Memoria para optar al título de Periodista / Una pareja de desconocidos que expone su fragilidad en la habitación de un motel capitalino, una adaptación de Bolaño y una adolescente bisexual presionada por su formación evangélica. Dos ancianos enfrentados a los primeros signos de la demencia, un padre y una madre que emprenden el último viaje junto a sus hijos antes de un quiebre ineludible, y un tipo desastroso apodado “El Precocito”. Historias hay muchas, autores también. Desde la entrada del nuevo siglo, una nueva generación de jóvenes cineastas renovó la producción del cine chileno con narrativas diferentes y con propuestas que lograron superar, en parte, las restricciones de la industria. Un grupo de talentosos directores que nacieron entre los años 70 y 80, que iniciaron sus estudios recién terminada la dictadura militar y que estrenaron sus primeros trabajos a mediados de los 2000. Los últimos 15 años de la cinematografía local marcan diferencias evidentes con periodos anteriores. El respaldo de la crítica, los premios en los principales certámenes internacionales y el considerable aumento en el promedio de películas por año —que a comienzos de los 90 era solo de tres títulos por lustro y ahora es incluso diez veces mayor— son parte de los logros alcanzados por este nuevo círculo que integran nombres como Pablo Larraín, Matías Bize, Sebastián Silva, Alicia Scherson, Sebastián Lelio, Marialy Rivas, Dominga Sotomayor y Cristian Jiménez, entre otros Pero aunque es reconocido en el mundo por su contenido y se empina hacia su momento histórico más importante, el cine nacional todavía no logra concitar el interés de un público masivo. Durante esta última década son contados los títulos que han superado los 100 mil espectadores, mientras abundan las cintas que se han estrenado con más de 30 copias en grandes cadenas comerciales, 5 con la inversión que ello requiere, y no sobrepasan la primera semana en cartelera con menos de dos mil tickets vendidos. Tanto la nueva como la antigua generación de directores están forzados a superar las dificultades inherentes de la industria al decidir, valientemente, hacer una película. Son múltiples los obstáculos que sortear, sobre todo en la etapa de exhibición, donde se enfrentan a la lucha contra grandes producciones de Hollywood, a la escasa formación de audiencias y a una competencia injusta determinada por los acuerdos internos de los distribuidores. Sin embargo, la evaluación del material fílmico siempre es prodigiosa, y la mejoría en calidad de guiones y de nivel de producción es innegable. Así lo respalda el excelente recorrido internacional que han potenciado estos realizadores con premios y nominaciones en Venecia, Berlín, Toronto, Rotterdam, Cannes, Sundance, en el Goya, en el Oscar y en los Globos de Oro. Pero, más allá de la admiración y los desfiles por alfombras rojas, ¿qué hay detrás de todo ese reconocimiento? Principalmente, historias de vida que determinaron esas aplaudidas creaciones. En las páginas de este documento se presentan retazos de esas aventuras de cuatro destacados directores: Las del excéntrico Sebastián Silva, las de la inocente Dominga Sotomayor, las del introvertido Matías Bize y las de la provocadora Marialy Rivas. Un compilado de fragmentos de aquellas experiencias que poco se han abordado en las noticias de sus estrenos o sus galardones, pero que son el eje fundamental de sus decisiones, de los mundos que han construido y de esos dolores escondidos que inconscientemente se reflejaron en sus películas. ¿Cuáles fueron sus primeros acercamientos al cine? ¿Cuánto los marcó su infancia? ¿Por qué Bize se dedicó a la dirección si su pasión era el teatro? ¿Cómo conoció Marialy a la autora de Joven y alocada? ¿Por qué Silva dejó de hacer cine en Chile? ¿Cuán difícil fue para Dominga revivir la separación de sus padres en su primera película? Para entender su cine, es necesario hablar de ellos; de sus procesos, de sus años de estudio, de sus inscripciones personales, de sus risas y sus sombras. Los cuatro perfiles que se exponen a continuación fueron construidos con entrevistas —realizadas por el autor— que se acumularon por más de cinco años en ejercicios universitarios, en publicaciones virtuales (Revista Con Tinta Negra) y en medios escritos de alcance nacional (El Mercurio). Un material de archivo que, además del aporte a la redacción de estas líneas, fue trascendente en la motivación para mirar el actual panorama del cine chileno a través de sus creadores. Pero, principalmente, la narración de esta memoria se basó en conversaciones inéditas —con los protagonistas y su círculo próximo— que buscaron explorar episodios desconocidos, anécdotas primitivas, inspiraciones cinematográficas y decisiones de estilo. Además, cada relato se nutrió de pasajes de esas películas que los posicionaron en lo alto de las miradas nacionales e internacionales. ¿Por qué fueron ellos los escogidos? Porque son nombres esenciales al hablar de la nueva generación de directores chilenos y porque dan cuenta del pulso de una cinematografía —un tanto contemplativa, hermética e hipersubjetiva— que ha marcado el periodo más exitoso de la producción local. Dos autores que debutaron hace más de una década y que acumulan cinco elogiados trabajos —Bize y Silva—, y dos directoras recientes que comenzaron su carrera con el fuerte empuje de sus primeros estrenos —Rivas y Sotomayor—. En un segundo apartado se indagan las diversas dificultades de la industria en la mirada de otros tres directores. Ellos discuten la falta de presupuesto, la difícil 7 permanencia en cartelera, los guiones restringidos por los pocos recursos y el apoyo estatal destinado siempre a los mismos equipos. Finalmente, como una muestra del interés permanente por el movimiento del séptimo arte en Chile, se presenta una selección de crónicas que comenzaron como publicaciones del ejercicio profesional, pero que fueron reeditadas para esta obra. Con una mirada ampliada, esos contenidos complementan esta revisión general al quehacer cinematográfico.

