theatrical, which developed in the late nineteenth century was filled with sacredness, whatever its form: spiritual, religious or any other (spiritualism, occultism, mysticism). However in all its forms, sacredness is for all symbolists linked to Art. Formal research by symbolists, which is numerous and diverse, all tends to make the invisible visible. However all symbolists formal research saw in the works the emergence of the representation of women, which therefore becomes intimately linked to the "symbolism". By conveying sacredness, woman becomes the symbol of the ideas of the artists on their Art; even the symbol of the relationship of the artist to his Art. Thus this thesis studies woman in its relationship to the ideas and aesthetics of each artist, in its interrelationship with Art and the sacredness. The detailed studies of drama and paintings aim to show the variety and complexity of its representations. At the same time, this research is a global study on the relationship between theatre and painting in the end-of-century period, approached not from outside but from within (i.e. by the characteristics of works), as part of the theory of the open image developed by Georges Didi-Huberman. Finally, whatever the form of artistic expression – drama or painting – woman is only in the works, the manifestation of aesthetic reflection that is also a philosophical reflection, situated at the crossroads between the Ego and the Other, from which the work originates.