Inserida no campo dos Estudos Culturais, esta pesquisa observa o contato entre a produção artística do teatro de grupo da cidade de São Paulo e o espectador não especializado aquele que não é profissional ou estudante teatral. Somando observações, depoimentos, entrevistas e estatísticas, é possível constatar que um verdadeiro público teatral, espontâneo e recorrente, é algo escasso. Apesar de ser amplamente oferecido na capital paulista, o teatro ainda não se configura como uma atividade preferida para o tempo livre dos cidadãos. Porém, o contato com o espectador não especializado não é item supérfluo, mas justamente onde o teatro pode encontrar suas condições de sustentabilidade financeira e artística, uma vez que esta é uma atividade que vive precária situação de financiamento e cujo conceito artístico está atrelado ao diálogo com a sociedade. Há, então, um conflito entre necessidade e ausência do espectador que merece ser analisado. Um conflito que a simples leitura de estatísticas não encerra, que é nublado pela visão nostálgica, plateias de especialistas e espectadores pontuais, e que vai além das explicações baseadas apenas na renda e escolaridade do público. O que esta dissertação propõe é um olhar interdisciplinar e crítico sobre o comportamento dos envolvidos nesta situação. Analisando os espectadores, percebe-se uma ânsia por diversão, grandiosidade, prazer e segurança que tem pouca harmonia com a produção artística do teatro de grupo, ainda que o atual valor dado à experiência possa encontrar afinidade nas propostas dos espetáculos. E analisando os artistas teatrais, percebe-se que a busca pelo espectador não especializado nem sempre se efetiva, seja por mecanismos de financiamento à cultura que relegam o espectador a segundo plano, pela fragilidade das ações de divulgação e formação de plateia ou por uma concepção elitista do próprio ofício. Esta dissertação espera colaborar academicamente com os estudos sobre recepção, entretenimento e democratização cultural. Mas espera ainda mais ressaltar a gravidade do problema de um teatro restrito a especialistas, e assim convidar para que outros ampliem este debate e gerem um movimento de maior aproximação entre arte e sociedade / Inserted in the field of Cultural Studies, this research observes the contact between the artistic production of the group theater in the city of São Paulo and the non-specialized spectator one who is not a professional or a theatrical student. Adding observations, testimonials, interviews and statistics, it is possible to observe that a true theatrical audience, spontaneous and recurrent, is something scarce. Despite being widely offered in the city of São Paulo, the theater is not yet a favorite activity for citizens\' free time. However, contact with the non-specialized spectator is not a superfluous item, but precisely where the theater can find its conditions of financial and artistic sustainability, since this is an activity that is experiencing precarious financing situation and whose artistic concept is linked to the dialogue with society. There is a conflict between need and absence of the spectator that deserves to be analyzed. A conflict that a simple reading of statistics does not solve, which is clouded by the nostalgic vision, expert audiences and momentary spectators, and that goes beyond the explanations based only on the income and education of the public. What this dissertation proposes is an interdisciplinary and critical look at the behavior of those involved in this situation. Analyzing the spectators, it is perceived an eagerness for amusement, grandiosity, pleasure and security that has little harmony with the artistic production of the group theater, although the current importance given to the experience can have affinity with the proposals of the plays. And analyzing theatrical artists, it is perceived that the search for the non-specialized spectator does not always take effect, either by mechanisms of cultural funding that relegate the viewer to the background, by the fragility of actions of publicity and audience generation or by an elitist conception of their occupation. This dissertation hopes to collaborate academically with the studies on reception, entertainment and cultural democratization. But it hopes even more to emphasize the seriousness of the problem of a theater restricted to specialists, and thus invite others to broaden this debate and generate a movement to bring art and society closer together

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_10873_Dissertação de Eduardo Costa.pdf: 1303884 bytes, checksum: 0ce853cf54a876ca44f5015be39752d9 (MD5) Previous issue date: 2017-04-06 / Os filmes de Miike, em seu caráter non sense e ultra-violento, parecem não dizer muito em termos de representação, mas tragam o espectador para a experiência da imagem enquanto superfície, com a mesma violência e brutalidade que percebemos em suas cenas mais emblemáticas. Este trabalho investiga, as partir de um conjunto de teorias de raiz deleuziana que buscam colocar o lugar dos afetos e da sensorialidade no discurso do cinema, especialmente no filme Visitante Q (2001), a possibilidade de um olhar tátil, auto-reflexivo e político, capaz de submeter o seu discurso à própria superfície da imagem, desterritorializando-o. Imagem do vídeo, da textura e do grão. Imagem do toque, imagens que transpiram imediatismo. Palavras-chave: Cinema; vídeo; corpo; espectador; cinema japonês; Takashi Miike.

Submitted by Tais Ferreira (taisferreirateatro@gmail.com) on 2017-04-25T23:17:29Z No. of bitstreams: 1 TESE TAIS FERREIRA 2017 UFBA UNIBO.pdf: 13879218 bytes, checksum: 48286fd761ef8d324044e532f1891389 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2017-04-26T12:12:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE TAIS FERREIRA 2017 UFBA UNIBO.pdf: 13879218 bytes, checksum: 48286fd761ef8d324044e532f1891389 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-26T12:12:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE TAIS FERREIRA 2017 UFBA UNIBO.pdf: 13879218 bytes, checksum: 48286fd761ef8d324044e532f1891389 (MD5) / CNPq / A tese é uma pesquisa empírica de recepção cênica desenvolvida com 95 depoentes voluntários professores de teatro e dança brasileiros. O objetivo é a análise dos processos de constituição de suas identidades de espectador e os possíveis atravessamentos dessas em suas práticas docentes. A investigação é primordialmente de cunho qualitativo, valendo-se também de dados quantitativos. Os percursos metodológicos empreendidos e as filiações teóricas da tese são justificados através de uma problematização dos estudos de recepção das artes do espetáculo, em uma revisão crítica da teoria da área nas últimas quatro décadas. A construção dos dados empíricos aconteceu através de um questionário escrito composto de 67 questões objetivas e descritivas. O teatro comparado serve como indutor para as análises. Outras fontes foram agregadas ao escopo analítico inicial a fim de compor os macro e micro contextos da pesquisa, tais como documentos oficiais contendo informações sobre os sistemas educacionais do Brasil e da Itália, países onde foi desenvolvido o trabalho. Relatórios de frequentação, hábitos e práticas culturais produzidos por órgãos oficiais de pesquisas no Brasil, na América Latina e na Comunidade Europeia são comparados entre si e com os dados dos depoentes. As análises qualitativas subsequentes abordam as noções de corpo, linguagem e cultura como mediações dos processos de recepção. Discute-se a constituição deste grupo de professores como espectadores, a partir das narrativas escritas relacionadas às memórias de recepção e fruição, aos repertórios adquiridos e às aprendizagens ao longo de suas histórias de vida. É observada a presença de pedagogias do espectador na educação recebida pelos depoentes, bem como nas práticas pedagógicas em teatro e dança que conduzem. Por conseguinte, a análise sugere que os professores se constituem como espectadores através de suas experiências, localizadas em contextos determinados e atravessadas por diferentes instâncias socioculturais. Suas identidades de espectador se imbricam, por sua vez, a suas identidades docentes. O termo identidade de espectador é resultado da intersecção teórica entre os estudos culturais, a educação e as artes performativas. Assim, no trânsito entre professores que aprendem a ser espectador e que ensinam a ser espectador, localizam-se as ponderações finais. Conclui-se a tese com propostas para a formação docente em teatro e dança que instiguem a construção de futuras pedagogias do espectador nos processos de ensino e aprendizagem das artes da cena no Brasil.

155f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-03-25T16:41:38Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao%20ComSeg%202006.pdf: 1640993 bytes, checksum: 10f2a83aaf1f84551e9aa766ea9f64f5 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães(ednaide@ufba.br) on 2013-04-05T14:50:49Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertacao%20ComSeg%202006.pdf: 1640993 bytes, checksum: 10f2a83aaf1f84551e9aa766ea9f64f5 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-05T14:50:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao%20ComSeg%202006.pdf: 1640993 bytes, checksum: 10f2a83aaf1f84551e9aa766ea9f64f5 (MD5) Previous issue date: 2006 / No curso ziguezague do processo histórico do teatro, vê-se, nos primeiros anos do século XXI, as atenções voltarem-se novamente para o texto como matriz primária da montagem teatral. Quando se parte de um texto préformulado, independentemente da estética e da estilística que se imprime na montagem, a leitura dramática pode ser utilizada de maneira sistemática como instrumento capaz de sustentar parte da montagem de teatro, oferecendo uma base segura para o preparo de futuros encenadores. Como fundamento teórico, foram usados elementos da Teoria da Recepção, a partir de Hans Robert Jauss, uma vez que todo o esforço criativo da montagem é empregado para a apresentação diante da platéia. Os textos de Patrice Pavis, principalmente na sua Teoria do Ator, fornecem uma segunda parte das referências que já influenciaram uma série de encenadores contemporâneos, que concebem seu trabalho no palco com o olhar agudo na relação estreita com o espectador. Na ótica do presente estudo, o trabalho do ator na leitura dramática e na sua prática no palco não é colocado como algo que acontece isoladamente, mas como uma tarefa que se espelha e só se completa na percepção da platéia. / Salvador

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_4881_Dissertação Almeida Junior - A afirmação de uma subjetividad.pdf: 7058717 bytes, checksum: 0f55f8b476cd42b5052483adbfd02096 (MD5) Previous issue date: 2011-06-17 / Esta dissertação de mestrado versa sobre o pintor Almeida Junior (1850 - 1899), conhecido principalmente por suas telas de temática regionalista. O principal objetivo do trabalho consiste em desenvolver um estudo teórico buscando a identificação de questões subjetivas na obra do pintor e a partir daí rever o processo de instauração de uma discussão pictórica, bem como o desdobramento desta no envolvimento com o espectador. Interessa-nos, deste modo, a compreensão de elementos da pintura de Almeida Junior os quais, em sua maioria focaliza sua filiação ao academicismo, mas que sempre buscam localizar o que parece inovador no artista, e que contribuam para a elaboração de diferentes discursos sobre sua obra. Por meio de revisões bibliográficas e suportes teóricos distintos que, possibilitaram o entendimento do alargamento da obra, tornou-se possível perceber a criação de um espaço, onde se instala a figura do espectador, bem como a utilização de recursos pictóricos que resultaram na quebra da planaridade. Diante do exposto, pretende-se demonstrar que a obra de Almeida Junior se constitui a partir de características tradicionalmente acadêmicas pontuadas por particularidades, onde se percebe que a representação de uma ação humana significativa, proporciona um campo de discussão sobre a própria pintura, e que esta é formada por efeitos pictóricos que não se encontrava entre seus contemporâneos no Brasil. Palavras-chave: Almeida Junior. Pintura do século XIX. Espectador. Subjetividade.

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_4912_Melina Almada Sarnaglia_Proposições e Imposições_Disseração Final.pdf: 2355686 bytes, checksum: 643dd0dfb6279aaa92b01f079a9e4e24 (MD5) Previous issue date: 2011-06-15 / O presente estudo tem como objeto de investigação as estratégias de ação para as práticas colaborativas na arte contemporânea. Utilizamos como fio condutor para tal discussão as obras Parangolé e Éden de Hélio Oiticica, além de sua experiência no Morro da Mangueira, favela carioca, ainda na década 1960. Reflexões a partir da série Pessoas pagas para do artista espanhol Santiago Sierra e, o projeto Mejor Vida Corp. de Minerva Cuevas. Estabelecemos como ponto de reflexão as teorias que tratam da diluição do estatuto do autor, os textos do próprio Oiticica e as teorias que lidam com o campo da estética relacional. Analisamos de que maneira e em que momento a participação do espectador na obra se torna importante e quais estratégias são empregadas, a partir da colaboração, para que ela aconteça. Palavras-chave: Colaboração. Espectador. Hélio Oiticica. Santiago Sierra. Minerva Cuevas

El presente trabajo se centra en el concepto de espectador en Arendt entendido como narrador de la historia acaecida. La hipótesis de la presente investigación sostiene que la acción política se comprende en la conflictividad propia del mundo compartido o en común que encarna el narrador de la historia (story); esto es, el sujeto de la acción política y crítica. Para sostener este principio es preciso comprender dos cuestiones. La primera es que en Arendt hay un sujeto que funda un espacio sensible y visible y significa el sentido de la experiencia a través de la narración o relato. En segundo lugar, la experiencia narrada se visibiliza mediante la capacidad más política de todas: la de los juicios reflexivos kantianos entendidos como políticos arendtianos. Así, fundar el espacio de lo sensible como portador legítimo del significado de la acción política no instituye conceptos sedimentados tales como qué es actuar bien o mal o cómo hay que actuar bajo determinado régimen político. Más bien, son las indeterminaciones conceptuales propias del espacio político entendido como conflictividad a partir de los juicios, las que testimonian y definen un quién narrador o un espectador crítico de la acción. Esta última cuestión es la que se aproxima a un pensar político en Arendt dirigido a un planteo estrictamente filosófico y fenomenológico de la acción política.

Made available in DSpace on 2018-09-11T12:30:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_12549_DISSERTACAO MARCIA para defesa.pdf: 4218923 bytes, checksum: ae6b889ff60ed840aa91e81a6c4438ff (MD5) Previous issue date: 2018-09-05 / Na década de 1960, Hélio Oiticica, entre outros artistas, teoriza e propõe práticas artísticas voltadas à participação do espectador no processo criador de suas proposições experimentais. Os escritos do artista a partir deste período mostram que havia intencionalidade política no seu programa ambiental de expansão da arte para o cotidiano, por meio de proposições cada vez mais abertas à participação total do espectador, focadas no comportamento humano, no descondicionamento, e na oposição ao conformismo artístico, social, político, ético. Na busca constante de Oiticica pela intensificação da participação do espectador e pela liberdade em sentido pleno, é possível perceber que o artista desenvolve estratégias que podem ser relevantes ao questionamento de estruturas de controle ideológico, alienação e opressão na arte e na vida, e ao fomento de reflexões favoráveis ao engajamento e a emancipação de artistas e participadores, que assim como Oiticica, desejam a participação ativa da arte nas questões do seu tempo-espaço. Sendo assim, esta pesquisa identifica e discute estratégias participativas em arte contemporânea, extraídas da análise de textos referenciais e proposições trazidas pelo artista-propositor Hélio Oiticica na década de 1960, e de estudos desenvolvidos pelo ensaísta, crítico de arte e curador Nicolas Bourriaud na década de 1990, no campo da Estética Relacional, necessários ao aprofundamento e maior compreensão de proposições relacionais, processuais e comportamentais. Palavras-chave: Hélio Oiticica. Participação do Espectador. Arte-Contemporânea. Estética Relacional. (Dissertação provisória).

Made available in DSpace on 2018-09-11T12:30:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_12549_DISSERTACAO MARCIA para defesa.pdf: 4218923 bytes, checksum: ae6b889ff60ed840aa91e81a6c4438ff (MD5) Previous issue date: 2018-09-05 / Na década de 1960, Hélio Oiticica, entre outros artistas, teoriza e propõe práticas artísticas voltadas à participação do espectador no processo criador de suas proposições experimentais. Os escritos do artista a partir deste período mostram que havia intencionalidade política no seu programa ambiental de expansão da arte para o cotidiano, por meio de proposições cada vez mais abertas à participação total do espectador, focadas no comportamento humano, no descondicionamento, e na oposição ao conformismo artístico, social, político, ético. Na busca constante de Oiticica pela intensificação da participação do espectador e pela liberdade em sentido pleno, é possível perceber que o artista desenvolve estratégias que podem ser relevantes ao questionamento de estruturas de controle ideológico, alienação e opressão na arte e na vida, e ao fomento de reflexões favoráveis ao engajamento e a emancipação de artistas e participadores, que assim como Oiticica, desejam a participação ativa da arte nas questões do seu tempo-espaço. Sendo assim, esta pesquisa identifica e discute estratégias participativas em arte contemporânea, extraídas da análise de textos referenciais e proposições trazidas pelo artista-propositor Hélio Oiticica na década de 1960, e de estudos desenvolvidos pelo ensaísta, crítico de arte e curador Nicolas Bourriaud na década de 1990, no campo da Estética Relacional, necessários ao aprofundamento e maior compreensão de proposições relacionais, processuais e comportamentais. Palavras-chave: Hélio Oiticica. Participação do Espectador. Arte-Contemporânea. Estética Relacional. (Dissertação provisória).